Presentación 2º Bachillerato.Hª Arte.

1. ESCULTURAGRIEGA

2. LA ESCULTURA GRIEGA.
1. DEFINICIÓN Y CRONOLOGÍA
2. CONTEXTO HISTÓRICO
3. OBRAS DE REFERENCIA
4. CARACTERÍSTICAS GENERALES
4.1. Materiales y técnicas.
4.2. Tipos: relieve, escultura exenta.
4.3. Géneros principales.
4.4. Principios básicos: antropocentrismo,
mímesis, idealismo, armonía.
5. EVOLUCIÓN.
5.1. Época arcaica (ss. VII – VI a.C.)
5.2. Época clásica (ss. V – IV a.C.)
5.3. Época helenística (ss. III – II a.C.)

3. 1. DEFINICIÓN Y CRONOLOGÍA
EL MUNDO GRIEGO (3.000 – 500 a.C.).

5. DISCÓBOLO. Mirón.
Segunda mitad del siglo V a.C.
PERICLES.
Estratega. Cresilas, s.V a.C.
2. CONTEXTO HISTÓRICO.
Grecia es un mundo de polis. La importancia que los griegos dieron a la
vida en la ciudad, al ocio y a la cultura, repercutió en su escultura,
dando lugar al desarrollo de la escultura civil, algo poco visto en el
mundo oriental, donde las esculturas quedaban reservadas para los
dioses, los reyes y la nobleza. Así, en Grecia aparece el retrato del
hombre público (el político, el militar, el atleta, el dramaturgo, etc.).
KOUROSDEANAVYSOS.Soldado.s.VIa.C.

6. Grecia es la cuna del
pensamiento racional, de
la comprensión racional
del mundo mediante las
matemáticas, la física o la
filosofía. El gusto por la
reflexión crítica influyó en
la escultura griega: el
ideal de belleza de una
escultura se asentará en
principios racionales de
equilibrio y armonía de
proporciones
matemáticas.
EL DORÍFORO. Policleto.
PLATÓN.

7. La religión y el pensamiento racional convivieron en el mundo griego. Las grandes celebraciones religioso-
deportivas (juegos atléticos), los santuarios panhelénicos (Delfos) y la identificación entre religión y polis a través
de un dios patrono reforzaron la importancia de las estatuas de dioses como símbolos de toda la comunidad.
Las esculturas más importantes se dedicaron a los dioses y al relato de sus mitos: esculturas de Atenea en Atenas,
de Zeus en Olimpia, luchas entre lapitas y centauros, etc.
FRONTÓN OCCIDENTAL DEL TEMPLO DE ZEUS EN OLIMPIA. Período severo, primera mitad del siglo V.

8. KOUROSDEANAVYSOS.s.VIa.C.
EL AURIGA DE DELFOS.
Primera mitad del s. V.
DISCÓBOLO.
Mirón, primera mitad del siglo V a.C.
3. OBRAS DE REFERENCIA

9. METOPA DEL PARTENON
Fidias, segunda mitad del siglo V a.C.

10. EL DORÍFORO
Policleto, segunda mitad del siglo V a.C.
HERMES CON EL NIÑO DIONISOS
Praxiteles, siglo IV a.C.
APOXIOMENOS
Lisipo, siglo IV a.C.

11. VICTORIA DE SAMOTRACIA.
Escuela de Rodas, s. II a.C.
VENUS DE MILO.
Escuela neoática, s. II a.C.
ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO.
Escuela de Pérgamo, s. II a.C.

12. 4. CARACTERÍSTICAS
GENERALES DE LA
ESCULTURA
GRIEGA

13. 4.1. MATERIALES Y
TÉCNICAS.
El material más utilizado será la piedra y,
fundamentalmente, el mármol.
Normalmente se policromaba la piedra.
El otro gran material griego es el bronce
fundido. En las obras en bronce se
utilizaban incrustaciones de vidrio, plata,
oro y marfil para darle más vida a la
escultura.
También se utiliza la madera, y, en menor
medida, el oro y el marfil (técnica
criselefantina).
La falta de originales griegos ha
provocado que muchas de las piezas que
conocemos sean copias romanas
realizadas en mármol.

