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Arte español del siglo XVI.
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    Arte español del siglo XVI. Arte español del siglo XVI. Presentation Transcript

    • 1. DEFINICIÓN Y CRONOLOGÍA. El Renacimiento como fenómeno artístico se desarrolla en España fundamentalmente a lo largo del siglo XVI, con un siglo de retraso con respecto a Italia. Podemos distinguir tres períodos. PRIMER PERÍODO (1500-1526). Reinado de los Reyes Católicos. Los Reyes y su Corte se mantienen fieles al Gótico (Gótico Reyes Católicos), mientras que la nobleza utiliza el nuevo lenguaje clasicista como un factor de diferenciación cultural con respecto a la monarquía. La asimilación del estilo es, en esta etapa, superficial y fragmentaria. Es la época del Plateresco. PALACIO DE COGOLLUDO. Lorenzo Vázquez, Cogolludo, s. XV.
    • SEGUNDO PERÍODO (1526-1556). Abarca el reinado de Carlos I. La publicación de “Medidas del Romano”, traducción del libro de Vitruvio sobre la arquitectura romana, marca el comienzo. El inicio de las obras de El Escorial marca el final. El lenguaje clasicista italiano se asimila correctamente. El estilo es patrocinado por la Corte de Carlos V para apoyar la imagen triunfal del emperador. PALACIO DE CARLOS V EN GRANADA. Pedro Machuca, 1563. TERCER PERÍODO (1556-1598). Abarca el reinado de Felipe II. Los artistas dominan el lenguaje clasicista, como puede observarse en la obra de El Escorial. También aparecen rasgos manieristas en algunos pintores y escultores, por ejemplo en El Greco.
    • 2. CONTEXTO HISTÓRICO. IMPERIO ESPAÑOL EN EUROPA, SIGLO XVI. HERENCIA DE CARLOS I.
    • CARLOS V (1516-1556) El siglo XVI español abarca la etapa final del reinado de los Reyes Católicos y el gobierno de los primeros monarcas de la dinastía de los Austria, Carlos I y Felipe II. Gobernaron sobre un inmenso imperio, formado por las posesiones europeas heredadas por Carlos y por los territorios americanos incorporados a la Corona. Tantas posesiones fueron fuente de graves conflictos, y las guerras en el exterior resultaron constantes: contra Francia, contra los turcos y, sobre todo, contra los protestantes. A la larga, estas guerras llevaron a la bancarrota a la Hacienda española. La llegada del oro y la plata americanos sirvieron para constituir algunas riquezas, pero también produjeron una subida de precios que acabó arruinando a la población. FELIPE II (1556-1598)
    • 3. FACTORES QUE FAVORECEN LA INTRODUCCIÓN DEL RENACIMIENTO EN ESPAÑA. a) El apoyo al estilo por parte de los nobles y de la alta jerarquía eclesiástica, siguiendo la moda de Roma y, posteriormente, de los monarcas (Carlos I y Felipe II) para sus mansiones imperiales. b) La importación de obras desde Italia: fustes, capiteles, sepulcros, jambas de puertas… (por ejemplo, el patio del Castillo de la Calahorra). c) La presencia de artistas italianos en España, mandados llamar por la nobleza: Domenico Fancelli, Pietro Torrigiano, d) El viaje a Italia de artistas españoles: Pedro Berruguete, Alonso Berruguete, Pedro Machuca, Juan de Herrera. e) La difusión de motivos decorativos a través de libros de grabados, estampas italianas y tratados de arquitectura de los principales arquitectos italianos, así como la traducción especial que hizo Diego Sagredo en 1526 del tratado de Vitrubio. CASTILLO DE LA CALAHORRA. Lorenzo Vázquez y Michele Carbone, 1509-1512.
    • CASTILLO DE LA CALAHORRA Lorenzo Vázquez y Michele Carbone. 1509-1512.
    • 4. ESTILO PLATERESCO (PRIMER TERCIO DEL SIGLO XVI) ARQUITECTURA. ETAPAS. PURISMO O CLASICISMO (SEGUNDO TERCIO DEL SIGLO XVI) ESTILO HERRERIANO (ÚLTIMO TERCIO DEL SIGLO XVI)
    • A. EL PLATERESCO (primer tercio del XVI). No es tanto un estilo de arquitectura como un estilo decorativo de motivos renacentistas, de inspiración italiana, que se aplica a estructuras góticas, pero también a retablos, escaleras y rejerías de iglesias. La obra más famosa es la fachada de la Universidad de Salamanca, de autor anónimo. Es un espléndido tapiz de decoración menuda en el que la tradicional fachada - retablo gótica se somete a principios de ordenación renacentista. FACHADA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA, 1533.
    • GÓTICO REYES CATÓLICOS PLATERESCO FACHADA DEL COLEGIO DE SAN GREGORIO. Valladolid, s. XV FACHADA DE LA UNIVERSIDAD DE SALAMANCA, 152?.
    • Se denomina así porque la decoración está realizada con gran minuciosidad y detalle, como si fuera una labor de plateros. Son característicos los motivos de candelabros y grutescos, combinaciones fantásticas de animales, seres humanos y tallos vegetales, dispuestos sobre un eje de simetría. Los capiteles utilizados en las columnas y pilastras suelen ser corintios o compuestos, aunque a veces se llenan de grutescos. Se suele utilizar la columna abalaustrada, puramente decorativa, formadas por la superposición de vasos de distinto grosor y decoración.
    • COLUMNAS ABALAUSTRADAS. CAPITEL DE GRUTESCOS. “CANDELIERI” TROFEOS.
