EXPOSICIÓN     This isPOP ART ¡              ---------- Sala Municipal de Exposiciones del Museo de Pasión              C/...
EXPOSICIÓN:     This is                POP ART ¡                Andy Warhol/ Keith Haring/ Robert Indiana/ Roy            ...
EXPOSICIÓN COMISARIOS Dolores Durán COORDINACIÓN Paloma Juan González-Posada M. SEGURO Aon TRANSPORTE Ordax MONTAJE Feltre...
THIS IS POP ART !
El POP ART, movimiento caracterizado por el empleo de imágenes ytemas tomados del mundo de la comunicación de masas y lapu...
Andy WarholKeith HaringRobert IndianaRoy LichtensteinRobert RauschenbergSteve KaufmanBert Stern.
Andy Warhol
Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 defebrero de 1987), más comúnmente conocido como And...
Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en     la que los consumidores más ricos com...
declaró que "él tenía demasiado control sobre mi vida", tras lo cual fuesentenciada a 3 años bajo el control del departame...
empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan paraWarhol. Entre ellos, el modisto Valentino. Según él m...
Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su facetaartística. Así, intuía que definir un nicho come...
Keith Haring
Keith Haring (Reading, Pensilvania, 4 de mayo de 158 - Nueva York, 16 defebrero de 10) fue un artista y activista social c...
Robert Indiana
Robert Clark (n. New Castle, Indiana; 13 de septiembre de 128), másconocido como Robert Indiana, es un artista estadounide...
Roy Lichtenstein
Roy Fox Lichtenstein nace el 27 de octubre de 123 en la ciudad de NewYork, en una familia de clase media y tiene una herma...
Robert Rauschenberg Robert Rauschenberg (22 de octubre de 125, Port Arthur, Texas;† 12 demayo de 2008, Captiva Island, Con...
Steve Kaufman
Steve Kaufman nació en el Bronx, Nueva York, en 160. Tuvo su primeraexposición con tan solo ocho años. Trabajó como asiste...
Bert Stern
Bertram Stern (n. 3 de octubre de 12) fotógrafo estadounidense que hadestacado en sus trabajos sobre moda y retratos de pe...
OBRAS EN LA EXPOSICIÓN
ANDY WARHOLCampbell’s Soup. Serie compuesta por 10 serigrafías.Campbell’s Soup I. Black Bean.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II...
71,7 x 52,1 cm. Grabado. Firmado 3 veces y numerado 1/100 alápiz. 1977.Lillian Carter II. 153.99,7 x 74,9 cm. Grabado. Fir...
Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 70. 1980.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 71. 1980.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Se...
Serigrafía sobre papel blanco.Firmada a bolígrafo y fechada 1971 al dorso. Impresa por SilkprintKettner, Zurich. Publicada...
Love.Tapiz lana 243 x 243 cm. (Red & Blue). Firmado. Edición limitada.15/100.Love.181 x 182 cm. Tapiz de lana (Black & Whi...
ROBERT RAUSCHENBERGUntitled 1.103 x 103 cm. Litografía y offset. Numerada 3/50, firmada yfechada a lápiz. 1970.The Razorba...
20,5 x 20,5 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada, sellada ynumerada al dorso 5/3. Años 90.New York City Taxi.20,5 ...
68 x 35 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada y numerada8/50 al dorso.BERT STERNMM Laughing In Black Dress.53 x 38 ...
Pop Art:  ¿El movimiento artístico demayor cercanía con el pueblo?                 Por Cintia Bourlot
Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº35 Diciembre 2010  Para empezar a hablar sobre el Pop Art, es necesario n...
Muchos autores afirman que el fenómeno Pop surgió primero en Gran Bretaña, apartir de una nueva consciencia de las manifes...
fácilmente encontrarían dentro de su hogar. De esta forma, se ahorraban lacomplicada interpretación de obras del expresion...
remover cualquier significancia que hubiese tenido al ver el objeto aislado (larepetición de la información la banaliza). ...
Con referencia a Claes Ondenburg y George Segal, ambos son exponentes de laescultura pop. En el caso de Ondenburg, su pers...
Arte Pop
El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX quese caracteriza por el empleo de imágenes de l...
and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 158 utilizó el término«popular mass culture» (cultura popular de la...
