QUE ES BARROCO?El Barroco fue un período cultural que se desarrolló a comienzos del sigloXVII en Roma, Italia. Generalment...
=> Pesimismo, escepticismo y desengaño=> Para superar este sufrimiento: gran deseo de goce / idealización de lavida / tend...
bodegones exuberantes, sus escenas picantes, su alegría de color en loscuadros religiosos, gustaron mucho en la Corte espa...
partir de los estilos de la antigüedad a los nuevos fines populares yretóricos de la época del contrarreformismo.Ya en el ...
Entre los edificios religiosos más importantes del siglo XVII en Españapuede destacarse la Colegiata de San Isidro en Madr...
italiana, orientado hacia los jardines. Inicialmente este "envoltorio" querodea el palacio primitivo se encuentra en su pu...
cuadrada abierta al patio. En 1715 y 1717 respectivamente publicaron losdos volúmenes del Vitruvius Britannicus, con graba...
Naturalismo en el arte se refiere a la representación de objetos realistas enun ambiente natural. Naturalista es el arte q...
La iluminación es un elemento esencial en la pintura sevillana. Se resaltanlas figuras y los objetos con una luz potente e...
   Busto de Scipione Borghese (1632) - Mármol, altura 78 cm, Galería    Borghese, Roma   Busto de Costanza Bonarelli (h....
maestro del arte religioso italiano: «Los pintores romanos de la épocafueron sorprendidos grandemente por estas pinturas, ...
forma especial, un recibimiento poco cálido entre el pueblo de Roma.La Madonna con el niño y Santa Ana, conocida como Mado...
religiosas es la intensa ambigüedad con la que el pintor maneja losmodelos de diferentes posturas, ya sea sacra o profana.
Upcoming SlideShare
Loading in...5
×

Arte

218

Published on

Published in: Career
0 Comments
0 Likes
Statistics
Notes
  • Be the first to comment

  • Be the first to like this

No Downloads
Views
Total Views
218
On Slideshare
0
From Embeds
0
Number of Embeds
1
Actions
Shares
0
Downloads
2
Comments
0
Likes
0
Embeds 0
No embeds

No notes for slide

Arte

  1. 1. QUE ES BARROCO?El Barroco fue un período cultural que se desarrolló a comienzos del sigloXVII en Roma, Italia. Generalmente, se le sitúa entre el Renacimiento y elNeoclásico. Ha sido considerado por muchos autores como el arte de lacontrarreforma o del absolutismo europeo, pero también se afirma que esun conjunto de tendencias desarrolladas en la época, sin estarnecesariamente vinculadas a ningún gobierno o religión. A pesar de habersido, en algún momento, un término peyorativo, el estilo Barroco hoy seadmira por haber producido grandes obras en pintura, escultura,arquitectura, música y literatura.CARACTERISTICAS GENERALES El Barroco es una época contrapuesta al Renacimiento que destacapor un siempre presente sentimiento de desconfianza, pesimismo ydesengaño. Estas son algunos aspectos de esta época en materia social,cultural, artística y literaria:Aspectos Políticos: Felipe II, Felipe III, Felipe IV, Carlos II Despreocupación y debilidad de los monarcas y dirección de la nación por ineficaces validos Corrupción Bancarrota del estado Aspectos Sociales Caída demográfica: guerras, hambre, migraciones a la periferia y América Estructura social: nobleza privilegiada pero inoperante (concentra la riqueza pero no la invierte en industria) La burguesía no tiene suficiente dinero para crear industria Empobrecimiento general y fuertes subidas de impuestos => contraste de la gran pobreza del pueblo con el lujo en la corte Aspectos Económicos Contraste pobre <=> rico Reducción de los beneficios de las colonias Escasez de mano de obra Aumento de la mendicidad (pícaros, vagabundos, ladrones, ...)
