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Los 40 Principales
 

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    Los 40 Principales Los 40 Principales Presentation Transcript

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    • Duccio di Buoninsegna (1255 - 1319) Pintor italiano, precursor del estilo renacentista, que llevó a la cumbre el arte medieval italiano de tradición bizantina. Nació en Siena y fue el fundador de la escuela pictórica de esta ciudad. Sus trabajos, de carácter religioso, se caracterizan por la sensibilidad del dibujo, la habilidad de la composición, la calidad decorativa similar a los mosaicos y una intensidad emocional mayor que la del modelo bizantino que seguía. Su obra más famosa, y la única firmada, es la Maestà (1308-1311), un gran retablo pintado por ambas caras; en la actualidad la mayor parte de esta obra se encuentra en el museo de la Catedral de Siena. La parte frontal muestra a la Virgen entronizada y rodeada de un gran número de ángeles, santos y apóstoles, levemente naturalistas. El reverso del retablo contiene 26 escenas del magisterio y la pasión de Cristo. En algunas ya puede verse un tratamiento nuevo, más realista de la perspectiva. Otra pieza fundamental de Duccio di Buoninsegna es la Madonna Rucellai . Se trata de un retablo que muestra a la Virgen sentada en el trono con el Niño Jesús, con un fondo de oro de tradición bizantina y flanqueada por ángeles de rodillas. Esta obra la pintó para la iglesia de Santa María Novella de Florencia y en la actualidad se encuentra en la Galería de los Uffizi . Y por último su obra la adoración de los magos (1311). La Maestá (1308 y 1311)
    • Obras Adoración de los Magos, el detalle del rey que se quita la corona y besa los pies del Niño aparece ya en la representación de Nicola Pisano en el púlpito de la Catedral de Siena, lo veremos también en las representaciones de Giotto. El origen oriental de los reyes aparece representada en los dos camellos cuyas cabezas aparecen al fondo a la izquierda, mientras que en primer plano se ven caballos. La adoración de los magos (1311) La Madonna Rucellai es muy similar a la Madonna de Cimabue. Sin embargo, Duccio da a su obra un tono espiritual totalmente diferente, en el que ya no volveremos a encontrar el mismo afán arquitectónico en la composición. La Madonna parece lejana, como en las imágenes bizantinas, y los ángeles que la rodean ya no forman un elemento de gracia, al igual que el trono, casi metamorfoseado en damascos. Aquí hay un sentido de la "belleza", es decir de una forma armoniosa y expresiva, específica del arte gótico, y que caracteriza el arte de Duccio . La madonna Rucellai (1285)
    • Botticelli (Alessandro Filipepi)  (1445 - 1510)
      • Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, mejor conocido como Sandro Botticelli (1445 - 1510). Uno de los pintores más destacados del renacimiento florentino. Nació en Florencia, hijo de un curtidor. Fue discípulo de Fra Filippo Lippi. Trabajó con el pintor y grabador Antonio del Pollaiuolo, del que aprendió el dominio de la línea, y también recibió gran influencia de Andrea del Verrocchio. Dedicó casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas, especialmente los Medici, para los que pintó retratos, entre los que destaca su Retrato de Giuliano de Medici (1475-1476).
      • Como integrante del brillante círculo intelectual y artístico de la corte de Lorenzo de Medici, Botticelli recibió la influencia del neoplatonismo cristiano de ese círculo, que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas. Esa síntesis se expresa en La primavera (c. 1478) y en El nacimiento de Venus (posteriores a 1482), dos obras realizadas para una de las villas de la familia Medici,
      • Botticelli también pintó temas religiosos, principalmente tablas de Vírgenes, como La Virgen escribiendo el Magnificat (década de 1480), La Virgen de la granada (década de 1480) y La coronación de la Virgen (1490), todas ellas en los Uffizi, y Virgen con el niño y dos santos (1485, Staatliche Museen, Berlín). Entre sus otras obras de tema religioso destacan San Sebastián (1473-1474) y un fresco sobre San Agustín (1480). En 1481 Botticelli fue uno de los artistas llamados a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos Las pruebas de Moisés, El castigo de los rebeldes y La tentación de Cristo. En la década de 1490, cuando los Medici fueron expulsados de Florencia y el monje dominico Girolamo Savonarola predicaba la austeridad y la reforma, Botticelli sufrió una crisis religiosa, aunque no abandonó la ciudad, donde moriría el 17 de mayo de 1510. Sus obras posteriores, como la Pietà y sobre todo la Natividad mística y la Crucifixión mística expresan una intensa devoción religiosa y un retroceso en el desarrollo de su estilo.
    • Obras El retorno de Judith 1472 El nacimiento de Venus (1486) Alegoría de la primavera (1478) Es una obra impregnada de cultura humanística y neoplatónica de la corte de Lorenzo el Magnífico. Tiene un tono de narración situada fuera del tiempo real. Se presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano. Rompe con la pintura religiosa cristiana al ilustrar un rito pagano de primavera Según cuenta la leyenda Venus, diosa del amor, nació de los genitales del dios Urano cortados por su hijo Crono y luego arrojados al mar. El título de la obra no es, por lo tanto, exacto, ya que el cuadro no representa el momento del nacimiento de la diosa, sino que muestra la llegada de Venus, sobre una concha, a la playa de una de las islas que tradicionalmente se le dedican, como Chipre, Pafos o Citerea. La diosa es empujada por el soplo de los dioses alados, entre una lluvia de flores. Describe la vuelta de Judit a Betulia llevando consigo la cabeza cortada de Holofernes, que es sostenida por una criada. Las dos figuras femeninas se mueven con gracia un poco etérea en una difusa luz matinal. Judit lleva en una mano la espada y con la otra sostiene una rama de olivo símbolo de la paz. El único movimiento proviene de los vestidos y los paños, conferido por la línea del contorno. Esta línea ayuda a la fusión de las figuras y el paisaje, que es su rasgo estilístico más destacado y proviene de Antonio del Pollaiolo.
    • Albrecht Durer  (1471 - 1528)
      • Durero nació el 21 de mayo de 1471 en Núremberg. Su padre, Alberto Durero el Viejo. Después de estudiar con su padre, Durero entró como aprendiz del pintor y grabador Michael Wolgemut. Entre 1488 y 1493, se dedicó a la considerable tarea de realizar numerosas xilografías para ilustrar la Crónica de Núremberg (1493) de Hartmann Schedel.
      • En Basilea y después en Estrasburgo, Durero realizó ilustraciones para varias publicaciones, entre las que se encuentra “ Das Narrenschiff” de Sebastián Brant en 1494. Durante esta primera etapa de su vida, comprendida entre su aprendizaje y su regreso a Núremberg en 1494, su arte refleja una enorme facilidad en el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle.
      • Después de casarse con Agnes Frey en Nuremberg en 1494, Durero viajó a Italia. Durante los diez años siguientes en Núremberg, produjo un gran número de obras que le ayudaron a asentar su fama. Entre ellas destaca la serie de ilustraciones para grabar en madera de “ El Apocalipsis” (1498), los grabados de “ La gran fortuna” (1501-1502) y “ La caída del hombre” (1504). Éstas y otras obras de este periodo muestran, en su conjunto, una maestría técnica cada vez mayor en el arte de la xilografía y el grabado, un manejo de las proporciones humanas basado en los textos del tratadista romano Vitrubio y una brillante capacidad para incorporar detalles de la naturaleza en obras que reflejan el entorno con gran realismo. En 1497 pintó su “ Autorretrato” y en 1500 el de “la Pinacoteca de Munich ”, en el que se representa con las características que habitualmente se atribuyen a Cristo. La Fundación de Comerciantes Alemanes le encargó una obra importante: el retablo de La fiesta del Rosario
      • Regresa a Núremberg donde comenzó un segundo periodo de producción artística con obras como el retablo para la iglesia de los dominicos de Fráncfort del Meno , “ la tabla de la Adoración de la Trinidad” , “ Adán y Eva” , retratos, y numerosos grabados, entre los que se encuentran dos ediciones de la Pasión, los grabados en madera para el Arco del triunfo encargo del emperador del Sacro Imperio Romano Maximiliano I, y una serie de grabados como “ El caballero, la Muerte y el Diablo” (1513), “ San Jerónimo “(1514) y “La melancolía” (1514). Núremberg, permaneció hasta su muerte, el 6 de abril de 1528. Sus últimas obras son dos grandes tablas en las que están representados Los cuatro apóstoles , que ofreció como regalo a la ciudad de Nuremberg.
    • Obras El caballero, equipado y montado sobre un caballo, es la figura central. Ha de prestarse atención a la anatomía del cuerpo del caballo,. Está acompañado por un perro que se asocia a la lealtad y la fe y es un motivo usado a menudo por Durero. En la parte inferior derecha un lagarto huye en dirección opuesta. Otros dos acompañantes del caballero, son la Muerte y el Diablo. La muerte está representada con forma barbuda, sobre un caballo viejo, inestable, con un reloj de arena como símbolo de lo transitorio, y pelo serpenteante. El diablo se sitúa en la parte posterior del caballero, siendo una creación imaginativa. El caballero, la muerte y el diablo (1513) Autorretrato (1498) Adán y Eva (1507) Se representan en dos tablas independientes. En la de Adán se presenta la figura sobre un fondo oscuro, para que toda la atención se centre en la figura masculina ,pintado de cuerpo entero, sobre un terreno irregular. Ladeado, sujeta una rama del manzano en el que se encuentra enrollada la serpiente, sus genitales quedan cubiertos. Su rostro es joven, de facciones proporcionadas, mostrando una expresión de sorpresa. Sus rizos rubios ondean al viento. Eva permanece al lado del árbol, viéndose la serpiente enrollada. Representada de cuerpo entero, de frente. No ladeada, adelantando la pierna derecha. Su sexo, está tapado; en el caso de Eva, con las hojas de una rama. El rostro de Eva es claro, y desprende inocencia. Se representa como un gentilhombre de la nobleza, vigoroso y joven, altivo, un poco orgulloso. Está vestido elegantemente, muy escotado, con el cabello y la barba muy cuidados. De esta forma se expresa la idea de Durero de enaltecerse. Durero pinta su ropa fina y detallada, pero su rostro no está idealizado. Su cabello parece dorado y brilla. La ventana al fondo es un elemento de moda en Venecia. Al fondo, se muestra una inscripción que dice: "1498. Lo pinté a mi propia imagen. Tengo 26 años. Debajo de esto se muestra su firma , una A y una D debajo de esta.
    • Leonardo da Vinci “ Leonardo di ser Piero da Vinci” (1452-1519)
      • Leonardo da Vinci fue un pintor florentino y polímata (a la vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor) nacido en Vinci el 15 de abril de 1452 y fallecido en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años de edad, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.
      • Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás haya vivido.
      • Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, “ La Gioconda” y “ La Última Cena” , “ La dama del armiño”, “La virgen de las rocas” copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del “ Hombre de Vitruvio” , que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica. Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel.
      • Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil.
    • Obras La Ultima Cena (1497) Hombre de Vitruvio (1490) Es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1492 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en un círculo y un cuadrado. Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre. La Última Cena es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1497se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente, en el refectorio del convento dominico de Santa María de las Gracias en Milán (Italia). La pintura fue elaborada, para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm.de alto por 880 cm. de ancho. Para muchos expertos e historiadores del arte, La Última Cena de Leonardo es considerada como la mejor obra pictórica del mundo.
    • La Gioconda Mona Lisa “La Gioconda” (1506) La dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico del esfumado, y destacarse el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen. Aparece sentada en una galería , viéndose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las columnillas. La galería se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes, cuando hizo su viaje a Milán. El paisaje posee una atmósfera húmeda y acuosa que parece rodear a la modelo. Se ha intentado localizar el aparente recodo del Arno o una porción del Lago de Como, sin haber llegado a conclusiones definitivas. Muchas veces se ha tratado de compaginar uno y otro lado del paisaje tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados no permite que se diseñe un modelo continuado de la imagen. Debe tenerse en cuenta que el lado izquierdo parece estar más alto que el derecho, entrando en contraste con la física, puesto que el agua no puede encontrarse estática a desnivel en el terreno. Por otro lado, en medio del paisaje aparece un puente, que podría estar señalando la importancia de la ingeniería y la arquitectura.   La modelo carece de cejas y pestañas. Según expertos, Leonardo nunca le pintó cejas ni pestañas para dejar su expresión más ambigua o porque, realmente, nunca llegó a terminar la obra. El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa considerada enigmática.
    • Andrea Mantegna  (1431 - 1506)
      • Nació en Vicenza, Italia. Comienza a trabajar en el taller de pintura de Francesco Squarcione en Padua. A los 17 años se independiza, cansado de que su talento artístico sea apropiado por su mantenedor. En aquellos momentos Padua hierve como un lugar especialmente propicio para el arte de Mantegna. Él frecuenta los anticuarios de la ciudad, presta especial atención a la pintura y el arte de la antigua Roma y va perfilando su propio estilo. Sus primeros trabajos importantes los realiza en la capilla de San Jacopo y San Cristoforo de Ovetari, junto con Ansuino da Forli, perdidos en su mayor parte tras los bombardeos sobre la ciudad en la II Guerra Mundial. En 1453 se casa con Nicolosia Bellini, En 1459, Ludovico Gonzaga convence al autor para que se traslade a Mantua. A partir de este momento trabajará toda su vida para la familia Gonzaga, bajo el mecenazgo directo de Isabel de Este, marquesa de Mantua y esposa de Francisco II Gonzaga. Realiza el trabajo más importante: la decoración mural de “ La Cámara de los esposos” en el Palacio Ducal de los Gonzaga donde retrata a toda la familia llevando la perspectiva a nuevas fronteras nunca antes vistas.
      • Antes de los 30 años realiza “ el San Sebastián” en Viena, explotando su fama por toda Italia. Tras una estancia en Roma regresa a Mantua para comenzar (entre 1489 y 1490) la serie de lienzos de “ El Triunfo de César” y “ Parnaso” . Posteriormente, con “ El Cristo yacente” considerada su obra maestra , Mantegna dará la pauta de la pintura del los años siguientes. La figura humana clásica será una de sus obsesiones, y reflejará en sus obras cuerpos de perfectas proporciones, sólidos y de gran expresividad. Siendo Donatello su gran influencia en este periodo. Por ultimo destacar su obra el transito de la virgen que actualmente forma parte del museo del prado de Madrid.
    • Obras La figura de Cristo yaciente causa un gran impacto visual porque ha sido representada en un impresionante escorzo y con un tratamiento de la perspectiva que permite que pueda ser contemplada desde diferentes puntos, alterando la rigidez estática mono focal. Con el movimiento del espectador, la perspectiva cambia y la realidad aparece renovada. Cristo yaciente (1500) El Tránsito de la Virgen (1461) Se trata de una tabla de un tema religioso, la muerte de la Virgen María. Aquí aparecen los apóstoles, formando un grupo majestuoso de severos ropajes, todos alrededor de la cama en la que yace la Virgen María. Los símbolos que llevan en las manos (cirios, palmas, libro de difuntos, incensario) les sirven para rendir homenaje a la Virgen. El gesto de todos ellos es acongojado. No hay doce apóstoles sino once. Se cree que el apóstol que falta sería Tomás, que se encontraría evangelizando tierras lejanas al tiempo del tránsito de la Virgen. La escena está representada conforme a los Evangelios Apócrifos. Las figuras se enmarcan en una arquitectura renacentista. Al fondo, se ve un paisaje con un lago, representando los lagos que había en la zona de Mantua. El estilo es veneciano. Está pintado en colores fríos, como es habitual en Mantegna. San Sebastián (1480) El cuadro ilustra el tema del Atleta de Dios, inspirado por un sermón espurio de san Agustín. El santo, de nuevo atado a un arco clásico, es observado desde una perspectiva baja, inusual, usada por el artista para reforzar la impresión de solidez y dominio de su figura. La cabeza y los ojos vueltos hacia el cielo confirman la firmeza de San Sebastián al sobrellevar su martirio. A sus pies se muestran dos personas malvadas (representadas por un dúo de arqueros): se pretende que creen un contraste entre el hombre de fe trascendente, y aquellos quienes sólo son atraídos por goces profanos. El cuadro se caracteriza por la precisión de Mantegna en las representaciones de las ruinas antiguas, así como el detalle en particulares realistas como la higuera cerca de la columna y la descripción del cuerpo de Sebastián.  
    • Miguel Angel (Michelangelo Buonarroti)  (1475 - 1564)
      • Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos. Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. [] La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición y ya en sus últimos años proyectos arquitectónicos El carácter profundamente religioso de Miguel Ángel, y su genial cabeza le llevaron a ser considerado como un mito lo que le acarreó, algunas críticas ya que su dominio de las técnicas clásicas llevaron a que, jugara con ellas y las sobrepasara. Su modo de ser impulsivo le llevó a dedicarse en su juventud a manifestaciones artísticas principalmente escultóricas en donde el artista tiene una mayor cercanía con su obra, la lleva a cabo él mismo, cosa que se pierde con la arquitectura que por encargo papal acepta en muchas ocasiones principalmente en el segundo tramo de su vida. Sus obras se dividen en escultóricas, pictóricas, arquitectónicas dibujos y poesía. En 1496 cuando decide su marcha a Roma, iniciando una década generadora de arte, sin haber alcanzado apenas los treinta años, se consagra como un artista puntero. De su obra pictórica destacamos “ la creación de Adán” , una de las mas espectaculares de la bóveda de la capilla Sixtina, aunque también destacan “ la sagrada familia” , “ el santo entierro” y “ la crucifixión” entre otras. Pero otra obra importante a destacar es “ el juicio final” en la que accedió a pintar por encargo en la pared del altar el juicio final en la capilla Sixtina. El tema se basa en el Apocalipsis de san Juan el cual fue objeto de multitud de alabanzas y de críticas. Y por su puesto destacar el “ fresco techo de la capilla Sixtina” . Aunque triunfo en muchísimas artes fue en la obra pictórica y escultórica donde consiguió sus mayores logros.
