• Save
Pintura gótica.
Upcoming SlideShare
Loading in...5
×
 

Pintura gótica.

on

  • 2,309 views

Presentación 2º Bachillerato.

Presentación 2º Bachillerato.

Statistics

Views

Total Views
2,309
Views on SlideShare
1,405
Embed Views
904

Actions

Likes
3
Downloads
0
Comments
0

7 Embeds 904

http://aletiforever.blogspot.com.es 780
http://lolablog-profesociales.blogspot.com.es 100
http://127.0.0.1 12
http://www.edu.xunta.es 7
http://aletiforever.blogspot.com 3
http://aletiforever.blogspot.com.br 1
http://aletiforever.blogspot.it 1
More...

Accessibility

Categories

Upload Details

Uploaded via as Adobe PDF

Usage Rights

© All Rights Reserved

Report content

Flagged as inappropriate Flag as inappropriate
Flag as inappropriate

Select your reason for flagging this presentation as inappropriate.

Cancel
  • Full Name Full Name Comment goes here.
    Are you sure you want to
    Your message goes here
    Processing…
Post Comment
Edit your comment

Pintura gótica. Pintura gótica. Presentation Transcript

  • PINTURA GÓTICA
  • PINTURA GÓTICA. 1. DEFINICIÓN Y CRONOLOGÍA (etapas). 2. CONTEXTO HISTÓRICO. 3. SIGNIFICADO DE LAS ARTES FIGURATIVAS EN LA EDAD MEDIA. 4. TIPOS Y TÉCNICAS. • Pintura mural al fresco. • Pintura al temple sobre tabla: los retablos. • Pintura al óleo sobre tabla. • Pintura a la aguada sobre pergamino y papel: las miniaturas. • Las vidrieras. 5. LOS TEMAS. • Religiosos. • Profanos. 6. LAS FORMAS. • El Trecento italiano: escuela sienesa (Simone Martini) y escuela florentina (Giotto). • Pintura flamenca (Van Eyck).
  • 1. DEFINICIÓN DEL TÉRMINO GÓTICO (a comienzos del Renacimiento) ARTE GÓTICO se opone a ARTE CLÁSICO se relaciona con se relaciona con ARTE Y TRADICIONES GERMÁNICOS, GODOS, BÁRBAROS. ARTE Y TRADICIONES GRECORROMANOS, CULTOS, HUMANISTAS.
  • CRONOLOGÍA.
  • EXPANSIÓN DEL GÓTICO 1140 FINALES DEL XII SIGLO XIII
  • ETAPAS DE LA PINTURA GÓTICA GÓTICO LINEAL (Siglos XII-XIII) ITALO-GÓTICO (TRECENTO, s. XIV) GÓTICO INTERNACIONAL (Siglo XIV-XV) ESTILO FLAMENCO (Siglo XV) Vidrieras y miniaturas. Pintura al fresco. Pintura al temple sobre tabla Miniatura y pintura sobre tabla. Pintura al óleo sobre tabla.
  • 2. CONTEXTO HISTÓRICO. La arquitectura gótica y su expresión más característica, la catedral, surgen en Francia en torno al año 1140. El gótico es un estilo que se relaciona con el renacer de las ciudades y con el desarrollo de la burguesía.
  • En las ciudades aparecieron los gremios, asociaciones de artesanos preocupadas por el cumplimiento de una serie de normas relacionadas con su oficio y por el control de la calidad de los artículos. El trabajo del pintor se especializó y la calidad de la obra mejoró notablemente respecto al Románico.
  • En las ciudades se instalaron las órdenes mendicantes, franciscanos y dominicos, principalmente. La cultura dejó de estar dominada por los monasterios rurales y por la rigidez bendictina. Las ideas de dominicos y franciscanos de amor a la humanidad y a la naturaleza como reflejo de la grandeza de Dios dieron lugar a una religión más sentimental y humana, con un claro reflejo en la creación pictórica. VIRGEN GÓTICA. SAN FRANCISCO BENDICIENDO A LOS PÁJAROS.
  • 3. SIGNIFICADO DE LAS ARTES FIGURATIVAS. Las manifestaciones artísticas de esa época fueran esencialmente religiosas. La arquitectura (iglesias, catedrales y monasterios) ocupó un lugar fundamental. Las demás artes, como la escultura y la pintura, se utilizaron para decorar o completar los edificios religiosos. En el siglo XIV, con el desarrollo de lo retablos, la pintura comenzó a independizarse de la arquitectura. Con la aparición de temas profanos (retratos, ciudades), la pintura inicia un nuevo camino.
