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Pintura barroca para la ESO.
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Pintura barroca para la ESO.

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  • 1. La pintura barroca.
  • 2. 1. ARTISTAS PRINCIPALES EUROPEOS CARAVAGGIO VERMEER REMBRANDTRUBENS FRANS HALS
  • 3. Ribera Murillo Velázquez Zurbarán 2. ARTISTAS PRINCIPALES ESPAÑOLES
  • 4. 3. MATERIALES Y TÉCNICAS.  Pintura al fresco sobre muro. En las paredes y techos de iglesias y palacios.  Óleo sobre lienzo.
  • 5. 4. GÉNEROS. A. RELIGIOSO. La imagen religiosa se puso al servicio de los ideales de la Contrarreforma: todo lo que la Reforma atacó, fue potenciado por la Iglesia católica. El arte religioso se caracteriza por el realismo y por la gran emotividad: representa el martirio, el dolor, y busca conmover al espectador. LA FLAGELACIÓN DE CRISTO. Caravaggio, 1607.
  • 6. MARTIRIO DE SAN BARTOLOMÉ. José Ribera, 1610.MARTIRIO DE SAN ESTEBAN. Rubens, 1617.
  • 7. APARICIÓN DE SAN PEDRO A SAN PEDRO NOLASCO, Zurbarán, 1629
  • 8. LA INMACULADA Murillo, 1678. El protestantismo había proscrito las imágenes de los santos y de la Virgen. En la Iglesia católica proliferan los santos y la imagen de la Virgen, especialmente la de la Inmaculada. "Y apareció en el cielo una gran señal: una mujer cubierta de sol, y la luna debajo de sus pies, y en su cabeza una corona de doce estrellas”. Apocalipsis de San Juan. El dogma de la Inmaculada Concepción, también conocido como Purísima Concepción, es una creencia del catolicismo que sostiene que María, madre de Jesús, a diferencia de todos los demás seres humanos, no fue alcanzada por el pecado original sino que, desde el primer instante de su concepción, estuvo libre de todo pecado.
  • 9. Los protestantes rechazaban los sacramentos (la penitencia, la confesión, la eucaristía, la orden sacerdotal…). La Iglesia católica defiende los sacramentos a través de las imágenes. Los santos penitentes (San Jerónimo), o la Magdalena se convierten en ejemplos a seguir. MARÍA MAGDALENA. José de Ribera, 1645. SAN JERÓNIMO PENITENTE. José de Ribera, 1634.
  • 10. BACO Y ARIADNA, Annibale Carracci, 1602 . B. MITOLÓGICO. Al igual que en el Renacimiento, en el Barroco se siguieron realizando pinturas mitológicas, inspiradas en los dioses de la antigüedad grecorromana. Decoraban los palacios de la nobleza, especialmente en Italia. Son pinturas llenas de desnudos, pues están inspiradas en las estatuas clásicas de griegos y romanos.
  • 11. JUICIO DE PARIS. Rubens, 1639. En Flandes, el pintor Rubens realizó numerosos cuadros de tema mitológico, muchos de ellos para los palacios del rey de España Felipe IV. El género mitológico apenas fue tratado en España. Aunque cuadros mitológicos de artistas italianos y flamencos formaron parte de las principales colecciones de nuestros reyes.
  • 12. LA VENUS DEL ESPEJO, Velázquez, 1648 En España, el mejor representante de temas mitológicos es Velázquez.
  • 13. LAS HILANDERAS (FÁBULA DE ARACNE). Velázquez, 1657. A veces, un tema mitológico parece una escena cotidiana de vida diaria.
  • 14. C. LA PINTURA DE HISTORIA. En España se destinó a los palacios reales. Eran representaciones de victorias militares alcanzadas por nuestros monarcas. El Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, por ejemplo, agrupaba doce grandes lienzos de batallas, pintados por nuestros mejores pintores.
  • 15. LA RENDICIÓN DE BREDA. Velázquez, 1635.
  • 16. TEMA: se representa la toma de la ciudad de por las tropas españolas en 1625. La obra es, también, una galería de RETRATOS no reconocibles. INTENCIÓN POLÍTICA. Ambrosio de Espínola impide la humillación del venciddo, Justino de Nassau, evitando que se arrodille. Es un tema de propaganda política, Velázquez insiste en el concepto de clemencia de la monarquía hispánica. A diferencia de otros cuadros de historia contemporánea, Velázquez no se recrea en la victoria, y la batalla tan solo está presente en el fondo humeante. El pintor centra la atención en el primer plano en el que se desarrolla no tanto el final de la guerra como el principio de la paz. . LA RENDICIÓN DE BREDA. Velázquez, 1635.