    • VARIEDAD – MINUCIOSIDAD – CALIDAD – HORROR VACUI – SIMETRÍA PUTTI GRUTESCOS VENERAS CON PERSONAJES MITOLÓGICOS MOTIVOS HERÁLDICOS CABEZA DE ÁNGELES ALADAS CANDELIERI TONDOS
    • Las formas italianas se introdujeron ene España gracias a la nobleza, que quería diferenciarse del apego al gótico de la monarquía. Destaca el mecenazgo artístico de los Mendoza, una de las familias más poderosas de España, que contrató los servicios de Lorenzo Vázquez para construir los primeros edificios renacentistas en España: la portada del Colegio Mayor de Santa Cruz, en Valladolid, y el Palacio de Cogolludo, en Guadalajara. PALACIO DE SANTA CRUZ. Lorenzo Vázquez. Valladolid, 1491.
    • PALACIO DE COGOLLUDO. Lorenzo Vázquez, Cogolludo, s. XV. Miembros de la familia nobiliaria de los Mendoza viajaron a Italia, estuvieron en contacto con humanistas y decidieron adoptar el estilo renacentista en sus propiedades. Una de ellas fue el palacio de Cogolludo, el primero en España que adopta la moda italiana. El marcado carácter horizontal, la separación de pisos por impostas, el almohadillado, la disposición rítmica de los vanos, el remate con una potente cornisa clásica y las columnas clásicas de la portada son elementos inspirados en los palacios urbanos del Quattrocento italiano. La recargada crestería y los arcos de las ventanas son elementos más góticos.
    • CONVENTO DE SAN ESTEBAN. Juan de Álava, Salamanca. 1524. El plateresco se desarrolla desigualmente en España. Alcanza un auge en la Corona de Castilla, cuya irradiación más importante llega a Hispanoamérica, pero es raro en territorio catalán y levantino, donde el fuerte arraigo de lo gótico frena el desarrollo de las formas renacentistas. En Salamanca y Toledo encontramos los mejores ejemplos platerescos.
    • PALACIO DE MONTERREY. Rodrigo Gil de Hontañón. Salamanca, 1539.
    • HOSPITAL DE SANTA CRUZ Enrique Egas y Alonso de Covarrubias,Toledo, 1504-15.
    • B. CLASICISMO O PURISMO (segundo tercio del XVI). Es el período en el que el lenguaje clasicista resulta definitivamente asimilado, tanto los elementos formales (arcos de medio punto, bóvedas, órdenes clásicos, etc.), como la sintaxis (orden, proporción, armonía), distribución espacial y la iluminación. La obra más importante del período es el Palacio de Carlos V en Granada, obra inacabada de Pedro Machuca. PALACIO DE CARLOS V EN GRANADA, Pedro Machuca, 1563.
    • La arquitectura española fue abandonando la abundante decoración del plateresco en busca de una mayor austeridad ornamental y de una mayor claridad en las formas arquitectónicas. La decoración suele aparecer enmarcando puertas y ventanas. Los patios de palacios y hospitales se vuelven muy italianos, con la utilización de galerías abiertas mediante arcos de medio punto, la superposición de órdenes y el sometimiento a proporciones clasicistas. UNIVERSIDAD DE ALCALÁ DE HENARES. Rodrigo Gil de Hontañón, 1541-1543.
    • HOSPITAL DE TAVERA. Alonso de Covarrubias, Toledo, 1541.
    • La publicación del libro de Diego Sagredo “Medidas del Romano”, en 1526, será fundamental para proporcionar repertorios de motivos y medidas precisas de los órdenes arquitectónicos.
    • Es decisivo el apoyo de Carlos V al nuevo estilo en sus palacios. La arquitectura es entendida no sólo como un hecho artístico, sino como un factor de propaganda al servicio de las ideas políticas del emperador. Un estilo universal y moderno para un emperador universal y moderno. La obra cumbre del período es el Palacio de Carlos V en Granada, realizado por Pedro Machuca. Fue proyectado como complemento de la residencia privada de Carlos en la Alhambra para servir de escenario a las ceremonias y actos oficiales de la corte. Nunca fue terminado. PALACIO DE CARLOS V EN GRANADA. Pedro Machuca, 1563
    • CORNISA DE REMATE IMITADA DE LOS PALACIOS RENACENTISTAS. ORDEN COMPUESTO. “SERLIANA”, MOTIVO TÍPICO DE LA ARQUITECTURA MANIERISTA. LA ACOMPAÑAN ALEGORÍAS DE LA HISTORIA Y LA FAMA. RELIEVES ALUSIVOS A LAS VICTORIAS NAVALES DEL EMPERADOR. ORDEN JÓNICO. ALMOHADILLADO CARACTERÍSTICO DE LOS PALACIOS ITALIANOS. FRONTÓN CON LAS DIOSAS DE LA VICTORIA. VANOS ADINTELADOS. TROFEOS.
    • El palacio tiene planta cuadrada con un patio interior circular rodeado de columnas. A partir de la tradición platónica, simbolizan respectivamente la tierra y el cielo: el poder terrenal del emperador bajo la protección celestial.
    • PATIO CIRCULAR PORTICADO. SUPERPOSICIÓN DE ÓRDENES: ABAJO TOSCANO, ARRIBA JÓNICO. GALERÍA SUPERIOR CUBIERTA CON ARTESONADO DE MADERA. GALERÍA INFERIOR CUBIERTA CON BÓVEDA ANULAR. EL PATIO DESTACA POR SU SOBRIEDAD Y DESNUDEZ Y POR EL SOMETIMIENTO A LOS PRINCIPIOS DE PROPORCIÓN Y ARMONÍA. ES, JUNTO AL ESCORIAL, EL CONJUNTO MÁS CLÁSICO E ITALIANIZANTE DE LA ARQUITECTURA ESPAÑOLA DEL RENACIMIENTO.