    • Obras Creación de Adán (1510) Juicio Final (1541)   Dios es representado como un hombre anciano y con barba envuelto en una alborotada túnica púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina, interpretada como Eva, quien no ha sido creada aún, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a cuatro años en ser completada. El tema se basa en el Apocalipsis de san Juan. La parte central está ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a su lado tiene a su madre María. A su alrededor están los santos, entre los que se encuentra san Bartolomé; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas, anunciadores del Juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda los condenados que bajan a las tinieblas, algunos se encuentran encima de la barca de Caronte presente en La Divina Comedia de Dante. En los semicírculos de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la Pasión de Cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado.
    • Frescos Techo de la Capilla Sixtina Casi cada fresco está relacionado con el que está enfrente. Debían representar la vida de Moisés (Antiguo Testamento) de una parte, y la vida de Cristo (Nuevo Testamento), de la otra. La Circuncisión : un ángel detiene con su espada a Moisés, por haber omitido la circuncisión de sus hijos. Zippora celebra la ceremonia. El Bautismo de Cristo : el Omnipotente está arriba, entre querubines y ángeles; debajo hay una paloma, símbolo del Espíritu Santo, posada sobre la cabeza de Cristo. En los extremos; Juan el Bautista predicando (izquierda) y el Redentor (derecha). En el valle se observan monumentos romanos. Historia de Moisés : este fresco representa varios episodios de su vida juvenil. En el centro, se lo ve sacando agua para las hijas de Jethro, después de haber ahuyentado a los pastores y dado muerte al egipcio; a la izquierda guía a los israelitas en el desierto. La Tentación de Cristo : sobre un edificio, Satanás tienta a Jesús, diciéndole: « Si tú eres hijo de Dios, arrójate »; a la izquierda le pide que transforme las piedras en pan; a la derecha vuelve a tentarlo ofreciéndole toda la magnificencia del mundo. El Paso del Mar Rojo : este fresco fue para glorificar la gran victoria conseguida por las tropas papales sobre los napolitanos en Campomarte. La Llamada de los Apóstoles : Cristo llama a Pedro y a Andrés al apostolado. Aunque sus colores son flojos, el trabajo muestra la grandeza de método y de ejecución. Dios entregando las tablas de la Ley a Moisés que las presenta al pueblo, pero las rompe cuando ve que éste danza en adoración en derredor del becerro de oro. En el Sermón de la montaña hay dos escenas: el sermón y la curación del leproso. Cristo entregando las llaves a San Pedro : al fondo se ven dos arcos de triunfo y en el centro un edificio octogonal. La Cena : es el último fresco lateral, pintado por Cósimo Rosselli.  
    • Rafael (Raffaello Sanzio)  (1483 - 1520)
      • Raffaello Sanzio, también conocido como Rafael de Urbino o simplemente Rafael [] (Urbino, actual Italia, 6 de abril de 1483 – Roma, 6 de abril de 1520 ), fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento Crecer en el seno de esta corte de Urbino le dio a Rafael la oportunidad de aprender las maneras pulidas y las habilidades sociales tan alabadas en él por Vasari A los 25 años pintó algunos frescos como “ La escuela de Atenas” , considerado una de sus obras cumbres. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años La mayor parte de sus trabajos están alojados en los museos vaticanos. Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte. Pocos pintores del Renacimiento italiano han sabido interpretar el ideal de belleza y el amor hacia el clasicismo que supone el Humanismo como lo hace Rafael Sanzio, el más joven de los tres grandes creadores del Cinquecento y también el más ecléctico Junto con Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período. A la influencia de los dos grandes hay que sumarle la de Fra Bartolomeo resultando obras de inigualable grandiosidad como “ la Madonna del Granduca” o “ la Bella Jardinera”. También destacamos obras como “ la ninfa Galatea” donde se interpreta como la ninfa huye del gigante Polifemo. Por ultimo citar dos obras más de relevancia como “ mujer con unicornio” y “ sueño del caballero”. En su pintura permite integrar las influencias de los mejores maestros de su tiempo, resultando un estilo personal que ha marcado a numerosas generaciones de artistas
    • Obras La Ninfa Galatea (1514) Sueño del Caballero 1504 Galatea ha sido representada por Sanzio siguiendo a Poliziano escapando, montada en una concha tirada por delfines, de las flechas que lanzan los amorcillos. La nereida está rodeada de ninfas y tritones que no pueden escapar de los dardos del amor y se contagian de la sensualidad que envuelve al conjunto. Ella dirige su mirada hacia el amorcillo que esconde sus flechas, simbolizando el amor platónico y la caridad cristiana. La composición está presidida por el dinamismo del momento, creando Rafael un espectacular movimiento hacia el exterior del que se contagian todos los personajes, en variados escorzos. La propia Galatea se retuerce en un movimiento helicoidal reforzado por los cabellos y el manto al viento En la composición ya se respira el aire fresco y poético que caracteriza al joven artista durante su estancia en Florencia, acercándose a la escultura clásica y contemporánea - como podemos manifestar en las dos figuras femeninas - y a la pintura de Leonardo con el característico contraste de claroscuro. El brillante colorido, la limpieza del aire que envuelve a los personajes y la profundidad otorgada por el paisaje indican aun la formación umbral del artista, añadiendo dinamismo y seguridad a sus composiciones para adentrarse en el más puro estilo del Cinquecento. El dibujo firme y seguro de Rafael es una de sus notas identificativas, organizando la composición a través de un entramado de líneas sinuosas que contrastan con la rigidez horizontal del árbol central.
    • La Escuela de Atenas (1510) Las figuras se sitúan en un graderío, formando diversos grupos presididos por los dos grandes filósofos clásicos: Platón, levantando el dedo y sosteniendo el "Timeo", y Aristóteles, tendiendo su brazo hacia adelante con la palma de la mano vuelta hacia el suelo con su "Ética" sujeta en el otro brazo, representando las dos doctrinas filosóficas más importantes del mundo griego: el idealismo y el realismo. Ambos personajes dialogan y avanzan ante un grupo de figuras que forman un pasillo. A la izquierda encontramos a Sócrates conversando con un grupo de jóvenes; en primer plano aparece Zenón con un libro que sostiene un niño mientras lee Epicureo; sobre la escalinata se sitúa Heráclito, tomando la efigie de Miguel Ángel por modelo posiblemente como homenaje a la decoración de la Sixtina; Diógenes echado sobre las escaleras; a la derecha Euclides junto a sus discípulos midiendo con un compás; Zoroastro y Ptolomeo con la esfera celeste y el globo terráqueo respectivamente. Los diferentes grupos de personajes se ubican de manera simétrica, dejando el espacio central vacío para contemplar mejor a los protagonistas, recortados ante un fondo celeste e iluminados por un potente foco de luz que resalta la monumentalidad de la construcción. En las paredes del templo contemplamos las estatuas de Apolo y Minerva así como las bóvedas de casetones y los espacios abiertos que dominan el edificio, creando un singular efecto de perspectiva.
    • Tintoretto (Jacopo Robusti)  (1518 - 1594)
      • Pintor manierista veneciano, fue uno de los artistas más destacados del último tercio del siglo XVI. Su obra sirvió de inspiración para el desarrollo del arte barroco. Jacopo Robusti, que ese era su verdadero nombre, tomó el seudónimo de Il Tintoretto ( el pequeño tintorero ) en alusión a la profesión de su padre. Siendo aún niño estuvo durante cierto tiempo en el taller de Tiziano, pero el maestro le expulsó celoso de sus posibilidades, el recelo entre estos dos grandes pintores perduró a lo largo de toda su carrera profesional. Tintoretto vivió y trabajó únicamente en Venecia. Toda su obra se destinó por entero a las iglesias, hermandades y gobernantes de la ciudad y zonas limítrofes. Durante su primera década como pintor (c. 1538-1548) fue creándose un estilo a partir de diversas fuentes de inspiración, entre las que se encuentran las obras de pintores manieristas florentinos como Miguel Ángel, y la escultura en relieve de Jacopo Sansovino, de ellos aprenderá el dibujo y la composición. Todos estos elementos fueron combinados por Tintoretto de muy diversas formas y con sorprendente efectividad en los cuadros que realizó durante la década de 1540. El comienzo de su madurez artística vino marcado por el gran San Marcos (1548, Academia, Venecia) que pintó para la Scuola di San Marco en Venecia.
      • Ya en su madurez artística se inclinó de modo progresivo hacia los fuertes contrastes de luz y sombra, excéntricas y profundas perspectivas y escorzos muy forzados, componiendo ampulosos y llamativos grupos escenográficos que realzaban el dramatismo de los acontecimientos representados. De entre su producción artística destacan las obras de tema religioso como los tres lienzos que, sobre “ los milagros de San Marcos” , pintara para la Scuola di San Marco (1562-1566), “ El lavatorio” , “ La última cena” (1594) de la Iglesia de San Giorgio Maggiore y “ las escenas bíblicas” con las que decoró los techos y muros de la Scuola di San Rocco entre 1564 y 1587. Esta última constituye la mayor empresa pictórica de su carrera y una de las mejores obras de la pintura renacentista
      • Como retratista, procuró mostrar la intimidad de los personajes. Destacan “ La dama que descubre el seno” y “ El caballero de la cadena de oro” , ambas fechadas entre 1556 y 1560, y que se encuentran en el Museo del Prado. Tras la muerte de Tintoretto en Venecia el 31 de mayo de 1594, la pintura veneciana entró en rápida decadencia
    • Obras El caballero de la cadena de oro (1560) Uno de los retratos más interesantes realizados por Tintoretto es el de este caballero desconocido que ostenta una rica cadena de oro, indicando su elevada posición social. Los retratos del maestro suponen un diálogo entre el artista y el modelo, interesándose aquél por captar su expresión y personalidad, y olvidándose al máximo de los detalles. Por eso ilumina tanto el rostro del personaje, atrayendo la atención del espectador, y omite cualquier referencia al fondo para que se desvíe la mirada: su interés está en transmitir el alma del retratado. Los tonos oscuros empleados corresponden a la austeridad de la moda masculina de la época, aunque es otro recurso del pintor para no desviar la atención. La dama que descubre el seno ( 1556 -1560) Es Tintoretto un pintor muy original, utiliza abiertamente los escorzos (movimientos violentos) y las diagonales en las composiciones espaciales. Su colorido es muy personal, dominando los naranjas, fucsias y violetas, rojos y rosas. Pinta temas mitológicos, religiosos y retratos como el que tienes delante, lleno de color, sensualidad y lujo, tres características que siempre han presidido la pintura veneciana. La dama anónima nos muestra su seno con refinamiento y buen gusto, mirada distraída y peinado elaborado. Las joyas y el vestuario son de enorme riqueza.
    • El Lavatorio (1547) Lavatorio : La escena principal, la que da título al cuadro, se desplaza a la derecha para hacerla casi anecdótica. Sin embargo, no es así, ya que se encuentra en un marco excepcional que le sirve de telón. Representa la escena donde Cristo lava los pies a los apóstoles en la Eucaristía, una acción poco inusual ya que era el trabajo de los siervos y que simboliza su humildad. Fue narrado en el Evangelio de San Juan y simboliza además que los profetas eran los elegidos y a San Pedro como Padre de la Iglesia. Calzas : Es curioso advertir algunos detalles cómicos en el cuadro religioso, como algunos apóstoles en posturas absurdas para quitarse sus calzas. Polígrafa : Según parece, Tintoretto tuvo influencia de un grupo de intelectuales llamados los Polígrafa, que gustaban de la parodia en sus escritos. Lateral : El Lavatorio fue pintado con una perspectiva lateral, como podemos advertir muy bien en la mesa. Se tiene que ver desde la derecha, para que los espacios muertos desaparezcan y se forme una diagonal desde Cristo hasta la mesa. Arquitectura : Una magnífica arquitectura es el telón de fondo de la escena religiosa. Se debe al nuevo gusto de la pintura veneciana por la arquitectura, por influjo del manierismo toscano y romano. Serlio :.Se ve en la arquitectura del fondo y en el suelo, en perspectiva, formado por octógonos. Teatral : La escena es del todo teatral. No en vano, Tintoretto era amante del teatro y conocía dramaturgos, por lo que la escena está llena de dinamismo y tendencia hacia lo cómico. Santa Cena : Curiosamente, en un espejo o sala adyacente se representa la Santa Cena.
    • Tiziano Vecellio  (1485 - 1576)
      • Tiziano nació en 1490 y que murió a una edad más que respetable, con ochenta y seis años. Recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione. La concepción poética de la pintura de éste dejó una profunda huella en Tiziano, como resulta evidente en todas sus obras de juventud, y muy especialmente en la enigmática alegoría “Amor sagrado y amor profano”, lienzo con el que se consagra ya como un maestro del desnudo femenino, además de manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje. Con anterioridad había colaborado con Giorgione en la realización de los frescos de la fachada del Fondaco dei Tedeschi y había realizado en Padua “ los Milagros de san Antonio ” para la Scuola del Santo. No tardó en convertirse en el artista más importante de Venecia y fue nombrado, pintor oficial de la República. Sus obras más conocidas y admiradas en el presente son las de tema alegórico y mitológico, pero el artista comenzó la parte más brillante de su carrera con una serie de retablos de colores fuertes y contrastados y figuras poderosas, como “ La Asunción ” o “ el Retablo Pesaro ” para Santa María dei Frari. Los mismos esquemas dinámicos se repiten en las obras mitológicas de este período, como “ Danae recibiendo la lluvia de oro ”, “ La bacanal” o “Baco y Ariadna ”. Por entonces, Tiziano se reveló también como un gran retratista, con obras como el llamado “ Ariosto ”.
      • Hacia 1530, perdió a su esposa, y como consecuencia, su estilo pictórico evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más pausadas, y hacia colores mucho más claros y complementarios en lugar de contrastados. También los príncipes italianos solicitaron sus servicios, y así para el duque de Urbino pintó la famosa “ Venus de Urbino ”, de una sensualidad nueva en el arte del Renacimiento. Su última obra documentada es “ la Piedad de Venecia ”, que presenta ciertas afinidades con el manierismo. La grandeza de Tiziano como pintor, su fama de artista inimitable y la gran influencia que ejerció sobre sus coetáneos y sucesores contrastan con su carácter de hombre avaricioso.
    • Obras Representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un cassone o palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un arcón; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Algo más: el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido. Venus de Urbino (1538) Danae recibiendo la Lluvia de Oro (1545) Baco y Ariadna (1520-23) Representa el mito de Dánae, quien había sido encerrada por su padre, el rey de Argos, en el momento de ser tomada por Zeus en forma de lluvia de oro. La figura central está recostada sobre la cama, con las piernas dobladas. A su derecha hay un perro pequeño, que se reputa un atributo de la cortesana. En la parte derecha hay una criada cuya espalda oscura contrasta con la blancura de Dánae; del mismo modo, hay una oposición clara entre su rostro envejecido y la juventud de la princesa de Argos. Esta sirvienta está recogiendo con un delantal las pepitas de oro que caen en forma de lluvia dorada, desde las nubes tormentosas que dominan el centro de la parte superior. Estas figuras se sitúan en un espacio indefinido, ni exterior ni interior; se ven las cortinas y las nubes al fondo. El centro del cuadro lo ocupa el dios Baco que se dirige hacia Ariadna que está a la izquierda del cuadro, con el cuerpo dirigido hacia el mar, por donde se ha ido Teseo (a lo lejos se ve el barco), pero que gira la cabeza hacia el dios que viene a buscarla. Detrás de Baco aparece su cortejo de sátiros y ninfas en desorden, entre los cuales se ve a un dormido Sileno.
