Arte neoclásico.

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Presentación 2º Bachillerato.

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  • 1. 1. DEFINICIÓN. El estilo neoclásico surge a mediados del siglo XVIII como reacción a los excesos decorativos y ornamentales del Barroco y, sobre todo, del Rococó. Como su nombre indica, es un estilo que vuelve al Clasicismo, no sólo a los modelos romanos de la Antigüedad, como en el Renacimiento, sino también y muy especialmente a los modelos griegos y a los del Renacimiento, Palladio particularmente. De hecho, en Inglaterra el espíritu clasicista surge a comienzos del XVIII con la creación del estilo neopalladiano, inspirado en las obras del gran arquitecto italiano del Cinquecento. El otro elemento característico del Neoclasicismo es su defensa del carácter didáctico del arte: las obras de arte debían tener un papel decisivo en la formación de los ciudadanos, en la configuración de los valores cívicos y sociales del siglo XVIII. MEREWORTH CASTLE (Kent). Colen Campbell, 1723. EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS, David, 1784.
  • 2. 2. CRONOLOGÍA. Normalmente, se entiende por Neoclasicismo el estilo propio de la segunda mitad del siglo XVIII, nacido en paralelo a las ideas de la Ilustración francesa. En las primeras décadas del siglo XIX convivió con el Romanticismo, a quien acompañó de la mano hasta finales del XIX. En Francia, destacaron los arquitectos Soufflot y los visionarios Ledoux y Boullée. En España, Juan de Villanueva. El escultor más importante fue el italiano Antonio Canova. Y el pintor más importante fue el francés Jacques Louis David. PANTEÓN DE PARÍS. J. C. Soufflot, 1780. ANTONIO CANOVA VILLANUEVAJACQUES LOUIS DAVID
  • 3. CENOTAFIO DE NEWTON. E. L. Boullée, 1784. ALBERGUE PARA GUARDIAS RURALES, Ledoux.
  • 4. RETRATO ALEGÓRICO DE PAOLINA BORGHESE COMO VENUS VICTORIOSA. Canova, 1808.
  • 5. NAPOLEÓN, David, 1812. EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS, David, 1784. EL RAPTO DE LAS SABINAS, David, 1799.
  • 6. 3. CONTEXTO HISTÓRICO. La Europa de la Ilustración, con su deseo de organizar la sociedad a través de la Razón. También la Europa de la Revolución Francesa y del Imperio napoleónico. El arte no se concibe como propaganda del poder de los reyes o de la Iglesia, sino como expresión de los valores virtuosos del individuo y de los ideales ilustrados: la ciencia y el progreso. Sólo durante el Imperio, el arte recupera su capacidad de propaganda al servicio de Napoleón. LA ILUSTRACIÓN. LA REVOLUCIÓN FRANCESA.
  • 7. 4. FACTORES QUE FAVORECIERON LA APARICIÓN DEL NEOCLASICISAMO. A. EL DESCUBRIMIENTO DE LAS RUINAS DE POMPEYA Y HERCULANO. Estos descubrimientos pusieron, a mediados del siglo XVIII, de moda el arte romano antiguo. Los especialistas y eruditos modernos descubrieron no sólo edificios, sino restos de pinturas murales, mobiliario y otros enseres domésticos, que mostraban cómo los romanos decoraban y amueblaban sus viviendas, algo entonces desconocido.
  • 8. HISTORIADELARTEDELAANTIGÜEDAD.Winckelmann,1764. B. LA GRAN DIFUSIÓN DE IMPORTANTES TRATADOS TEÓRICOS SOBRE EL ARTE DE LA ANTIGÜEDAD. Entre los que destacan los de Winckelmann, historiador del arte y arqueólogo alemán, que publicó en 1764 “Historia del Arte de la Antigüedad”. En él se ensalzaba la sencillez y grandeza del arte griego, que Winckelmann consideraba superior al romano. En Inglaterra, James Stuart y Nicholas Revett publicaron en 1762 el primer volumen de “Las antigüedades de Atenas”, después de pasar más de tres años en la capital griega dibujando plantas y alzados de los principales monumentos.
  • 9. C. EL CULTO A LA RAZÓN DEL PENSAMIENTO ILUSTRADO. La Ilustración se identificó con el arte grecorromano para el que la belleza era orden, proporción y armonía, todos ellos atributos de la Razón. Por el contrario, la libertad formal, el exceso decorativo y la falta de normas, valores que se aplicaban al arte barroco y rococó, fueron rechazados.
  • 10. D. EL REDESCUBRIMIENTO DE LA ARQUITECTURA GRIEGA. La mejora de relaciones con los turcos, hizo posible viajar a Grecia y poder estudiar directamente la arquitectura griega. De hecho, frente al Renacimiento, cuyo modelo principal fue la antigua Roma, en el siglo XVIII se consolidó Grecia como modelo preferente para la arquitectura.