  • FINALIDAD DE LAS ARTES FIGURATIVAS EN LA EDAD MEDIA ADOCTRINAR SIMBOLIZAR TRANSPORTAR a gran parte de la población analfabeta. una realidad superior en la que hay que meditar. al espectador desde la contemplación de las cosas de este mundo hasta la contemplación de las cosas divinas. Las esculturas y pinturas muestran lo despreciable de este mundo y lo sublime del más allá. La lucha entre el Bien y el Mal, el castigo que espera a los pecadores y el premio para los bienaventurados. El Neoplatonismo defendido por San Agustín generó durante gran parte de la Edad Media la certeza de que el mundo natural es sólo una apariencia intermedia tras la que se oculta la verdadera realidad transcendente de Dios. De la misma manera que Platón proponía remontarse desde las sombras de la caverna hasta la contemplación de las ideas puras, así las artes plásticas debían facilitar el transporte místico del creyente. La introducción de temas profanos a partir del siglo XIV (caballeros, retratos, ciudades) añadirá una nueva finalidad artística que anuncia el Renacimiento: LA DESCRIPCIÓN DE LA REALIDAD NATURAL.
  • 4. TIPOS Y TÉCNICAS. A. PINTURA MURAL AL FRESCO. La arquitectura gótica había sustituido los muros de las catedrales por grandes ventanales con vidrieras. En con secuencia, la pintura mural, la de mayor difusión durante el Románico, desapareció de las catedrales y se destinó a la decoración de estancias palaciales, de capillas funerarias o de edificios eclesiásticos de órdenes poco ostentosas, como los franciscanos.
  • RETABLO DE LA VIRGEN Y SAN FRANCISCO MUSEO DEL PRADO, S. XV. B. PINTURA AL TEMPLE SOBRE TABLA: LOS RETABLOS. De las tablas únicas, típicas de los frontales románicos, se pasó a los dípticos, los trípticos, polípticos, hasta llegar a los grandes retablos del siglo XV, con numerosas tablas organizadas en calles verticales apoyadas sobre el banco y rematadas por el ático.
  • RETABLO DEL ESPÍRITU SANTO. IGLESIA DE SANTA MARÍA. MANRESA, S. XIV. Los retablos son característicos de los siglos XIV y XV. Su organización se mantiene en lo esencial casi sin variaciones hasta el barroco. ÁTICO GUARDAPOLVOS TERCER PISO Calle central SEGUNDO PISO Calles laterales Calles laterales PRIMER PISO BANCAL O PREDELA, DIVIDIDO EN CASAS.
  • C. PINTURA AL ÓLEO SOBRE TABLA. Una de las aportaciones decisivas de esta pintura será la utilización generalizada del óleo, técnica consistente en disolver los colores en un aglutinante oleoso que se obtenía a partir del aceite de linaza, de nuez o incluso de aceites de origen animal. El soporte es la tabla, ya que habrá que esperar al renacimiento veneciano (siglo XVI) para ver el lienzo. RETRATO DE UNA DAMA, Roger van der Weyden, s. XV
  • D. LAS MINIATURAS: AGUADA SOBRE PAPEL. Durante los siglos XIII y XIV buena parte de los ejemplos pictóricos más destacados se encuentran en las páginas de los libros. A medida que el sacerdocio perdía poder y la devoción se individualizaba, comenzaron a copiarse salterios (recopilación de los Salmos) no litúrgicos y, después, Biblias moralizantes y libros de horas (con las oraciones apropiadas para cada hora del día). En el primer gótico los temas eran de carácter sagrado y su composición seguía pautas similares a la de las vidrieras. En el siglo XIV se introdujeron temas profanos y el arte de las miniaturas se trasladó desde los scriptoria monacales a los talleres artesanos urbanos de París, Borgoña y Flandes. LIBRO DE HORAS DEL DUQUE DE BERRY. Hermanos Limburg, s. XV
  • MINIATURA ROMÁNICA MINIATURA GÓTICA
  • E. PINTURA MONUMENTAL: LAS VIDRIERAS. En el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV. La composición se elaboraba con vidrios de colores, pintados o recubiertos con esmaltes, que se ensamblaban mediante varillas de plomo. «El diablo y una mujer». Vidriera de la Sainte Chapelle, París, s. XIII.
  • 5. LOS TEMAS. A. RELIGIOSOS: La mayoría de los temas siguen siendo religiosos: • imágenes de devoción pintadas sobre tabla: Crucifixión, Virgen con el Niño. • Vida de Jesús y la Virgen María. • Hagiografía (vidas de santos sacadas de la «Leyenda Dorada», de Santiago de la Vorágine). LA VIRGEN Y EL NIÑO EN MAJESTAD. Cimabue, s. XIII.