    • Francisco José de Goya y Lucientes  (1746 - 1828)
      • Francisco José de Goya y Lucientes (30 de marzo de 1746 - 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Nació en Fuendetodos, Zaragoza y luego vivió principalmente en Madrid. Su padre era pintor y dorador de retablos y su madre descendía de una familia de la pequeña nobleza de Aragón. Formado en un ambiente artístico rococó, evolucionó hacia un estilo personal y pintó cuadros que, como el famoso El 3 de mayo de 1808 en Madrid : los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío (1814), se cuentan entre las grandes obras maestras de la historia del arte. Poco se sabe de su niñez. Asistió a las Escuelas Pías de Zaragoza y comenzó su formación artística entrando como aprendiz en el taller de José Luzán. En 1763 el joven artista viajó a Madrid donde trabó amistad con Francisco Bayeu. Bayeu tuvo una enorme influencia en la formación temprana de Goya y a él se debe que participara en un encargo importante, los frescos de la bóveda de la basílica de Nuestra Señora del Pilar de Zaragoza y que se instalara más tarde en la corte. A su vuelta a España, se instaló en Zaragoza, donde realizó los frescos de la bóveda del coreto de la basílica de la Virgen del Pilar y las pinturas murales del oratorio del palacio de Sobradiel (1772). De 1774 son las pinturas al óleo sobre muro de la iglesia de la cartuja de Aula Dei. Hacia enero de 1775 Goya se instaló en Madrid en casa de Francisco Bayeu, y comenzó a trabajar para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. La mayor parte de ellos se conservan en el Museo del Prado, como El quitasol (1777), La gallina ciega (1787) y La boda (1791-1792). Algunos de los retratos más hermosos que realizó de sus amigos, de personajes de la corte y de la nobleza datan de la década de 1780. Entre ellos se encuentran obras como Carlos III cazador (1786-1788), Los duques de Osuna y sus hijos (1788), ambos en el Museo del Prado de Madrid, o el cuadro la Marquesa de Pontejos (c. 1786). Dos de sus cuadros más famosos, obras maestras del Prado, son La maja desnuda (1800-1803) y La maja vestida (1800-1803). Del año 1800 son también La condesa de Chinchón , uno de los retratos más hermosos y delicados de la historia del arte, y La familia de Carlos IV . En el invierno de 1792, durante una visita al sur de España, Goya contrajo una grave enfermedad que le dejó totalmente sordo y marcó un punto de inflexión en su expresión artística. Entre 1797 y 1799 dibujó y grabó al aguafuerte la primera de sus grandes series de grabados, Los caprichos , en los que, con profunda ironía, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época. En 1814 realizó El 2 de mayo de 1808 en Madrid : la lucha con los mamelucos y El 3 de mayo de 1808 en Madrid: los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío . El descenso en el número de encargos marcó su evolución a partir de entonces. De esa época son La última comunión de san José de Calasanz (1819), uno de sus principales cuadros religiosos, y la célebre serie de Pinturas negras (1820). Destacan, entre ellas, Saturno devorando a un hijo (1821-1823) y Aquelarre, el gran cabrón (1821-1823). Con predominio de los tonos negros, marrones y grises, constituyen una amarga denuncia de los aspectos más oscuros del ser humano y demuestran que su temperamento era cada vez más sombrío. Este comportamiento se agravó a raíz de la situación política de España durante la primera etapa del reinado absolutista de Fernando VII y el Trienio Liberal (1820-1823), por lo que en 1824 decidió instalarse en Francia. Murió más tarde en Burdeos, en la noche del 15 al 16 de abril de 1828. Un año antes había pintado La lechera de Burdeos (1927), una obra clave en la historia de la pintura que anticipa el impresionismo.
    • Obras Los Fusilamientos del Tres de Mayo (1814) La Familia de Carlos IV (1801) El tres de mayo de 1808 en Madrid (también conocido como Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío o Los fusilamientos del tres de mayo ) La intención de Goya al elaborarlo era plasmar la lucha del pueblo español contra la dominación francesa en el marco del Levantamiento del dos de mayo, al inicio de la Guerra de la Independencia Española. La pintura es oscura, muestra imágenes fuertes y crea el arquetipo del horror en la pintura española, que Goya aprovechó en esa época para sus aguafuertes titulados Los desastres de la guerra . En él aparecen ordenadamente todos los miembros de la familia real con intención de realzar la figura de la reina María Luisa, que ocupa el centro de la escena pasando un brazo maternalmente sobre los hombros de la infanta María Isabel, a la vez que lleva de la mano al infante don Francisco de Paula, quien a su vez se la da al rey. A la izquierda de la infanta se sitúan el príncipe de Asturias, el futuro rey Fernando VII, sujetado por la espalda por el infante don Carlos. A la derecha, la infanta María Luisa con su marido el duque de Parma lleva en brazos al pequeño infante Carlos Luis. Ocupando el fondo están los hermanos del rey y, con el príncipe de Asturias, una joven elegantemente vestida pero sin rostro, recurso empleado por Goya para representar a la que finalmente resultase ser su aún no elegida esposa.
    • La Maja Desnuda (1803)La Maja Vestida (1803 ) El traje blanco de esta Maja se ciñe de tal forma a la figura, en particular el sexo y los pechos, que parece más desnuda que la otra. La cintura la resalta mediante una lazada rosa. La nota de color del cuadro la pone la chaquetilla corta o bolero , similar al de los toreros, de mangas anaranjadas con los puños rematados con encaje negro. Lleva zapatos dorados de pequeño tamaño Aunque se ubica dentro de la estética del neoclasicismo, como otras del mismo pintor, esta obra de Goya es audaz y atrevida para su época, como audaz es la expresión del rostro y actitud corporal de la modelo, que parece sonreír satisfecha y contenta de sus gracias. Más aún, es la primera obra de arte en la cual aparece pintado el vello púbico femenino, lo cual resalta el erotismo de la composición. Cabe destacar la particular luminosidad que Goya da al cuerpo de la desnuda, luminosidad que contrasta con el resto del ambiente, y junto a esa luminosidad la típica expresividad que Goya sabe dar a los ojos.
    • Bartolomé Esteban Murillo  (1617 - 1682)
      • Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617 - Cádiz, 1682) Pintor español. Nació en 1617 en el seno de una familia de catorce hermanos, de los que fue el benjamín. Quedó huérfano de padre a los nueve años y perdió a su madre apenas seis meses después. Una de sus hermanas mayores, Ana, se hizo cargo de él y le permitió frecuentar el taller de un pariente pintor, Juan del Castillo. En 1630 trabajaba ya como pintor independiente en Sevilla y en 1645 recibió su primer encargo importante, una serie de lienzos destinados al claustro de San Francisco el Grande, la serie se compone de trece cuadros, que incluyen “ La cocina de los ángeles” , la obra más celebrada del conjunto por la minuciosidad y el realismo con que están tratados los objetos cotidianos. El éxito de esta obra le aseguró trabajo y prestigio, de modo que vivió desahogadamente y pudo mantener sin dificultades a los nueve hijos que le dio Beatriz Cabrera, con quien contrajo matrimonio en 1645. Después de pintar dos grandes lienzos para la catedral de Sevilla, empezó a especializarse en los dos temas iconográficos que mejor caracterizan su personalidad artística: “ la Virgen con el Niño” y “ la Inmaculada Concepción” , de los que realizó multitud de versiones, sus vírgenes son siempre mujeres jóvenes y dulces, inspiradas seguramente en sevillanas conocidas del artista. “ La sagrada familia del Pajarito ” y “ Niño espulgándose ”. Tras una estancia en Madrid entre 1658 y 1660, en este último año intervino en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera el Mozo. En esa época de máxima actividad recibió los importantísimos encargos del retablo del monasterio de San Agustín y, sobre todo, los cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en 1665. Posteriormente trabajó para los capuchinos de Sevilla (Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna) y para el Hospital de la Caridad (cuadros sobre las obras de misericordia). Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo vivo y directo de sus niños de la calle, pilluelos y mendigos , que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular. Después de una serie dedicada a la Parábola del hijo pródigo, se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los Desposorios de santa Catalina, ya que falleció mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una caída desde un andamio.
    • Obras Inmaculada Concepción (1678) L a Sagrada Familia del Pajarito (1650) Niño Espulgándose (1650) Pajarito : El nombre del lienzo está en relación con el pajarito que el niño Jesús enseña al perro. Es una situación tierna, un niño jugando con su padre y su perro. San José : Murillo representa una escena familiar, nada de divina ni religiosa. Podría ser cualquier familia que disfruta de su hijo, que juega travieso con el perro. Los padres han parado sus tareas diarias y miran tranquilos a su hijo. Virgen : María deja la rueca y contempla a su hijo, mientras come una manzana tranquilamente. No hay divinidad, ni halos místicos, es simplemente una mujer en una escena cotidiana. Rueca : Murillo nos muestra su buena técnica haciendo que la rueca gire continuamente, representado movimiento. Luz : La luz incide en los rostros del niño, José y María, dejando en penumbra todo lo demás. Trabajo : El cuadro representa dos escenas: una familia y otra de trabajo. Se da mucha importancia al trabajo, porque sino no se representaría la rueca de María ni el banco de trabajo de carpintero de José. Los especialistas consideran que este Niño espulgándose es la primera obra de carácter costumbrista de las realizadas por Murillo. Se fecha entre 1645-50, momento en el que el maestro empieza a consolidarse en el panorama artístico sevillano. El pequeño aparece en una habitación, recostado sobre la pared y quitándose las pulgas que acompañan a sus ropas raídas. En primer término aparece una vasija de cerámica y un canasto del que caen algunas piezas de fruta. La figura está iluminada por un potente haz de luz que penetra por la ventana desde la izquierda, creando un fuerte contraste con el fondo que sirve para crear una mayor volumetría. La luz también refuerza el ambiente melancólico que define la composición, destacando el abandono en el que vive el muchacho. El pintor representa a la Virgen como una joven morena, bella, tierna y dulce, flotando suavemente sobre nubes esponjosas, en un gran rompimiento de gloria. Está vestida con túnica blanca y manto azul, con las manos juntas sobre el pecho en actitud de plegaria y la cabeza suavemente ladeada mirando al cielo. A sus pies hay una media luna. Aparece rodeada de juguetones angelotes (hasta 30, unos de cuerpo entero y otros sólo cabecitas). Es una imagen encantadora, llena de gracia y elegancia.
    • Diego Rodríguez de Silva Velázquez  (1599 - 1660)
      • Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 1599 - 6 de agosto de 1660) y es considerado uno de los más prolíficos pintores del Barroco español. Cuando contaba tan sólo con once años comenzó su aprendizaje en el taller del maestro Francisco Pacheco, quien más tarde se convertiría en su suegro. Su primera etapa está marcada por la influencia del pintor Caravaggio. El tenebrismo es el elemento más destacado en este período, como puede apreciarse en “ El aguador de Sevilla” y “ La adoración de los magos”. En 1623 se instala en Madrid y se convierte en el pintor oficial del rey Felipe IV. De esta época destaca el cuadro “ Los borrachos” . Seis años más tarde, el pintor viaja a Italia donde estudia y se ve influido por Tiziano, Miguel Ángel y Leonardo da Vinci. La década de los treinta supone un cambio en la pintura de Velázquez, que se vuelve más colorista. Esto puede apreciarse en cuadros como “ Las lanzas” y “ La Venus del espejo” . En 1649 realiza un segundo viaje a Italia, en el que llega a pintar al “ Papa Inocencio X” . A su regreso a Madrid, pinta su cuadro más conocido: “ Las Meninas” . En 1659, es galardonado con la Cruz de Santiago y muere en Madrid en 1660.
    • Obras La Venus del Espejo (1644) El Aguador de Sevilla (1623) Se puede presenciar a una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto. Posiblemente esto provocó que una sufragista inglesa acuchillara el cuadro en 1914 con siete puñaladas que apenas sí se notan. Da la sensación de que el artista ha sorprendido a Venus mientras Cupido, resignado, sostiene el espejo en el que se refleja el rostro de la belleza, aunque lo que deberíamos ver sería el cuerpo de la diosa. En cuanto a la técnica, cabe destacar cómo el pintor utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las figuras circula aire, el famoso aire velazqueño. Posiblemente sea la obra maestra de la etapa sevillana por lo que se realizó entre 1619-1622. Aparecen dos figuras en primer plano, un aguador y un niño, y al fondo un hombre bebiendo en un jarro, por lo que se ha sugerido que podría representar las tres edades del hombre. Velázquez sigue destacando por su vibrante realismo, como demuestra en la mancha de agua que aparece en el cántaro de primer plano; la copa de cristal, en la que vemos un higo para dar sabor al agua, o los golpes del jarro de la izquierda, realismo que también se observa en las dos figuras principales que se recortan sobre un fondo neutro, interesándose el pintor por los efectos de luz y sombra. El colorido que utiliza sigue una gama oscura de colores terrosos, ocres y marrones.
    • Las Meninas (1656) 1 - La infanta Margarita, la primogénita de los reyes, es la figura principal. Es la única superviviente de los varios hijos, que fueron naciendo y muriendo, y que hasta la fecha habían tenido los reyes. La infanta Margarita fue la persona de la familia real más retratada por Velázquez, ya que desde muy joven estaba comprometida en matrimonio con un pariente materno, y se enviaban, cada cierto tiempo, retratos realizados por el pintor para informar a Leopoldo I sobre el aspecto de su prometida. 2 - Doña Isabel de Velasco, hija de don Bernardino López de Ayala y Velasco. 3 - Doña María Agustina Sarmiento de Sotomayor, hija del conde de Salvatierra y heredera del Ducado de Abrantes por vía de su madre, es la otra menina, la situada a la izquierda. La Infanta ha pedido un poco de agua para beber y doña María Agustina le ofrece una bandeja con un búcaro. 4 - Mari Bárbola. Es la enana hidrocéfala que vemos a la derecha. 5 - Nicolasito Pertusato, enano italiano, está a su lado y aparece golpeando con su pie a un mastín pintado en primer término, con aire tranquilo 6 - Doña Marcela de Ulloa era la Camarera Mayor. Está colocada en la pintura detrás de doña Isabel. 7 - El personaje que está a su lado, medio en penumbra, es un guardadamas, pero no lo menciona Palomino en su relato, aunque los estudios recientes aseguran que se trata de don Diego Ruiz Azcona. A la izquierda del cuadro, se encuentra el pintor delante de una gran tela; se considera que éste es el mejor autorretrato de Velázquez.   8 - Don José Nieto Velázquez es el personaje que se ve al fondo del cuadro, en la parte luminosa. 9 - A la izquierda y delante de un gran lienzo, el espectador ve al autor de la obra, Velázquez. 10 y 11 - Felipe IV y su esposa Mariana de Austria, en la lejanía del cuadro, se reflejan en un espejo detrás del pintor  
    • Francisco de Zurbarán  (1598 - 1664)
      • Pintor español. A los quince años se trasladó a Sevilla, donde fue discípulo del pintor Pedro Díaz de Villanueva, y donde conoció a Velázquez. Contrajo matrimonio con María Páez en 1617, y desde ese año hasta 1628 permaneció en Llerena (Extremadura). En 1625 se casó en segundas nupcias con Beatriz Morales. En 1627 pintó su primera gran obra importante firmada y datada: “ la Crucifixión del oratorio” de la sacristía del convento dominico sevillano de San Pablo el Real, para el que en 1626 había contratado la realización de veintiún cuadros en ocho meses. Entre 1628 y 1629 llevó a cabo un ciclo de pinturas para el colegio franciscano de San Buenaventura. El arte de Zurbarán aparece ya perfectamente definido, y se aprecian en su pintura la fuerza realista propia de los mejores pintores españoles de la época, su sentido de la ordenación y de la monumentalidad, el fondo oscuro de sus cuadros subraya ya entonces la presencia volumétrica de las figuras. En 1629 se estableció en Sevilla por invitación del Consejo Municipal de la ciudad, y era tan grande su reputación como pintor, que no tuvo que pasar el tradicional examen para ejercer su oficio. Entre 1630 y 1639 se sitúa la etapa más fecunda de la obra de este artista, que abarca tanto naturalezas muertas (“ Bodegón con naranjas” , 1633) como obras de tema religioso (“ Visión del beato Alonso Rodríguez” , 1630, “ Apoteosis de Santo Tomás de Aquino ”, 1631, “ Santa Margarita”, “Santa Isabel de Portugal” ). Llamado a Madrid en 1634, participó en la decoración del salón de Reinos del Buen Retiro (“ La defensa de Cádiz contra los ingleses ”, y una serie de “ los Trabajos de Hércules” ), durante este período, y siguiendo el ejemplo de Velázquez, renunció al tenebrismo, en el clasicismo toscano, influido a veces por los maestros venecianos, encontró un estilo acorde con sus aspiraciones. Otra vez en Sevilla, trabajó para el convento de la Merced Descalza (1636), para el que pintó varias obras religiosas. Pintó también varios cuadros para la iglesia de Nuestra Señora de la Granada, en Llerena, y para la cartuja de la Defensión de Jerez de la Frontera, y en 1639 firmó un contrato con el monasterio de San Jerónimo de Guadalupe para la realización de varios cuadros. Son especialmente destacables las obras realizadas para la cartuja de las Cuevas de Sevilla (“ San Bruno” y “ el papa Urbano II” , “ San Hugo en el refectorio de los cartujos” , “ Virgen de los cartujos”, “A parición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco” ). En 1639 enviudó de nuevo, y en 1644 casó en terceras nupcias con la hija de un orfebre, Leonor de Tordera. En 1650 pintó “ la Anunciación para el conde de Peñaranda” , muestra aquí un nuevo estilo, en el que el uso del difuminado intenta atenuar la rigidez de las formas. En su “ Inmaculada Concepción niña” (1656) se detecta además una clara influencia de Guido Reni. En 1658 se trasladó a Madrid, donde parece que pintó bastante, aunque su arte no pudo adaptarse al cambio general del gusto, orientado hacia el pleno barroco.
      • Fallece en Madrid, el 27 de agosto de 1664.