    • Aparte de Pedro Machuca, tres arquitectos se pueden destacar en este período purista: Alonso de Covarrubias, que trabaja en Madrid y Toledo como maestro mayor de las obras reales de Carlos V. Para él construye el Alcázar de Toledo y el Alcázar de Madrid, residencia de nuestros reyes hasta el siglo XVIII, en el que se quemó. También de él son la Puerta de Bisagra y el Hospital Tavera, ambos en Toledo. En Granada, Diego de Siloé realiza la catedral de Granada, modificando el planteamiento gótico inicial y culminando una de las obras más importantes del período. En Jaén trabaja Andrés de Vandelvira, quien realiza la catedral de Jaén y el Palacio Vázquez de Molina en Úbeda. PUERTA DE BISAGRA. Alonso de Covarrubias. Toledo, 1547.
    • PALACIO REAL DE MADRID. S. XVIII. Palacio de los Borbones.
    • EL ALCÁZAR DE TOLEDO. Alonso de Covarrubias, 1545. BALAUSTRADA DE REMATE ALMOHADILLADO ENTABLAMENTOS CLÁSICOS VENTANAS ADINTELADAS SUPERPOSICIÓN DE ÓRDENES ÉNFASIS DE LA PORTADA RITMO Y REGULARIDAD
    • EL ALCÁZAR DE TOLEDO. Alonso de Covarrubias, 1545.
    • CATEDRAL DE GRANADA Diego de Siloé, 1528-1563. La catedral de Granada, empezada en gótico, fue modificada al nuevo estilo. En el altar se pensó un espacio circular que sirviera de panteón real de la familia imperial y sus sucesores. Finalmente, Carlos V fue enterrado en el monasterio de Yuste, y Felipe II convirtió el monasterio de El Escorial en el Panteón Real.
    • “Concebida como símbolo de la cristianización de la última ciudad musulmana de España, su primitiva disposición gótica, que de acuerdo a las trazas de Enrique Egas magnificaba las de la catedral de Toledo, fue radicalmente transformada por Silóe para convertir el conjunto en un edificio clásico, dotándole a su vez del carácter de panteón regio al tener adosada la Capilla Real. Para ello, Silóe concibió la cabecera como un gran espacio central cubierto por cúpula y ordenó los alzados de las naves de más de 60 metros- con unos potentes pilares camuflados por cuatro colosales medias columnas, trasdosadas por pilastras del mismo orden itálico, que articulan las naves axiales del templo.” ARTEHISTORIA. CATEDRAL DE GRANADA Diego de Siloé, 1528.
    • PALACIO VÁZQUEZ DE MOLINA. Andrés de Vandelvira, Úbeda, 1565.
    • SACRISTÍA DE LA CATEDRAL DE JAÉN. Andrés de Vandelvira, 1548.
    • C. ETAPA HERRERIANA (último tercio del XVI). Ocupa el reinado de Felipe II. El edificio emblemático es el monasterio de El Escorial, realizado por Juan de Herrera para conmemorar la victoria española contra las tropas francesas en la batalla de San Quintín. Dado que la batalla fue librada en la festividad de San Lorenzo, el complejo se dedicó a ese mártir, que murió en Roma asado en una parrilla.
    • El edificio debía reunir en una misma fábrica varios espacios. • Un panteón real para Felipe II, su familia y descendientes. • Un monasterio de Jerónimos, orden encargada de rezar por las almas de la familia imperial. • Una iglesia. • Una biblioteca, dado el interés humanista de Felipe II. • Un seminario y colegio para la formación de futuros monjes en los principios de la Contrarreforma. • Un palacio privado para Felipe II, dada la costumbre de los monarcas españoles de retirarse una temporada al año a los conventos fundados por ellos. PLANTA Y FUNCIONES
    • Se caracteriza por la monumentalidad. Para construirlo no eligió a un arquitecto sino a un matemático como Juan de Herrera, quien asumiría la dirección de la obra iniciada por Juan Bautista de Toledo, quien incluso se cree que pudo conocer a Miguel Ángel. Gracias a Herrera, a lo largo de toda la construcción de El Escorial, se produjo una importante evolución en todo lo referente a los sistemas de construcción y a la forma de tallar la piedra.
    • Desnudez decorativa. Construido en piedra de granito, su aspecto es austero, seco, sin ningún tipo de decoración. Su aire desornamentado, y como de fortaleza, nos recuerda que es el principal centro de defensa de la Contrarreforma católica. El eje del monasterio lo constituyen el Patio de los Reyes (por las esculturas de reyes del Antiguo Testamento) y la iglesia. La sobriedad queda de manifiesto por el orden toscano, la falta de elementos decorativos y la utilización del granito, piedra local con la que está construido todo el monumento. PATIO DE LOS REYES. MONASTERIO DE EL ESCORIAL. Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera, 1563-1584.
    • HABITACIONES DE FELIPE II. Monasterio de El Escorial. Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera, 1563-1584. El dormitorio de Felipe II comunica directamente con la iglesia a través de una puerta, de manera que el monarca podía asistir a misa desde su cama cuando estaba enfermo.
    • Lenguaje plenamente clásico. Elementos (arcos de medio punto, bóvedas de cañón, cúpula sobre pechinas, orden dórico…). Sintaxis (proporción, armonía, equilibrio, medida, sobriedad…). Espacio centralizado, iluminación diáfana. BASÍLICA. Monasterio de El Escorial. Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera, 1563-1584.
    • Cubiertas de madera revestidas de pizarra. Imitadas de las Países Bajos, este elemento se puso de moda en la arquitectura de los Austrias en el siglo XVII.
    • Era el espacio en que se albergaba una buena parte de la colección de libros del rey y que pretendía competir, incluso, con la del Vaticano. Está decorada con pinturas al fresco de Tibaldi, artista manierista italiano, que representa en la bóveda a las Artes Liberales.
    • Aquí están enterrados la mayor parte de los reyes españoles (lado derecho del altar) y reinas (lado izquierdo) que se suceden tras Felipe II. Aquí también será enterrado Juan Carlos I. El panteón fue construido ya en el siglo XVII por Juan Gómez de Mora, discípulo aventajado de Juan de Herrera. PANTEÓN REAL. Monasterio de El Escorial. Juan Gómez de Mora, s. XVII.