  2. 2. => Pesimismo, escepticismo y desengaño=> Para superar este sufrimiento: gran deseo de goce / idealización de lavida / tendencia a la exageración / búsqueda de la perfección y elretorcimiento / contrastes (técnica del claro-oscuro)Renacimiento: HUMANISMO IDEALIZADOBarroco: HUMANISMO VITALISTA (individualidad e historicidad de loshombres en primer plano)PINTURA BARROCA-Abarca todas las manifestaciones del espíritu y vida del siglo XVII, desdefinales del siglo XVI, la sociedad atraviesa por una honda crisis que afectala vida entera del hombre europeo, tiñéndola de angustia e inseguridad, sehabla de una crisis económica, política, social y moral, hay muchadesigualdad social, intransigencia religiosa, guerras sucesivas. El sigloXVII es más racional y científico con respecto al siglo XVI, ya que duranteel renacimiento se había centrado la actividad del hombre en susensibilidad artística y en la unidad de una fe religiosa ardorosamentedefendida (Reforma y Contrarreforma), y en el estudio y el pensamientohumanístico. Este entorno de crisis afecta y da un sello característico alBarroco.-La acumulación de objetos es también una característica de ésta época,en la decoración y en cuanto a la pintura el claro - oscuro es el principalsello barroco.-El artista que mejor representa este estilo es, Caravaggio, pintor italiano,quien utilizaba el naturalismo tenebrista, que se cultiva en el Barrocoitaliano. El Realismo era también muy utilizado por los artistas de la época.-Existieron también otros maestros barrocos, como los HolandesesRembrandt, Vermeer de Delf, Hals; así, es el momento del triunfo delbodegón, el paisaje y la pintura de género.-En cuanto al retrato existen dos vertientes: la intimista, que recoge la laborcotidiana de un personaje de la casa, género muy cercano a la pintura decostumbres; éste es el caso de Vermeer de Delft, quién retrata siempre amujeres haciendo algo dentro de una habitación, con un mapa y una sillacomúnmente presentes en varias de sus obras. La otra vertiente es la delretrato de grupo, encargado por cofradías de profesionales o gremios,como sería el caso de la famosa Lección de Anatomía de Rembrandt. Nopuede omitirse al famoso pintor Pedro Pablo Rubens, quien con sus
  3. 3. bodegones exuberantes, sus escenas picantes, su alegría de color en loscuadros religiosos, gustaron mucho en la Corte española.-Existe otro estilo nombrado como final del Barroco, hablamos del Rococo.-El Rococo se sitúa característicamente en Francia, en la corte francesa yen sus suntuosas y grandiosas fiestas en el palacio de Versalles, mientrasel pueblo se moría de hambre. Es la época de la frivolidad, vanidad ytrivialidad.-Los temas utilizados mayormente son las escenas cortesanas, pastoriles,temas mitológicos y venus, donde todo es paz, amor y tranquilidad.Son artistas de la época Fragonard, Bateau y Boucher, los tres franceses.ARQUITECTURA BARROCALa arquitectura barroca es un período de la historia de la arquitecturaeuropea que vino precedida del Renacimiento y del Manierismo; se generóen Roma durante el siglo XVII y se extendió hasta mediados del sigloXVIII por los Estados absolutistas europeos.El término Barroco, derivado del portugués "barru", "perla de formadiferente", se utilizó en un primer momento de forma despectivaparaindicar la falta de regularidad y orden del nuevo estilo. Lacaracterística principal de la arquitectura barroca fue la utilización decomposiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así comofiguras policéntricas complejas compuestas de motivos que seintersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, laescultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales yexuberantes que sirviesen para ensalzar a los monarcas que los habíanencargado.En algunos países europeos como Francia e Inglaterra y en otras regionesde la Europa septentrional se produjo un movimiento más racionalistaderivado directamente del Renacimiento que se denominó Clasicismobarroco. A lo largo del siglo XVIII se fue desarrollando en Francia unmovimiento derivado del Barroco que multiplicaba su exuberancia y sebasaba fundamentalmente en las artes decorativas que sedenominó Rococó y se acabó exportando a buena parte de Europa.Contrariamente a las teorías según las cuales el movimiento barroco surgióa partir del Manierismo, fue el Renacimiento tardío el movimiento queacabó desencadenando en último término el Barroco. De hecho, laarquitectura manierista no fue suficientemente revolucionaria paraevolucionar radicalmente, en un sentido espacial y no sólo superficial, a