    • Obras Aparición del apóstol San Pedro a San Pedro Nolasco (1629) Inmaculada Concepción (1635) San Hugo en el Refectorio (1633) San Pedro Nolasco fue el fundador de la Orden de la Merced, lo que hizo a partir de una aparición de la Virgen María. Otra de las múltiples visiones que tuvo el santo fue la de San Pedro El maestro recoge a ambos santos enfrentados: el Apóstol cabeza abajo mientras que Nolasco está enfundado en su hábito blanco de la Orden mercedaria. Precisamente, el pintor se caracteriza por la perfección con que realiza los hábitos de los monjes, especialmente los pliegues. La luz anaranjada que envuelve al crucificado incide en la idea de visión sobrenatural, inundando la estancia oscura en la que se desarrolla la escena. San Hugo en el refectorio pertenecía a una serie monástica, un encargo propio del Barroco sevillano. La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno, fundador de los cartujos, y a los seis primeros monjes de la Orden, quienes comían gracias a la generosidad de San Hugo, obispo de Grenoble. Un domingo les envió carne, alimento al que no estaban acostumbrados, lo que provocó una discusión sobre la conveniencia de practicar la abstinencia. Mientras discutían quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la Cuaresma. El miércoles Santo, San Hugo, que había estado ausente, fue a verlos y los sorprendió despertándose, comprobando que no tenían noción del tiempo transcurrido. Entonces miró a los platos y vio que la carne se convertía en ceniza, interpretándolo como aprobación divina de la abstinencia La iconografía de la Inmaculada la dictó Francisco Pacheco representándola a una edad juvenil, vestida con túnica blanca y manto azul, símbolos de pureza y eternidad respectivamente, coronada con doce estrellas, la media luna y una serpiente a los pies simbolizando su dominio sobre el pecado. La Inmaculada Concepción de Zurbarán sigue las normas iconográficas dictadas por Pacheco acompañándola con el mar y con un barco, árboles y edificios en la parte baja de la imagen, posiblemente indicando su papel de intercesora entre el mundo terrenal y Dios. A pesar de ser una imagen de la Virgen,
    • Jacques-Louis David  (1748 - 1825)
      • Pintor francés que introdujo el neoclasicismo en Francia y fue su máximo exponente desde la época de la revolución hasta la caída de Napoleón I Bonaparte. Louis David nació en París el 30 de agosto de 1748 en el seno de una familia de clase media alta. Estudió en la Academia real con el pintor rococó J. M. Vien. En 1774 ganó el Premio de Roma y viajó a Italia donde recibió una fuerte influencia del arte clásico y de la obra del pintor del siglo XVII Nicolás Poussin, de sólida inspiración clásica. David desarrolló rápidamente su propia línea neoclasicista, sacando sus temas de fuentes antiguas y basándose en las formas y la gestualidad de la escultura romana. Su famoso Juramento de “ los Horacios” (1784-1785) fue concebido para proclamar el surgimiento del neoclasicismo, y en él destacan el dramatismo en la utilización de la luz, las formas idealizadas y la claridad gestual. La obra presentaba una temática de un elevado moralismo que la convirtió en el modelo de la pintura histórica de tono heroico y aleccionador de las dos décadas siguientes.
      • Después de 1789 adoptó un estilo más realista que neoclasicista para poder registrar las escenas de su tiempo relacionadas con la Revolución Francesa (1789-1799), como en la obra de gran dramatismo “ La muerte de Marat” (1793). Entre 1799 y 1815 fue el pintor oficial de Napoleón I Bonaparte y registró las crónicas de su reinado en obras de gran formato, como “ Coronación de Napoleón” y “ Josefina” (1805-1807). Después de la caída de Napoleón, David se exilió en Bruselas, donde habría de vivir hasta su muerte. Durante esos últimos años retornó a los temas inspirados en la mitología griega y romana, que pintó recurriendo a una mayor teatralidad. David también fue un prolífico retratista. De dimensiones más pequeñas y de una humanidad más recogida que sus obras de gran formato, sus retratos, como el de “ Madame Récamier” (1800), demuestran una gran maestría en la técnica y análisis de caracteres. Muchos críticos modernos consideran sus retratos como sus mejores obras, sobre todo porque no conllevan la carga de los mensajes moralizantes y la técnica, a menudo artificiosa, de sus obras neoclasicistas. La carrera artística de David representa la transición del rococó del siglo XVIII al realismo del siglo XIX.
      • Su neoclasicismo frío y calculador ejerció una gran influencia sobre sus discípulos Antoine-Jean Gros y Jean Auguste Dominique Ingres, y sus temas heroicos y patrióticos prepararon el camino para el romanticismo. Murió el 29 de diciembre de 1825 en Bruselas.
    • Obras El Juramento de los Horacios (1785) Madame Recamier (1800) Juliette encargó su retrato a David y simultáneamente a uno de sus discípulos, Gérard. Sus retratos, por otra parte, son muy numerosos, encargados a diferentes artistas. David tenía fama como revolucionario, amigo de los grandes (Marat, Robespierre, Napoleón), lo que le daba una aire peligroso. Madame Recamier acudía a las sesiones en secreto. Tal vez por ello el ambiente en el que está retratada es discreto, nulo, tan sólo aparecen el diván y la lámpara. David eligió para ella una pose que fue imitada hasta la saciedad posteriormente. Los elementos secundarios se los encargó a su discípulo, Ingres, que más tarde los empleará en sus propios retratos. Madame Recamier va vestida y peinada a la moda "imperio", que recupera los ideales griegos: peinado de bucles alrededor del rostro, vestido-túnica de talle muy alto, y descalza, lo que era toda una provocación sensual. A Madame Recamier le disgustaba la pose que había de mantener durante largo tiempo. Tanto es así que sus quejas terminaron por provocar al maestro que indignado abandonó el lienzo sin terminarlo. Ignoramos qué elementos más habrían de aparecer en el lienzo pero indudablemente no pueden añadir nada a la elocuente simplicidad de este hermosísimo retrato. Pero es en el Juramento donde alcanza un mayor relieve la doble estructura: unidad de lugar, tiempo e historia por un lado, por otro, reparto en tres actos de la narración. Estos tres actos o momentos están marcados físicamente por los grupos de personajes y por los tres arcos de la arquitectura de fondo. La historia se remite al origen legendario de Roma, que está en lucha con la ciudad de Alba. La guerra será resuelta mediante el combate singular de tres campeones romanos y tres campeones albanos. Los designados son los tres hermanos de la familia de Horacio, por la parte romana, y los tres hermanos de los Curiati, por parte de Alba. Sin embargo, el caso está complicado por el hecho de que estas dos familias están ligadas por sendos matrimonios: una hermana de los Horacios con un hermano de los Curiati, y viceversa. Así pues, los tres momentos resumen en primer lugar, la declaración de guerra de los tres hermanos, el juramento de fidelidad a Roma que les toma su padre sobre las espadas que llevarán a la lucha, y la desesperación de las mujeres, que se apartan del ritmo histórico para llorar en su privacidad.
    • La Muerte de Marat (1793) Marat fue asesinado por una monárquica de la región de Caen. Marat padecía una enfermedad de la piel que le obligaba a pasar largo tiempo sumergido en un baño terapéutico. Allí había instalado su pequeña oficina e incluso recibía a personajes. Charlotte Corday pidió que la recibiera argumentando una terrible desgracia para la república. Una vez ante el político, Charlotte le apuñaló. David pinta a Marat en el momento de la muerte, apenas ha sangrado aún. El brazo con el que estaba escribiendo ha caído pesadamente al suelo y la cabeza se desplaza hacia atrás. Los labios entreabiertos expiran el último suspiro mientras su rostro pasa suavemente del dolor a la paz. En la mano sostiene aún el papel con el que Charlotte se introdujo en su apartamento. Allí se puede leer: "13 de Julio de 1793". De Marie Anne Charlotte Corday al ciudadano Marat: la terrible desgracia que tengo me da derecho a pedir vuestra amabilidad..." En oposición a este papelito traicionero, en la mesa improvisada en un cajón se puede leer el último despacho que había resuelto Marat: "dispondréis esta asignación para esa madre de cinco hijos cuyo marido murió en defensa de la patria..." La disposición de los elementos es tan sobria como la de un cuadro religioso. Toda la estructura se basa en verticales y horizontales. En el suelo se ve el puñal caído. La mitad superior del cuadro está completamente vacía, transmite un agobiante silencio y frío. Una sombra clara asciende en diagonal evocando la huida de la vida del cuerpo agonizante.
    • Pierre Auguste Renoir  (1841 - 1920)
      • A los tres años de edad se trasladó a París con su familia y a los trece su padre lo empleó en un taller de decoración de porcelanas para explotar su extraordinario talento como dibujante. Desempeñó varios oficios más, todos en la misma línea, antes de inscribirse en la Escuela Superior de Bellas Artes de París, en el estudio-taller de Charles Gleyre, donde trabó una amistad duradera con Claude Monet, Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Como complemento de su formación artística visitaba con frecuencia el Museo del Louvre para copiar a sus pintores más admirados. A partir de 1863 comenzó a reunirse en el café Guerbois con los pintores que formaron más tarde el grupo de los impresionistas. Sus primeras obras “ Retrato de Frédéric Bazille” , “ Diana cazadora” son de carácter tradicional. Su primer paso hacia el impresionismo lo dio durante una estancia con Monet en los baños de La Grenouillère, donde ambos artistas pintaron cuadros en los que apuntan ya la disolución de la pincelada y de los contornos característica del impresionismo. La composición informal, la técnica abocetada y sobre todo la espontaneidad e inmediatez que caracterizan la ejecución de las obras relativas a este lugar de baños de una isla del Sena están en la base del estilo impresionista. Tras su obligada participación en la guerra franco-prusiana (1870-1871), en 1874 presentó varias obras, entre ellas “ El palco” , en la primera exposición de los impresionistas, que suscitó críticas feroces, aunque a Renoir le valió el apoyo de Georges Charpentier, para quien realizó algunas obras “ Retrato de Mme. Charpentier y sus hijos ” que le abrieron las puertas del Salón. El año 1876 fue fecundo para el artista, ya que realizó tres de sus mejores creaciones , “El columpio” , “ Torso de mujer al sol” y “ Baile en el Moulin de la Galette” , en las que hace un magnífico estudio de la luz y consigue plasmar con rara maestría los reflejos del sol que se filtran por entre las sombras. Son tres cuadros en los que triunfa ya plenamente la pintura en plein air que propugnaban los impresionistas.
      • En 1881, cuando se vio libre por primera vez de agobios económicos gracias a la adquisición sistemática de sus obras por el marchante Durand Ruel, decidió visitar Argelia e Italia. El contacto en este último país con las obras de los grandes maestros sumió al artista en una profunda crisis, durante la cual llegó a afirmar que no sabía «ni pintar, ni dibujar». Renunció entonces al impresionismo y se orientó hacia una pintura más lineal y de dibujo más sólido, con obras como “ Los paraguas” , “ Baile en el campo” y “ Baile en la ciudad ”. Sin embargo, en 1889 volvió de nuevo a su estilo impresionista, centrado ahora en el desnudo femenino plasmado con un colorido cálido en el que abundan los tonos anaranjados. La obra cumbre de esta etapa final de su vida es “ Las bañistas” , una composición en la que las figuras se funden con la naturaleza transfiguradas por la luz y el color. Aquejado de reumatismo articular, afección que llegó a dejarlo paralítico, se refugió en Cagnes-sur-Mer, donde se mantuvo activo hasta el final de sus días y realizó, además de pinturas, algunas esculturas. Renoir, uno de los pocos impresionistas que prefirieron la figura humana al paisaje, murió 3 de diciembre de 1919 siendo un artista universalmente famoso, e incluso en 1914 pudo ver cómo entraban en el Louvre algunas de las obras por él pintadas.
    • Obras Dejando de lado los paisajes, Renoir se interesa por recuperar la figura, representando escenas de vida cotidiana en las que recoge el mundo que le rodea: los bailes o una tarde de lluvia. En esta ocasión, las figuras se distribuyen sabiamente por la tela, disponiéndose en diferentes planos paralelos en profundidad y cortados en sus laterales por influencia de la fotografía. El ambiente grisáceo del momento no resta alegría a la escena, especialmente por la figura de la joven de primer plano que dirige su mirada al espectador y la niña que sostiene el aro, mirándonos también de manera cómplice. Abunda el azul-morado en una composición en la que contrasta el tratamiento geométrico de los paraguas con la suavidad de las figuras Los paraguas (1883) Las Bañistas (1918) En su deseo de recuperar las formas casi desaparecidas durante su etapa impresionista, Renoir viaja a Italia, descubriendo a los grandes maestros del Renacimiento, especialmente Rafael. A su regreso se enzarza en una de sus obras más importantes, dedicando tres años a la ejecución de esta escena en la que varias jóvenes desnudas se bañan en un riachuelo, presentando a las figuras bajo una resplandeciente iluminación solar. Las líneas que crean esos sensuales volúmenes son las principales protagonistas, tomando como modelo a Ingres. Los brazos, las piernas o los pechos son dibujados a la perfección, sin enfrentarse al color como apreciamos claramente en el paisaje, tratado incluso con una pincelada rápida y vigorosa. La sensualidad que transmiten las modelos traen a la memoria a Rubens o a Tiziano, maestros admirados por Renoir.
    • Baile en el Moulin de la Galette (1876) Uno de los templos del ocio parasino era Le Moulin de la Galette, un verdadero molino abandonado situado en la cima de Montmartre, el paraíso de la bohemia parisina habitado por artistas, literatos, prostitutas y obreros. Los domingos y festivos eran días de baile en Le Moulin, llenándose con la población que habitaba el barrio. Una orquesta amenizaba la danza mientras que alrededor de la pista se disponían mesas bajo los árboles para aprovechar la sombra. En su deseo de representar la vida moderna - elemento imprescindible para los impresionistas - Renoir inmortaliza este lugar en uno de los lienzos míticos del Impresionismo. Su principal interés - igual que en Desnudo al sol o El columpio - es representar a las diferentes figuras en un espacio ensombrecido con toques de luz, recurriendo a las tonalidades malvas para las sombras. En las mesas se sientan los pintores Lamy, Goeneutte y Georges Rivière junto a las hermanas Estelle y Jeanne y otras jóvenes del barrio de Montmartre. En el centro de la escena bailan Pedro Vidal, pintor cubano, junto a su amiga Margot; al fondo están los también pintores Cordey, Lestringuez, Gervex y Lhote. El efecto de multitud ha sido perfectamente logrado, recurriendo Renoir a dos perspectivas para la escena: el grupo del primer plano ha sido captado desde arriba mientras que las figuras que bailan al fondo se ven en una perspectiva frontal.
    • Paul Gauguin  (1848 - 1903)
      • Pintor postimpresionista francés, cuyos colores exuberantes, formas bidimensionales planas y temática contribuyeron a dar forma al arte moderno. Nació en París el 7 de junio de 1848, en una familia liberal de clase media, su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán. Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un agente de bolsa de París con éxito, llevando una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos. En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886. En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura en oficio. Un año después, su mujer e hijos se fueron a vivir con la familia de ella a Dinamarca. A comienzos de 1884 él se trasladó a Ruán, donde vivía Pissarro. “ Hombre en la carretera” (Ruán) pintado entonces, es una muestra típica del estilo paisajista de Gauguin, aún dominado por la influencia del impresionismo. Entre 1886 y 1891 Gauguin vivió principalmente en la Bretaña, donde era el centro de un pequeño grupo de pintores experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses, estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arles, en el sur de Francia. Tras el altercado en el que Van Gogh intentó matarle, abandonó la ciudad. Su nuevo estilo, marcado por la absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, como en el “ Cristo amarillo” (1889). En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad gobernada por el oro, y de todo lo que es artificial y convencional. A excepción de una visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en las Antillas, primero en Tahití y después en las islas Marquesas. Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios, mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples. Su temática abarcó desde escenas de la vida cotidiana, como “ Tahitianas en la playa” (1891), hasta inquietantes escenas de supersticiosa aprensión, como “ El espíritu de los muertos observa” (1892). Su obra maestra es la inmensa alegoría, que es así su testamento pictórico, “ ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? “(1897), pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio. Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le mantuvo hasta su muerte, el 9 de mayo de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas). Sus experimentaciones atrevidas con el color constituyen el antecedente directo del fauvismo. La fuerza de sus formas pictóricas influyó en el pintor noruego Edvard Munch y en la posterior escuela expresionista.