14. BRONCE DE RIACE. Siglo V a.C.

15. 4.2. TIPOS
El RELIEVE
Escultura no exenta realizada sobre un plano. Puede ser alto
relieve, medio relieve y bajo relieve.
BULTO REDONDO
Escultura aislada, lo que permite su contemplación
desde cualquier punto a su alrededor. También se
denomina escultura exenta.

16. 4.3. GÉNEROS PRINCIPALES.
RELIGIOSO - MITOLÓGICO RETRATO REPRESENTACIÓN DE ATLETAS

17. 4.4. PRINCIPIOS BÁSICOS
Los griegos establecieron una manera nueva de
realizar obras de arte y, por lo tanto, de mirar el
mundo. Esa manera peculiar fue adoptada,
posteriormente, por los romanos, sentando las
bases de lo que hoy conocemos como arte clásico.
Más tarde, el Renacimiento, el Barroco, el
Neoclasicismo y las academias del siglo XIX
divulgaron los modelos grecorromanos y
perpetuaron su forma de entender la realidad y el
mundo.
Las vanguardias artísticas del siglo XX rompieron
con el legado clásico, marcaron la ruptura
definitiva con el concepto tradicional de arte,
crearon nuevos lenguajes plásticos, establecieron
una nueva sensibilidad ante el mundo y abrieron
vías de expresión e investigación insólitas.
A pesar de ello, los principios básicos del arte
griego no desaparecieron y todavía siguen
influyendo poderosamente en nosotros. Cuatro
principios habría que destacar: el
antropocentrismo, la mímesis, el idealismo y la
armonía.
ELAPOLODELBELVEDERE.Leocares.S.IVa.C.

18. ANTROPOCENTRISMO
La preocupación griega por
lo humano condujo a una
escultura centrada en el
hombre. La búsqueda de la
belleza será la búsqueda de
la belleza del hombre, de su
anatomía desnuda, de sus
movimientos, de sus
expresiones.
Incluso los dioses se
presentarán con apariencia
humana, a diferencia de la
escultura egipcia o
mesopotámica, que siempre
concibió la grandeza divina
como una mezcla fantástica
de atributos humanos y
animales.
KOUROSDEANAVYSOS.Soldado.s.VIa.C.
TOROALADOANTROPOCÉFALO.
Esculturaasiria,s.VIIIa.C.

19. PÁJARO EN EL ESPACIO.
Brancusi, 1923.
HOMENAJE A FLEMING.
Chillida, 1955.
APOXIOMENOS.
Lisipo, s. IV a.C.
MÍMESIS
El arte es imitación de la
naturaleza, de la apariencia
visible.
Con los griegos, la escultura
caminará hacia un
naturalismo que busca la
más perfecta
representación del cuerpo
humano: de sus músculos
(época arcaica), de sus
movimientos (época
clásica), de sus expresiones
(época helenística).
Hoy en día nos cuesta
comprender la escultura
que no se basa en la
mímesis de la naturaleza.

20. IDEALISMO
El arte tendría como fin
último la creación de un ideal
humano, no de un tipo
concreto, con sus
imperfecciones y defectos,
sino de un modelo de belleza
y virtud.
Desde el platonismo, podría
interpretarse como una forma
de «realismo extremo», pues
las Ideas, según Platón, serían
más reales que el mundo
sensible, el cual imitaría a las
Ideas.
Sólo en el Helenismo el
idealismo se abandonó en
beneficio de una
representación más centrada
en la naturaleza sensible. Y
será este realismo la forma de
expresión que atraiga
especialmente a los romanos.
RETRATO HELENÍSTICO
BUSTO ROMANO
ELDIADÚMENO.Policleto.
(Períodoclásico,2ªmitaddelsigloV)