  4. 4. partir de los estilos de la antigüedad a los nuevos fines populares yretóricos de la época del contrarreformismo.Ya en el siglo XVI, Miguel Ángel Buonarroti había anunciado el Barroco deuna forma colosal y masiva en la cúpula de la Basílica de SanPedro de Roma, así como las alteraciones en las proporciones y lastensiones de los órdenes clásicos expresados en la escalera de acceso ala Biblioteca Laurenciana deFlorencia, del mismo autor, y la enormecornisa añadida al Palacio Farnese. Estas intervenciones habían suscitadodiversos comentarios en su época por su brusca alteración de lasproporciones clásicas canónicas. No obstante, en otras obras Miguel Ángelhabía cedido a la influencia manierista, por lo que fue sólo tras el fin delManierismo cuando se redescubrió a Miguel Ángel como el padre delBarroco.El nuevo estilo se desarrolló en Roma, y alcanzó su momentoálgido entre 1630 y 1670; a partir de entonces el Barroco se extendió por elresto de Italia y de Europa, mientras que en el siglo XVIII Roma volvió denuevo al Clasicismo siguiendo el ejemplo de París.La influencia del Barroco no se limitó al siglo XVII; a principios del sigloXVIII se desarrolló el estilo denominado Rococó, que no siendo una puracontinuación del primero podría ser considerado como la última fase delBarroco.Difusión de la arquitectura barroca en el siglo XVIIEn la España peninsular, la afirmación del Barroco se encontró con lasdificultades debidas a la decadencia económica del reinado de Felipe III.En la segunda mitad del siglo XVI, Felipe II había mandado construir elimportante complejo del Monasterio de El Escorial, construido en su mayorparte según el proyecto de Juan de Herrera (1530-1597). A Herrera sedebe también el proyecto de la Catedral de Valladolid, en el que serefuerza el concepto del eje central y que sirvió de modelo para la Catedralde México.Progresivamente, la arquitectura española del siglo XVII fue evolucionandohacia el estilo barroco, aunque no dejó grandes ejemplos significativos. Lamayor parte de las influencias barrocas fueron recogidas de formaexclusivamente decorativa, especialmente en las iglesias. Este lenguaje,que resultaba rápidamente comprensible incluso para el segmento de lapoblación menos instruido, fue exportado con éxito a las coloniasamericanas.
  5. 5. Entre los edificios religiosos más importantes del siglo XVII en Españapuede destacarse la Colegiata de San Isidro en Madrid, iniciada en 1629,la iglesia de Santa María Magdalena de Granada(iniciada en 1677 conplanta longitudinal derivada de los edificios con esta disposición dela Antigua Roma) y la Capilla de Nuestra Señora de losDesamparados en Valencia, de planta elíptica.FranciaLa arquitectura barroca francesa es sobre todo palaciega, y en cuanto a suexterior, de composición en general muy clásica. Asimismo, las tres clavesde la arquitectura barroca francesa serán la sobriedad, la armonía y laclaridad.Es una arquitectura principalmente al servicio de la monarquía absoluta,especialmente a la persona de Luis XIV, el “Rey Sol”, quien tomó el palaciode Versalles como expresión de su poder y de su propia persona,convirtiéndose así en el prototipo de residencia áulica del príncipe absoluto.El monarca es el astro rey, de quien emana toda la sabiduría, toda la luz, ycon su gloria ilumina a toda Francia. Este mensaje está claramentepresente en la disposición de salones (el dormitorio de Luis XIV ocupa elcentro del palacio y está dispuesto exactamente sobre el eje este-oeste,los salones de estado están dedicados cada uno a una divinidad romana, olo que es lo mismo a un planeta, etc), así como en la fuente de Apolo; cuyocarro tira del sol, el cual, al estar la fuente mirando hacia el este, pareceque va a emerger del agua. Muy pronto, el palacio y la ciudad que surgiránen Versalles se convertirán en un suntuoso signo de propaganda política yescenario de un sinfín de extravagancias y derroches.Inicialmente, Versalles había sido un pequeño pabellón de caza construidopor Philibert Le Roy por mandato de Luis XIII, quien quedó prendado de labelleza de aquel paisaje. Su transformación barroca va a seguir un procesoescalonado que coincide