  • 11. F. LA FORMACIÓN DE ARTISTAS EN ACADEMIAS DE BELLAS ARTES. Estas academias trataron de establecer normas estrictas a la hora de realizar obras de arte. El seguimiento de estas normas favorecería la aparición de un arte único basado en normas de validez universal, no un arte caprichoso basado en la subjetividad del artista. Además, sería un arte “moral”, pues al estar inspirado en los principios del arte clásico contribuiría a difundir los principios del “buen gusto”. ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO, Madrid.
  • 12. La Ilustración creía en la idea de “progreso”, y en que éste era posible mediante la regeneración social a través del arte y la cultura. La Arquitectura, la Escultura, la Pintura y la Música debían contribuir a esa regeneración estableciendo los principios del “Buen Gusto”.
  • 13. 5. CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA. A. LA RECUPERACIÓN DEL LENGUAJE CLÁSICO. La arquitectura neoclásica nace como reacción contra la exuberancia decorativa barroca y el capricho rococó. Ahora se recupera el lenguaje clásico: Vocabulario: columnas clásicas, entablamentos, frontones, pórticos, cúpulas de media naranja, bóvedas de medio cañón. Pero sobre todo de la sintaxis: los muros se dejan lisos, las líneas rectas predominan sobre las curvas, desaparece la ornamentación profusa, se busca la sencillez, la armonía, la pureza de las formas geométricas. PANTEÓN DE PARÍS. J. C. Soufflot, 1780.
  • 14. B. EL DESARROLLO DE LAS TIPOLOGÍAS CIVILES. En cuanto a tipos de edificios, la arquitectura religiosa disminuyó en importancia frente a la arquitectura civil, como bibliotecas, museos, pórticos, arcos de triunfo, teatros, villas de campo, edificios de gobierno. GRAN TEATRO DE BURDEOS. Victor Louis, 1780. CHISWICK HOUSE, Lord Burlington, 1730. PUERTA DE ALCALÁ. Francesco Sabatini, 1778. MUSEO DEL PRADO, Juan de Villanueva, 1786-1819
  • 15. C. ARQUITECTOSY OBRAS. C.1. Francia. El desarrollo de la Ilustración francesa provocó la reacción contra el Rococó, un estilo frívolo, ligero, poco serio y alejado de la finalidad didáctica y moral que los ilustrados asignaban al arte. Los ilustrados franceses defendieron la vuelta al orden clásico en lo formal y el desarrollo de nuevos tipos de edificios para responder a las nuevas necesidades de la ciencia (escuelas, museos), la economía (bancos) y el ocio (teatros). LA ESCUELA DE CIRUGÍA. Jacques Gondouin, 1774.
  • 16. El panteón de París es el ejemplo más importante de arquitectura neoclásica en Francia. Nació como templo dedicado a Santa Genoveva, patrona de París y con el deseo explícito de Soufflot de competir con San Pablo de Londres y con San Pedro de Roma. Con la Revolución Francesa se convirtió en Panteón de hombres ilustres franceses. Aquí están enterrados Voltaire, Rousseau, Zola, Hugo, Marie Curie, etc. «A los grandes hombres, la patria agradecida». PANTEÓN DE PARÍS. J. C. Soufflot, 1780.
  • 17. Cúpula concebida como un templo clásico circular. Pórtico hexástilo corintio. Recuerda al Panteón de Roma. Se prescinde de pilastras. Muros desnudos, desornamentados. Planta de cruz griega con gran cúpula en el crucero, de tradición renacentista. PANTEÓN DE PARÍS. J. C. Soufflot, 1780 PANTEÓN DE PARÍS. J. C. Soufflot, 1780.
  • 18. GRAN TEATRO DE BURDEOS. Victor Louis, 1780. En un clima de renovación cultural, se construyeron numerosos teatros por toda Francia. El de Burdeos fue considerado el más bello de la época. Fue concebido como templo de las artes con un pórtico de 12 columnas corintias soportando un frontispicio con 12 estatuas: las nueve musas y las diosas Juno, Venus y Minerva.
  • 19. GRAN TEATRO DE BURDEOS. Victor Louis, 1780.
  • 20. La búsqueda de la máxima simplicidad y pureza condujo a la búsqueda de formas geométricas puras: piramidales, cúbicas, esféricas. Los arquitectos Ledoux y Boullé desarrollaron una arquitectura utópica, visionaria, que no llegó a construirse, pero que proporcionó ideas novedosas acerca de la construcción. Se proponían crear edificios que fueran una plasmación tridimensional de la geometría y las matemáticas subyacentes a las ideas filosóficas de la Ilustración. ALBERGUE PARA GUARDIAS RURALES (para Maupertius), LedouxPROYECTO DE CENOTAFIO EGIPCIO, Boullé.