21. ARMONÍA
Para los griegos la belleza, ya fuera
de una cerámica, una escultura o un
edificio, dependía del orden con el
que se dispusieron sus distintos
elementos. La armonía era,
justamente, el equilibrio que
alcanzaba la obra cuando sus
distintas partes se relacionaban
entre sí mediante proporciones
matemáticas precisas.
En la escultura griega solía existir un
canon, un conjunto de medidas y
proporciones que se establecía a
partir de un módulo, normalmente
la cabeza de la escultura. A partir de
ese módulo era fácil establecer
todas las medidas del cuerpo por
multiplicación o división.

22. El hecho de que no se mantengan las proporciones, o que se acorten o estiren, nos resulta chocante, porque estamos
acostumbrados a las proporciones establecidas por los griegos.
VIRGEN ROMÁNICA. S. XII. EL BAUTISMO DE JESÚS.
El Greco. S. XVI.
EL HOMBRE QUE CAMINA.
Giacometti. S. XX.

23. ÉPOCA ARCAICA
(siglos VII-VI a.C.)
Aprenderán a modelar
en piedra la anatomía
humana para hacerla
natural.
ÉPOCA CLÁSICA
(siglos V-IV a.C.)
Aprenderán a transmitir a la figura de un movimiento suave y una
expresión serena. Aplicarán proporciones matemáticas para crear figuras
bellas idealizadas.
ÉPOCA HELENÍSTICA
(siglos III-I a.C.)
Harán las figuras más
humanas dotándolas
de emoción y de
expresividad.
5. EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA

24. Las esculturas típicas del
periodo arcaico son el
KOUROS (KOUROI en plural)
y la KORE (KORAI en plural).
Los precedentes para este
tipo de escultura hay que
buscarlos en la escultura
egipcia.
El KOUROS es el tipo
escultórico que los griegos
crearon para representar el
ideal de belleza masculina.
Es un hombre desnudo del
cual desconocemos su
significado. Como los kouroi
aparecían en lugares de
culto y en tumbas, se pensó
que podían tener un
carácter votivo o
conmemorativo, como
lápidas funerarias.
5.1. ÉPOCA ARCAICA. S. VII – VI A.C.
KOUROS. TRÍADA DE MIKERINOS

25. Las KORAI (KORE, en singular), son
representaciones femeninas
vestidas, siempre de corta edad,
que fueron creadas durante el
período Arcaico, bien como estatuas
votivas o conmemorativas.
Los patronos ricos las encargaban
para servir a los dioses en lugar de
ellos mismos o, con menos
frecuencia, como lápidas
conmemorativas para los miembros
de una familia. Muchas veces en su
base se inscribe un párrafo corto
que documenta la función de la
estatua, el patrón, y el artista. En
cualquier caso, nunca
representaban divinidades.
Suelen sostener en la mano una
flor, un fruto o un animalito, es
decir, una ofrenda al dios o la diosa
a la que servían.

27. Tanto los KOUROI como las KORAI comparten una serie de
características.
GEOMETRISMO
Tratamiento geométrico de la anatomía corporal: ojos
almendrados, tratamiento de las trenzas, musculatura muy
simplificada.
FRONTALIDAD Y SIMETRÍA
La escultura está hecha para ser vista de frente. Un eje de
simetría recorre el cuerpo de arriba abajo, de manera que
brazos y piernas no pueden desplazarse lateralmente para
no perder la simetría, como ya ocurría en la escultura
egipcia.
RIGIDEZ
La figura no tiene movimiento. Los brazos se pegan
rígidamente al cuerpo, que no ofrece ningún tipo de torsión.
A veces, una pierna se adelanta a la otra, no sabemos si para
sugerir movimiento o para mejorar la estabilidad de la
figura.
INEXPRESIVIDAD
La figura no muestra sentimiento alguno, no expresa
emociones. En el rostro aparece la típica “sonrisa arcaica”
que, tal vez, sirva sólo para reforzar las líneas de la boca.