    • Obras Cristo Amarillo (1889) Tahitianas en la playa (1891) En este lienzo, la sintética composición da lugar a una obra de gran vigor y sencillez. Estas "Dos mujeres tahitianas en la playa" de Paul Gauguin, inaugura la difícil yuxtaposición de rosa y amarillo, de malva y rojo que el artista había estudiado en Pont- Aven, pero que en Tahití se convertiría en un leitmotiv cromático. Aquí, el principal pretexto lo proporcionan los vestidos de las mujeres que destacan sobre la arena dorada. En Tahití, por lo tanto, se siente encantado por la sencillez de las cosas, el sencillo dibujo de los pareos, de grandes flores blancas sobre fondo rojo o amarillas sobre fondo azul, que anticipando a Matisse, sabrá utilizar como elemento decorativo para animar el equilibrio de las masas, como se puede apreciar en la figura de la izquierda, apoyada sobre un brazo y una mano reducidos a la mínima expresión. Las dos mujeres se muestran como protagonistas del cuadro, con sus cuerpos macizos y voluminosos. Es difícil explicar la actitud de las dos mujeres, decididamente enigmática. A pesar de estar sentadas cerca una de la otra, cada una de ellas está absorta en sus propios pensamientos. El silencio parece dominar toda la escena. El Cristo se convierte en el protagonista de la escena, con ese color amarillo y las líneas de los contornos muy marcadas, siguiendo la técnica del "cloisonné" inspirada en los esmaltes y vidrieras. Junto a Cristo aparecen tres mujeres bretonas, lo que sugiere que nos encontramos ante una nueva visión provocada por la intensa devoción de las mujeres, igual que en La visión después del sermón. Al fondo, una figura salta una valla, lo que puede indicar el deseo de evasión, continuamente presente en el ánimo del artista. Lo primitivo, con las mujeres, y lo simbólico, intentando transmitir un mensaje, están presentes en la escena, al igual que lo real y lo imaginario. El colorido es típico del otoño bretón, con unos maravillosos colores amarillos mezclados con naranjas y verdes, en paralelo con el Cristo.
    • ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿A dónde vamos? (1897) La descripción que hace del lienzo es la siguiente: "sobre una tela de saco llena de nudos y rugosidades; de ahí que su aspecto sea tremendamente zafio. En la parte inferior derecha, un bebé dormido y tres mujeres en cuclillas. Dos figuras vestidas se comunican sus pensamientos; una figura enorme intencionadamente y a pesar de la perspectiva, también en cuclillas, levanta el brazo y mira extrañada, a loa dos personajes que osan pensar en su destino. Una figura central coge una fruta. Un par de gatos junto a un niño. Una cabra blanca. El ídolo, con ambos brazos alzados misteriosa y rítmicamente parece indicar el más allá. Otra figura reclinada parece escuchar al ídolo; finalmente una vieja, próxima a la muerte, parece aceptar y resignarse a lo que piensa; a sus pies, un extraño pájaro blanco, sujetando con su pata a un lagarto, representa la inutilidad de las palabras vanas. Todo transcurre junto a un riachuelo, a la sombra de los árboles. A pesar de los cambios de tonalidad, el paisaje es constantemente azul y verde Veronés. Sobre él, todas las figuras desnudas destacan por su intenso color naranja
    • Vincent Van Gogh  (1853 - 1890)
      • Pintor postimpresionista holandés. Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra influyó de forma decisiva en el movimiento expresionista. Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de un pastor protestante holandés. Desde su juventud demostró tener un temperamento fuerte y un carácter difícil que habría de frustrar todo empeño que emprendía. A los 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica. Sus experiencias como predicador aparecen reflejadas en sus primeras composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es la tosca y directa “ Los comedores de papas” (1885), uno de los diez únicos grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera. Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica. En 1886 fue a París a vivir con su hermano Théo van Gogh, que era marchante de arte, y allí se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Influido por la obra de los impresionistas y por la de los grabadores japoneses como Hiroshige y Hokusai, comenzó a experimentar con las técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Camille Pissarro y Georges Seurat. En 1888 dejó París y se trasladó al sur de Francia con la esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de la Provenza, pintó escenas rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la región. Durante ese periodo en el que vivió en Arles, empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos relacionados con obras tan conocidas como “ Dormitorio en Arles” (1888) y “ Noche estrellada” (1889). Son también de esta época “ Descargadores en Arles” (1888)” Los girasoles” (1889) y “Les Vessenots en Auvers” (1890). Para él todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara, parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró contagiar su entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para que fuera a verle a Arles. Menos de dos meses después empezaron a tener violentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de sí, amenazó a Gauguin con una navaja, esa misma noche, sumido en un profundo remordimiento, Van Gogh se cortó parte de la oreja. Estuvo internado durante un tiempo en un hospital de Arles y un año en el manicomio de Saint-Rémy, situado en esa misma región. Durante ese periodo siguió trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió. Más tarde pasó tres meses en Auvers bajo la atención de un médico cordial y comprensivo, cuyo retrato pintó “ El doctor Paul Gachet” (1890). Inmediatamente después de acabar su inquietante “ Cuervos sobre el trigal” (1890), se disparó un tiro el 27 de julio de 1890 y murió dos días más tarde. Las más de 700 cartas que escribió a su hermano Théo constituyen un documento extraordinario sobre la vida de un artista y su producción, de una abundancia inusitada, cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos. El pintor francés Chaïm Soutine y los pintores alemanes Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner y Emil Nolde deben más a la obra de Van Gogh que a ninguna otra influencia. En 1973 fue inaugurado en Amsterdam el Museo Vincent van Gogh, que contiene más de mil pinturas, dibujos y cartas del artista
    • Obras Dormitorio en Arlés (1888) Dr. Paul Gachet (1890) El último ataque sufrido por Vincent en el mes de julio le causó una gran impresión ya que incluso intentó tomarse el contenido de los botes de pintura lo que provocó que los doctores prohibieran su trabajo. Una vez recuperado, tras casi seis semanas sin tocar un pincel, le falta inspiración al no salir del sanatorio por miedo a una recaída. Busca entonces estampas antiguas o motivos ya tratados como temática de sus cuadros, repitiendo incluso los asuntos como en este caso donde retoma la habitación de Arles sin cambiar ningún ingrediente respecto a la obra del verano de 1888. La única diferencia la encontramos en el empleo de tonalidades más intensas, especialmente el azul y el rojo, aplicadas con cierta plenitud recordando a la estampa japonesa y a Gauguin. La figura del doctor se recorta sobre un fondo azulado. Su gesto cansado acodándose sobre la mesa, se refuerza por la mirada y el rictus del rostro, que mira al vacío. La línea ondulada se adueña de la composición especialmente en el gabán, el fondo y la flor que aparece sobre la mesa. Por el contrario, la mesa ha sido pintada de manera plana, como si fuera una estampa japonesa. Algunos contornos han sido remarcados con tonos más fuertes, recuerdo de la influencia de sus amigos Bernard y Gauguin. Los tonos empleados son oscuros, recurriendo al rojo y al azul como colores complementarios; en contraste, el rostro y las manos del médico son más claros.
    • Los girasoles (1889) Éste es uno de los que realizó - Jarrón con girasoles es otro de sus compañeros - y muestra catorce grandes girasoles en un simple jarrón. Vincent emplea una gruesa línea para marcar la silueta del jarrón y la supuesta mesa que delimita el espacio en el que se sitúa el bodegón. Pero lo más destacable son las flores, obtenidas con una amplia gama de amarillos y verdes, en una increíble sensación de alegría y vida, tal y como se encuentra el ánimo del artista en estos momentos. La pincelada empleada es rápida y vibrante, creando el estilo peculiar de un genio universal del color como es Van Gogh.
    • Pablo Ruiz Picasso  (1881 - 1973)
      • Pintor, dibujante y escultor español, nacido en Málaga (España). Fue uno de los grandes maestros del siglo XX, quizá el artista que más fama ha alcanzado fuera del ámbito profesional. Su nombre completo era Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz Blasco Picasso y López. Considerado, junto a Miguel Ángel Buonarroti, la persona que más ha influido en la historia del arte mundial, revolucionó el arte y en especial la pintura durante su larga carrera. Sin duda el artista más importante del siglo XX. La obra de Pablo Picasso se suele dividir en los siguientes periodos: Periodo de Barcelona Llegó a Barcelona en 1895. Su padre fue nombrado profesor de la escuela de Bellas artes de Barcelona en 1896. Por esta época Picasso colaboró como dibujante en diferentes revistas catalanas y fundó la revista Arte joven que fue un fracaso. Estando en Barcelona pintó cuadros como : “La familia Soler” , “ Retrato de Sabartés” . Empezó a tener gran preferencia por los tonos azules, terminando así el periodo de Barcelona en 1901 y comienza el Periodo Azul. Periodo Azul (1901-1904) Es un periodo en el que Picasso en su obras casi siempre utiliza tonos azules y representa personajes escuálidos con expresión trágica, algunos ejemplos son : “La vida” (1903), “ Las dos hermanas” (1904). Periodo Rosa (1905-1906) En esta época Picasso fue menos trágico y representó escenas de circos, comediantes, etc. Algunas de estas obras fueron: “ Familia de Arlequín” (1905) y tuvo una obra maestra “ Gran holandesa” . También realizó escultura como: “ Retrato de Gertrude Stein” (1906), “ La gran bailarina de Aviñón” (1907) Periodo Cubista (1908-1916) En este periodo Picasso busca una pintura pura y para ello comenzó a observar los objetos de su taller de modo intelectual. Algunas obras son: “ Retrato de Vollard” (1910), “ El aficionado” (1912).
      • Periodo Clásico o Grecorromano (1917-1927) Picasso en este periodo da la sensación de estar cansado de estructura geométricas y volvió de repente a lo clásico, es decir , al desnudo monumental, al dibujo Ingrés, al equilibrio, etc. Época Surrealista (1928-1932) Las pinturas que destacan son: “ Bañista en pie” (1929), “ Bañista al borde del mar” (1930). En esta época las esculturas estaban hechas de hilo y de láminas de metal.
      • Época expresionista En este periodo fue cuando pintó su famosísimo “ Guernica” en 1937. El Guernica es una composición en blanco y negro que proyecta los horrores de la guerra civil. Otras obras fueron: “ Mujeres llorando” y “ Mujeres sentadas” que refleja la tragedia en guerra. Durante la II Guerra Mundial no se movió de Francia. Cuando terminó ésta se unió al partido comunista. Periodo de Vallauris Se traslada a Vallauris. En esta ciudad acabó su escultura “ El hombre del cordero” que mide 2,20 metros de altura. Dicha figura se encuentra en la plaza del mercado de dicha ciudad y se dedicó por completo a la cerámica. Allí nacieron sus dos hijos, circunstancia que favoreció la presentación de cuadros más infantiles y maternales, rebosando maternidad. También pintó enormes murales: “ La guerra y La Paz” (1952), “ Massacre en corée” (1951), “ La Baignade” (1957). Durante los últimos años pintó variaciones de temas célebres. Grandes hitos de su obra fueron “ Las señoritas de Avignon” el cuadro que reveló unos planteamientos formales revolucionarios en el arte del siglo XX. Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henrry Moore. Uno de sus cuadros más famosos, “ El Guernica” , es un alegato contra la guerra y el terror infligido a la población civil durante el bombardeo aéreo alemán sobre Guernica (Vizcaya). Falleció en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) en 1973.
    • Obras Aparecen cinco mujeres desnudas y en el centro, en la zona de abajo se muestra un bodegón compuesto por algunas frutas: una raja de sandía, un racimo de uvas, una pera y una manzana, todo ello sobre una mesa tapada con un mantel arrugado de color blanco. De las cinco mujeres hay tres que tienen unas caras especiales, como si en realidad fueran máscaras pintadas sobre el rostro. Se trata de la que está a la derecha agachada, la que está detrás de ella y la que se encuentra a la izquierda. Las dos del centro tienen sus caras más acordes con el resto del cuerpo. La mujer de la izquierda parece que está entrando en la habitación y sujeta un cortinón con su mano izquierda alzada. La figura que está a su lado, otra mujer desnuda, tiene una perspectiva muy especial. A primera vista parece que está de pie, aunque con una postura forzada. Si el espectador se abstrae en esta sola figura puede ver que Picasso la pintó tumbada y vista desde arriba, con su brazo derecho doblado tras la cabeza y una pierna cruzada sobre la otra. A continuación la mujer que está en el centro levanta los brazos doblados por detrás de su cabeza. En la esquina de la derecha está la única figura sentada, en una posición anatómicamente imposible, de espaldas al espectador pero con la cabeza completamente de frente. Tras ella se encuentra la quinta mujer, de pie, que también parece descorrer una cortina. Los colores oscilan entre el rosa, ocre, azul y blanco. Las Señoritas de Avignon (1907) A mediados de los años 50 Picasso comienza a realizar estudios de los clásicos y realiza "series" de grandes cuadros de la historia del arte. Esta, "Las Meninas", es la obra elegida de Velázquez. Otros trabajos de esta época son "Desayuno en la hierba" de Manet o "El rapto de las Sabinas" de David. No se puede decir que éste sea el cuadro definitivo del estudio de Las Meninas ya que realizó una serie con más de cincuenta versiones. Las licencias que toma en estas interpretaciones son arriesgadas: el formato horizontal y no vertical como el original para incluir más elementos narrativos, nuevos personajes -retratos de Jaqueline su compañera en esos momentos, palomas...-. Lo que queda patente es su admiración por Velázquez, su figura es enorme, va desde el suelo hasta el techo. Es el tema principal de la pintura, para Picasso es más importante el pintor que su obra por muy excepcional que ésta sea. Como curiosidad Picasso comienza la serie de Las Meninas en agosto y termina en diciembre de 1957 pero no dejó que nadie, excepto Jacqueline, los viese durante este tiempo.
    • Guernica (1937) Contemplando la obra de derecha a izquierda puedes ver una mujer desesperada, gritando de dolor dentro de una casa que se derrumba y arde. A su izquierda dos mujeres más, la de la parte superior asoma por una ventana y porta en su mano una lámpara, la luz de la verdad , que ilumina los estragos producidos por la barbarie. La de la parte inferior sale de la casa arrastrándose en su agonía. En el centro de la composición se encuentra el caballo, retorcido sobre sí mismo y mostrándonos una espuela; su boca abierta y su lengua-lanza demuestran su excitación ante los acontecimientos. Justo encima está el sol, empequeñecido, en forma oval y con una bombilla en su centro como si el humo del bombardeo hubiese contraído el astro rey y la única fuente de iluminación tuviese que ser artificial. Un poco a la izquierda un pájaro agita las alas y clama al cielo desesperado como si pidiese inútilmente una explicación para lo acontecido. Bajo las patas del caballo yace el guerrero muerto, su mano todavía sujeta una espada rota. En el extremo izquierdo, un toro contempla la escena sorprendido y desconcertado y, a su lado una visión terrible: una madre abrumada por el dolor lleva en sus brazos el cuerpecito de su hijo muerto mientras mira al cielo rota por el dolor y la pena. Picasso renuncia al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el blanco y el negro, es lo que en arte se denomina grisalla. Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana. Una característica que el autor utiliza con frecuencia es la representación simultánea de varios planos en los rostros, como si los viésemos a la vez de frente y de perfil, de ahí un ojo diferente del otro, produciendo una visión globalizadora. Técnicamente el Guernica tiene rasgos cubistas (reduce las formas naturales a formas geométricas) pero también emplea el expresionismo en los gestos extremos de los personajes y una gran pureza y definición de líneas que nos recuerda el neoclasicismo.
    • Salvador Dalí  (1904 - 1989)
      • Pintor surrealista español nacido en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. Creó la “ Muchacha en la ventana ” (1925). En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas.
      • La producción de Dalí de este periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, “ Los placeres iluminados” y “ El retrato de Paul Éluard ” (1929), los relojes blandos de “ La persistencia de la memoria” (1931).
      • Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar “ la Crucifixión” (1954) y “ La Última Cena” (1955).
      • La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres
    • Obras Muchacha en la ventana (1925) Retrato de Paul Éluard (1929) El retrato que Dalí nos presenta comenzó a realizarse en ese mismo verano, cuando sus relaciones con Lorca estaban a punto de terminar. Es la expresión de continuidad del amor de Paul Éluard por su esposa Gala. Iconográficamente, presenta todos los elementos de El gran masturbador como la langosta, el pez como símbolo sexual de época lorquiana, las manos cortadas, los cambios de materia, el león como símbolo de la pasión, la jarra cortada, etc. También existen las referencias al amor contrariado, a la frustración sexual y alusiones a la muerte. El tratamiento de la figura, su hermana Anna María, es magistral. Dalí pone de manifiesto la tendencia a la nueva objetividad donde la corporeidad de la protagonista, la sequedad de la composición, el dominio técnico y la combinación de espacios ocupados con vacíos son los valores más importantes de la obra.