  • INFLUENCIA DE LOS ICONOS BIZANTINOS: LOS FONDOS DORADOS. La pintura de temas religiosos sobre tabla estuvo muy influida por la pintura bizantina, por los iconos. Es un tipo de pintura lineal, en la que las figuras se muestran rígidas, inexpresivas , con los miembros pegados al cuerpo y los ojos mirando directamente al espectador. Aunque lo más llamativo es la utilización de fondos dorados, que simbolizan el espacio divino, entendido como luz, y niegan toda posibilidad a la representación del espacio natural mediante la perspectiva.
  • CRUCIFIXIÓN. Duccio di Buoninsegna, s. XIII. Italia. RETABLO DE LOS SANTOS ABDÓN Y SENÉN. Jaume Huguet, s. XV. España.
  • CANTIGAS DE SANTA MARÍA, S XIII . Gótico lineal. B. TEMAS PROFANOS: La novedad, en cuanto a temas, es la aparición de temas profanos: escenas cortesanas, el caballero medieval, la ciudad, el retrato. LIBRO DE LOS JUEGOS, S XIII . Gótico lineal.
  • RETRATO DEL CAPITÁN GIUDORICCIO DA FOGLIANO. Simone Martini, s. XIV. Trecento italiano. LIBRO DE HORAS DEL DUQUE DE BERRY. Hermanos Limburg, s. XV. Gótico internacional.
  • EFECTOS DEL BUEN GOBIERNO EN LA CIUDAD. Ambrogio Lorenzetti, Siena, s. XIV. Trecento italiano. Pintura mural realizada en las paredes del Palacio Comunal de Siena. Su novedad radica en que es una de las poquísimas manifestaciones artísticas que se sale del marco religioso cristiano representando temas profanos. Como ejemplos beneficiosos del buen gobierno se ven reflejados en el fresco la seguridad (abajo a la izquierda con los caballeros o nobles paseando tranquilamente por la ciudad sin ningún temor) la abundancia (con la cantidad de mercancía que pasea por la ciudad y el aparente bienestar de la gente) y la alegría o la idea de comunidad (reflejada por el corro de personas que están en el centro dadas de la mano en forma de corro.
  • Una de las grandes novedades artísticas que nos encontramos en la pintura flamenca del siglo XV es la recuperación del retrato, un género olvidado durante la Edad Media. Ese auge del retrato hay que relacionarlo • Con la búsqueda de la representación de la naturaleza perceptible a través de los sentidos, es decir, el naturalismo. • Y también con el interés por el hombre, y no sólo por los temas divinos: el humanismo. RETRATO DE MUJER. Robert Campin, s. XV.
  • A diferencia de lo que venía siendo usual, los pintores flamencos tomarán como modelos no sólo a reyes y príncipes, sino a nobles de rango inferior o burgueses, como Robert Masmines, uno de los mejores retratos de Robert Campin. Frente al idealismo renacentista, típico de la pintura italiana del siglo XV, el retrato flamenco incide en el realismo crudo de la representación. RETRATO DE ROBERTO MASMINES. Robert Campin, s. XV.
  • 6. LAS FORMAS. EL TRECENTO ITALIANO: GIOTTO (s. XIV). LA PINTURA FLAMENCA: VAN EYCK (s. XV).
  • A. EL TRECENTO ITALIANO (siglo XIV). ITALIA ENTRE LOS SIGLOS XIII Y XV.
  • A.1. LAS TÉCNICAS UTILIZADAS. FRESCO SOBRE MURO. TEMPLE SOBRE TABLA.
  • A.2. ESCUELAS DEL TRECENTO ITALIANO: ESCUELA DE SIENA. Simone Martini, Duccio di Buoninsegna. ESCUELA DE FLORENCIA. Giotto.
  • A.3. ESCUELA DE SIENA. Más influida por la pintura bizantina del siglo XIII, es menos naturalista que la pintura de Florencia. Utilización de fondos dorados, líneas sinuosas, figuras solemnes, algo hieráticas e inexpresivas. Los dos pintores más importantes son Simone Martini y Duccio di Buoninsegna. VIRGEN CON EL NIÑO. Duccio di Buoninsegna, s.XIV.
  • LA ANUNCIACIÓN. Simone Martini, s. XIV.
  • A.4. ESCUELA DE FLORENCIA. Más influida por la tradición clásica, es más naturalista que la escuela de Siena. Los fondos dorados desaparecen, siendo sustituidos por escenarios naturalistas. Las figuras son menos solemnes, más reales, se relacionan entre, sí y expresan sentimientos. El pintor más importante es Giotto di Bondone. Sus obras principales son los frescos que pintó para la Basílica de Asis y para la Capilla de los Scrovegni, en Padua. NACIMIENTO DE LA VIRGEN. Capilla de los Scrovegni, Giotto, s. XIV.