28. OJOS ALMENDRADOS.
SONRISA ARCAICA.
MELENA TRENZADA CON GRAN
GEOMETRISMO.
ANATOMÍA MUY SIMPLE.
BRAZOS PEGADOS AL CUERPO.
PIE ADELANTADO PROPORCIONA
ESTABILIDAD.
RIGIDEZ.
LEY DE FRONTALIDAD.
INEXPRESIVIDAD.

29. El kuros de Creso o kuros de Anávisos es un kuros de mármol
encontrado en Anávisos en Ática (Grecia), que funcionaba como
un lápida para la tumba de un joven guerrero caído llamado
Creso (en griego Κροῖσος). La inscripción de la base de la
estatua dice:
«Detente y llora ante la tumba del fallecido Creso, a quien el
furioso Ares destruyó un día luchando en las filas más
avanzadas».
KOUROSDEANAVYSOS(s.VIa.C.)

30. La forma cilíndrica del cuerpo de
algunas korai antiguas nos recuerda
que, tal vez, su origen se encuentre
en las XOANA, esculturas de
madera de la época arcaica que se
realizaban con carácter votivo y
estaban vinculadas a los templos.
DAMA DE AUXERRE
(Siglo VII a.C.)
HERA DE SAMOS (Siglo VI a.C.)

31. KOUROI EVOLUCIÓN
KOUROSDEANAVYSOS(s.VIa.Csegundamitad.)
KOUROSDENUEVAYORK(s.VIa.C,primeramitad.)
EFEBODECRITIOS(s.Va.Cprimeramitad.)

32. KORAI EVOLUCIÓN
KOREDEBERLIN(s.VIa.C,primeramitad.)
KOREDEEUTIDYCO(s.Va.C,primeramitad.)
KORE(s.VIa.C,segundamitad.)

33. EVOLUCIÓN ÉPOCA CLÁSICA.
ESTILO SEVERO
(primera mitad del s. V a. C.)
Etapa de transición entre el
período arcaico y el período
clásico.
Decoración del templo de
Zeus en Olimpia.
Auriga de Delfos.
Poseidón del cabo
Artemisión.
CLASICISMO PLENO
(segunda mitad del siglo V a.C.)
Etapa culminante, que define lo
que hoy entendemos como
“clásico”.
Mirón: “Discóbolo”.
Policleto: “Doríforo”,
“Diadumenos”.
Fidias: escultura de Atenea y
relieves para el Partenon.
POSTCLASICISMO
(s. IV a.C.)
Persiste el clasicismo, pero se
inician modificaciones que
conducen al período
helenístico.
Praxíteles: “Hermes con
Dionisos”, “Afrodita de Cnido”.
Scopas: “Cabeza de Meleagro”.
Lisipo: “Apoxiomenos”, retratos
de Alejandro Magno.
5.2. ÉPOCA CLÁSICA. S. V – IV A.C.

34. PERÍODO CLÁSICO:
CARACTERÍSTICAS
1. ANATOMÍA MÁS NATURAL
Perfecta representación de las
distintas partes del cuerpo y de la
relación entre ellas.
Se rompe con el tratamiento
geométrico de la anatomía. En las
mujeres, el cuerpo se insinúa bajo
los vestidos: técnica de “paños
mojados”.
2. LA FIGURA PIERDE RIGIDEZ
Ahora se busca el movimiento suave.
Para conseguirlo se generaliza la
figura del contraposto: el cuerpo
descarga el peso en una pierna y
dobla ligeramente la otra, la cadera
se levanta por encima de la pierna
de apoyo, el torso se contrae entre la
cadera y la axila, el hombro cae un
poco. La cabeza se gira suavemente
hacia un lado.