  • 21. CENOTAFIO DE NEWTON E. L. Boullée, 1784. En el neoclasicismo, los monumentos deben ocuparse más de las realizaciones del espíritu humano que de las conquistas de los reyes. Boullée promovió la idea de hacer arquitectura expresiva de su propósito, una doctrina que sus detractores llamaron “arquitectura parlante”, que fue un elemento esencial en la formación arquitectónica Beaux-Arts en el final del siglo XIX. “Oh Newton, que gracias a la extensión de tu sabiduría y a tu genio sublime has determinado la forma de la Tierra; yo he concebido la idea de envolverte en tu propio descubrimiento”.
  • 22. El monumento a Newton iba a ser una gran esfera hueca de 152 metros de diámetro. La parte superior estaba perforada para que entrara la luz por los pequeños orificios a semejanza de las estrellas. Puesto que el monumento se entendía como cenotafio, la arquitectura se acompañaba de numerosos cipreses como símbolos funerarios. También tendría una lámpara colgada del techo, que representaría el sol. En otras palabras. Boullée proponía un vasto modelo del universo para homenajear a la persona que más había hecho para explicar su funcionamiento. CENOTAFIO DE NEWTON. E. L. Boullée, 1784.
  • 23. En el siglo XIX, ya con Napoleón, se impone en Francia el estilo Imperio, una variante del gusto neoclásico. Es un estilo impuesto por el emperador Napoleón Bonaparte como una demostración de su gloria y sus victorias militares. Ahora se construyen en París las grandiosas estructuras neoclásicas como el Arco de Triunfo de París, para emular los famosos edificios de la Roma imperial. Napoleón Bonaparte decidió construir este arco tras su victoria en la Batalla de Austerlitz (1805), tras prometer a sus hombres: «Volveréis a casa bajo arcos triunfales». Es un estilo monumental, solemne y grandioso, que sirve de propaganda del poder del emperador. ARCO DE TRIUNFO DE PARÍS. Jean Chalgrin, 1807-37.
  • 24. IGLESIA DE LA MAGDALENA. Pierre Vignon, 1806. Inspirado en la Maison Carrée de Nimes, el templo fue dedicado originalmente por Napoleón a la gloria de la Grande Armée. Combina el peristilo del templo griego con el podio y la idea de fachada del templo romano.
  • 25. ARCO DE TRIUNFO DEL CARRUSEL. Percier y Fontaine, 1808. Alegorías de la Paz y la Victoria. Bajorrelieves con las victorias de napoleón de 1805. Soldados con el uniforme del Gran Ejército napoleónico. El ejército francés embarcado en Boulogne amenazaba Inglaterra. Una tercera coalición estalla en el continente. Los franceses vuelan del océano al Danubio. Baviera es liberada, el ejército autríaco es preso en Ulm. Napoléon entra en Viena y triunfa en Austerlitz. En menos de cien días la coalición es disuelta.
  • 26. MEREWORTH CASTLE (Kent). Colen Campbell, 1723. VILLA ROTONDA. Palladio, 1566. C.2. ARQUITECTURA INGLESA Y AMERICANA. El estilo barroco, tan popular en el continente europeo, nunca tuvo verdadera implantación en las islas británicas. Fue rápidamente sustituido a comienzos del XVIII por el estilo neopalladiano. Las casas neopalladianas no eran los pequeños y exquisitos refugios de descanso que Palladio concibió. No son villas, sino grandes mansiones, simbólicos centros de poder de los Lores que gobernaban Gran Bretaña. Las concepciones matemáticas de proporción y distribución típicas de Palladio fueron desechadas en beneficio de las fachadas de grandes pórticos de carácter suntuoso.
  • 27. Lord Burlington y William Kent se inspiraron en las villas palladianas del Renacimiento para construir una serie de villas suburbanas rodeadas de jardines para una clientela que combinaba intereses agrarios y mercantiles y que buscaba un estilo de carácter intemporal y universal.
  • 28. Al margen del neopalladianismo, en Inglaterra otros arquitectos realizaron versiones distintas del neoclasicismo. El arquitecto y arqueólogo Robert Adam, excavador del Palacio del emperador Diocleciano en Spalato, se especializó en el diseño de interiores basado en el repertorio pompeyano y renacentista italiano. Hasta entonces, la arquitectura de los templos clásicos había sido la principal fuente de inspiración para los arquitectos. Pero, tras las excavaciones de Pompeya y los trabajos de Robert Adam, se supo mucho más de las casas y palacios romanos. SYON HOUSE. Robert Adam, 1750.