con el año 1661 en que empezaron los nuevostrabajos de ampliación acometidos por el arquitecto Louis le Vau, quienhabía maravillado al monarca demostrando su maestría en la construccióndel Chateau de Vaux Le Vicomte. Hasta el momento Luis XIV convirtióVersalles en escenario de sus fastuosas fiestas, las cuales conllevabantambién grandes inconvenientes, dado que se habían de desplazar milesde personas y además no había espacio suficiente para alojar a toda lacorte. Sin embargo 1668 versalles es aún una mansión en el campo a laque Luis XIV se retira frecuentemente en compañías femeninas y con susmás allegados. Este año Le Vau inicia una segunda ampliación en la que elpalacio es literalmente envuelto por un edificio de influencia barroca
  6. 6. italiana, orientado hacia los jardines. Inicialmente este "envoltorio" querodea el palacio primitivo se encuentra en su punto central unido por unagran terraza. Sin embargo, el incierto clima del Île-de-France hace ver lopoco práctico que resulta este gran espacio abierto, por lo que en su lugarse construye la suntuosa Galería de los Espejos. En 1682 Luis XIV expresasu deseo a su superintendente de finanzas Jean Baptiste Colbert, detrasladar la corte a Versalles, es decir, unas 4000 personas entre príncipes,sirvientes, ministros y demás cortesanos. Ello requerirá una obra colosal.InglaterraLos estudios de arquitectura realizados en Italia por el escenógrafo InigoJones y el joven Earl of Arundel constituyeron un impulso inicial que abriópaso a una reorientación fundamental de la arquitectura inglesa, queseguía atrapada en las formas tardomedievales y manieristas. The QueensHouse, en Greenwich, pone de manifiesto el brusco cambio de tendencias.El palacio de la reina consta de dos bloques rectangulares unidos entre sípor un puente, conectándolo con el que fue el Greenwich Hospital, hoyconocido como la Old Royal Naval College, declarada Patrimonio de laHumanidad por la UNESCO. Sobre la planta baja almohadillada se levantael piano nobile, la planta noble, que se abre al jardín mediante una ampliagalería con columnas dóricas. Aparte de Jones hubo muy pocosarquitectos de renombre en este periodo, pero entre ellos cabe citar aIsaac de Caus, que erigió Wilton House, con sus elegantes y fastuosasestancias en forma de caja denominadas The cube y The Double Cube.Sin duda si hay un arquitecto inglés que destaque por la maestría de susobras ese es Sir Christopher Wren, quien consiguió imponer en Inglaterrael clasicismo de cuño romano. En 1666, tras el gran incendio de Londres,se le convocó junto con sus colegas para presentar propuestas destinadasa la reconstrucción y urbanización de la que era una de las ciudades máspobladas de la tierra. La impresionante catedral de Saint Paul, cuya siluetaes inconfundible en el horizonte de la ciudad, y 51 iglesias más son obradel maestro Wren. También la ampliación del palacio de HamptonCourt por orden de Guillermo II de Orange fue llevada a cabo por el mismoentre los años 1689 y 1692.John Vanbrugh y Nicholas Hawksmoor otorgaron al estilo de Wren unasdimensiones aún más monumentales y sobre todo más pintorescas yteatrales. A partir de 1699 tuvieron a su cargo la construcción delimponente Castle Howard al norte de Yorkshire. El recinto entre cour etjardin (entre patio y jardín) consta de un ala de aposentos similar a uncorredor en cuyo centro destacan el salón abierto al jardín y la gran sala
  7. 7. cuadrada abierta al patio. En 1715 y 1717 respectivamente publicaron losdos volúmenes del Vitruvius Britannicus, con grabados de edificiosbritánicos clásicos y la traducción de los Quatro libridellarchitettura de Andrea Palladio, lo que provocó un nuevo cambiorevolucionario: El neopaladianismo. Esta tendencia tenía como objetivo unretorno a las "reglas nobles y verdaderas" de la Antigüedad tal y como lashabían interpretado Palladio e Inigo Jones. El principal portagonista de estemovimiento fue Lord Burlington, experto en arte que con su ChiswickHouse creó un edificio de asombrosa semejanza con las obras de Palladio.Por último cabe destacar otras hermosas obras del barroco británico quese materializan en la residencia de los Duques de Devonshire, conocidacomo Chattsworth en Derbyshire, Inglaterra, de la mano delarquitecto William Talman en 1694; sin olvidar claro está elmonumental Blenheim Palace construido en 1710 por el