35. 3. LOS ROSTROS EXPRESAN
SERENIDAD.
Desaparece la sonrisa arcaica de los
kouroi y, en su lugar, aparecen los
rostros serenos. Las figuras
desarrollan movimientos y esfuerzos
físicos, pero ello no afecta a la
serenidad del rostro, a la calma, al
control racional de las pasiones, de
los instintos.
4. LA BELLEZA SE RACIONALIZA
MEDIANTE EL CANON.
El canon es un concepto que se
refiere a las proporciones perfectas o
ideales del cuerpo humano y
establece las relaciones armónicas
entre las distintas partes de una
figura.

36. El Canon es un tratado teórico escrito por
Policleto que en la actualidad está casi
totalmente perdido. En él se detalla su
sistema de composición escultórica y define
la distribución proporcional como la
correspondencia funcional de las partes y los
miembros del cuerpo humano.
El tema central de la obra es el hombre
perfecto entendido no sólo como perfección
física sino como identificación de lo bello, a
través de la simetría y la proporción, con lo
bueno. La armonía, relación de las partes
con el conjunto, era formulada a través de
relaciones numéricas atendiendo a un
sentido pitagórico de la proporción como
orden divino.
Con mucha probabilidad, el Doríforo, fue el
modelo utilizado por Policleto para
ejemplificar su canon.
Comentario del Museo del Prado

37. FRONTÓN OCCIDENTAL DEL TEMPLO DE ZEUS EN OLIMPIA. Estilo severo, primera mitad del siglo V.
ESTILO SEVERO
(primera mitad
del s. V a.C.)

38. POSEIDÓN DEL CABO ARTEMISIÓN
Estilo severo, primera mitad del s. V.

39. El Auriga de Delfos se realizó en bronce en el año 474 a. C., para
conmemorar la victoria del tirano Polizalo de Gela en la carrera de
cuadrigas de los Juegos Píticos (los que se celebraban en honor de
Apolo en el santuario de Delfos). La figura formaba parte de un
grupo más amplio, del que sólo quedan fragmentos de cuatro o
seis caballos y un pequeño esclavo que se situaría ante ellos.
Recuerda mucho a las figuras arcaicas, por su rigidez. Pero los pies
aparecen en posición oblicua, yel cuerpo realiza una leve torsión
lateral, rompiendo con la frontalidad típica de los Kuroi. Además,
los pliegues de la túnica en la parte superior crean volumen y
rompen con el esquematismo anterior. El rostro mantiene una
actitud serena, desapareciendo la sonrisa arcaica para dar paso a
una expresión centrada

40. DISCÓBOLO. Mirón.
Clasicismo pleno, segunda mitad del siglo V a.C.
¿POR QUÉ EL DESNUDO?
La tipología del héroe desnudo quedó establecida
desde la antigüedad clásica, cuando las
competiciones de atletismo en los festivales religiosos
celebraban el cuerpo humano, especialmente el
masculino, de un modo sin precedente en otras
culturas.
Los atletas competían desnudos, y los griegos los
consideraban encarnaciones de todo lo mejor de la
humanidad: la gloria, el triunfo, la excelencia moral,
principios que se impusieron en la estatuaria de aquel
tiempo.
CLASICISMO
PLENO
(segunda mitad
del s. V a.C.)

41. DORÍFORO. Policleto.
Clasicismo pleno, segunda mitad del siglo V a.C.
El desnudo se convirtió, entonces, en el vehículo
privilegiado para la expresión de valores éticos y sociales
fundamentales de la sociedad griega.
Las esculturas eran representaciones ideales, no
retratos. Consagraban un prototipo común para todos,
un concepto genérico de belleza, juventud, fuerza,
equilibrio y armonía entre mente y cuerpo.
El Doríforo es la representación de un joven en el
máximo desarrollo de su fuerza muscular, sin que la
figura muestre ningún rasgo de niñez. Representa a una
figura desnuda masculina joven en actitud de marcha, la
cabeza ligeramente ladeada hacia la derecha, el rostro
sereno, acompañado de una mirada perdida y distante.
En su mano izquierda portaría una lanza apoyada en el
hombro. Tal vez un atleta, tal vez un guerrero, tal vez la
representación de un héroe. En cualquier caso, una
estatua votiva, pues ésta era la función más común.