  • 29. MONTICELLO. Thomas Jefferson, 1770-1809. En Estados Unidos, el neopalladianismo alcanzó gran éxito. Monticello fue la residencia de Thomas Jefferson, tercer presidente de los Estados Unidos de América. La casa es diseño del propio Jefferson, y se basa en el estilo de Palladio.
  • 30. EDIFICIO DE LA NUEVA GUARDIA DE BERLÍN (Cuartel de las tropas del príncipe de Prusia). Friedrich SchinkeL, 1818. C.3. ARQUITECTURA ALEMANA. En Alemania la arquitectura neoclásica supuso, sobre todo, la recuperación de la arquitectura griega y, muy especialmente, del orden dórico. Leo von Klenze, Friedrich Schinkel y Carl Gothard Langhans representan perfectamente la corriente neogriega.
  • 31. La Gliptoteca de Múnich es un museo ubicado en la ciudad alemana de mismo nombre que fue encargado por el rey bávaro Luis I para albergar su colección de esculturas griegas y romanas.
  • 32. La Puerta de Brandemburgo fue construida entre 1788 y 1791 durante el reinado de Federico Guillermo II de Prusia por Carl Gotthard Langhans, a la manera de unos modernos propíleos para la ciudad de Berlín. En este lugar se encontraba en esas fechas una de las 18 puertas de la muralla de la ciudad.
  • 33. C.4. ARQUITECTURA NEOCLÁSICA ESPAÑOLA. La introducción del neoclasicismo en España hay que relacionarlo con el despotismo ilustrado de los Borbones, especialmente de Carlos III, y con el intento de dotar a la modernización del país de un nuevo lenguaje artístico. La construcción en la primera mitad del siglo XVIII del Palacio Real de Madrid, según los principios del clasicismo barroco, sirvió de lugar de aprendizaje para muchos arquitectos y artistas españoles. PALACIO REAL DE MADRID. Giambattista Sacchetti, 1734-55.
  • 34. La creación, a mediados del siglo XVIII, de la Academia de Bellas Artes de San Fernando supuso la ruptura con el método tradicional de aprendizaje artístico basado en los talleres y su sustitución por un sistema reglado basado en los principios del clasicismo. La Academia se convirtió en el nuevo centro de enseñanza de la arquitectura y estableció un sistema de becas en Roma, de las que se beneficiaron numerosos artistas y arquitectos, que pudieron conocer así el debate artístico y arqueológico que por entonces había en Roma. ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE SAN FERNANDO, Madrid.
  • 35. El neoclasicismo llega a España con Carlos III y con su arquitecto de confianza, Francesco Sabitini, a quien se lo trae de Nápoles, lugar en el que Carlos había reinado durante 25 años. SABATINI CARLOS III. Mengs, 1761.
  • 36. PUERTA DE ALCALÁ. Francesco Sabatini, 1778. La Puerta de Alcalá cuenta con el mérito de ser el primer arco de triunfo moderno erigido en Europa tras la caída del Imperio romano. Carlos III lo manda construir para simbolizar su acceso al trono, ya que fue por este camino por donde llegó a Madrid desde Nápoles. Queda algún resabio barroco, pero en la utilización del modelo romano y de los elementos clásicos se respira el espíritu del Neoclasicimo.
  • 37. Armas diversas y escudos abandonados que aparentemente parecen torsos de guerreros recostados. El conjunto viene a indicar alegóricamente el esfuerzo pacificador del rey. Los niños que coronan la Puerta de Alcalá por el lado este representan alegóricamente las cuatro virtudes cardinales: fortaleza, justicia, templanza y prudencia. En el lado interior se muestran las cornucopias como símbolo de abundancia. Las cabezas de león vienen a indicar la soberanía, la vigilancia constante y el mantenimiento de la paz
  • 38. El principal arquitecto del Neoclasicismo español es Juan de Villanueva. Estuvo becado varios años en Roma por la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Allí se formó en los principios del clasicismo, que aplicaría por vez primera en dos pequeñas casas de recreo para miembros de la familia real en El Escorial: la Casita del Príncipe y la Casita de Arriba. LA CASITA DEL PRÍNCIPE. Juan de Villanueva, 1771-75.
  • 39. La obra principal de Villanueva es el Museo del Prado, que nació como Museo de Ciencias Naturales.