antesmencionado John Vanbrugh, para el duque de Marlborough de parte dela Reina Ana.TenebrismoEl estilo llamado tenebrista no es más que una aplicación radical delclaroscuro, por la cual únicamente las figuras temáticamente centralesdestacan iluminadas de un fondo generalizadamente oscuro. Se ignora sipor influencia de Caravaggio o por un desarrollo paralelo, el estilo cobraríamucha relevancia en la pintura española de finales del siglo XVI ycomienzos del XVII, a partir de la obra del catalán Francisco Ribalta.Ribalta emplearía el color y la luz para dar volumen a las figuras, y paradestacar los protagonistas en sus frescos religiosos, algunos de granbelleza; talentoso maestro, su estilo influiría en el de su hijo Juan Ribalta,fallecido tempranamente, y Vicente Castelló. Indirectamente pesaríatambién en Zurbarán y en el más destacado de los tenebristas españoles,José de Ribera; este último llevaría a su madurez el estilo, empleando losvolúmenes ensombrecidos para reforzar el horror y crueldad de los temasUno de los grandes pintores españoles, fue sin duda Tomas Riba, que fuerey durante casi cien años.Naturalismo (arte)
  8. 8. Naturalismo en el arte se refiere a la representación de objetos realistas enun ambiente natural. Naturalista es el arte que presta atención a detallesmuy precisos y apropiados, y que retrata las cosas tal como son.El movimiento realista del siglo XIX defendía el naturalismo como reaccióna las representaciones estilizadas e idealizadas del Romanticismo, peromuchos pintores han adoptado un enfoque similar a lo largo de los siglos.El naturalismo comenzó a principios del Renacimiento, y se desarrolló másaún durante el Renacimiento, como ocurre con la Escuela florentina. Lomismo que en literatura se distingue entre realismo y naturalismo, asíocurre en el campo de la pintura, para caracterizar la obra de algunospintores que presentaban algunas diferencias respecto a los realistas,como la preferencia por los temas campesinos y obreros, en lugar detemas históricos. Suelen pintar lienzos de gran formato en el que loprincipal es la figura humana, más que el paisaje. Una parte importante delmovimiento naturalista radica en su perspectiva darviniana de la vida y sucreencia en la futilidad de los esfuerzos humanos contra las fuerzas de lanaturaleza.La Escuela SevillanaSevilla fue centro productor de pintura de primer orden debido a tresfactores:En el siglo XVI es una ciudad abierta a todo tipo de intercambios y con unasituación económica favorable.Como proveedora de América, requirió continuos envíos de obras.Demandó a un gran número de artistas, muchos de ellos extranjeros, quepropició una excelente comunicación con los grandes centros creativos depintura de Italia, Alemania y Flandes.La pintura que se realizaba a finales del siglo XVI repetía modelos yesquemas inspirados en estampas manieristas de pintores italianos yflamencos, cuyo máximo representante fue Pacheco.El pintor Roelas, formado en Venecia, sería uno de los introductores de laobservación directa de la naturaleza y el colorido cálido propio de estaescuela italiana. Ejecutaba sus obras con gran agilidad y valentía técnica,predominando la mancha de color y un interés por los tipos populares, queprovocará las críticas de Pacheco, aduciendo falta de decoro y exceso decelo en la reproducción de lo cotidiano.A Roelas le seguirá Herrera el Viejo que ahondará en el naturalismo,dando a sus personajes religiosos un aspecto más verosímil y una técnicapictórica cada vez más libre.
  9. 9. La iluminación es un elemento esencial en la pintura sevillana. Se resaltanlas figuras y los objetos con una luz potente en contraste con un fondooscuro. Es una de las novedades introducidas porCaravaggio y José deRibera El Españoleto, cuyas obras llegan a Sevilla influyendo en Pacheco,Zurbarán, Alonso Cano y en la primera época de Velázquez.Esculturas berniniEn sus primeras obras Bernini respetaba fielmente los cánones clásicos, ala vez que se observaba la influencia manierista de su padre. Sin embargo,su estilo muestra una evolución en los cuatro grupos Borghesianos, dondeaparece con fuerza la creatividad del artista.En estas composiciones el artista plasma el momento culminante deldrama, mostrando la gracia y la expresión de los personajes. Pero sobretodo, lo que fascina de estas obras es el virtuosismo, la naturalidad, elefecto de