    • La persistencia de la memoria (1931) El reloj no sirve, no es materia, no funciona, de manera que aparece la estructura blanda simbolizando la idea pasional, vivencial y no racional, sobre la cabeza del gran masturbador como una masa viscosa, con un ojo, una pestaña y una gran nariz. Es el triunfo de los sueños que no están controlados por nada, es el canto al triunfo del deseo sobre la realidad. En definitiva, la capacidad de Salvador Dalí para mostrar, mediante imágenes inéditas, los mitos eternos del ser humano. Otros estudiosos insisten en la victoria del deseo sobre la presencia obsesiva del tiempo. Parece que estaba vinculado a una reflexión sobre la teoría de la relatividad, en la cual la postura de Dalí, que abogaba por acabar con el existencialismo y con la angustia del hombre ante su propio destino, lideraba a un gran sector del público
    • Joan Miró  (1893 - 1983)
      • Pintor español cuyas obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX. Miró nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Galí. Su obra anterior a 1920 muestra una amplia gama de influencias, entre las que se cuentan los brillantes colores de los fauvistas, las formas fragmentadas del cubismo y las bidimensionales de los frescos románicos catalanes. Pintó su “ Autorretrato ” (1919). En 1920 se trasladó a París, encontrándose con Pablo Picasso, donde, bajo la influencia de los poetas y escritores surrealistas, fue madurando su estilo. Miró arranca de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. Estas visiones oníricas, como “ El campesino catalán de la guitarra” , “ El carnaval del arlequín” (1925) o “ Interior holandés” (1928), a menudo comportan una visión humorística o fantástica, conteniendo imágenes distorsionadas de animales jugando, formas orgánicas retorcidas o extrañas construcciones geométricas. Las composiciones de estas obras se organizan sobre neutros fondos planos y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, como de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas bastante acentuadas, puntos, rizos o plumas. Posteriormente, Miró produjo obras más etéreas en las que las formas y figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas y explosiones de colorido abstractos. Aunque identificado con la causa republicana, tras el inicio de la II Guerra Mundial volvió a España en 1940, donde llevó una vida retirada durante toda la dictadura franquista. “ Mujer, pájaro y estrella” fue una de sus producciones en (1942). Miró también experimentó con otros medios artísticos, como grabados y litografías, a los que se dedicó en la década de 1950. También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin embargo, las creaciones que han tenido una mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas, entre las que destacan los grandes murales cerámicos “ La pared de la Luna” y “ La pared del Sol” (1957-1959) para el edificio de la UNESCO en París y el mural del Palacio de Congresos y Exposiciones de Madrid. En la actualidad su producción puede contemplarse en la Fundación Joan Miró en Barcelona, inaugurada en 1975, así como en los principales museos de arte contemporáneo de todo el mundo.
    • Obras Interior holandés I (1928) El carnaval del arlequín (1925) El interior holandés es una de las obras más representativas de la época central en la creación de Joan Miró. Apartado ya de las influencias fauvistas y cubistas, a partir de 1925 encuentra por fin un universo propio, una forma de pintar en la que se encuentra definitivamente a gusto. Es la búsqueda de lo esencial, depurando cada vez más su vocabulario expresivo. Es como si hubiera sufrido después de su periodo de juventud un “des aprendizaje”, pasando de las figuras a los ideogramas y los signos; de un trazo sabio, adulto y serio a otro infantil, ingenuo y lúdico.  En una habitación de dudosa estructura tridimensional, en la que cada pared tiene un color diferente, aunque, se puede observar un indicio de perspectiva, surge la figura de un guitarrista, cuya cabeza simplificada al máximo está rodeada de un halo blanco de donde salen un pequeño bigote descolocado y un mechón de cabellos que parecen rodear a una pequeña oreja. Ojos, nariz y boca permanecen dentro de un círculo de color ocre. El guitarrista sujeta el instrumento, quizá lo más reconocible de toda la composición, mientras se ve rodeado por una multitud de animalillos, plantas y pequeños objetos que parecen bailar al son de la música. La simplicidad es extrema, los colores, planos, se enmarcan en líneas muy definidas. Una ventana abierta a la izquierda deja ver un paisaje igual de alucinante que el interior de la sala. Escalera : Simboliza la huída. Es un elemento que empieza a usar aquí pero que empleará en muchas de sus obras. Insectos : Otros elementos que se repiten en su obra son los insectos, que le interesaban mucho. Globo : Es la representación del globo terráqueo, idea que le obsesionaba en ese momento a Miró. Triángulo : El triángulo negro representa la Torre Eiffel. Metamorfosis : Miró observa elementos de la naturaleza pero no los plasma en sus cuadros tal y como son, ni tan siquiera como los ve él. Lo que hace es un proceso de metamorfosis para crear formas diferentes. Por eso sus obras tienen siempre parecidos elementos, que se han convertido en el referente de su arte. Arlequín : Aunque no encontramos una jerarquía establecida en el cuadro, por el título sabemos que Arlequín es el protagonista. Porta sombrero, bigote,... Carnaval : La escena es un carnaval, donde las apariencias pueden transformarse para ver otra que hay debajo. Por eso, las formas tan extrañas tienen un simbolismo concreto. Este cuadro, según el propio Miró, fue realizado cuando sufría alucinaciones por el hambre.
    • Mujer, Pájaro y Estrella (1942) Otra de sus obras más conocidas es Mujer, pájaro y estrella. En este cuadro Miró informal e imaginativamente representa tres elementos extraídos de la naturaleza. La identificación de los personajes queda abierta a la imaginación de quienes contemplan la pintura y es el título quien nos da las pistas de lo que representa: una mujer, un pájaro, y una estrella, la parte más fácil de identificar. En esta pintura observamos la facilidad de Miró para combinar colores y formas geométricas, que en su conjunto proporcionan alegría y sensibilidad. El tema se repite en numerosos cuadros de la última etapa del pintor, caracterizada por las grandes dimensiones y la frescura. El soporte del cuadro es el lienzo, el material del que se compone esta obra es el propio de las vanguardias, caracterizado por el uso del óleo sobre lienzo, un procedimiento por el que se utiliza aceite de linaza como disolvente de los pigmentos. El cuadro se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. La temática representa de manera informal e imaginativa tres personajes extraídos de la naturaleza. La identificación de los personajes queda abierta a la imaginación de quien contempla la pintura y es el cuerpo quien nos da las pistas de lo que representa, una mujer, un pájaro y una estrella. Estas figuras se adaptan al marco
    • Escultores
    • Gian Lorenzo Bernini (1598-1680)
      • Fue uno de los artistas más sobresalientes del barroco italiano. Su actividad artística no se reduce a la escultura, también fue un gran arquitecto, pintor, dibujante y escenógrafo; concibió espectáculos de fuegos artificiales, realizó monumentos funerarios y fue autor teatral. Su arte es la quintaesencia de la energía y solidez del barroco en su apogeo. En la escultura, su gran habilidad para plasmar las texturas de la piel o de los ropajes, así como su capacidad para reflejar la emoción y el movimiento, eran asombrosas. Bernini introdujo cambios en algunas manifestaciones escultóricas como los bustos, las fuentes y las tumbas. Su influencia fue enorme durante los siglos XVII y XVIII, y puede comprobarse en la obra de maestros como Pierre Puget, Pietro Bracci y Andreas Schlüter. Toda su vida la dedicó al trabajo y su trayectoria se caracteriza por el gran número de proyectos que emprendió. Desarrolló su carrera casi por completo en Roma, aunque había nacido en Nápoles el 7 de diciembre de 1598. Su padre, Pietro Bernini, un escultor de talento del manierismo tardío, fue su primer maestro. Muchas de sus primeras esculturas estaban inspiradas en el arte helenístico. La cabra Amaltea amamantando a Zeus niño y un joven sátiro es un ejemplo típico del gusto por lo clásico del entonces joven escultor. Sin embargo, los grupos escultóricos de Bernini de la década de 1620, como El rapto de Proserpina (1621-1622).
      • También de la década de 1620 son sus primeros proyectos arquitectónicos, como la fachada de la iglesia de Santa Bibiana de Roma (1624-1626) y la creación del magnífico baldaquino (1624-1633), dosel sobre el altar mayor de la basílica de San Pedro, que fue un encargo del papa Urbano VIII, primero de los siete pontífices para los que trabajó. Este proyecto, obra maestra de ingeniería, arquitectura y escultura, fue la primera de una serie de obras monumentales para la basílica de San Pedro. Más adelante realizó las tumbas de Urbano VIII (1628-1647) y Alejandro VII (1671-1678), ambas en la basílica de San Pedro. En la colosal Cátedra de San Pedro (1657-1666). Bernini fue el primer escultor que tuvo en cuenta el dramatismo potencial de la luz en los grupos escultóricos. Esto se evidencia aún más en su famoso Éxtasis de santa Teresa (1645-1652). Los numerosos bustos que realizó expresan un sentimiento análogo de convincente realismo dramático, tanto los de carácter alegórico como El alma condenada y El alma salvada (1619), como los que eran retratos, por ejemplo el del Cardenal Scipione Borghese (1632) o el de Luis XIV de Francia (1665). Dentro de las obras arquitectónicas no religiosas de Bernini se incluyen proyectos para diversos palacios: el palacio Ludovisi (1650) y el palacio Chigi de Roma (1664). Bernini proyectó también tres iglesias: la de Castelgandolfo (1658-1661) construida sobre planta de cruz griega, y la de Ariccia (1662-1664) con planta circular. La tercera es su mayor logro dentro de la arquitectura religiosa: el templo de San Andrés del Quirinal (1658-1670) También son de la década de 1660 la Scala Regia (1663-1666), que conecta las habitaciones papales del palacio del Vaticano con la basílica de San Pedro, y la magnífica Plaza de San Pedro (1667), que enmarca la entrada a la basílica dentro de un espacio oval dinámico formado por dos columnatas semicirculares. Entre las fuentes de carácter escultórico diseñadas por Bernini destaca la espectacular Fuente de los cuatro ríos (1648-1651) en la piazza Navona. Bernini ejerció su actividad prácticamente hasta su muerte, el 28 de noviembre de 1680. Su última obra, El busto del Salvador , presenta una imagen de Cristo sobria y contenida que hoy día ha sido interpretada como la actitud de calma y resignación de Bernini ante la muerte
    • Obras Constantanza Buanorelli (1635) En este busto aparece representada la que fue amante de Bernini y mujer de uno de sus oficiales Constanza Buanorelli. Este retrato presenta unas características similares al de Scipione Borghese, siendo una muestra de la obra de madurez de Bernini. Se caracteriza por la inmediatez e instantaneidad de la percepción de la retratada, así como por su realismo. La baja situación social de Constanza permite una cercanía que se hace imposible en los retratos protocolarios y de carácter oficial. Sepulcro de la Beata Ludovica Albertoni (1671-1674) Esta fue beatificada en 1671 por el papa Clemente X, siendo la obra encargada por el cardenal Paluzzo Albertoni ese mismo año, finalizándose en 1674. Este sepulcro se encuentra en una capilla en San Francesco a Ripa . Esta se trata de una obra de carácter espectacular, siendo el marco de la capilla redecorado por el propio Bernini. La luz se filtra en el interior de esta a través de una claraboya invisible y deja caer un chorro de luz sobre el rostro de la beata. La capilla nos recuerda a una capilla Cornaro en miniatura. La figura de Ludovica es también una nueva Santa Teresa y se le ve invadida por una crispación de carácter místico muy propia de la época. Fuente del Tritón (1642-1643) Esta fuente fue la segunda realizada por Bernini y se encuentra situada en la plaza Barberini, siendo encargada por la familia del mismo nombre. Es de pequeño tamaño y en ella se encuentra representado un tritón. Alejandro VII sustituye a Inocencio X en el solio, restituyendo a Bernini su situación de privilegio dentro del arte romano y continuando las obras de Urbano VIII.
    • Donatello, (Donato di Betto Bardi) (1386-1466)
      • Nacido en Florencia en 1386 en el seno de una humilde familia, -su padre era cardador de lana- desde joven se formó con Ghiberti colaborando en los relieves de las puertas del Baptisterio de San Juan de Florencia. Posteriormente, trabajó con Brunelleschi. Conocedor de la antigüedad clásica, cuya influencia se reflejará a lo largo de su obra, sus inicios están marcados por la escultura gótica. Así, sus primeras obras son las estatuas de “ San Marcos ”, “ San Jorge ”, “ San Juan Evangelista” y “ Josué” , todas ellas en Florencia. El clasicismo más vigoroso se muestra a partir de 1425, cuando empieza a trabajar con Michelozzo y en la ciudad de Roma, donde esculpe " El entierro de Cristo" y “ El cáliz de la sacristía” de la basílica de San Pedro. De nuevo en Florencia realiza su obra más sobresaliente, “ El David” en bronce. Después de 1435, su estilo se desliza claramente hacia el realismo y la acción dramática, dando a sus personajes una mayor fuerza expresiva y psicológica. De este período son “ El Condottiero Gattamelata” , "Judith y Holofernes " y " Los milagros de San Antonio “” Madonna Pazzi ”, ” Festín de Herodes en mármol ”. La expresividad de su obra en esta época sentará escuela no sólo entre los escultores posteriores sino también entre pintores, como Mantegna. Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466.
    • Obras El David es una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia. Actualmente se encuentra en el Museo del Bargello. Es una obra representativa del quattrocento italiano y tiene un aire inequívocamente clásico debido a su desnudez y a su composición claramente praxiteliana. Por eso, aunque se trata de un tema bíblico, en este adolescente frágil y audaz se reconoce inmediatamente a un héroe de la Antigüedad clásica El David de Donatello, Florencia , Italia (1386-1466) Una larga serie de relieves tratados con la técnica del stiacciato realizó Donatello durante toda su trayectoria artística, como el relieve de la Madonna Pazzi en mármol, encargo realizado entre 1425-1430 para el Palazzo Pazzi florentino, en éste la perspectiva viene desde la parte baja, los planos son en gradación y con un drapeado de gran delicadeza. Este tipo de imagen de la Virgen con el Niño de medio cuerpo sería cada vez más representada durante el Quattrocento, reservada sobre todo para el culto privado. Madonna Pazzi (1425-1430) El Festín de Herodes en mármol , ya había sido tratado este mismo tema, con material de bronce anteriormente. En el de mármol, el tratamiento llega a un alto grado de sutileza y difuminación, que demuestra hasta que punto había llegado el autor, con el dominio en el relieve, con la resolución en la dificultad de la representación de la parte arquitectónica, así como en las figuras que se encuentran admirando la danza de Salomé, llena de sensualidad Festín de Herodes en mármol (1437)
    • Antonio Canova (1757-1822)
      • Antonio Canova (Possagno, Italia, 1 de noviembre de 1757 - Venecia, 13 de octubre de 1822) fue un escultor italiano.
      • Tras la muerte de su padre, cuando él tenía 3 años, su madre contrajo segundas nupcias dejándolo al cuidado de su abuelo. La familia Canova había sido rica, aunque desafortunadas especulaciones los habían arruinado. A causa de sus modestos orígenes familiares, Antonio no pudo realizar estudios artísticos y comenzó practicando otros oficios, como carpintero aprendiz de Georga Borghese, conocido como jorjina. Su abuelo se vio en la necesidad de que Antonio aprendiera un oficio siendo joven, con lo cual comenzó a trabajar en una cantera. Poco tiempo después ya comenzaba a esculpir estatuillas de expresiva gracia.
      • Cuando tenía 16 años falleció su maestro, aunque ya no necesitaba más enseñanzas. Su protector le confió la ejecución de dos grandes estatuas a tamaño natural. Se trataba de “ Orfeo y Eurídice” . Fue una ardua tarea para un escultor tan joven, pero él no se desanimó y esas estatuas, por el candor y la espontaneidad de su expresión y la armonía de su línea, figuran entre sus grandes obras. En los años posteriores esculpió numerosos trabajos que expuso en el año 1779. En lugar de envanecerse, decidió esforzarse y perfeccionar aún más su producción. Decidió instalarse en Roma, en 1781 donde el Papa había inaugurado un Museo de Antigüedades.
      • El príncipe Rezzónico y sus dos hermanos, ambos cardenales, le encargaron un monumento funerario destinado a la Basílica de San Pedro, para el Papa Clemente XIII. Durante cuatro años se consagró a esta obra sin descanso. Observando la finura de los detalles, el maravilloso relieve de los encajes que adornan las vestimentas de la estatua de Clemente XIII, se admira en Canova, además de su arte, la "artesanía" que le obligaba a extremar la minuciosidad y la precisión hasta lograr un trabajo perfecto. En ciertas obras suyas, la piedra resucita la mirada de los que ya no existen y hasta su alma parece aflorar en la expresión humana y vívida.
      • En 1792, fue inaugurado el monumento y fue para Antonio, su día de triunfo. Pero su salud estaba muy resentida por el esfuerzo de su trabajo. Hizo un corto viaje a Venecia y a su regreso a Roma comenzó su trabajo en un monumento para el almirante Ángel Emo, destinado al Palacio ducal de Venecia.
      • El duque Caetani le encargó un grupo representando a “ Hércules y Lichas” , para el que Canova ejecutó un monumento colosal que, a causa de la poderosa musculatura de Hércules, produce una impresión de fuerza que no era la que buscaba el artista.
      • Ya en la cumbre de la celebridad y la fortuna, fue llamado por Napoleón Bonaparte a París, para ejecutar el busto del “ Gran Corso” . Poco después le fue encargado el “ Mausoleo de Victorio Alfieri” . Luego recibió pedidos de distintos soberanos por lo que viajó a Nápoles, Roma, París y Viena. Los amplísimos talleres que tenía no daban abasto para contener sus obras. Canova fue el encargado de reproducir los bustos de otros miembros de la familia Bonaparte, como el de Paulina Borghese bajo el aspecto de “ Venus victoriosa” .
      • Tras el destierro de Napoleón a la isla de Santa Elena, Canova fue enviado especialmente a París por el Papa para pedir la devolución de los monumentos quitados a Italia. De regreso a su patria esculpió otras obras notables: “ Las tres Gracias” , “ El monumento de La Guerra y la Paz” , y “ La estatua de Washington” que le había sido encomendada por el Senado de Carolina.
      • El 21 de septiembre de 1821 regresó a Pessagno, su ciudad natal, con el propósito de reponer su quebrantada salud. Pero no pudo resignarse a la inactividad. Falleció en Venecia al año siguiente.