42. EL DIADÚMENO. Policleto.
(Período clásico, 2ª mitad del siglo V)

43. FRISO DE LAS PANATENEAS. Fidias.
(Período clásico)

44. FRISO DEL PARTENON, s. V a.C.

45. Las Panateneas eran unas fiestas
religiosas que se llevaban a cabo
todos los años en Atenas
dedicadas a Atenea, diosa Poliada
(protectora de la ciudad), y que
tenían lugar en la segunda mitad
de nuestro mes de julio actual.
Eran las celebraciones religiosas
más antiguas e importantes de
Atenas.
La procesión del peplo (vestidura amplia y sin mangas, con pliegues escalonados), como rito oficial, ponía el
punto y final a las Grandes Panateneas. Éste era tejido, durante todo el año, por las mujeres del Ática y ofrecido
a la diosa el día 28. El peplo era portado por las canéforas en una solemne procesión que recorría toda la
ciudad hasta la Acrópolis donde se hallaba instalada la estatua de Atenea Poliada. La participación en esta
procesión significaba un gran honor. En la procesión iban sacerdotes, canéforas que llevaban los útiles del
sacrificio, ancianos con ramas de olivo, jóvenes con armadura hoplita, los vencedores de los juegos y
embajadores de las colonias atenienses. Los forasteros residentes en Atenas también participaban en la
ceremonia, pero detrás de los ciudadanos atenienses.

46. Friso jónico de 160 metros de
largo que rodeaba la parte
superior de la naos del Partenon.
Bajorrelieve realizado
en mármol pentélico.
Iba policromado.
Representa la procesión de las Panateneas. Es
una exaltación de la polis, de los valores
ciudadanos, así como del poder de Atenas.
A pesar de los 5 cm. de fondo, la
gradación de los planos crea
sensación de profundidad.
Idealismo y perfección
anatómicas.
Importancia de los paños, que abundan en
plegados delicados que caen con naturalidad
y proporcionan a la figura volumen y
movimiento. Técnica de “paños mojados”.

47. METOPAS DEL PARTENON. FIDIAS. CENTAUROMAQUIA: lucha entre lapitas y centauros.

48. Cuenta la mitología griega que en los boscosos montes de la región de
Tesalia vivía una raza de seres fabulosos y salvajes, mitad hombres y
mitad caballos: los centauros, cuyo origen se perdía en la noche de los
tiempos. En cierta ocasión, algunos de ellos fueron convidados a la
boda de su primo Piritoo, rey de los lapitas. Hasta ese momento, los
centauros jamás habían consumido vino, de forma que durante el
banquete nupcial acabaron borrachos. La ebriedad terminó por
desatar en ellos las más bajas pasiones. Trataron de violar y raptar a
la propia novia, Hipodamía y a algunas de las mujeres que asistían al
banquete. Se desencadenó así una cruenta lucha entre los lapitas que
acabaron triunfantes, y los centauros, muchos de los cuales perdieron
la vida en el combate.
Este tema mitológico, que viene a querer representar la existencia
en el espíritu humano de una doble naturaleza (la del instinto y las
pasiones brutales de los centauros y la de la razón y los valores más
humanos, de los lapitas) es el tema que se representaba en las 32
metopas del lado sur del Partenón, en las que se narra el cruel
enfrentamiento entre los dos grupos. Los lapitas figuran desnudos
(aunque algunos visten una clámide) y emplean escudos circulares,
habiéndose perdido las espadas que debieron usar. Cuando la
representación alcanza a una de las mujeres ultrajadas, ésta viste
con el típico atuendo helénico, con abundantes pliegues. Por su
parte, los centauros, como corresponde a su naturaleza semisalvaje,
se representan desnudos, aunque en algunas ocasiones portan
pieles de animales. JUAN DIEGO CABALLERO