materialidad y de claroscuro. Por otro lado, resulta novedosa larelación de las esculturas con el espacio circundante, ya que estánconcebidas para ser observadas desde un punto determinado, no para serrodeadas y vistas desde cualquier ángulo.Como ejemplo de su maestría con la piedra, durante los trabajos del bustode Scipione Borghese, apareció un defecto en el mármol. Borghese aceptóno posar durante varios días, ignorando que en ese tiempo esculpiría unbusto idéntico desde cero. San Lorenzo de la Retícula (Martirio de San Lorenzo) (1614-1615) - Mármol, 66 x 108 cm, Colección Contini Bonacossi, Florencia La Cabra Amaltea (1615) - Mármol, Galería Borghese, Roma San Sebastián (h. 1617) - Mármol, Museo Thyssen- Bornemisza, Madrid (depósito de la sociedad Omicron) Eneas, Anquises y Ascanio (1618-1619) - Mármol, altura 220 cm, Galería Borghese, Roma Rapto de Proserpina (1621-1622) - Mármol, altura 295 cm, Galería Borghese, Roma Apolo y Dafne (1622-1625) - Mármol, altura 243 cm, Galería Borghese, Roma David (1623-1624) - Mármol, altura 170 cm, Galería Borghese, Roma San Longino (1631-1638) - Mármol, altura 450 cm, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano
  10. 10.  Busto de Scipione Borghese (1632) - Mármol, altura 78 cm, Galería Borghese, Roma Busto de Costanza Bonarelli (h. 1635) - Mármol, altura 70 cm, Museo Nacional del Bargello, Florencia Busto del Cardenal Richelieu (1640-1641) - Mármol, Museo del Louvre, París La Verdad (1645-1652) - Mármol, altura 280 cm, Galería Borghese, Roma Éxtasis de Santa Teresa (1647-1652) - Mármol, capilla Cornaro, Santa Maria della Vittoria, Roma Daniel y el león (1650) - Mármol, Santa Maria del Popolo, Roma Busto di Francesco I dEste (1650-1651) - Mármol, altura 107 cm, Galería Estense, Módena Constantino (1654-1670) - Mármol, Palacios Pontificios, Ciudad del Vaticano Habacuc y el ángel (1655) - Terracota, altura 52 cm, Museo Sacro, Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano Busto de Luis XIV (1665) - Mármol, altura 80 cm, Museo Nacional de Versalles, Versalles Ángel con la corona de espinas (1667-1669) - Mármol, tamaño mayor que el natural, SantAndrea delle Fratte, Roma Busto di Gabriele Fonseca (1668-1675) - Mármol, más grande que el natural, San Lorenzo in Lucina, Roma Luis XIV a Caballo (1669-1670) - Terracota, altura 76 cm, Galería Borghese, Roma Éxtasis de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674) - Mármol, capilla Altieri-Albertoni, San Francesco a Ripa, RomaCaravaggioEn 1599, presumiblemente bajo la influencia del cardenal Del Monte,Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, en la iglesiaromana de San Luis de los Franceses. Los dos trabajos hechos para esteencargo fueron: El martirio de San Mateo, y La vocación de San Mateo,entregados en 1600. El tenebrismo se mostró una vez más en estostrabajos, aumentando el claroscuro y un realismo barroco muy emocional.Fue criticado por su excesivo realismo y por no usar dibujos preparatorios.Mientras que algunos de los pintores italianos aclamaron a Caravaggio porestas obras, que lo encumbraban, siempre desde su punto de vista, como
  11. 11. maestro del arte religioso italiano: «Los pintores romanos de la épocafueron sorprendidos grandemente por estas pinturas, principalmente losjóvenes. Éstos se reunieron en un círculo en torno al pintor, aclamándolecomo el mejor artista de la naturaleza y considerando su obra como unmilagro».18 En La vocación de San Mateo, Caravaggio muestra un haz deluz entrando por una ventana, que expresa simbólicamente la conversiónde Leví en Mateo. Otras alegorías a la redención del cobrador deimpuestos son la bisagra de la puerta sostenida por los ángeles, a partir denubes u otros artefactos.Caravaggio siguió haciendo durante algún tiempo encargos religiosos, enlos que destacaba la muerte en figuras grotescas de martirios,decapitaciones y asesinatos. Para la mayoría de la gente romana, estasobras aumentaron la popularidad del pintor, mientras que para algunaspersonas les parecía violento y sin el verdadero sentido de la doctrinacatólica, por lo que Caravaggio debió rehacer algunas pinturas sin elsentido violento característico de su obra. La esencia del problemaconsistía en que Caravaggio tenía una forma bastante explícita derepresentar el dramatismo, visto muchas veces como vulgar.19 Justo enese año surgió el primer gran escándalo