    • 5. INTRODUCCIÓN DE LAS FORMAS ITALIANAS (PRIMER TERCIO DEL SIGLO XVI) ESCULTURA. EL RENACIMIENTO PLENO (REINADO DE CARLOS V) MANIERISMO CLASICISTA (REINADO DE FELIPE II)
    • CARLOS V Y EL FUROR, Leon Leoni, 1555 A. MATERIALES. El mármol y el bronce se utilizaron, sobre todo, en los sepulcros y en la escultura de corte realizada para Carlos V y Felipe II por escultores italianos. ISABEL DE PORTUGAL, Leon Leoni y Pompeo Leoni, 1553
    • Pero el material más utilizado fue la madera. Se empleó en retablos, imágenes de devoción y sillerías de coro, según la técnica del estofado. El dorado y estofado de una escultura de madera constaba de cuatro fases: a) La primera era el aparejado, que consistía en el revestimiento de las esculturas con varias capas sucesivas de yeso y bol, o sea, arcilla roja muy fina. Se fortalecía así la madera y se aseguraba la buena fijación de la pintura. b) Venía después el dorado, consistente en revestir las partes vestidas de las figuras con panes de oro, es decir, láminas muy delgadas de este metal. c) Luego venía el estofado, es decir, la aplicación de colores lisos al temple sobre el oro, para proceder a continuación a realizar orlas o motivos decorativos levantando la pintura con un punzón, para que el oro se viera por debajo. Estos dibujos reproducían rayados, punteados, escamados o grutescos. d) Las partes de las figuras que quedaban sin vestir (caras, manos, pies) se encarnaban al óleo o con un tono marfileño que semejaba la carne.
    • La palabra estofado viene de “estofa”, tela de seda o lana con bordados en hilos de oro y plata. Un tipo de estofa sería el brocado.
    • B. GÉNEROS ESCULTÓRICOS. B.1. EL SEPULCRO. Los enterramientos continúan la tradición gótica. Se realizaban en mármol o en alabastro. Estaban reservados a monarcas, nobles o importantes personajes de la jerarquía eclesiástica. Se desarrolló tanto el sepulcro adosado a la pared en forma de arco triunfal como el de cama exenta en el centro de una capilla funeraria. A finales del XVI la moda de construir sepulcros decayó. SEPULCRO DEL CARDENAL CISNEROS. Domenico Fancelli, s. XVI. SEPULCRO DEL CARDENAL DIEGO HURTADO DE MENDOZA. Domenico Fancelli, 1509.
    • El muerto suele aparecer yacente y dormido. Son frecuentes las figuras de angelitos, los emblemas heráldicos, las guirnaldas, figuras alegóricas y decoración plateresca. Las figuras de apóstoles, profetas y las escenas sagradas (“Bautismo”, “Resurrección”) suelen aparecer en tondos, y hornacinas con veneras.
    • INSCRIPCIÓN ENTRE DOS PUTTI QUE RECUERDA LAS CUALIDADES DEL PRÍNCIPE Y LAMENTA SU MUERTE PREMATURA. LECHO CON EL YACENTE. EL SEPULCRO TIENE FORMA DE TÚMULO. NIÑOS DESNUDOS (PUTTI) CON EL ESCUDO DEL DIFUNTO Y GUIRNALDAS DE FLORES Y FRUTOS. LAS CUATRO VIRTUDES CARDINALES, EN NICHOS AVENERADOS, CENTRADAS POR EL MEDALLÓN DE NUESTRA SEÑORA. GRIFOS EN LAS CUATRO ESQUINAS (SIMBOLISMO POSITIVO DURANTE LA EDAD MEDIA). “Juan, príncipe de las Españas, adornado de todas las virtudes e instruido en las buenas artes, amante verdadero de la religión y de la Patria y queridísimo de sus padres, quien en pocos años con su gran prudencia, probidad y piedad, hizo muchos bienes, descansa bajo este sepulcro, el que mandó fabricar Fernando el Católico, rey valeroso, defensor de la Iglesia, su muy bueno y piadoso padre, mas Isabel, su madre, Reina cristiana y armario de todas las virtudes, mandó por testamento la realización; vivió 19 años, murió en 1497.”
    • A la idea medieval del "triunfo de la muerte" sustituye ahora el concepto humanista de "triunfo sobre la muerte", victoria que se produce gracias a las virtudes morales del difunto. El sepulcro expondrá mediante figuras alegóricas las virtudes morales del individuo gracias a las cuales alcanza la inmortalidad SEPULCRO DE DON ALONSO DE MADRIGAL. Vasco de la Zarza, s. XVI.
    • SEPULCRO DEL CARDENAL CISNEROS. Alcalá de Henares, Domenico Fancelli y Bartolomé Ordóñez, 1524.
    • B.2. EL RETABLO. El esquema es el mismo del período gótico: banco en la parte inferior, calles y entrecalles por encima, y culminación de un ático. La función también es la misma: enseñar al pueblo las verdades de la fe y los principios de la moral católica mediante imágenes de carácter devocional y didáctico. Ahora se prefieren los retablos escultóricos más que los pictóricos. A diferencia del gótico, las escenas aparecen enmarcadas por columnas y entablamentos clásicos, decorándose con los típicos motivos de grutescos, candelabros, veneras, cabezas de angelitos, niños desnudos, etc. las figuras se realizan con la técnica del dorado y el estofado. RETABLO DE SANTO DOMINGO DE LA CALZADA. Damian Forment, 1537.
    • En el último tercio del siglo XVI, con los retablos de la catedral de Astorga y de El Escorial, los retablos se realizan con una ordenación más clásica y racional, sin la ornamentación plateresca. Como consecuencia del Concilio de Trento, empieza a cobrar importancia el espacio destinado al Sagrario. RETABLO DE LA CATEDRAL DE ASTORGA. Gaspar Becerra, 1570.