49. RECONSTRUCCIÓN DE LOS FRONTONES DEL PARTENON. Fidias, mediados del siglo V a.C.

50. RECONSTRUCCIONESDEATENEAPARTENOS.Fidias.S.Va.C.

51. HERMES CON EL NIÑO DIONISOS. Praxíteles.
(Período postclásico, s. IV a.C.)
El postclasicismo del siglo IV mantuvo las características del siglo V:
naturalismo idealizado, belleza formal, utilización del contraposto,
rostros serenos. Pero También introdujo algunas novedades en la
obra de sus artistas.
PRAXITELES:
• Tratamiento más suave de la musculatura frente a la
diarthrosis clásica.
• El contraposto se acentúa para dar mayor movilidad y
dinamismo. Pero esto acentúa el desequilibrio. Es la
famosa curva praxitelina, que subraya el carácter sensual
de la obra.
• Introduce el desnudo femenino con su Afrodita para la
polis de Cnido.
POSTCLSICISMO
(SIGLO IV a.C.)

52. AFRODITA DE CNIDO. Praxíteles.
(Período postclásico, s. IV a.C.)

53. CABEZA DE MELEAGRO. Scopas.
(Período postclásico, s. IV a.C.)
SCOPAS
Escultor del
“pathos”, de las
figuras arrebatadas
por una fuerza
interior. Para ello
utiliza recursos que
luego serán usados
en el helenismo
(bocas
entreabiertas, ojos
hundidos, escorzos
forzados…)
MÉNADE DANZANTE.
Scopas. (s. IV a.C.)

54. LISIPO
Modificó el canon de representación del cuerpo
humano masculino, haciéndolo más estilizado,
más alargado.
Además, rompió con la visión frontal preferente,
enriqueciendo los puntos de vista laterales.
Escultor de la corte de Alejandro Magno, Lisipo
inició la práctica del retrato realista, rompiendo
con el tradicional idealismo..
Apoxiomeno es uno de los temas tradicionales y
predilectos de la escultura votiva de la Antigua
Grecia, que representa a un joven atleta
sorprendido limpiándose con un raspador el
polvo, sudor y ungüento de su cuerpo con el
pequeño instrumento curvo que los romanos
llamaban estrígil. Es copia romana en mármol del
original griego en bronce.

55. RETRATO DE ALEJANDRO.
Copia romana de un original de Lisipo.
ARES LUDOVISI.
Lisipo. S. IV a.C.

56. 5.3. ÉPOCA HELENÍSTICA.
S. III– I A.C. CARACTERÍSTICAS
1. PROLIFERAN LOS TALLERES
Frente a las individualidades del período clásico,
comenzaron a proliferar los talleres, con maestros y
aprendices que producían multitud de obras para
las distintas cortes y ciudades helenísticas: escuela
neoática, escuela de Rodas, escuela de Pérgamo,
escuela de Alejandría.
2. PERFECCIÓN Y VIRTUOSISMO TÉCNICO
Que se pone de manifiesto en la representación de
la anatomía humana (músculos, venas, cabellos…) y
de las calidades tactiles de los objetos (drapeados,
joyas…)
VICTORIA DE SAMOTRACIA.
Escuela de Rodas, s. II a.C.
Colocada sobre su nave, la figura aparecía en un
templete, como metida en una hornacina y
destacando sobre un fondo oscuro; y delante de ella,
al pie de la proa, se abría un estanque del que
surgían rocas y por el que corrían cascadas de agua.

57. TORSO DEL BELVEDERE.
Escuela neoática. 50 a.C.

58. 3. SE AMPLIÓ EL NÚMERO DE TEMAS.
Además del desnudo masculino, se generalizó
el femenino; comenzaron a aparecer tipos
raciales extranjeros (galos, negros africanos,
escitas del sur de Rusia, etc.); figuras
representando la más tierna infancia o la
más extrema vejez; personajes nada
idealizados (enanos, obesos, enfermos);
temas eróticos de sátiros y ninfas;
retratos realistas de personajes
importantes.
VENUS DE MILO.
Escuela neoática (s. II a.C.)