Pop Art
Exposicion This Is Pop Art Museo de la Pasion Andy Warhol Ocio y Rutas Valladolid
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Exposicion This Is Pop Art Museo de la Pasion Andy Warhol Ocio y Rutas Valladolid

  1. 1. EXPOSICIÓN This isPOP ART ¡ ---------- Sala Municipal de Exposiciones del Museo de Pasión C/ Pasión, s/n. Valladolid Del 19 de julio al 19 de agosto de 2012 ----------
  2. 2. EXPOSICIÓN: This is POP ART ¡ Andy Warhol/ Keith Haring/ Robert Indiana/ Roy Lichtenstein/ Robert Rauschenberg/ Steve Kaufman/ Bert Stern.INAUGURACIÓN: Día 19 de julio de 2012LUGAR: Sala Municipal de Exposiciones del Museo de Pasión C/ Pasión, s/n VALLADOLIDFECHAS: Del 19 de julio al 19 de septiembre de 2012HORARIO: De martes a sábados, de 12,00 a 14,00 horas y de 18,30 a 21,30 horas. Domingos, de 12,00 a 14,00 horas. Lunes y festivos, cerradoINFORMACIÓN: Museos y Exposiciones Fundación Municipal de Cultura Ayuntamiento de Valladolid Tfno.- 983-426246 Fax.- 983-426254 www.fmcva.org Correo electrónico: exposiciones@fmcva.org
  3. 3. EXPOSICIÓN COMISARIOS Dolores Durán COORDINACIÓN Paloma Juan González-Posada M. SEGURO Aon TRANSPORTE Ordax MONTAJE Feltrero TEXTOS Doores Durán PROGRAMAS EDUCATIVOS Y VISITAS GUIADAS Evento
  4. 4. THIS IS POP ART !
  5. 5. El POP ART, movimiento caracterizado por el empleo de imágenes ytemas tomados del mundo de la comunicación de masas y lapublicidad, surge a mediados de la década de los ’50 en Inglaterracomo una nueva corriente artística frente al expresionismo abstracto,considerado vacío y elitista, y pronto se extiende a los Estados Unidos,donde alcanza su mayor proyección. El término fue utilizado por primera vez por el crítico británicoLawrence Alloway en 1962 para definir el arte que algunos jóvenesestaban realizando, utilizando imágenes populares. Al mismo tiempo,importantes revistas, como Time, Life o News Week, dedicaron algunosensayos al nuevo estilo artístico, aunque fue reconocido antes por elgran público y las revistas de amplia difusión que por los críticosespecializados o los museos de arte contemporáneo. El POP ART, cuyos orígenes habría que buscar en el dadaísmo,muestra los rasgos esenciales asociados al ambiente cultural de losaños sesenta y al sentir de una sociedad consumista que idolatra a lasestrellas de Hollywood y convierte a los mass media en testigosimprescindibles de un mundo que empieza a sentirse global. Las firmascomerciales -como Kellog´s, Heinz o Campbell- pasan de las estanteríasde los supermercados a las paredes de las galerías de arte, acuñandocódigos de una nueva era. La American way of live, la modernidadpropulsada por los medios de comunicación masivos, el consumodesbordante en el mundo del próspero capitalismo tejían nuevosconceptos de cultura y ruptura. El Pop Art se apropia de técnicas plásticas propias de los medios decomunicación masivos, como el comic, la fotografía y los distintosprocedimientos derivados de ella -ampliaciones y yuxtaposiciones,collages, fotomontajes-, y el cartel publicitario, con sus diferentestécnicas visuales -acumulación, oposición, supresión-. La utilización dela pintura acrílica, derivada de los colores planos del cartel, el cultivode la bidimensionalidad, el recuso del dibujo nítido y la utilización delgran formato son otras tantas características del pop-art americano. La serigrafía se convierte en una de las técnicas más empleadas entrelos artistas pop, por la libertad de creación que permite, la posibilidadde realizar trabajos de forma más rápida y porque permite al artistarealizar gran número de obras, lo que se adapta al concepto de trabajode repetición. This is POP ART! reúne más de ciento veinte obras de los artistasmás relevantes del pop art americano, como Keith Haring(Pennsylvania, 1958 - New York, 1990), Robert Indiana (New Castle,Indiana, 1928), Steve Kaufman (Nueva York, 1960), Roy Lichtenstein(New York, 1923 - 1997), Robert Rauschenberg (Texas, 1925 - Florida,2008), Bert Stern (New York, 1929) y Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 -New York, 1987), y pone de manifiesto cómo cualquier objeto de lavida cotidiana, puede elevarse a la categoría de arte.