    • San Pedro y San Pablo, pilares de la Iglesia. Máxima racionalidad y sobriedad decorativa. Superposición de órdenes clásica. Riqueza de materiales: mármol rojo, jaspe verde y bronce dorado. Pinturas manieristas de Tibaldi y Zuccaro. Bronces de Leon y Pompeio Leoni. Los temas tratan de exaltar los principios de la Contrarreforma: la importancia del sacramento de la Eucaristía (Sagrario), el culto a la Virgen y a los santos (figura de San Lorenzo en el centro) y la autoridad del Papa en la interpretación de la Biblia (los cuatros Padres de la Iglesia: San Gregorio Magno, San Ambrosio, San Agustín y San Jerónimo). RETABLO DE EL ESCORIAL Juan de Herrera, finales del XVI.
    • B.3. SILLERÍAS DE CORO. Las sillerías corales se ubican en el centro de la nave, cerrándose por tres lados mediante el trascoro y con reja en el lado que mira al presbiterio. En el centro se halla el atril o facistol. Constan de sillería alta y baja, centradas por la silla presidencial. La labor escultórica ocupa los respaldos, brazos y misericordias de cada una de ellas, dejándose sin policromar. Las más importantes son las de la catedral de Burgos y el coro alto de la de Toledo. CATEDRAL DE BURGOS. Felipe Bigarny, comienzos del XVI.
    • B. 4. EL RETRATO ÁULICO (DE CORTE). A diferencia de Italia, los retratos no fueron frecuentes en España, sólo en los círculos cortesanos y estuvieron hechos por artistas italianos. Los italianos León Leoni y Pompeyo Leoni realizaron numerosos retratos para Carlos V, Felipe II y sus familiares. Frente a la escultura española del período, realizada en madera, estos retratos se hacen en mármol y bronce. En estas obras, el apasionamiento típico de la escultura religiosa española cede ante la serenidad, la expresión calmada y distante, la idealización y la representación solemne y majestuosa de los monarcas. CARLOS V VENCIENDO AL FUROR. León Leoni, 1555.
    • La escultura se inspira en una cita del poeta romano Virgilio alusiva a la paz romana: «Saeva sedens super arma», representando el instante en que Eneas pacificó el Lacio encerrando al Furor en el templo de Jano y declarando la paz. León Leoni pretendió plasmar la grandeza y dignidad del emperador, aludiendo al conjunto de sus victorias y a su vida como pacificador. Carlos V aparece vestido a la romana, con peto y espaldar, dominando a un hombre derribado y encadenado, personificación del Furor; esta figura sujeta una tea encendida en la mano derecha. El Emperador blande una lanza con la derecha, y con la izquierda un alfanje; ambas armas pueden ser desmontadas. La armadura puede separarse del cuerpo, mostrando a Carlos V desnudo a la manera de los héroes grecorromanos. La base de la escultura muestra diversos objetos alusivos a la guerra, como un escudo, una coraza, y otros atributos (trompeta, tridente, un carcaj de flechas, una maza y un haz de lictor romano). CARLOS V VENCIENDO AL FUROR. León Leoni, 1555.
    • BUSTO DE FELIPE II. Pompeyo Leoni, ? ISABEL DE PORTUGAL, Leon Leoni y Pompeyo Leoni, 1553
    • B.5. LA IMAGEN RELIGIOSA. La mayor parte de la escultura española del Renacimiento es religiosa. Las imágenes religiosas son muy expresivas y realistas, pues buscan conmover a los fieles. Se tallaron sobre todo para retablos, pero también como imágenes exentas de devoción. B.6. EL GÉNERO MITOLÓGICO. A diferencia de Italia, los temas mitológicos son raros, quedando relegados a los círculos cortesanos. EL ENTIERRO DE CRISTO. Juan de Juni, 1545.
    • SAN JERÓNIMO. Pietro Torrigiano, 1525. D. EVOLUCIÓN DE LAS FORMAS. D.1. FASE DE INTRODUCCIÓN DE LAS FORMAS ITALIANAS. (PRIMER TERCIO DEL XVI). Las primeras manifestaciones de escultura renacentista en España se deben a • Artistas llegados desde Italia (Pietro Torrigiano y Domenico Fancelli (sepulcro de los Reyes Católicos en la Capilla Real de Granada). • Obras importadas desde Italia (sepulcros, puertas…) • Españoles que han viajado allí: Bartolomé Ordóñez.
    • SEPULCRO DE LOS REYES CATÓLICOS EN LA CAPILLA REAL DE GRANADA. Domenico Fancelli, 1517
    • También desempeñan un papel importante obras importadas de Italia, especialmente sepulcros. Organización como un arco de triunfo. Decoración plateresca en pilastras y frisos. Figuras alegóricas de la Paz y la Gloria. Alegorías de la virtudes del difunto. Hacen referencia al concepto humanista del triunfo sobre la muerte. SEPULCRO DE RAMÓN FOLCH. Belpuig, Lérida. Giovanni da Nola, 1524.
    • SEPULCRO DE PEDRO ENRÍQUEZ DE QUIÑONES. Pacce Gagini, 1520, Sevilla.
    • Entre los españoles, Bartolomé Ordóñez es el mejor ejemplo de artista formado en Italia en los principios del clasicismo. Desgraciadamente muere pronto, en 1520. Sus figuras idealizadas y serenas tienen poco que ver con el patetismo y la expresividad de las imágenes religiosas que tanto gustaban en España. MARTIRIO DE SANTA EULALIA. Trascoro de la catedral de Barcelona. Bartolomé Ordóñez, 1519.
    • Otro artista español importante en la introducción del estilo fue Damián Forment. Realizó varios retablos en alabastro en la Corona de Aragón, en un estilo todavía gótico. Murió mientras realizaba el retablo en madera para la catedral de Santo Domingo de la Calzada. RETABLO DE SANTO DOMINGO DE LA CALZADA. Damian Forment, 1537.