  • 17. D. EL RETRATO. El retrato debía plasmar no sólo la apariencia física de la persona, sino también su carácter, sus aficiones, sus aspiraciones religiosas o su estatus social a través de la introducción de objetos y símbolos. Los retratos barrocos son muy realistas, no aparecen idealizados como en el Renacimiento. Velázquez fue pintor de Felipe IV y de la Corte española. Fue el mejor retratista español. EL REY ES UNA PERSONA AUSTERA, SENCILLA: GOLILLA ALMIDONADA Y CAPA CORTA, NEGRO RIGUROSO. EL REY TRABAJA PARA EL PAÍS, REDACTA LEYES, VIGILA LOS TRATADOS: EL PAPEL SIMBOLIZA SUS OBLIGACIONES BUROCRÁTICAS. EL REY ES EL PROTECTOR DE ESPAÑA: SU MANO SE POSA EN LA EMPUÑADURA DE LA ESPADA.
  • 18. La escena representa a la infanta Margarita, hija de Felipe IV y Mariana de Austria, que acompañada de su séquito ha ido a visitar el taller de Velázquez, que estaría pintando a sus padres. La acción se desarrolla en el Alcázar Real. Junto a la infanta aparecen sus damas o meninas, un bufón, una enana y dos guardadamas. Al fondo, en el umbral de la puerta, José Nieto, aposentador real. La mirada de Margarita, así como la de la mayoría de los personajes, se dirige hacia nosotros, los espectadores, que estamos situados en el mismo lugar en el que están los reyes. Estos, reflejados en el espejo, ocupan el espacio del espectador: con este recurso, Velázquez anula la diferencia entre el espacio fingido y el espacio real. Lo pintado entra en el mundo material, y los espectadores en el taller de Velázquez. LAS MENINAS. Velázquez, 1656.
  • 19. El aire envuelve a los personajes y objetos. Composición cuidada desde el punto de vista lumínico: la alternancia de focos de luz y zonas de sombra construye el espacio. Técnica característica: pincelada suelta, ligera, fluida. El color predomina sobre el dibujo preciso y netamente marcado.
  • 20. AUTORRETRATO. Rembrandt, 1658. Rembrandt fue el mejor retratista de Holanda, de manera que para él posarán comerciantes, artesanos, pastores calvinistas, corporaciones… y él mismo. Realizó multitud de autorretratos en los que parece querer atrapar sus distintos estados anímicos.
  • 21. El retrato de grupo fue una invención holandesa, era muy popular entre las numerosas asociaciones ciudadanas, los distintos gremios y guildas. Eran cuadros de gran formato y cada personaje pagaba por aparecer en ellos. Hoy en día haríamos fotografías. SÍNDICO DE PAÑEROS, Rembrandt, 1662.
  • 22. LECCIÓN DE ANATOMÍA DEL DOCTOR NICOLAES TULP, Rembrandt, 1632. Realizado para el gremio de cirujanos de Amsterdam, presenta la disección de un cadáver ajusticiado, una lección pública de anatomía, costumbre habitual en aquellas fechas para demostrar la sabiduría de Dios al crear al hombre.
  • 23. D. EL BODEGÓN. También conocido como «naturaleza muerta», es una pintura que representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.). CESTO CON FRUTAS. Caravaggio, 1600.
  • 24. Su función era, sobre todo, decorativa, valorándose en ellos una hermosa imitación de lo visible. Los artistas creaban composiciones muy elaboradas y reproducían hasta el mínimo detalle de los objetos. NATURALEZA MUERTA CON COPA DORADA. Willem Claesz Heda. 1635.
  • 25. En España fue un género muy practicado. BODEGÓN. Zurbarán, 1636.
  • 26. A veces, los bodegones son una especie de alegoría moral sobre el paso del tiempo y la fragilidad de los placeres de este mundo. Una advertencia de la muerte que a todos nos espera. En este caso suele ser habitual la presencia de calaveras, velas apagadas y relojes de arena marcando la caducidad de la vida. Las glorias terrenas (intelectuales, económicas, militares) yacen sobre la mesa. A este tipo de bodegones se les suele llamar “vanitas”. ALEGORÍA. Antonio Pereda, 1654.
  • 27. IN OCTU OCULI. (“En un abrir y cerrar de ojos”). Valdés Leal, 1672. La muerte apaga la vida humana (la vela). La vanidad de los placeres y las glorias terrenales. La muerte recae sobre todo el mundo por igual. Símbolos de la muerte: la guadaña, el féretro, el esqueleto.
  • 28. E. ESCENAS DE GÉNERO. Las escenas de género representan a personas normales en escenas cotidianas, de la calle o de la vida privada, contemporáneas al autor. Fueron muy comunes tanto en Flandes como en Holanda en el siglo XVII. EL FUMADOR Adriaen Brouwer, 1637
  • 29. EL REY BEBE, Jordaens, 1659.
  • 30. MUJER ESCRIBIENDO UNA CARTA CON SU CRIADA. Vermeer de Delft, 1670. La independencia de los Países Bajos y las riquezas obtenidas en el comercio exterior animaron a la burguesía holandesa a invertir en obras de arte para hacer ostentación de sus valores y su fortuna. El pintor Vermeer se especializó en interiores de hogares burgueses, donde reflejaba la cómoda vida de ese grupo social. Sus personajes eran serenos y la luz remarcaba la calidez del hogar.