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    • Obras Psique reanimada por el beso del amor ( 1793) Paulina Borghese, por Antonio Canova, Italia (1757-1822) Daedalus e Ícaro, por Antonio Canova, Italia (1757-1822)
    • Verrocchio, (Andrea di Cione) 1435-1488
      • Verrocchio nació en Florencia en 1435, hijo de Michele di Francesco Cioni, quien trabajó como fabricante de azulejos y tejas y, más tarde, como recaudador de impuestos. Michele nunca se casó, y tuvo que proporcionar apoyo financiero a algunos miembros de su familia. La fama de Michele creció al unirse a la corte de los Médicis, en la que permaneció hasta que su taller se trasladó a Venecia.
      • Andrea comenzó a trabajar como orfebre en el taller de Giulio Verrocchi.
      • Sus primeros esfuerzos en pintura datan de los años 1460, cuando trabajó en Prato junto a Filippo Lippi.
      • La única pintura firmada de Verrocchio es la “ Virgen con Niños y Santos” , en la catedral de Pistoia.
      • Alrededor de 1465 trabajó en el lavabo de la antigua sacristía de la San Lorenzo, Florencia. Entre 1465 y 1467 ejecutó el monumento funerario a Cosme de Médicis para la cripta bajo el altar de la misma iglesia, y en 1472 completó el monumento a Pedro y Juan de Médicis en la antigua sacristía.
      • En 1466 la cofradía de mercaderes de Florencia le encargó un grupo en bronce titulado “ Cristo y Santo Tomás” para un nicho externo de la iglesia de Orsanmichele. La obra se colocó allí en 1483
      • En 1468 Verrocchio hizo unos famosos candelabros, hoy en Ámsterdam, para un pasillo del Ayuntamiento de Florencia. A principios de los años 1470 viajó a Roma, mientras que en 1474 ejecutó el monumento “ Forteguerri” para la catedral de Pistoia, que dejó inacabado.
      • De 1474-1475 es el “ Bautismo de Cristo”, actualmente conservado en los Uffizi. En esta obra fue ayudado por Leonardo Da Vinci, que por entonces era un joven, quien acabó el
      • Después de mediados de la década de los setenta, Verrocchio se dedicó principalmente a la escultura, al principio siguiendo los cánones estándar florentinos. Esto es evidente en la estatua de bronce del “ David” , encargo de Lorenzo y Juliano de Médicis hacia 1476. El David de Verrocchio es menor de edad, y está vestido con modestia, en contraste con el provocativo David de Donatello, altivo en su victoria. Gracias a su sublime elegancia es una de sus esculturas más valoradas, junto al Retrato ecuestre de Colleoni.
      • En 1478 Verrocchio comenzó la que sería su obra más famosa, una estatua ecuestre del “ Condottiero Colleoni” , quien había muerto tres años antes. La obra fue un encargo de la República de Venecia. Fue el primer intento de producir semejante grupo, con una de las patas del caballo en el aire. La estatua destaca también por la expresión en el rostro de Colleoni, que obedece a una observación cuidadosa, y que refleja un mando severo. De esta estatua sobresale también la magnífica plasmación del movimiento.
      • Verrocchio envió a sus comitentes un modelo en cera en 1480, y en 1488 finalmente se trasladó a Venecia para asistir a la fundición del grupo. Sin embargo, murió ese mismo año, antes de que la obra estuviera acabada.
    • Obras Cristo y San Tomás, Por Verrocchio, Florencia, Italia (1435-1488) Cristo de terracota, por Verrocchio, Florencia, Italia (1435-1488) El David de Verrocchio, Florencia, Italia (1435-148)
    • Luca della Robbia (1399-1482)
      • Luca nació en el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no sólo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni, considerado, por entonces en Florencia, como el mejor maestro en este arte.
      • Nacido en el seno de una familia de tintoreros, empezó como escultor de mármol y estudió la escultura antigua. Luca Della Robbia realizó la “ Tribuna de los Cantores” , en la Catedral de Florencia (1431), bajorrelieve muy importante que tenía que emplazarse encima de la puerta de la sacristía. La terminó hacia 1438-1439.
      • En 1446, Luca y su hermano Marco, compraron una gran casa para instalar un taller y un horno. En 1448 murió Marco dejando a cargo de Luca a sus seis sobrinos, entre los cuales destaca Andrea que fue el más conocido. Andrea se hizo cargo de la Botega (taller) a la muerte de su tío, y sus cinco hermanos trabajaron con él. El más célebre es el tercer hijo: Giovanni. Después el taller dejaría de funcionar.
      • No tan avanzado en las tendencias del Renacimiento formuladas por Brunelleschi, Masaccio, Donatello, etc., Luca Della Robbia es un escultor cuya sobriedad clara de los planos y los ritmos, la serenidad clásica de los rostros, las formas simples y la sensibilidad de la luz estarán siempre presentes en su obra. Buscó la fórmula para de conservar sus obras de barro cocido. Siempre según Vasari, "Considerando que el barro se trabaja fácilmente y sin grandes fatigas, busca el medio de conservar las obras una vez que las mismas están acabadas, sueña que encuentra ese medio para defenderlas de las injurias del tiempo, después de haber experimentado con cantidad de cosas, descubre, por fin, que recubriéndolas con una mezcla de estaño, de antimonio y otros minerales y mixturas cocidas en un horno especial, se obtiene un efecto eficaz para conservar la obra de barro casi eternamente". El sobrino del artista y los hijos de éste continuaron con esta técnica.
      • Una de las últimas esculturas del repertorio de Giovanni Della Robbia titulada “ Visitar a los enfermos” datada en 1525-1529, se puede contemplar en el Hospital del Ceppo de Pistote.
      • La producción familiar fue muy prolífica y se exportó a toda Europa. Comprende frisos y retablos, emblemas de corporaciones o armas aristocráticas, retratos de la Virgen María o de santos, para la devoción privada. Las obras de los Della Robbia se caracterizan por su gracia, el brillante colorido del esmalte (especialmente el blanco y el azul), la finura del modelo y la frescura del diseño. Su estilo se reconoce facilmente. Murió en 1482
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    • Obras Niño con una vela, por Luca della Robbia, Florencia, Italia (1399-1482) Madonna y Niño, por Luca della Robbia, Florencia, Italia (1399-1482) Virgen de las Rosas, por Luca della Robbia, Italia (1399-1482)
    • Fidias (498-432 a.C)
      • Fue el más famoso de los escultores de la Antigua Grecia, pintor y arquitecto, perteneciente al primer clasicismo griego. Fidias diseñó las estatuas de la diosa Atenea en la Acrópolis de Atenas y la colosal estatua sentada de Zeus en Olimpia.
      • Se sabe que nació en Atenas poco después de la batalla de Maratón. Aprendió la técnica del bronce en la escuela de Argos con Agéladas, a la vez que Mirón y Policleto. Al parecer, su actividad artística empieza en 464 a. C. De su vida se sabe poco más aparte de sus obras. Pausanias, sin embargo, menciona a dos de sus estudiantes, que también fueron sus eromenoi . Uno es Agorácrito quien es también conocido por su escultura de Némesis en Ramnunte. Otro amado, incluso más estrechamente relacionado con el escultor, es Pantarces, un joven eleo y ganador del combate de lucha juvenil en las 86. Olimpíadas en 436 a. C. Pausanias informa de una tradición según la cual el chico fue el modelo para una de las figuras esculpidas en el trono del Zeus Olímpico.
      • Fidias es considerado uno de los fundadores y uno de los mejores exponentes del Alto clasicismo en la escultura, y reconocido unánimemente como uno de los escultores más importantes de Occidente.
      • Fidias vivió en el llamado Siglo de Pericles , un periodo de intensa actividad política, militar y cultural en Atenas. La democracia se consolidó como una forma de gobierno racional, liberal y equilibrada, esencialmente humanista y completamente opuesta al totalitarismo encarnado por los persas, que se encontraban en guerra con los griegos (Guerras Médicas), desde mediados del siglo VI a. C., hasta la victoria de los griegos en 479 a. C., en la Batalla de Platea. Con la ascensión al poder de Pericles en 460 a. C., el enfoque cambió, y se selló una paz duradera con los persas con el fin de concentrar sus fuerzas para combatir la rivalidad de Esparta, a expensas de sus aliados en la Liga de Delos. Tales eventos dieron lugar a una reorientación en el programa de edificaciones civil y conmemorativos en la ciudad griega, debido a que los persas saquearon y destruyeron monumentos y templos en 480 a. C. De inicio, los edificios fueron dejados deliberadamente en ruinas, como si su hubiera tratado de una invasión de parte de los bárbaros, pero la paz con los antiguos enemigos permitió una revisión de la política, y parecía natural que la ciudad fuese restaurada, especialmente sus santuarios en la Acrópolis, como la forma de expresión de su posición política dominante y como una señal de gratitud de Atenea, la diosa tutelar de la Ática. Para administrar ese impulso constructivo Fidias fue contratado como el Supervisor General de las Obras.
      • Alrededor del siglo V a. C., el rigor arcaico comenzó a disolverse debido a causas aún desconocidas, naciendo entonces el denominado Estilo severo o pre-clásico, en vista de la decadencia de la sociedad oligárquica y aristocrática que habían servido como justificación, al igual que el florecimiento del sistema democrático, donde los propósitos colectivos coincidían aferradamente a los individuales. El Estilo severo dio lugar a un nuevo énfasis en el individuo, colocándolo en el centro del universo (algo parecido al antropocentrismo y al humanismo, realizando representaciones del cuerpo humano para disolver las abstracciones formales arcaicas y dando origen a un estilo más cercano a la naturaleza. A mediados del siglo V a. C. Mirón, Policleto y Fidias entraron en escena reformulando definitiva y completamente el canon de las proporciones arcaicas y fundando el Clasicismo escultórcio, retratando el cuerpo de una manera más naturalista, pero buscando en el una reflexión colectiva de los valores morales.
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    • Obras Venus de Milo hallada en la isla de Melos, Grecia, s.V a.C. Sátiro, personaje mitológico, escultura griega del siglo IV a.c Réplica de Diosa Atenea, original de Fidias, Atenas, Grecia (498-432) a.c
    • Miguel Angel, (Michelangelo Buonarroti) 1475-1564.
      • (Miguel Ángel Buonarrotti, Italia 1475 - Roma, 1564) Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità , a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.
      • La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médicis, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.
      • En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: “ El Baco” y “ La Piedad de San Pedro” . Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica. Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos “ El David” , el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista.
      • En 1505, cuando trabajaba en el cartón preparatorio de la Batalla de Cascina para el Palazzo Vecchio, el papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos; dejó a medias varias estatuas de esclavos que se cuentan en la actualidad entre sus realizaciones más admiradas, ya que permiten apreciar cómo extraía literalmente de los bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos.
      • En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro, en la que modificó sustancialmente los planos y diseñó la cúpula, que es obra suya. Su otra gran realización arquitectónica fue la finalización del Palacio Farnesio , comenzado por Sangallo el Joven.
    • Obras El David de Miguel Ángel, Italia (1475-1564) Baco esculpido por Miguel Ángel, Italia (1475-1564) La piedad Florentina, por Miguel Ángel, Italia (1475-1564)
    • Benvenuto Cellini (1500-1571)
      • (Florencia, 1500-id., 1571) Escultor y orfebre italiano. Su personalidad es una de las mejor conocidas del Renacimiento italiano gracias a su autobiografía, que gozó de gran fama en los siglos XVII-XVIII, hasta el extremo de encumbrar al artista por encima de sus merecimientos. La obra muestra a un Cellini orgulloso de sí mismo y narra una vida llena de aventuras y de anécdotas que dan origen a páginas de gran interés, reveladoras del ambiente cultural y social de su época.
      • De 1519 a 1540 residió fundamentalmente en Roma, donde se sabe que recibió encargos del Papa y de otros comitentes destacados, pese a lo cual sólo se conservan de aquel período algunos sellos, monedas y medallas.
      • En 1540 se trasladó a Francia para trabajar al servicio de Francisco I en Fontainebleau. Por entonces realizó el celebérrimo Salero de oro con esmaltes, que constituye la mejor creación de la orfebrería renacentista gracias a su plasmación en pequeño tamaño y con multitud de detalles de un grupo escultórico digno de haber sido realizado en gran escala.
      • “ La Ninfa de Fontainebleau” es la primera escultura que se conoce de su mano, fechada poco antes de su regreso a Florencia motivado por problemas con la corte, en 1545. En esta ciudad trabajó al servicio de Cosme I de Médicis, para quien realizó bustos y esculturas de en metal, entre las cuales se cuenta el famoso “ Perseo en bronce” de la Loggia dei Lanzi, que se considera su obra maestra.
      • Todas estas creaciones se caracterizan por el trazo nervioso y la riqueza de detalles, transposición a la escultura de su formación como orfebre. Escribió dos tratados (de escultura y de orfebrería), de carácter eminentemente práctico, en los que incluyó detalladas descripciones de sus obras y noticias sobre otros artistas de su tiempo .
    • Obras Perseo y Medusa, por Benvenuto Cellini, Florencia, Italia (1500-1571) Musa de Founteinbleu, por Benvenuto Cellini, Italia (1500-1571) Ganimedes, por Benvenuto Cellini, Florencia, Italia (1500-1571)
    • Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
      • Lorenzo Ghiberti (Florencia, 1378 - id., 1 de diciembre de 1455). Escultor, orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano del Quattrocento.
      • Comenzó su actividad artística como orfebre. Sin embargo, no ganó fama hasta 1401, cuando participó en el concurso para decorar las segundas puertas del baptisterio de la catedral de Florencia, resultando ganador, al renunciar al premio ex aequo (con igual mérito) Brunelleschi, el otro finalista.
      • Su triunfo en el concurso resultó decisivo para su vida, puesto que la magnitud de la tarea requirió la creación de un taller de gran tamaño, que se convertiría en el principal de la ciudad durante medio siglo. En él se formaron figuras destacadas del Renacimiento, como Donatello, Michelozzo, Uccello, Masolino y Filarete.
      • El trabajo en estas puertas ( Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia ) duró más de veinte años (de 1403 a 1424), y se incluyeron veinte episodios de la vida de Cristo y ocho tallas de santos, de un estilo minucioso, cercano al gótico.
      • Su obra tuvo tanto éxito que posteriormente el gremio de comerciantes de Florencia le encomendó el encargo de ejecutar para el mismo baptisterio una tercera doble puerta, que acabó en 1452. Está decorada con diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento, en un estilo totalmente diferente al anterior, en el que se aplican consecuentemente las reglas de la perspectiva renacentista. Miguel Ángel bautizó esta puerta como «Puerta del Paraíso», nombre con que se la sigue conociendo actualmente.
      • Resultó también finalista junto a Brunelleschi en el concurso para la construcción de la cúpula de la catedral (Santa María de las Flores), pero esta vez el trabajo le fue encargado a Brunelleschi
      • Ghiberti esculpió también algunas estatuas de bronce para la iglesia florentina de Orsanmichele. En sus últimos años escribió los tres tomos de « I Commentarii » ( Los Comentarios ), en el que se incluían con valiosas referencias a pintores y escultores italianos, así como una autobiografía, que es la primera que se conserva de un artista.
    • Obras San Mateo, por Lorenzo Ghiberti, Florencia, Italia (1378-1455) Virgen y Niño, por Lorenzo Ghiberti, Florencia (1378-1455) Puertas del paraíso, por Lorenzo Ghiberti, Florencia, (1378-1455)
    • Bertel Thorvaldsen (1770-1844)
      • Nació en Copenhague en 1770, hijo de un islandés que se estableció en Dinamarca, donde trabajó como tallista de madera. Este relato es controvertido por algunos islandeses, que consideran que Thorvaldsen nació en Islandia.
      • El joven Thorvaldsen estudió en la Academia de Copenhague, donde tuvo como maestro, entre otros, a Nikolai Abildgaard. Ganó todos los premios, incluida la gran medalla de oro. Como consecuencia, le concedieron una beca real, lo que le permitió marchar a Roma, para estudiar la escultura clásica. Allí llegó el 8 de marzo de 1797. Dado que la fecha de su nacimiento nunca se había registrado, celebró este día como su «cumpleaños romano» durante el resto de su vida.
      • El primer éxito de Thorvaldsen fue el modelo para una “Estatua de Jasón”, que fue muy alabado por Antonio Canova, el escultor más popular de la ciudad. En 1803 recibió el encargo de ejecutarlo en mármol para Thomas Hope, un rico mecenas de las artes inglés.
      • Vivió en Roma hasta 1838, y allí se convirtió en uno de los líderes del neoclasicismo conoció a su pareja, Anna María Magnani y trabó amistad con su compatriota el pintor Eckersberg.
      • En 1819 volvió temporalmente a Copenhague con el fin de comenzar la planificación del conjunto decorativo, a base de colosales estatuas de mármol y relieves, para la nueva iglesia de Nuestra Señora, representando a Jesucristo y los doce Apóstoles. La catedral de Copenhague había resultado destruida en el bombardeo británico de Copenhague en 1807. Estas se ejecutaron después de su regreso a Roma, y no se completaron hasta 1838, cuando Thorvaldsen regresó a Dinamarca, siendo recibido como un héroe. Sólo las figuras de Cristo y san Pablo fueron esculpidas por Thorvaldsen; el resto fueron realizadas por los miembros de su taller sobre los modelos del maestro.