  • 40. El Museo del Prado fue pensado originalmente como Museo de Ciencias Naturales, formando parte de un amplio plan de modernización de la capital ideado por Carlos III y que incluía nuevas calles, diversos edificios públicos, palacios y nuevos accesos a Madrid (la Puerta de Alcalá, por ejemplo). Uno de los proyectos más ambiciosos del monarca fue el de convertir el Paseo del Prado en un complejo cultural que pudiera servir como centro de reunión y ocio a los habitantes de Madrid. Para ello, encargó a José de Hermosilla el trazado del nuevo Paseo del Prado y ordenó trasladar aquí el Jardín Botánico que había fundado Fernando VI. Para completar el conjunto decidió la construcción de un observatorio astronómico y de un Museo de Ciencias Naturales, cuyo proyecto encargó a Villanueva. El Paseo del Prado se completaría con bellas fuentes de cuyo diseño se encargaría Ventura Rodríguez: las fuentes de Neptuno, de Apolo y de la diosa Cibeles. PUERTA DEL JARDÍN BOTÁNICO. FUENTE DE CIBELES.
  • 41. PUERTA DE ALCALÁ PARQUE DEL RETIRO OBSERVATORIO ASTRONÓMICO MUSEO DEL PRADO JARDÍN BOTÁNICO CIBELES NEPTUNO GLORIETA DE ATOCHA APOLO
  • 42. El Museo del Prado nace como templo dedicado a la ciencia. Originalmente incluía un gabinete de Historia Natural, con salas de estudio y de exposición, una Academia de Ciencias Naturales, con laboratorios, aulas y bibliotecas, y un Salón para Juntas Académicas. Los tres espacios se unirían mediante alas retranqueadas en fachada. Cada espacio tenía un tratamiento interno y externo diferente. La pieza más importante del Museo debía ser el gran salón principal que se abría detrás del pórtico toscano. Era una especie de templo basilical de doble altura que acababa en un ábside semicircular. No llegó a construirse, por la llegada de los franceses en 1808. Cuando las obras se retomaron en 1818, con Fernando VII, la distribución interna se modificó. Gabinete de Historia Natural Academia de Ciencias Naturales Salón de Juntas Académicas
  • 43. El cuerpo central (A) está concebido como una basílica con cabecera absidial. Daba acceso al Salón de Juntas Académicas. Sería “un gran templo laico de la ciencia”. En esta parte se encuentra la fachada principal (B) del edificio en forma de un pórtico toscano hexástilo. En la fachada sur (E) usa un modelo de palacio italiano con patio cuadrado y cerrado. Seis columnas corintias decoran esta fachada. Daba acceso a la Academia de Ciencias Naturales, con capacidad para sus instrumentos, laboratorios, aulas y biblioteca. En la fachada norte proyecta una rotonda circular dentro del espacio cuadrado, cubierta con una cúpula montada sobre ocho columnas jónicas (D). Daba acceso al Gabinete de Historia Natural, con salas de estudio..
  • 44. RELIEVE DEL FRONTÓN, MEDALLONES CON ARTISTAS ESPAÑOLES Y MATRONAS SON DE RAMÓN BARBA, EN TIEMPOS DE FERNANDO VII COLUMNATA JÓNICA , ARCOS DE MEDIO PUNTO VOLÚMENES NÍTIDOS Y GEOMÉTRICOS, DE GRAN SOBRIEDAD ARMONÍA, PROPORCIÓN, EQUILIBRIO, SIMETRÍA PREDOMINIO DE LA HORIZONTALIDAD PÓRTICO TOSCANO HEXÁSTILO COMBINACIÓN DE MATERIALES QUE SE HARÁ CÉLEBRE CON LOS BORBONES: GRANITO GRIS, PIEDRA CALIZA BLANCA Y LADRILLO NARANJA.
  • 45. 6. ESCULTURA. A. MATERIAL. • Mármol blanco. Bien pulido, sin texturas que creen claroscuros. Sin policromar. • La madera policromada tiende a desaparecer. B. GÉNEROS. Los géneros más cultivados son el mitológico y el retrato (lógico en un momento de ascenso social de la burguesía). El monumento funerario alcanza importancia con Canova. En cuanto al género religioso, pierde importancia. Ahora se busca la idealización alejada del realismo expresivo del Barroco. JASÓN Y EL VELLOCINO DE ORO Bertel Thorvaldsen, 1828
  • 46. C. CARACTERÍSTICAS FORMALES. • El Neoclasicismo rompe con el Barroco y vuelve su vista al pasado grecorromano, particularmente al griego. • Como en pintura, la tendencia es hacia el control formal, la contención expresiva, la ruptura con el movimiento exacerbado y la teatralidad, y el sometimiento a las pautas que establecen las distintas academias artísticas. • Las figuras se idealizan, rompiendo con el realismo barroco, y buscan los movimientos serenos, la armonía de proporciones y el equilibrio. PERSEO Y LA MEDUSA. Canova, 1801.