  • 31. En España las escenas de género tuvieron escasa acogida e. Sólo Murillo brilló en la segunda mitad del XVII con escenas de niños en la calle, pintados posiblemente para una clientela del norte de Europa, donde este tipo de pintura era muy apreciado. NIÑOS COMIENDO FRUTA. Murillo, 1650. MUCHACHAS EN LA VENTANA. Murillo, 1670.
  • 32. F. EL PAISAJE. En Italia, Annibale Carracci crea un tipo de paisaje, denominado “clásico” o “clasicista”, en el que una anécdota religiosa, mítica o histórica sirve como pretexto para pintar un paisaje. Las figuras son pequeñas y el paisaje no es real, sino inventado, un paisaje idealizado, sereno, apacible. HUIDA A EGIPTO. Annibale Carracci, 1604.
  • 33. El paisaje sereno e idealizado de tipo italiano, con edificios clásicos o ruinas de edificios antiguos, tuvo a su máximo representante en el francés Claudio Lorena. PUERTO CON EL EMBARQUE DE LA REINA DE SABA. Claudio Lorena, 1648.
  • 34. Por las mismas fechas, en los Países Bajos se desarrolló un paisaje más realista. • Los paisajistas holandeses captan con sencillez y con realistas la naturaleza de la región. No son paisajes inventados. Interesa el detalle realista y la precisión topográfica. • Los horizontes, muy bajos, permitían enfatizar las formaciones de nubes. Interesa captar los efectos luminosos que produce el sol sobre el campo, el mar o los canales, al atravesar un cielo nublado. VISTA DE HARLEEM. Jacob van Ruysdael, 1665.
  • 35. PAISAJE CON PUENTE DE PIEDRA, Rembrandt, 1638
  • 36. PAISAJE FRONDOSO. Francisco Collantes, 1640. Durante el siglo XVII español fue raro el género de paisaje, lo cual hace que nuestro país se distancie del resto de Europa, donde el género de paisaje estaba de moda. Sólo el pintor Francisco Collantes destaca en este género.
  • 37. 5. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA. A. EL TRIUNFO DEL COLOR SOBRE EL DIBUJO. Son las manchas de color las que crean las formas. El dibujo no aparece tan marcado como en el Renacimiento. Se utilizan colores vivos y cálidos: rojos, ocres, tierras, amarillos…
  • 38. Pintada para el Marqués de Eliche, la Venus del Espejo tal vez represente a su mujer o a una de sus amantes. Desde el punto de vista técnico, Velázquez pinta con una pincelada suelta, fluida, que disuelve los contornos y relaciona a las figuras con el entorno.
  • 39. BOTTICELLI - RENACIMIENTO RUBENS - BARROCO
  • 40. B. LA PREOCUPACIÓN POR LA LUZ: EL TENEBRISMO. Se pone de moda en muchos cuadros la iluminación tenebrista. Consiste en contrastar fuertemente zonas oscuras con zonas iluminadas. La luz proviene de un foco que se sitúa fuera del espacio representado. No sabemos si es natural o no. Se crea una atmósfera teatral y de misterio caracterizada por los duros contrastes de luces y sombras. Caravaggio es el pintor que inventa esta forma de pintar. LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. Caravaggio, 1600. EL AGUADOR DE SEVILLA. Velázquez, 1620.
  • 41. VIEJAFRIENDOHUEVOS.Velázquez,1618.
  • 42. LA RONDA DE NOCHE, Rembrandt, 1642LA RONDA DE NOCHE, Rembrandt, 1642.
  • 43. C. EL REALISMO. Triunfó el realismo, es decir, las personas se retrataban tal como eran, con sus defectos físicos, y no se idealizaban ni sus rostros ni sus figuras. CHICA GITANA. Frans Hals, 1630.LA MUERTE DE LA VIRGEN. Caravaggio, 1606
  • 44. RETRATO DE INOCENCIO X Velázquez, 1650 “Inocencio X tenía fama de estar siempre alerta, desconfiado e infatigable en el desempeño de su cargo. Todos estos sentimientos los trasmite el papa cuando le miramos. En la mano izquierda lleva un papel donde el pintor se identifica como el autor de esta excelente obra. "Demasiado real", cuentan que dijo el protagonista cuando vio el cuadro acabado.” ARTEHISTORIA
  • 45. D. LA BÚSQUEDA DEL MOVIMIENTO. Las pinturas del Renacimiento solían mostrar escenas serenas y apacibles. Las figuras adoptaban movimientos suaves y las composiciones resultaban equilibradas. Ahora, en el Barroco, algunos pintores representan escenas llenas de movimiento y fuerza, con figuras que realizan gestos bruscos o composiciones con muchos personajes en movimiento. Especialmente, las pinturas al fresco de iglesias y palacios muestran agitación, dinamismo y escorzos espectaculares. RAPTO DE LAS HIJAS DE LEUCIPO. Rubens, 1618.
  • 46. ALEGORÍA DE LA OBRA MISIONERA DE LOS JESUITAS. Andrea Pozzo, 1691. Bóveda de la Iglesia de San Ignacio, en Roma.