  6. 6. Andy WarholKeith HaringRobert IndianaRoy LichtensteinRobert RauschenbergSteve KaufmanBert Stern.
  7. 7. Andy Warhol
  8. 8. Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 defebrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue unartista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial enel nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera comoilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo enpintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada poruna hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entrearistócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos,modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el futurotodo el mundo será famoso durante 15 minutos". Esta frase de cierta maneravaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de laprensa amarilla y de los reality shows. Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban susobras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 esobjeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros ydocumentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película IShot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de lapolémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del sigloXX debido a su revolucionaria obra. Fue el tercer hijo del matrimonio eslovaco que emigró a Estados Unidos. Suspadres eran Andrej y Julia Warhola, originarios de una Miková por aquelentonces perteneciente al Imperio austrohúngaro. En 1914 Andrej Warhola emigró a Estados Unidos para trabajar en minas decarbón, mientras que su mujer emigró siete años después con sus dos hijosmayores. Mientras cursaba tercero de primaria, Andy empezó a sufrir el popularmenteconocido como baile de San Vito, es decir, la corea de Sydenham. Estaenfermedad provoca una afección del sistema nervioso que causamovimientos incontrolados de las extremidades y desórdenes en lapigmentación de la piel. Desde entonces fue hipocondríaco y desarrolló pavora médicos y hospitales. Pasó buena parte de su infancia postrado en una camay se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase, desarrollandouna fuerte fijación hacia su madre.1 Mientras estaba en la cama dibujaba, oíala radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine que colocaba alrededorde su cama. Más tarde, definió esta etapa como muy importante en eldesarrollo posterior de su personalidad, sus habilidades y sus gustos. Decidió estudiar Arte comercial en la actual Carnegie Mellon University(Pittsburgh). En 1949 se trasladó a Nueva York para iniciar una carrera comoilustrador de revistas y publicista. Durante los 50 ganó cierta reputacióngracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta,bastante sueltos y emborronados que fueron expuestos en la galería Bodleyde Nueva York. Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, lasempresas discográficas se encontraron en un contexto comercialcompletamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y aSid Maurer, entre otros artistas freelance, para el departamento de diseño deportadas de discos, cartelería y material promocional. Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel. Era el 9de julio de 1962 y marcó el debut del movimiento pop art en la costa oeste.Cuatro meses más tarde, entre el 6 y 24 de noviembre, inauguró su primeraexposición en Nueva York. Exactamente en la galería Stable, propiedad deEleanor Ward. Allí incluyó El díptico de Marilyn, 100 latas de sopa, 100botellas de cola y 100 billetes de dólar. Y fue allí donde conoció a John Giorno,con quién después coincidiría en la primera película warholiana: Sueño(1963). En esa época empezó a pintar sus famosos dibujos de la sopa Campbell y delas botellas de Coca-Cola, a los consideraba tan iconos estadounidenses comoMarilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudioThe Factory, por donde pasaron artistas, escritores, modelos, músicos ycelebrities underground del momento. El taller, decorado con hojas de papelde aluminio color plata, estaba inicialmente en la calle 47. Después semudaría a Broadway. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertaspolémicas sobre el papel del artista y la finalidad del arte. Desarrolló unas imágenes personales a partir de objetos completamenteimpersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizabaimágenes propias de los periódicos, los carteles y la televisión para definir unolimpo particular, compuesto de símbolos de la cultura estadounidense: lasilla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por losderechos civiles o los retratos de celebridades del momento.7 La botella deCoca-Cola se convirtió, para él, en un tema pictórico. Sobre esto declararó:
  9. 9. Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes. El MOMA organizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962 yalgunos artistas, entre ellos Warhol, fueron atacados por «rendirse» alconsumismo. Para las sofisticadas élites que dictaban la crítica de arte, elentusiasmo que Warhol sentía por la cultura del consumismo resultabaembarazoso e inadmisible. Este simposio definió el tono en que se iba arecibir la obra de Warhol, aunque a lo largo de los 60 iba a hacerse cada vezmás evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el mundodel arte. También que Warhol había jugado un papel esencial en ese cambio. Un evento crucial fue la exhibición The American supermarket, una muestracelebrada en 1964 en la galería Paul Bianchinni, en el Upper East Side deManhattan. La exposición estaba organizada como el típico pequeñosupermercado estadounidense, aunque los productos exhibidos (conservas,carne o posters) eran obra de prominentes artistas del pop: Mary Inman,Robert Watts o el controvertido Billy Apple. La contribución de Andy Warholfue una pintura de una lata de sopa Campbell, valorada en 1500 dólares. Locurioso es que la lata tan solo costaba 6 dólares. La exposición fue uno de losprimeros actos públicos en los que se confrontó al público con el pop art y lacuestión planteada por las vanguardias clásicas acerca de qué podía ser arte. Como ya había hecho en su etapa de ilustrador comercial en los 50, Warholrecurrió a asistentes para aumentar la productividad de su taller artístico. Estacolaboración también planteó encarnizadas polémicas sobre sus métodos detrabajo y su valor como arte, especialmente durante los años 60. Uno de loscolaboradores más importantes con que contó en esta época fue GerardMalanga, quién le ayudó en la producción de serigrafías, películas, esculturasy otras obras producidas en The Factory. Otros colaboradores esporádicosfueron Freddie Herko, Ondine, Ronal Travel, Mary Woronov, Billy Name yBrigid Berlin (que fue quien, al parecer, le dio la idea de grabar susconversaciones telefónicas). Durante los años 60 también reunió a una variopinta comitiva de excéntricosy bohemios, a quien él designaba como las superstars, y que incluía a EdieSedgwick, Viva y la célebre Ultra Violet. Todos ellos solían actuar en laspelículas de Warhol y algunos, como Berlin, mantuvieron una estrecha amistadcon el artista hasta su muerte. Su relación con artistas como Frangeline, unacantante de la escena guapachosa, y también con artistas como el escritorJohn Giorno o el cineasta Jack Smith (que también figuró en algunos cortos deWarhol) revelaba su estrecha relación con distintas clases de producciónartística. Hacia el final de esa década el mismo Warhol se había convertido enuna celebridad y aparecía frecuentemente en la prensa, escoltado por algunode sus compañeros en la Factory. En 1965 conoció al grupo de música The Velvet Underground, liderado porLou Reed. No tardó en convertirse en el mánager del grupo y añadiendo a suamiga, la cantante alemana Nico. En 1967 salió al mercado el disco de losVelvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, producido poreste último. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico seretiró y los servicios de Warhol ya no fueron necesarios. En 1969 comenzó apublicar su revista Interview. El 3 de junio de 1968, Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte ycomisario Mario Amaya en la entrada al estudio de Warhol. Antes del atentado, Solanas había sido un miembro discreto del colectivo dela Factory. Redactó el "Manifiesto SCUM"(Society for Cutting Up Men, "Sociedadpara capar a los hombres"), un alegato feminista separatista contra elpatriarcado (y que, con el paso de los años, adquirió cierta resonancia).Solanas también aparecía en la película de Warhol "I, A Man" (168). Al parecer,el día del atentado, Solanas había sido expulsada de la Factory tras reclamar ladevolución de un guion que le había dado a Warhol y que, al parecer, habíasido traspapelado. Amaya sufrió sólo heridas menores, y fue dado de alta esemismo día. Warhol, sin embargo, recibió seis disparos y apenas sobrevivió a laintervención de urgencia de seis horas de duración -durante la que losmédicos tuvieron que abrirle el pecho y masajear su corazón para estimular elritmo cardíaco de nuevo-. Las secuelas de este ataque le acompañarían elresto de su vida, y no es de extrañar que por tanto el recuerdo del atentadodejase una marca profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol. Solanasfue arrestada al día siguiente de disparar. Como justificación a su ataque,
  10. 10. declaró que "él tenía demasiado control sobre mi vida", tras lo cual fuesentenciada a 3 años bajo el control del departamento de reinserción. Tras eltiroteo, el acceso a la Factory quedó rígidamente controlado, y en opinión demuchos esto causó el fin de la época de "la Factory de los 60". El atentado, sinembargo, quedó bastante desdibujado en los medios debido al asesinato deRobert F. Kennedy, dos días después. A raíz del atentado sufrido, Warhol declaró que "antes de que me disparasen,siempre pensé que estaba un poco más para allá que para acá. Siempresospeché que estaba viendo la tele en vez de vivir la vida" Comparados con la escandalosa (y exitosa) década de los 60, los 70 fueronaños más tranquilos para Warhol, que se convirtió en un emprendedor. SegúnBob Colacello, Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a nuevasestrellas y personajes famosos para proponerles un retrato. La lista incluía aMick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y