    • SAN CRISTÓBAL. Alonso Berruguete, 1526. D.2. LA ESCULTURA DEL RENACIMIENTO PLENO. LA ÉPOCA DE CARLOS V. (SEGUNDO TERCIO DEL SIGLO XVI). Los escultores españoles más importantes de esta etapa son Alonso Berruguete y Juan de Juni. Han viajado a Italia y adoptan diferentes modelos: • • • El clasicismo de Donatello. El manierismo de Miguel Ángel y otros artistas italianos. La escultura religiosa flamenca y nórdica, más emocional, menos serena, más expresiva y patética. Pero hay algo que distingue a estos autores de los artistas del Renacimiento italiano: la teatralidad, el dramatismo, la expresividad religiosa. Es un arte profundamente popular, que busca conmover y emocionar, y que se aleja de la serenidad y la idealización del arte italiano. En esta expresividad, adelanta lo que será la imaginería del Barroco.
    • Alonso de Berruguete es el escultor más destacado. Su obra se caracteriza por el dinamismo, las composiciones desequilibradas y el uso de la figura serpentinata, donde ésta se contorsiona imitando una ascensión helicoidal, en la que domina la línea curva y ondulada. Sus figuras, alargadas, estilizadas, recuerdan la estética manierista. Suelen estar tensas, y no ofrecen un único punto de vista lo que provoca una sensación en el espectador de desequilibrio e inestabilidad. Trabajó en Valladolid, donde realizó, sobre todo, figuras religiosas para retablos de distintos monasterios. SACRIFICIO DE Isaac Alonso Berruguete, 1526.
    • MARTIRIO DE SAN SEBASTIÁN. Alonso Berruguete, 1526. ESCLAVO MORIBUNDO. Miguel Ángel, 1513. 1. Gran expresividad de las figuras. 2. Formas y proporciones estilizadas. 3. Efectos dramáticos orientados a conmover al espectador. 4. Los cuerpos se retuercen como efecto de una tensión interna. Influjo de Miguel Ángel. 5. Composiciones dinámicas y desequilibradas. 6. Variedad de puntos de vista. 7. Uso del desnudo, poco habitual en la escultura española.
    • Junto a Berruguete, la otra gran figura de la escultura castellana es Juan de Juni. Formado en Francia y en Italia, su estilo es diferente al de Berruguete: el tratamiento de la anatomía y las proporciones es más clásico, con figuras menos estilizadas; sus figuras son más monumentales pero igualmente expresivas y anticipan los pasos procesionales del Barroco. VIRGEN DE LAS ANGUSTIAS. Juan de Juni, 1570.
    • EL ENTIERRO DE CRISTO, Juan de Juni, 1545 Magnífica policromía con técnica de «estofado». Naturalismo. Figuras voluminosas, fuertes, de aire miguelangelesco. Dramatismo y expresividad de los rostros, pero también emoción contenida. Gestos y actitudes teatrales, forzadas. Violentos movimientos de torsión. Composición simétrica, equilibrada, clásica.
    • Al margen de los artistas españoles, centrados en las imágenes religiosas, se encuentra la labor realizada por los escultores italianos León y Pompeyo Leoni para la Corte. Es un arte oficial, plenamente clásico, italianizante y muy alejado del estilo expresivo de las escuelas regionales españolas. BUSTO DE CARLOS V Leon Leoni, 1554.
    • CARLOS V Y EL FUROR, Leon Leoni, 1555 ISABEL DE PORTUGAL, Leon Leoni. 1553.
    • D.3. LA ÉPOCA DE FELIPE II. EL MANIERISMO CLASICISTA. (ÚLTIMO TERCIO DEL S. XVI) Durante el último tercio del siglo XVI, la escultura española sigue los pasos marcados por Berruguete y Juni en lo que respecta a los temas religiosos tratados de una forma expresiva y dramática. Si acaso, surge una nueva tendencia, el manierismo clasicista o romanismo, inspirado en la obra de Miguel Ángel, y que va a imponer en la figura humana un clasicismo calmado en el que se prefiere las anatomías potentes y vigorosas a los tipos dinámicos y nerviosos del período anterior. El principal introductor de esta tendencia fue Gaspar Becerra en el retablo para la catedral de Astorga (1558-1560). RETABLO DE LA CATEDRAL DE ASTORGA, Gaspar Becerra, 1570
    • RETABLO CATEDRAL DE ASTORGA. LA CARIDAD. Gaspar Becerra, 1558-1562.
    • ¿Recuerdo de las tumbas de los Medici? Predilección por el desnudo miguelangelesco. Arquitectura clasicista. Las columnas no son abalaustradas. Las escenas aparecen enmarcadas. En las columnas desaparecen los grutescos. Ahora: angelitos, guirnaldas y temas vegetales. Anatomías poderosas. Vigorosos escorzos. RETABLO CATEDRAL DE ASTORGA. Jesús entre los doctores. Gaspar Becerra, 1558-1562.
    • ESTATUAS ORANTES DE FELIPE II Y SU FAMILIA Monasterio de El Escorial. Pompeo Leoni, 1587. Pompeo Leoni continúa la labor de su padre en la Corte de Felipe II. Es un arte oficial, majestuoso, solemne, plenamente clásico, italianizante y muy alejado del estilo expresivo de las escuelas regionales españolas..
    • ESTATUAS ORANTES DE CARLOS V Y SU FAMILIA. El Escorial, Pompeo Leoni, 1585.