      • Murió de manera repentina en el Teatro Real de Copenhague el 24 de marzo de 1844, y legó gran parte de su fortuna para el edificio y mantenimiento de un museo en Copenhague, y para llenarlo también dejó toda su colección de obras de arte y los modelos de todas sus esculturas. El Museo Thorvaldsen de Copenhague contiene su colección de escultura antigua y obras de su producción. Thorvaldsen se encuentra enterrado en el patio de este museo, bajo un lecho de rosas, por deseo expreso suyo.
    • Obras Cupido, por Bertel Thorvaldsen, estilo italiano, Dinamarca (1770-1884) Las tres gracias, a manera italiana, por Thorvaldsen, Dinamarca (1770-1884) La matrona por Bertel Thorvaldsen, Dinamarca (1770-1884)
    • Fotógrafos
    • Helmut Newton (1920-2004)
      • De origen judío, nace en el Berlín en el año 1920. Justo cuando comienza la persecución contra los judíos, abandona Alemania hacia Singapur, donde trabajó como fotógrafo en un diario. Es ahí donde comienza su carrera fotográfica, aunque como tantos otros artistas no gozaba del apoyo de su padre.
      • De Singapur fue deportado a Australia. Y al ser alemán, estuvo un periodo en un campo de internamiento. Posteriormente fue alistado por el ejército australiano hasta el final de la II Guerra Mundial.
      • Después de la guerra, pone su propio estudio de fotografía y continua ese punto y aparte que sufrió su carrera. Es por esa época cuando conoce a la más tarde sería su mujer, June Browne. Más tarde, para completar su formación en el campo de la moda, marcha a Londres por dos años. Dejando atrás su etapa en Londres, viaja a París para trabajar con revistas especializadas en moda como Vogue o Elle. Tras tanto viajar, es en París donde fijará su residencia habitual. Allí su carrera como fotógrafo de moda empieza a tener reconocimiento mundial, convirtiéndose en uno de los fotógrafos de más éxito. Los últimos años de Newton están a caballo entre Nueva York y Montecarlo.
      • El trabajo de Newton tiene un estilo propio que hace reconocer su obra allí donde se observe. Fotos llenas de glamour, seducción y elegancia le han hecho portada de las más prestigiosas revistas. Son famosas sus fotos de bellas mujeres en ambientes lujosos y alguna se ha convertido en una imagen icónica del siglo XX. Realmente, Newton ha sido un enamorado de la belleza, que casi obsesivamente, sabía captar como nadie con su cámara. Para visitar la mayor parte su obra y también objetos personales suyos tales como cámaras, bolsas de material y artículos usados para fotografiar debe dirigirse a Berlín, a la Fundación Helmut Newton, Museum für Fotografie. Jebensstrasse, 2
      • El 23 de enero de 2004 Helmut Newton moría en un accidente de tráfico en Los Ángeles.
    • Obras
    • Robert Capa (1913-1954)
      • Robert Capa (Ernö Friedmann), nació en la ciudad de Budapest, en el seno de una familia judía con buen pasar económico. Su madre una diseñadora de modas y su padre un pensador intelectual con influencias aristocráticas
      • Condenado en su adolescencia a vivir vagando por la ciudad por la instauración del taller de sus padres en la casa, en estas andanzas conocería a una de las mujeres que más influyó en su vida.. El nombre de esa mujer era Eva Besnyo, quien desde muy joven tuvo un gran interés por la fotografía.
      • A sus diecisiete años conoce a una de esas personas que moldearían su vida, uno de esos buenos amigos. Este ilustre personaje se llamaba Lajos Kassak. Dio a conocer la fotografía como un objeto social mostrando las injusticias del sistema capitalista y presentando trabajos en sus seminarios como los de Jacob Riis y Lewis Hine.
      • En 1929 la situación política iba de mal en peor con la imposición de un gobierno fascista en el Hungria, lo que obligó al joven Endré a salir del país. A los 18 años abandona Hungría. Tras su paso por Alemania, viaja a París, donde conoce al fotógrafo David Seymour quien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revista Regards para cubrir las movilizaciones del Frente Popular .
      • Entre 1932 y 1936, tratando de escapar del nazismo, Ernest Friedmann, viviendo en Francia, conoce a la fotógrafa alemana Gerda Taro que acabaría siendo su novia. Para tratar de aumentar la cotización de los trabajos de la pareja a menudo rechazados, inventan el nombre del fotógrafo norteamericano Robert Capa . Al estallar la Guerra Civil Española en julio de 1936 , Capa se traslada a España con su novia para cubrir los principales acontecimientos de la contienda española.
      • Siempre en primera línea, es mundialmente famosa su fotografía Muerte de un Miliciano , tomada en Cerro Muriano, en el frente de Córdoba .
      • Durante la retirada del ejército republicano en la batalla de Brunete , en julio de 1937 Gerda Taro muere al frenar el coche en cuyo estribo viajaba, caer y ser arrollada por el tanque que el conductor intentó evitar. En este tiempo, Capa cubrió también diferentes episodios de la invasión japonesa de China , ya en los prolegómenos de la II Guerra Mundial .
      • Durante la II Guerra Mundial, está presente en los principales escenarios bélicos de Europa , así desde 1941 a 1945 viaja por Italia , Londres y Norte de África. Del desembarco aliado en Normandía, el 6 de junio de 1944 , el famoso día-D , son clásicas sus fotografías tomadas, junto a los soldados que desembarcaban en la propia playa denominada Omaha en la terminología de la operación. Plasmó asimismo en imágenes la liberación de París. Huston Hu Riley fue el fotógrafo que retrató ese momento
      • En 1947 creó, junto con los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver y David Seymour, la agencia Magnum Photos , donde Capa realizó un gran trabajo fotográfico, no solo en escenarios de guerra sino también en el mundo artístico, en el que tenía grandes amistades, entre las que se incluían Pablo Picasso , Ernest Hemingway y John Steinbeck .
      • En 1954 , encontrándose en Japón visitando a unos amigos de antes de la guerra, fue llamado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo , mientras acompañaba a una expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó inadvertidamente una mina y murió, siendo el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y terminando así una azarosa vida profesional, guiada por una frase que popularizó: Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente .
    • Obras
    • Annie Leibovitz
      • Anna-Lou "Annie" Leibovitz es una fotógrafa estadounidense. Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C., y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que éste fuera asesinado en 1980.
      • Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair , Rolling Stone y Vogue . En 1983 ganó un Grammy en la categoría Mejor portada de un álbum al año siguiente fue galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año. En 1988 recibió el premio Clio por la campaña publicitaria de American Express y en abril del 2000, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos la nombró «Leyenda viviente».
      • Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publications desde 1993. Sus imágenes son representadas, desde 1977, por la agencia de fotoperiodismo Contact Press Images.
      • Leibovitz es la tercera hija del matrimonio judío compuesto por Samuel Leibovitz, un Teniente Coronel de las Fuerzas Armadas, y Marilyn Heit Leibovitz, una instructora de danza contemporánea. Las labores militares de su padre obligaban a Annie y a sus cinco hermanos a mudarse frecuentemente.
      • En la secundaria, Leibovitz se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música, e ingresó al Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte. Su interés por la fotografía surgió en un cuarto oscuro de una base aérea en Filipinas, donde su padre fue destinado durante la Guerra de Vietnam. Durante varios años continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares, incluyendo una temporada en un kibutz israelí en 1969, lugar en el que participó en una excavación arqueológica en el templo del rey Salomón.
    • Obras
    • Alfred Stieglitz (1864-1946)
      • ( 1 de enero de 1864 – 13 de julio de 1946 fotógrafo estadounidense que durante sus cincuenta años de carrera luchó por hacer de la fotografía una forma de arte al nivel de la pintura y la escultura. Pasó así del pictorialismo a la llamada fotografía directa. A Stieglitz también se le conoce por su matrimonio con la pintora Georgia O'Keeffe.
      • Stieglitz nació en Hoboken, Nueva Jersey como el mayor de seis hermanos y creció en la zona este de Manhattan. Su familia se mudó a Alemania en 1881. Al año siguiente, Stieglitz empezó a estudiar ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín y muy pronto cambió estos estudios por los de fotografía.
      • En 1893, tras su regreso a Nueva York, se casó con Emmeline Obermeyer. Tuvieron una hija, Kitty, en 1898. El dinero de ambas familias les aseguraba una posición desahogada, sin que tuvieran la necesidad de trabajar para vivir. De 1893 a 1896, Stieglitz fue editor de la revista American Amateur Photographer . Después de verse forzado a renunciar, Stieglitz se interesó por el New York Camera Club y posteriormente reconvertiría su boletín en una publicación seria y metódica conocida como Camera Notes .
      • En 1902 organizó un grupo al cual sólo se podía entrar por estricta invitación, y lo llamó Photo-Secession con el objetivo de forzar al mundo del arte a reconocer la fotografía "como un medio distintivo de expresión individual." Entre sus miembros se encontraban Edward Steichen, Gertrude Kasebier, Clarence H. White, y Alvin Langdon Coburn. Photo-Secession llevó a cabo sus propias exposiciones y publicó Camera Work , una prestigiosa revista fotográfica, entre 1902 y 1917.
      • De 1905 a 1917, Stieglitz dirigió las Little Galleries of the Photo-Secession en el 291 de la Quinta Avenida. En 1910, a Stieglitz se le invitó a realizar una exposición en Buffalo, Nueva York; en la Albright Art Gallery que alcanzó récords de visitantes
      • Stieglitz se divorció de su mujer Emmeline en 1918, Se muda con la artista Georgia O'Keeffe. Se casaron en 1924 y a ambos les sonrió el éxito, a él como fotógrafo, y a ella como pintora. Sin embargo, su matrimonio se desgastaría debido a la precaria salud de Stieglitz y a su hipocondría, que obligaba a la pintora a cuidarle de modo constante. Alrededor de la década de1930, Georgia O'Keeffe solía pasar unos seis meses en Nuevo México para alejarse de su marido.
      • El trabajo fotográfico de Stieglitz terminaría en 1937 debido a su enfermedad cardiaca. Durante los diez últimos años de su vida, veraneaba en el Lago George de Nueva York trabajando en un cobertizo que había convertido en un cuarto oscuro, y pasaba los inviernos con O'Keeffe en el Shelton de Manhattan, el primer hotel rascacielos de la ciudad. Murió en 1946 a la edad de 82 años
    • Obras
    • Gabriel Brau
      • Nacido en Cardedeu (Barcelona) el 9 de Diciembre de 1957. Iniciado en el mundo de la fotografía en el año 1976, se dedica profesionalmente a ella desde 1989 combinando los trabajos de fotografía comercial y publicitaria en estudio con los reportajes de carácter documental y de viajes.        Es miembro de las siguientes instituciones:        o Unió de Professionals de la Imatge i Fotografía de Catalunya (UPIFC). o Fedération Internationale de l’art Photographique (FIAP). o Confederación Española de Fotografía (CEF). o Federació Catalana de Fotografía (FCF).
      • Forma parte del:        o Consell Tècnic de l’Agrupació Fotogràfica de Catalunya (AFC). o Equipo docente de l’Agrupació Fotográfica de Montcada i Reixach (AFOTMIR).
      • Ha impartido numerosos cursos, talleres y conferencias sobre diversos aspectos y técnicas de la fotografía tanto analógica como digital, destacando:
      • o Curso general de Fotografía Básica. (Cardedeu-1990). Es autor del trabajo “EL TRATAMIENTO EN BLANCO Y NEGRO DEL ARCHIVO DIGITAL”.
      • Ha sido seleccionado para participar en eventos fotográficos como:
      • o 8ª PRIMAVERA FOTOGRÀFICA (1996).    (Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya). o BILBOARGAZKI (2007).    (Federación de Agrupaciones Fotográficas del Pais Vasco). o IV ENCUENTRO GRAN CANARIA FOTOGRAFÍA DIGITAL (2008).    (Cabildo de Gran Canaria).
    • Obras
    • Libres
    • Lavinia Fontana
      • Era hija del pintor Prospero Fontana, uno de los líderes de la escuela de Bolonia de la época, que enseñó a su hija el oficio. El estilo de Lavinia será, efectivamente, muy cercano al manierismo tardío que practicaba su padre. Ya desde muy joven se hizo un nombre como pintora de pequeñas obras de gabinete, principalmente retratos.
      • Fontana se casó en 1577 con Gian Paolo Zappi, un rico discípulo de su padre. Siguió pintando durante su matrimonio para ayudar a la familia mientras su esposo se encargaba de la casa y asistía a su mujer como ayudante. La familia se trasladó a Roma en 1603 por invitación del papa Clemente VII. Obtuvo el mecenazgo de los Buoncampagni.
      • Gradualmente fue adoptando el estilo clasicista de los Carracci contemporáneos de esta (y líderes de la escena artística bolognesa con su academia de postulados clásicos opuestos al Manierismo y al naturalismo de Caravaggio, a quienes se unieron posteriormente Guido Reni y Domenico Zampieri), con un colorido fuerte casi veneciano.
      • Recibió la influencia de artistas como Correggio y Scipione Pulzone.
      • Fue admitida en la Academia de Roma.
      • Obras destacadas
      • Retrato de Paul Praun (1573)
      • Cristo con los instrumentos de la Pasión (1576), Autorretrato con espineta (1577), Retrato del senador Orsini (1577), Sagrada Familia con San Francisco y Santa Margarita (1578), Retrato de dama (1580)
    • Obras Niño en la cuna (1583) Gesù appare Maddalena (1581) Minerva vistiéndose , 1613, óleo sobre lienzo, Galería Borghese, Roma.
    • Lorena Guzmán
      • Córdoba, Argentina, 1978
      • La obra de Lorena Guzmán tiene su base en la llamada escultura clásica, sus modelos estilísticos abarcan toda la historia de la escultura figurativa desde los griegos hasta los hiperrealismos modernos. De ellos toma su obra la blancura, a la que llega no mediante el mármol sino a través del modelado en arcilla y el vaciado en resina de poliéster coloreada. Sus esculturas invariablemente representan niños y animales. Los grandes relatos se tornan vulnerables, cercanos al ridículo, pero al mismo tiempo más personales, como juegos o prácticas de lo que serían. Los niños y los animales parecen habitar un mundo de primeras experiencias mucho más significativas y de algún modo más reales que el de los adultos. Todas las obras tienen un aura de intimidad, hacen de la experiencia representada algo eminentemente personal. En contraposición con otras figuras escultóricas infantiles, las suyas no celebran la inocencia de la niñez, sino y sobre todo, su seriedad, su irrecuperable despertar.
    • Obras OPHELIA resina poliéster - 20 cm. x 15 cm. x 10 cm. - 2009 Medea Octopus
    • René Magritte
      • René François Ghislain Magritte (n. 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica) fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.
      • Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.
    • Obras Los amantes (1928) La batalla del Argonne (1959) El castillo de los Pirineos (1959)
    • Maurits Cornelis Escher
      • M.C.Escher (Leeuwarden, Países Bajos, 17 de junio de 1898 - Hilversum, Países Bajos, 27 de marzo de 1972), es el artista que mejor ha reflejado gráficamente el pensamiento matemático moderno. 
      • Aún sin ser matemático, sus obras muestran un interés y una profunda comprensión de los conceptos geométricos, desde la perspectiva a los espacios curvos, pasando por la división del plano en figuras iguales.
      • Siempre ha sido uno de nuestros artistas favoritos porque obliga a meditar sobre sus obras.
      • Fue un artista holandés, conocido además por sus grabados en madera, xilografías y litografías que tratan sobre figuras imposibles, teselaciones y mundos imaginarios.
      • Su obra experimenta con diversos métodos de representar (en dibujos de 2 ó 3 dimensiones) espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.
      • La obra de Maurits Cornelis Escher ha interesado a muchos matemáticos.
    • Obras Belvedere (1958) Día y noche (1938) Manos dibujando (1948)
    • Pieter Brueghel el Viejo
      • Pieter Brueghel el Viejo , (c. 1525 - 9 de septiembre de 1569) es uno de los más grandes pintores flamencos del siglo XVI.
      • Fue aprendiz de Pieter Coecke, con cuya hija Mayke terminó casándose, y en 1551 fue aceptado como maestro en el gremio de pintores de Amberes. En 1558 estaba en Roma, donde trabó amistad con Giulio Clovio, retornando luego a Amberes y estableciéndose en Bruselas diez años más tarde. Murió en esa ciudad el 9 de septiembre de 1569.
      • Fue padre de Pieter Brueghel el Joven y Jan Brueghel el Viejo. Ambos se convirtieron en pintores, pero ninguno de ellos fue discípulo de su padre, ya que este falleció cuando ambos era aún niños.
      • Pieter Brueghel se especializó en paisajes poblados de campesinos, en un estilo más sencillo que el del arte italiano que prevalecía en ese tiempo. La influencia más notable en su arte es la del maestro holandés Hieronymus Bosch.
      • . Sus paisajes del invierno de 1565 corroboran la dureza de los inviernos durante la Pequeña Edad de Hielo .
    • Obras La Torre de Babel (1563) Proverbios holandeses (1559) Paisaje con la caída de Ícaro. (1558)