  • 47. APOLO Y LAS MUSAS. Thorvaldsen, 1812. D. EJEMPLOS. El danés Bertel Thorvaldsen fue fiel sobre todo a los modelos de la estatuaria griega. Se obsesionó por la simplicidad formal y el desnudo y por las características aprendidas de la estatuaria griega: la serenidad, el equilibrio, la idealización. Realizó, sobre todo, esculturas y relieves de dioses de la mitología griega: Jasón y el vellocino de oro, Apolo y las musas, etc.
  • 48. En España, dentro del género mitológico, cabe destacar la fuente de La Cibeles, de 1781. Formaba parte de un programa escultórico dedicado a los cuatro elementos naturales, personificados en tres fuentes: la tierra (Fuente de Cibeles), el agua (Fuente de Neptuno) y el aire y el fuego (Fuente de Apolo). Las tres fuentes se colocaron en el Salón del Prado, en la remodelación neoclásica que tuvo lugar en tiempos de Carlos III.
  • 49. Canova fue el gran escultor del Neoclasicismo. Se inspiró en la escultura griega clásica, de la que extrajo el idealismo y la sensualidad de sus figuras femeninas. Descubrió que los griegos usaban el color en sus estatuas, y él hizo algunos experimentos en esta dirección, pero la reacción negativa del público impidió que progresase en ese sentido, pues la blancura del mármol estaba fuertemente asociada con la pureza idealista apreciada por los neoclásicos. El acabado personal de las esculturas en su pulido fino y en sus más mínimos detalles, era una práctica del todo inusual en su época. Finalmente les ponía cera hasta obtener el color suave de la piel. VENUS ITÁLICA, Canova, 1805.
  • 50. EROSYPSIQUE.Canova,1793. Modelado suave, sin acusados entrantes y salientes. Composición en «X» para captar nuestra atención en el beso. El círculo de los brazos define el centro de interés. Extraordinario pulido final que refuerza la sensualidad y delicadeza. Composición helicoidal que enriquece la obra con numerosos puntos de vista. Belleza idealizada, expresión serena, perfecto tratamiento anatómico, movimientos suaves., cuerpos desnudos: CLASICISMO. Tema mitológico de fuerte carga simbólica: la liberación del alma y el triunfo del amor sobre la muerte (Eros revive a Psique con un beso).
  • 51. BUSTO DE VOLTAIRE Houdon, 1778 El mejor retratista neoclásico fue el francés Jean Antoine Houdon. La idea de que los bustos y estatuas podían servir como ejemplos morales y educativos ya estaba arraigada en la antigua Roma, pero después del Renacimiento, la estatuaria civil se había reservado a los gobernantes y militares. Con Houdon, los ilustrados franceses y los demócratas americanos son inmortalizados. “Uno de los más hermosos atributos del difícil arte de la escultura es preservar la forma con autenticidad y hacer imperecedera la imagen de los hombres que han conseguido la gloria o el bien para su país”. HOUDON
  • 52. Desnuda, como las Venus clásicas, lleva en la mano la manzana de la discordia. Refleja perfectamente la fórmula ideada por Winckelmann para referirse al arte griego: «noble simplicidad y serena grandeza». RETRATO ALEGÓRICO DE PAOLINA BORGHESE COMO VENUS VICTORIOSA. Canova, 1808.
  • 53. Los monumentos funerarios realizados por Canova se consideran creaciones altamente innovadoras por el abandono de las tradiciones funerarias excesivamente dramáticas del barroco, y por su alineación a los ideales que respondían al equilibrio, moderación, elegancia y reposo defendidos por los teóricos del neoclasicismo. TUMBA DE ALEJANDRO VII. Bernini, 1671.TUMBA DE CLEMENTE XIV. Canova, 1787.
  • 54. SEPULCRO DE MARÍA CRISTINA DE AUSTRIA. Canova, 1815. LA BENEFICENCIA LA PIEDAD INTRODUCE LA URNA CON LAS CENIZAS LA FELICIDADLA INMORTALIDAD FORTALEZA GENIO DEL DUELO LA PIRÁMIDE COMO SÍMBOLO ARQUEOLÓGICO DE LA MUERTE PUERTA FUNERARIA. LA OSCURIDAD INDICA EL MISTERIO DEL MÁS ALLÁ.
  • 55. 7. CARACTERÍSTICAS GENERALES DE LA PINTURA. “Las artes, bajo todos sus aspectos, deben contribuir a comprender el progreso del espíritu humano, a propagar y a transmitir a la posteridad el ejemplo impresionante de los sublimes esfuerzos de un pueblo inmenso guiado por la razón y la filosofía, trayendo de nuevo sobre la tierra el reino de la libertad, de la igualdad y de las leyes. Las artes deben, por tanto, contribuir poderosamente a la instrucción pública, pero regenerándose, pues el genio de las artes debe ser del pueblo al que ilumina y debe marchar siempre acompañado de la filosofía, que no le aconsejará sino ideas grandes y útiles.” DAVID.