    • 6. PINTURA. A. TÉCNICAS. Óleo sobre tabla en la primera mitad del XVI, y óleo sobre lienzo en la segunda mitad. La pintura al fresco tuvo escaso desarrollo. B. GÉNEROS. Sobre todo, se practica el género religioso. El género mitológico apenas tiene importancia. El retrato sí tuvo importancia, especialmente en la segunda mitad del XVI, y gracias a dos pintores: El Greco, que retrató a la sociedad del Toledo de la época, y Sánchez Coello, que se encargó de la familia y corte de Felipe II. EL EXPOLIO. El Greco, 1579
    • C. ETAPAS. C.1. PRIMER TERCIO DEL SIGLO XVI. Se caracteriza por el eclecticismo, por la mezcla de lo gótico (gusto por el detalle minucioso y el abundante empleo de oro) y lo renacentista, que aparece en la utilización de la perspectiva lineal, el canon de las figuras y la aparición de una arquitectura vagamente clasicista. Pedro Berruguete, padre del escultor, es el pintor que mejor representa esta etapa. SANTO DOMINGO DE GUZMÁN QUEMA LAS OBRAS DE LOS ALBIGENSES. Pedro Berruguete, 1495.
    • C.2. SEGUNDO TERCIO DEL SIGLO XVI. Llegan las influencias de los grandes maestros italianos (Leonardo, Rafael y Miguel Ángel), pero también de los manieristas. Los dos autores principales del período son Juan de Juanes y Luis de Morales. SANTA CENA. Juan de Juanes, 1562.
    • Juan de Juanes no ha elegido el momento leonardesco, el momento en el que Jesús anuncia que uno de los suyos le traicionará, sino el momento en el que Jesús consagra el pan. Misteriosamente, el pan se ha transformado en la hostia consagrada. Estamos en la Contrarreforma, y la pintura contribuye a la exaltación de la Eucaristía. La composición recuerda a Leonardo. Los colores utilizados en las dos figuras del primer plano recuerdan a los manieristas. Los objetos del primer plano y la ventana abierta en arco de medio punto contribuyen a dar profundidad al cuadro. La simetría es rigurosa. El que la rompe con su movimiento “miguelangelesco” es, claramente, Judas.
    • Sus obras, serenas y contenidas, tratan de provocar el recogimiento interior y la meditación de los fieles. Después del Concilio de Trento, la Iglesia católica apoya una pintura religiosa devocional, realista que, recurriendo a los sentimientos y la emotividad, incitara a los fieles a la piedad y promoviera el arrepentimiento. Su tratamiento de las sombras fue relacionado con el “sfumatto” de Leonardo da Vinci. VIRGEN CON EL NIÑO Luis de Morales, 1568
    • “Sin embargo, el sesgo más personal de su pintura radica en la atmósfera tormentada y casi histérica en que respiran sus personajes, volcados más que a la acción hacia una intensa vida interior, llenos de melancolía y renunciamiento ascético, y característicos del clima de crispada religiosidad que habían impuesto en la España del XVI los movimientos de reforma…” Alfonso Rodríguez G. de Ceballos. LA PIEDAD Luis de Morales, 1570.
    • C.3. ÚLTIMO TERCIO DEL XVI. Dos pintores destacan. Claudio Coello, como gran retratista de la corte de Felipe II, y El Greco. Los retratos de Sánchez Coello suelen ser de tres cuartos o de cuerpo entero. Felipe II se muestra con los atributos del poder: con armadura y bastón de mando, como defensor de la patria. Sus mujeres e hijas aparecen con profusión de joyas, piedras preciosas y perlas. Y todo ello realizado con gran detallismo en los mínimos detalles, próximo a la pintura flamenca. RETRATO DE FELIPE II. Sánchez Coello, 1570.
    • INFANTA ISABEL CLARA EUGENIA Sánchez Coello, 1568.
    • CRISTO BENDICIENDO. El Greco, 1562. La figura más importante del período y de la pintura española renacentista es El Greco. a) Formación Se inició como pintor de iconos al modo bizantino entre 1541 y 1560 en Creta, lugar donde nació. De este período quedará en su pintura la preferencia por la representación simbólica de los temas religiosos frente a la representación naturalista propia del Renacimiento. También en su falta de interés por los fondos naturalistas y por el paisaje. Esta influencia es manifiesta en sus cuadros de Cristo bendiciendo o abrazado a la cruz y en los rostros de sus apóstoles. MOSAICO BIZANTINO.
    • CRISTO ABRAZADO A LA CRUZ. El Greco, 1600.
    • b) Estancia en Italia (1565-1575). En 1567 marcha a Venecia y se convierte en discípulo de Tiziano. Conoce la pintura veneciana. Sobre todo, le influyen Tiziano, Veronés y Tintoretto. De ellos aprende algunas características que le darán fama. Por ejemplo, la pincelada suelta, libre, que rompe con el dibujo preciso y nítido. A veces, parece que El Greco pinta directamente con color. LA ANUNCIACIÓN. El Greco, 1600.
    • CRISTO ABRAZADO A LA CRUZ. El Greco, 1600. INFANTA ISABEL CLARA EUGENIA. Sánchez Coello, 1568. (Comparar la forma de aplicar la pincelada y el contorno del dibujo entre El Greco y Sánchez Coello).
    • LA TRINIDAD, El Greco, 1580 Su colorido se enriquece al conocer a los venecianos: gamas frías de carmines, azules, amarillos, blancos plateados. MAGDALENA PENITENTE. Veronés.
    • LA ADORACIÓN DE LOS PASTORES, El Greco, 1612 De Tintoretto aprende los escorzos violentos y los efectos dramáticos de luces y sombras, con iluminaciones celestiales y simbólicas, muy alejadas de las iluminaciones amplias y naturales propias del Renacimiento. Este tipo de iluminación simbólica conectaba bien con el simbolismo bizantino que él había aprendido en su Creta natal. ÚLTIMA CENA. Tintoretto.
    • LA ADORACIÓN DE LOS PASTORES, El Greco, 1612 En Italia también se dejó seducir por la pintura manierista de Parmigianino, Pontormo o el mismo Tintoretto. Típico del Greco son las proporciones alargadas, las figuras estilizadas en equilibrios inestables, el sacrifico de la anatomía en beneficio de la expresión. TARQUINIO Y LUCRECIA. Tintoretto.