  • BASÍLICA DE SAN FRANCISCO. Asís, ss. XIII-XIV. En la basílica de Asís, Giotto pintó una serie de frescos sobre la Vida de San Francisco. Se trata de veintiocho escenas sacadas de la Leyenda Mayor de San Buenaventura que, a finales del siglo XIII, constituía la biografía oficial del santo.
  • LA DONACIÓN DE LA CAPA. Giotto, basílica de Asis, s. XIV. En esta escena, Giotto relata el encuentro entre un caballero y San Francisco, al que le dona su capa, siendo éste uno de los primeros acontecimientos en los que el santo se muestra predispuesto para su vida de pobreza posterior. La austera colina coronada por un monasterio parece ser el destino del santo. En la colina de enfrente, la ciudad medieval amurallada se ofrece como alternativa mundana.
  • Dedicada a Santa María de la Caridad, la capilla fue erigida, probablemente entre los años 1303 y 1305 por orden de Enrico Scrovegni, que pretendía así expiar los pecados de su padre, conocido usurero. La capilla tenía finalidad funeraria, y el propio Enrico (muerto en 1336) está enterrado allí. Su sarcófago se encuentra detrás del altar. CAPILLA DEGLI SCROVEGNI, Padua, 1305.
  • Giotto terminó probablemente sus trabajos hacia el año 1305. Los frescos están dispuestos en tres bandas horizontales superpuestas. CAPILLA SCROVEGNI. Padua, Giotto, s. XIV.
  • Giotto se preocupa por la representación de la profundidad, lo que conduce al estudio de la perspectiva clásica. Su propósito es la inserción de las figuras en un espacio real, que intenta ser tridimensional. Habrá que esperar al siglo XV para que los pintores italianos construyan una perspectiva científica, pero los primeros pasos ya están dados. PRESENTACIÓN DE JESÚS EN EL TEMPLO.
  • Giotto representa a personajes reales, más humanos, de rostros individualizados, que se relacionan entre sí y expresan sus sentimientos mediante el gesto y la actitud. MUERTE DE JESÚS.
  • Giotto se interesa por las decoraciones arquitectónicas o paisajísticas, todavía muy simples, pero que buscan dar profundidad y naturalidad a la composición. El azul del cielo sustituye al típico dorado gótico. ENTRADA DE JESÚS EN JERUSALÉN.
  • Las figuras de Giotto tienen mayor corporeidad, fruto del estudio anatómico. La representación del volumen implica la necesidad de sombras y gradaciones. Por ello, se abandona el color plano para introducir la gradación tonal de los colores. Además, las figuras se colocan de espaldas, de medio lado, sobrepuestas, todo para sugerir profundidad y un espacio real. EL BESO DE JUDAS.
  • Giotto no utiliza la perspectiva jerárquica, por lo que Jesús es del mismo tamaño que el resto de las figuras. Pero, en cambio, todavía conserva la costumbre gótica de usar pan de oro en los nimbos para distinguir visualmente a los personajes importantes. LA RESURRECCIÓN DE LÁZARO.
  • B. PINTURA FLAMENCA. (siglos XV y comienzos del XVI). En esta época las ciudades más destacadas de este territorio eran Gante, Brujas y Bruselas, pues todas ellas formaban nudos de enlace entre las redes comerciales que unían el norte europeo con el resto del Occidente conocido. Esta región formaba parte, en esta época, del ducado de Borgoña, cuyos gobernantes, los duques, habían sido mecenas del arte gótico. Poseía una alta densidad de población, de las más altas de Europa, con una concentración urbana también superior a la media europea, donde eran varias las ciudades destacadas, ricas, con comerciantes importantes y numerosos artesanos.
  • B.1. TÉCNICAS UTILIZADAS. Óleo sobre tabla. La técnica se aplica por capas, veladuras, lo que permitía trabajar con lentitud, facilitar correcciones y obtener sensación de relieve. La técnica al óleo se completaba con la imprimación de la tabla y la utilización de colores ricos y brillantes. RETRATO DE UNA DAMA. Roger van der Weyden, s. XV.