  • 56. A. PREDILECCIÓN POR LA TEMÁTICA DEL MUNDO CLÁSICO Y POR LOS CONTENIDOS HERÓICOS Y MORALIZANTES. La pintura neoclásica nació como reacción contra el hedonismo y la frivolidad del rococó. Su impulso inicial no vino de la mano de los artistas sino de los filósofos, los representantes de la Ilustración en Francia. Hombres como Diderot y Voltaire protestaron contra el relajamiento moral del estilo rococó y, por asociación, contra el régimen absolutista que lo había engendrado. EL DOLOR DE ANDRÓMACA. David, 1783.
  • 57. La pintura rococó era una pintura decorativa, se utilizaba para adornar, no para informar. Se concebía como parte fundamental de la decoración de los ambientes aristocráticos y cortesanos, por lo que se desarrolló, sobre todo, a partir de cuadros de pequeño formato en los palacios reales. Los defensores del Neoclasicismo reclamaban un arte racional, moral y con principios, no un arte decorativo. Pedían un arte dirigido por la razón y no por el sentimiento, en el que la perfección técnica dominara sobre la improvisación y la imaginación. Este tipo de pintura requería de grandes formatos, pues quería contar grandes historias. EL COLUMPIO (60 x 80).Fragonard, 1767.
  • 58. EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS (330 x 425 cm.). David, 1784.
  • 59. La pintura rococó era alegre y lúdica, un reflejo de la “joi de vivre”. Entre los temas típicos figuraban aristócratas despreocupados flirteando, disfrutando de picnics en jardines barrocos, actuando o interpretando música, a menudo en fiestas campestres o en tocadores suntuosos. Frente a la pintura rococó, interesada por temas menores (galantes, festivos y eróticos), el Neoclasicismo plantea una pintura de grandes valores: acontecimientos de la Historia Antigua o Moderna que plantearan valores morales. Diderot fue el primero en reclamar una pintura que “hiciera atractiva la virtud y ridículo el vicio”, una pintura que sirviera de enseñanza pública, de escuela de costumbres. FIESTA VENECIANA (56 x 46 cm.). Jean Antoine Watteau, 1719.
  • 60. En este cuadro, David cuenta la historia de Bruto, fundador de la República romana. Los hijos de Bruto habían intentado derrocar al gobierno y restaurar la monarquía, así que el padre ordenó su muerte para mantener la República. Pintado en 1789, en plena Revolución Francesa, el cuadro era revolucionario pues mostraba a un héroe que anteponía el deber patriótico a la familia, el amor a la libertad frente al amor filial. LOS LICTORES LLEVAN A BRUTO EL CUERPO DE SUS HIJOS (323 x 422 cm.). David, 1789.
  • 61. En la época de los Siete Reyes legendarios, la guerra entre Alba Longa y Roma, ciudades del Lacio unidas por vínculos de sangre, fue resuelta mediante el enfrentamiento de los tres hermanos Horacios, romanos, y los tres Curiáceos, albanos. Era un combate a muerte. Uno e los jóvenes Horacios fue vencedor. Pero su victoria quedó empañada por las lamentaciones de su hermana Camila, prometida con uno de los Curiáceos. En el cuadro de David, el padre Horacio exhorta a sus hijos a luchar contra los Curiacios, y ellos obedecen, a pesar de los lamentos de las mujeres. El Horacio vencedor dio muerte a su hermana, acusándola de falta de patriotismo, por este hecho es llevado ante los jueces. Pero cuando los lictores lo apresaron, el padre de los Horacios salió en defensa de su hijo, aludiendo su entrega a la causa cívica y a la razón de Estado. EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS (330 x 425 cm.). David, 1784.
  • 62. EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS, David, 1784. Los personajes históricos son ecuánimes, pacientes, sobrios y abnegados. Son ejemplos morales de conducta a seguir. Son los "nuevos santos y mártires" que ofrecen patrones de vida morales alejados de la corrupción, el lujo, el egoísmo o la lujuria.
  • 63. B. LA TÉCNICA DE LA PINTURA NEOCLÁSICA. Frente a la composición diagonal típica del Barroco y del Rococó, la pintura neoclásica prefirió una visión rigurosamente frontal, situando a los personajes en un plano único (como los relieves clásicos). EL PARNASO, Anton Mengs, 1760.
  • 64. EL RAPTO DE LAS SABINAS, David, 1799. Las obras eran idealizadas. Los personajes tenían musculaturas perfectas y proporciones canónicas, semejantes a las de las esculturas clásicas griegas. Los escenarios arquitectónicos recreaban el pasado clásico de forma veraz. Las escenas resultaban algo rígidas en comparación con el dinamismo barroco y rococó.