de su carrera: Caravaggio debíapintar a San Mateo inspirado para escribir suevangelio, junto a un ángelque supuestamente le dictaría las divinas enseñanzas. Pero Caravaggio,joven y sin experiencia en trabajos religiosos, representó al santo como unhombre viejo, parecido a un jornalero, con la frente arrugada y sosteniendotorpemente el libro, como si estuviese cansado. El ángel fue pintado comoun adolescente, casi niño, que llevaba la mano de Mateo cual maestro queenseña a escribir al alumno. Como era de esperarse, la obra fue rechazadapor el clero y el pueblo, por considerarla una falta de respeto hacia elsanto. Caravaggio debió pintarla de nuevo, ateniéndose a los cánones másortodoxos de la pintura sacra. El primer cuadro se conservó, hasta que fuedestruido en el siglo XX.20 De forma similar,La conversión de SanPablo tampoco fue aceptada, pero otra versión pictórica del mismo temabíblico, (La conversión de San Pablo en el camino a Damasco), sí lo fue. Laprimera mostraba al santo empequeñecido ante el caballo, lo que no gustóal pueblo de Roma. Un soldado y Caravaggio discutieron bruscamente poreste tema: «¿Por qué has puesto al caballo en medio y a San Pablo en elsuelo. ¿Es acaso el caballo Dios? ¿Por qué?», a lo que Caravaggiorespondió: «No, pero el animal está en el centro de la luz de Dios».21 Otrostrabajos incluyen El entierro de Cristo, la Madonna de Loreto (tambiénconocida como Madonna de los peregrinos), Madonna con el niño y SantaAna y la Muerte de la Virgen. Las últimas dos pinturas atestiguaron, de
  12. 12. forma especial, un recibimiento poco cálido entre el pueblo de Roma.La Madonna con el niño y Santa Ana, conocida como Madonna deipalafrenieri fue pintada para un pequeño altar de la Basílica de San Pedro,sólo permaneció en su lugar dos días, y fue retirada. El secretario de uncardenal escribió al respecto: «En esta pintura todo es vulgaridad,sacrilegio y disgusto. Una cosa puedo decir, es un trabajo hecho por unpintor que no pinta bien, con un espíritu oscuro y que ha estado alejado deDios durante mucho tiempo, y también de cualquier otra cosa buena». Lamuerte de la virgen, le fue encargada a Caravaggio por un acaudaladojurista, quien pensaba ubicar el cuadro en su capilla personal, mantenidapor carmelitas. Éstos rechazaron terminantemente el cuadro en 1606, y elcontemporáneo de Caravaggio, Giulio Mancini recuerda que el hecho quemotivo tal rechazo fue que el pintor usó a una reconocida prostituta comomodelo para la Virgen;22 Giovanni Baglione, otro contemporáneo, relataque otro punto por el que la obra no obtuvo aceptación fue que la virgentenía las piernas desnudas.23 —un problema de decoro en cualquier caso—John Gash, estudiosos de Caravaggio, sugiere que el problema para loscarmelitas era que tenían una visión más teológica que estética, y que porello Caravaggio falló al plasmar de manera errónea la doctrina dela Asunción de María, en específico la idea de que la Madre de Dios nomurió en forma ordinaria sino que fue llevada al cielo. El reemplazo para elaltar fue hecho por uno de los más conspicuos discípulos deCaravaggio, Carlo Saraceni, en la que mostraba a la Virgen viva y sentada,al igual que Caravaggio, pero en actitud casi moribunda. Nuevamenterechazada, en el trabajo que la sustituyó la Virgen ya se veía siendollevada al cielo por ángeles. La muerte de la Virgen, fue comprada por elDuque de Mantua por consejo de Rubens, como un obsequio para elmonarca Carlos I de Inglaterra. Finalmente entró en la corte francesaen 1671.Una de las pocas pinturas de carácter secular y no religioso de aquellaépoca fue El triunfo del amor, pintada en 1602 para Vincenzo Giustiniani,miembro del círculo social del cardenal Del Monte. En un diario que datadel siglo XVII, el modelo es llamado «Cecco», en italiano, diminutivo deFrancesco. Posiblemente se trató de Francesco Boneri, artista italianoactivo entre 1610 y 1625, y conocido popularmente como Cecco delCaravaggio.24 La obra muestra a un Cupido desnudo, cargando un arco yunas flechas, mientras pisotea los símbolos de las artes, las ciencias y elgobierno. El modelo está desvestido, y es difícil aceptar que se trate de unode sus siervos. El punto culminante que relaciona esta pintura con las
  13. 13. religiosas es la intensa ambigüedad con la que el pintor maneja losmodelos de diferentes posturas, ya sea sacra o profana.

×