  • B.2. TAMAÑO. Las tablas pintadas suelen ser pequeñas, más apropiadas para decorar estancias hogareñas que palacios o templos. Los cuadros más grandes son los trípticos y polípticos, cuadros de asunto religiosos que se colocaban en el altar de las iglesias a modo de retablos y que constaban de tres o varias tablas montadas sobre bisagras. TRIPTICO DE JAN FLOREIN. Hans Memling, s. XV.
  • POLÍPTICO DE GANTE (abierto) Jan Van Eyck, s. XV. (350 X 223 cm.)
  • El Políptico de Gante normalmente se mostraba cerrado, con las escenas menores de la parte exterior de las puertas visibles, pero en las festividades se mostraba abierto, con los paneles interiores visibles, entonces se revelaban sus mejores figuras, escenas y colores. La tabla central que representa la escena de la Adoración del Cordero es una obra fundamental en la historia de la pintura ya que presentaba un nuevo campo de visión naturalista, modelado en profundidad, resultado de ampliar sobre una tabla, escenas y representaciones que hasta entonces solo eran accesibles a los conocedores de las miniaturas. POLÍPTICO DE GANTE (cerrado). Jan Van Eyck, s. XV
  • B.3. MINUCIOSIDAD. Son cuadros concebidos para ser vistos de cerca. Los pintores se recrean en la representación de mínimos detalles (cabellos, flores, briznas de hierba, hojas de libro, etc.). Bajo este extremado realismo se esconde a veces un significado más profundo que carga de simbología cada objeto.
  • MATRIMONIO ARNOLFINI, detalle. Jan Van Eyck, s. XV.
  • El gusto por el pequeño detalle se aplica especialmente a los retratos. En este caso, Campin nos muestra con un realismo crudo, sin concesiones al idealismo ni a los cánones de belleza habituales de la época, el rostro de un hombre de aspecto tosco y rudo, donde reproduce con minuciosidad y detallismo las arrugas, papada, ojeras y una barba oscura que asoma entre la piel blanquecina. Este extremo realismo es lo que aleja a la pintura flamenca de la pintura italiana del momento, mucho más idealizada. RETRATO DE ROBERTO MASMINES. Robert Campin, s. XV.
  • B.4. NATURALISMO. Se busca la representación fiel de la realidad, de manera que el espectador pueda comprender el cuadro y se sienta identificado con el tema. Este naturalismo implica novedades importantes en la pintura, algunas de las cuales habían sido tratadas por Giotto y otros pintores italianos: • El interés por situar a las figuras en un espacio natural, tridimensional, con lo que se desarrolla la perspectiva. • Es típico de la pintura flamenca la actualización de los temas: los paisajes y ciudades se imitan de los propios flamencos, y lo mismo ocurre con los interiores de las viviendas, los trajes o las armaduras, aún cuando el tema transcurra muchos siglos antes. LA ANUNCIACIÓN Roger van der Weyden. XV.
  • • Se busca dar corporeidad a las figuras mediante el juego de luces y sombras, el claroscuro. • El artista se interesa por el movimiento y la expresión de las figuras, si bien éstas se muestran todavía algo estáticas e inexpresivas. • Se estudian los problemas de la luz y la iluminación natural de las escenas. TRÍPTICO DE SAN JUAN BAUTISTA. Hans Memling, 1490.
  • LA VIRGEN CON EL CANCILLER ROLIN. Van Eyck, s. XV.
  • EL DESCENDIMIENTO DE LA CRUZ. Roger Van Der Weyden, s. XV.
  • El descenso de la cruz del cuerpo inerte de Cristo aparece reflejado con emotividad en esta obra de Roger Van der Weyden, datada en la época en que el pintor se trasladó a vivir a Bruselas. Las expresiones de tristeza de los personajes y la reducción de elementos externos a la escena centran la atención en el dolor de los familiares y seguidores de Jesús. Esta obra encierra también un ingenioso recurso técnico: Van der Weyden dispuso las figuras al estilo de los grupos escultóricos, y pintó a su alrededor un fondo liso, de oro, para crear así la sensación de relieve de las figuras sin necesidad de esculpir la madera. En el centro de la escena, Nicodemo y José de Arimatea bajan el cuerpo de Cristo, envolviéndolo en un paño blanco de lino. En el extremo derecho, con los dedos entrelazados, María Magdalena se inclina con expresión de dolor. A la izquierda de la escena, el joven apóstol Juan sostiene a la Virgen, desfallecida, en una postura semejante a la de su hijo. Museodelprado.es