    • RESURRECCIÓN. 1600. En Italia también viaja a Roma, donde estudia a Miguel Ángel, aunque su pintura no parece entusiasmarle. De Miguel Ángel parece interesarle algo que también había visto en Tintoretto: el desnudo, los escorzos violentos, las contorsiones de los cuerpos, la agitación interna que acaba provocando todo tipo de movimientos y desequilibrios. EL JUICIO FINAL (FRAGMENTO). Miguel Ángel
    • Sin embargo, aspectos de la pintura romana y veneciana característicos del Renacimiento no parecen interesarle, como la preocupación por el paisaje, el domino de la perspectiva o la exaltación del relieve. Sus figuras plateadas están modeladas por el claroscuro, pero parecen a veces algo planas. SAN SEBASTIÁN El Greco, 1578.
    • c) Estancia en España (1577-1614). Finalmente llega a España en 1577. Se instala en Toledo, donde se va a dedicar a pintar retablos y apostolados para los numerosos conventos y retratos para la nobleza local. A pesar de intentarlo, fracasa en su intento de convertirse en pintor del rey Felipe II, quien en esos momentos estaba buscando pintores italianos y españoles para decorar el monasterio de El Escorial. RETABLO MAYOR DEL CONVENTO DE SANTO DOMINGO EL ANTIGUO. 1579.
    • EL MARTIRIO DE SAN MAURICIO. El Greco, 1582. El Martirio de San Mauricio es el cuadro que presentó a Felipe II para el concurso de la pintura de El Escorial. No le gustó a Felipe II. Le pareció confuso, al situar el martirio del santo en segundo plano, y situar en primer plano un hecho más irrelevante. La ausencia de referencias naturales, el predominio de luces sobrenaturales y ambientes simbólicos y la presencia de ángeles en escorzos imposibles se convertirán en notas características de su pintura.
    • “…podemos hablar sin ninguna reserva de un típico retrato de Escuela española… retrato de busto, con las ropas de terciopelo oscuro que se estilaban en las Cortes madrileña y escurialense, adornado tan sólo por una cadena fina con una medalla, con el puño y la gola almidonada de encaje… También el fondo es una característica de época, neutro, sin alusiones espaciales a mobiliario o arquitectura. En este tipo de retratos, encargados por personajes importantes de la Corte, o altos funcionarios, era frecuente que apareciera algún símbolo de la dignidad del retratado. La elegancia y sutileza de El Greco se aprecia en la única distinción que concede al personaje: el rico pomo de la espada española que presenta en primer término, así como el gesto de la mano sobre el pecho, que alude al rito de la "Fe del caballero", una dignidad otorgada sólo a ciertos personajes destacados”. ARTEHISTORIA. EL CABALLERO DE LA MANO EN EL PECHO. El Greco, 1584.
    • A veces realiza incursiones en el paisaje y en el tema mitológico, géneros poco tratados por nuestros pintores renacentistas. Su pintura es extraña, llena de luces sobrenaturales, perspectivas imposibles y un tratamiento del color poco naturalista. El ambiente irreal y fantasmagórico, como de ensueño, hizo que la pintura de El Greco fuera especialmente apreciada por los pintores expresionistas y surrealistas de comienzos del siglo XX. VISTA DE TOLEDO. El Greco, 1614.
    • LAOCOONTE, El Greco, 1614.
    • EL EXPOLIO. El Greco, 1579. Entre sus obras maestras, hay que destacar “El Expolio” y, sobre todo, “El entierro del señor de Orgaz”. EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ. El Greco, 1588.
    • Fondo borroso, luces misteriosas. Rostros grotescos, caricaturas. ¿Adónde fue la idealización clásica? ¿Romano con armadura del Renacimiento? Fogonazo de color veneciano. El rojo como símbolo del martirio. Rostro de Jesús dramático. Licencia temática: ¿qué pintan las tres Marías? EL EXPOLIO. El Greco, 1579. El cabildo no aceptó esta composición en la que aparecen los acompañantes por encima de la cabeza de Cristo, consideró que eran impropiedades que oscurecían la historia y desvalorizaban a Cristo. Figuras alargadas, colores pálidos, composición abigarrada, confusión, falta de orden. Escorzos atrevidos, típicamente manieristas. Composición extraña. Faltan referencias al mundo real, sólo el suelo. ¿Adónde fue el equilibrio?
    • La obra narra un hecho prodigioso ocurrido durante el entierro del Señor de Orgaz, en el siglo XIV. Este Señor se había distinguido en vida por su caridad para con la Iglesia. Cuando iba a ser enterrado, San Agustín y San Esteban descendieron del cielo para colocar al difunto en la sepultura con sus propias manos. Los asistentes al funeral quedaron admirados, mientras una voz desde el cielo decía: “Tal galardón recibe quien a Dios sirve” EL ENTIERRO DEL SEÑOR DE ORGAZ El Greco, 1588.
    • MUNDO CELESTIAL Un ángel lleva el alma del difunto ante Dios. La Virgen y San juan interceden por ella. A la izquierda, San Pedro y profetas del Antiguo Testamento. A la derecha, los elegidos, Felipe II entre ellos. Luces sobrenaturales, espacio concebido como luz plateada, tonos pálidos, figuras alargadas, agitación. Las nubes se despliegan como telones de teatro para dejarnos ver las escena inferior. Un ángel eleva el alma del difunto. MUNDO REAL Los nobles toledanos asisten en silencio al milagro. La escena del siglo XIV se actualiza en los ropajes de nobles y clero. Lujo, calma y silencio. Apenas hay emociones, sólo rostros vulgares que son retratos de la época dispuestos en un friso. Tampoco hay espacio real, ni perspectiva, ni separación con el mundo celestial.