  • 65. Expresividad contenida. Los sentimientos no debían ser mostrados o si se mostraran debían ser contenidos y fríos. Cuando había que aportar pasión a la escena, algunos pintores utilizarán recursos teatrales, gesticulaciones grandilocuentes con los brazos, que todos entendían como parte del mensaje trascendente con el que se quería ennoblecer la escena. LA MUERTE DE SÓCRATES. David, 1787.
  • 66. Predominio del dibujo frente al color. Los pintores neoclásicos marcaban el dibujo firme y utilizaban colores puros para precisar los contornos. Una luz fría, muy diferente de la iluminación brillante del Rococó, daba solemnidad y seriedad a la composición. APOTEOSIS DE HOMERO (386 X 515 CM.) Ingres, 1827.
  • 67. C. EVOLUCIÓN DE LA PINTURA NEOCLÁSICA. Durante la segunda mitad del siglo XVIII y durante todo el siglo XIX la técnica de los pintores neoclásicos no varió en lo sustancial. Pero sí lo hizo en el mensaje que trataron de enviar al público. Así, durante los años de la Ilustración y de la Revolución Francesa los temas favoritos fueron la abnegación, el servicio a la patria, la defensa de los valores republicanos, el sacrificio personal en beneficio de la nación, etc. Con la llegada del Imperio napoleónico, la pintura de historia abandonó los valores éticos y dejó paso a la propaganda. La pintura se puso al servicio de la imagen del emperador y de la nueva sociedad burguesa que lo respaldaba. En la primera mitad del siglo XIX, la pintura de Ingres estableció puentes con los temas del Romanticismo: la atracción por la sensualidad de Oriente y el recuerdo del pasado medieval. LA MUERTE DE MARAT. David, 1793. NAPOLEÓN, David, 1812. EL BAÑO TURCO, Ingres. 1862.
  • 68. LA MUERTE DE MARAT David, 1793. Marat fue uno de los líderes jacobinos de la Revolución Francesa. Su asesinato a manos de una girondina le convirtió en mártir de la Revolución. “Para David, Marat fue ante todo el héroe caído. David otorgó a Marat la bondad del desnudo heroico y una belleza física de la que el político carecía en vida… El otro brazo de Marat cae desfallecido. Este gesto le convierte en un nuevo Cristo, en un nuevo héroe muerto de los relieves antiguos… El remiendo de la sabana que cubre la bañera fue pintado por David con el mismo virtuosismo que la mejor de las telas. Era un elogio de la estoica pobreza de Marat. Como lo era también la descripción minuciosa y atenta de la tosca gastada caja de madera que servía de escritorio, convertido ahora en estela funeraria…” Eugenio Carmona.
  • 69. LA CORONACIÓN DE NAPOLEÓN (667 x 990). J. L. David, 1805. La escena se desarrolla el 2 de diciembre de 1804, en la catedral de Nôtre Dame de París. El emperador es consagrado por la gracia de Dios, pero su coronación por mano propia simboliza su derecho a la corona por la voluntad del pueblo.
  • 70. NAPOLEÓN, David, 1812. La puerta de la derecha da paso a una gran biblioteca. Napoleón es un hombre culto. Sus instrumentos de trabajo (pluma y tintero) y las velas consumidas simbolizan el esfuerzo nocturno. El retrato transmite serenidad y confianza. Los franceses están en buenas manos. Las manecillas del reloj justifican el cansancio que se percibe en sus ojos por el duro trabajo nocturno. La espada reposa sobre el escritorio y entre papeles. Napoleón no es sólo un militar, sino también un gran legislador que busca la felicidad de los franceses. Los mapas y libros significan que a sus pies yacen los más grande imperios.
  • 71. El arte romántico inicia la moda del orientalismo, es decir, la visión de la cultura oriental y musulmana como algo pintoresco, exótico y sensual. El orientalismo estará de moda en la pintura europea en la segunda mitad del siglo XIX. Ingres, artista neoclásico, fue uno de los primeros en sustituir las Venus clásicas por modernas y exóticas odaliscas, esclavas de los serrallos turcos. LA GRAN ODALISCA. Ingres, 1814.
  • 72. EL BAÑO TURCO, Ingres. 1862. El estilo trovador es un movimiento menor, dentro de la pintura romántica francesa, que se caracteriza por tratar temás históricos que evocan el pasado no clásico; sus anécdotas son edificantes y hay preferencia por los asuntos medievales, siguiendo la moda del neogótico que comenzaba a hacer su irrupción en la arquitectura del XIX. JUANA DE ARCO EN LA CORONACIÓN DE CARLOS VII, Ingres. 1854.