  • En la pintura flamenca, el realismo del retrato o de la escena costumbrista suele encubrir alegorías religiosas que, a veces, son el verdadero objetivo de la pintura. El Matrimonio Arnolfini es un cuadro lleno de enigmas así como de belleza. Tradicionalmente aparece en los catálogos como el matrimonio de uno de los miembros de la poderosa familia de comerciantes luqueses, los Arnolfini… MATRIMONIO ARNOLFINI Jan Van Eyck, 1434.
  • Otro enigma nos lo proporciona la inscripción de Van Eyck en el muro del fondo, en bellísimos caracteres góticos entrelazados. La inscripción no dice que Van Eyck pintara el cuadro, sino que "Jan van Eyck estuvo aquí". Es una extraña declaración, que se explica si pensamos que Van Eyck era amigo de los Arnolfini y que probablemente actuara de padrino o testigo de la boda. A esta solución apunta también el espejo del muro, que refleja a dos asistentes al enlace, uno de los cuales parece un pintor (el que está vestido de azul). La minuciosidad de Van Eyck permite identificar no sólo las figuras reflejadas, sino también los adornos del espejo: son diez escenas con la Pasión y muerte de Jesucristo. Otros elementos simbólicos que han llenado de conjeturas el cuadro aparecen en la estancia como simples objetos dispersos por la habitación: el perrillo a los pies de los esposos indica fidelidad conyugal, la lámpara con una sola vela encendida simboliza el matrimonio, como también la esculturita de Santa Margarita en el pomo de la cama, el manojo colgado de la misma cama simboliza la fertilidad, y así un largo etcétera. ARTEHISTORIA
  • EL JARDÍN DE LAS DELICIAS. El Bosco, 1480-1490. «La diferencia entre las pinturas del Bosco y las de otros es que los demás procuraron pintar al hombre cual parece por de fuera; éste sólo se atrevió a pintarle cual es por dentro (...) Los cuadros del Bosco no son disparates, sino unos libros de gran prudencia y artificio, y sí disparates son los nuestros, no los suyos, y, por decirlo de una vez, es una sátira pintada de los pecados y desvaríos de los hombres» José de Sigüenza, 1605.
  • Dentro del estilo flamenco, este autor procedente de Holanda se desmarca completamente de su época e incluso de posteriores. El tríptico cerrado y abierto es una alegoría completa del origen y fin del mundo: cerrado muestra una de las primeras escenas del Génesis, la creación del mundo vegetal, origen de la vida; por el contrario, abierto enseña la Creación completa en la puerta izquierda, el Infierno en la derecha, y en el centro las más variadas formas de la sensualidad, que presumiblemente conforman la vida terrenal. EL JARDÍN DE LAS DELICIAS. El Bosco, 1480-1490.
  • Es uno de los primeros genios de la historia del arte que introduce en sus imágenes el componente onírico que supera la realidad consciente. La fantasía, el humor, la crítica vitriólica saturan esta imagen cruda del ser humano, que se precipita en el infierno con cada uno de sus actos. El Bosco puebla sus paisajes con monstruos, plantas antropomorfas, objetos imposibles. El ser humano, desnudo ante sus actos, es poco más que un gusano diminuto pululando entre ambientes misteriosos. Las encarnaciones de la sensualidad son deslumbrantes por su variedad: la música, el amor, el juego, la bebida, incluso el aprendizaje y el conocimiento.
  • En el infierno, el sueñopesadilla se disloca: orejas de las que emergen cuchillos, demonios con bocas dentadas en el vientre, escaleras que no llevan a ningún sitio y, entre todo ello, los cuerpos de los pecadores que están siendo despedazados por los demonios y sus máquinas infernales. ARTEHISTORIA