59. GALO MORIBUNDO.
Escuela de Pérgamo (s. III a.C.)

60. EL NIÑO DE LA OCA (s. II a.C.) EL NIÑO DE LA ESPINA (s. II a.C.)

61. RETRATO IMAGINARIO DE HOMERO. (Época helenística.)RETRATO DE ALEJANDRO. (Época helenística.)
4. SE ABANDONÓ EL IDEALISMO
En muchas obras se abandonó el idealismo clásico de carácter ético y pedagógico en busca de una enfatización
de los aspectos humanos cotidianos y del encaminamiento de la producción para fines puramente estéticos y,
ocasionalmente, propagandísticos.

62. RETRATO HELENÍSTICO. Escuela de Rodas (s. II a.C.) RETRATO DE PERICLES (s. V a.C.)
HELENISMO. Representación del “pathos”. CLASICISMO. Representación del “ethos”.

63. 5. TRIUNFO DEL
MOVIMIENTO AGITADO.
Se generalizan las figuras en
torsión y los grupos complejos de
figuras exentas, lo que favorece la
multiplicación de los puntos de
vista. La escultura clásica estaba
hecha para ser vista de frente.
Ahora, será necesario girar
alrededor de la obra para
comprender las visiones
distintas que ofrece.
TORO FARNESIO.
Escuela de Rodas (s. II a.C.)

64. 6. SE ABANDONÓ LA
SERENIDAD CLÁSICA.
Comenzó a insistirse en la
representación de las
emociones (sufrimiento,
dolor, alegría, etc.),
comunicadas por la
expresión de los rostros, el
retorcimiento de los cuerpos
o las vestiduras agitadas.
LAOCOONTE.
Escuela de Rodas (s. I d.C.)

65. En la mitología griega era el
sacerdote de Apolo Timbreo en
Troya, casado con Antiopa y
padre de dos hijos. Según el
relato de Virgilio en la Eneida,
después de que los sitiadores
aqueos hubieran simulado una
retirada, los troyanos
encontraron un caballo
construido de madera en las
puertas de Ilión.
Laocoonte pronuncia la famosa
frase Timeo Danaos et dona
ferentes (Desconfío de los
dánaos (griegos) incluso cuando
traen regalos), alertando a los
troyanos de que podría ser una
trampa, que dentro del caballo
podía haber tropas aqueas y
sugirió quemarlo, pero los
troyanos no le hicieron caso. En
su osadía lanzó palos en llamas
para tratar de quemar el caballo
de madera, en ese momento dos
grandes serpientes, Caribea y
Porce, emergen de las aguas y
devoran a sus hijos. Angustiado,
se lanza a luchar contra las
serpientes y también resulta
devorado.

66. ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO.
Escuela de Pérgamo (s. II a.C.)

67. En la época de la cultura helenística, se pusieron de moda los grandes altares monumentales, dedicados a
una gran deidad, por lo común a Zeus... El Dios supremo se encuentra en todo, pero como fuego etéreo y
creador que tiene la facultad de dar vida a todas las cosas. Entre los dioses griegos el que se acercaba casi
con exactitud a este dios creador, era el ser supremo Zeus, dios del rayo y del fuego. Por tanto había que erigir
a ese dios no ya un templo, sino un gran y colosal altar de sacrificios.
En el podium o basamento se encontraba la decoración escultórica hecha en medios relieves con
aproximadamente 2,30 m de altura y 120 m de longitud. Se trata de una Gigantomaquia, es decir la lucha de
los dioses contra los gigantes. Las figuras y las escenas están tratadas con pathos (emoción), las escenas no
están separadas sino que es un friso corrido que describe un momento de la batalla.
Ecured.cu
ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO. Escuela de Pérgamo (s. II a.C.)