MichaelJackson. El famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong es de estaépoca (173). También fundó, con el apoyo de Gerard Malanga la revista"Interview", y publicó "La filosofía de Andy Warhol" (175), en la que exponía supensamiento con rotundidad y sentido del humor:"Hacer dinero es arte, y eltrabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte". Warhol solía frecuentardiversos clubes nocturnos de Nueva York, como el Maxs Kansas City, elSerendipity 3 y, más adelante, el célebre Studio 54. Normalmente secomportaba como un tranquilo, tímido y meticuloso observador. El crítico dearte Robert Hughes le llamó "el lunar blanco de Union Square".17 Su estiloinicialmente rupturista fue progresivamente asimilado por el circuito degalerías y por los círculos adinerados, a los que satisfacía con retratos porencargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual. En losaños 70 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discotecaStudio 54, entre ellos Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. Estambién en esta época cuando es contratado por varios fabricantes deautomóviles para pintar sus vehículos de competición de una manera quellamen la atención, entre ellos la firma BMW. Así se creó el art car. Dichosvehículos participaban sobre todo en las famosas 24 horas de Le Mans. Sonfamosas sus cápsulas del tiempo en donde guardaba (desde el año 174) cosascotidianas en cajas de cartón, como expone en Philosophy of Andy Warhol, suprimer libro. En 17 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum deNueva York, su serie de retratos Portraits of the Seventies (Retratos de losSetenta). Warhol tuvo una segunda juventud para la crítica -y los negocios- durante los80, gracias en parte a su estrecha relación con algunas de las nuevas figurasdel arte, que eran en realidad quienes conducían la tendencia del mercado enaquel momento: se trataba de personajes como Jean-Michel Basquiat, JulianSchnabel, David Salle y otras figuras del así llamado neoexpresionismo.Warhol también frecuentaba la compañía de artistas del movimiento detransvanguardia europea, como Francesco Clemente y Enzo Cucchi. Porentonces Warhol era acusado de haberse convertido en un "artista de losnegocios". En 17 recibió algunas críticas poco favorables sobre susexposiciones de retratos de celebridades de los 70, críticas en las que su obrase tachaba de superficial, fácil y comercial, carente de profundidad de lasignificación del tema. Esta actitud crítica, debida en parte a las propiastendencias del mercado, hizo que su siguiente exposición sobre "GeniosJudíos" (180), expuesta en Nueva York, también fuese recibida con frialdad.1Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunos críticoshayan creído ver en la "superficialidad" y "comercialidad" de Warhol "uno de losreflejos más brillantes de nuestra época", señalando que "Warhol hacapturado algo esencial sobre el zeitgeist de la cultura americana de los añossetenta".18 Warhol siempre apreció el glamour de Hollywood. En una ocasióndeclaró: "Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, peroamo el plástico. Quiero ser plástico." En 181 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas comoDa Vinci, Botticelli y Uccello. En 183 hace el retrato del cantante españolMiguel Bosé para la portada del disco Made In Spain, también utilizada para eldisco Milano-Madrid de este mismo artista. Según las malas lenguas, lacompañía discográfica de Bosé pagó una fortuna por la colaboración deWarhol, quien hasta entonces apenas conocía al cantante. Luego lemencionaría en algún libro como «hijo de un torero español». Warhol tambiénapareció en su videoclip Ángeles Caídos. Ese año visita Madrid, donde esrecibido con entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otraspersonalidades de la cultura y la vida social madrileña. A pesar de todo, laexposición que presentó en la ciudad se saldó con poquísimas ventas. En esa época, Warhol produce abundantes retratos de celebridades ymagnates, no sólo amistades o gente de su círculo, sino también diseñadores,
  11. 11. empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan paraWarhol. Entre ellos, el modisto Valentino. Según él mismo contó, en unaocasión viajó a Europa para tomar polaroids de empresarios alemanes, ybasándose en tales fotografías elaboraba los retratos. En 186 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Leniny Mao Tse Tung. Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de187. Según los noticiarios, se estaba recuperando sin dificultades de unaoperación de vesícula en el New York Hospital cuando falleció dormido debidoa una repentina arritmia post-operatoria. También se ha señalado ciertoexceso de líquidos por intoxicación de agua. Antes de su diagnóstico y laoperación consiguiente, Warhol había intentado retrasar los reconocimientos,debido sobre todo a su pavor a los hospitales y los médicos. El cuerpo de Warhol fue devuelto por sus hermanos a Pittsburgh para elfuneral. El velatorio tuvo lugar en el Thomas P. Kunsak Funeral Home y fueuna ceremonia corpore insepulto. El ataúd era una pieza de bronce macizo,con adornos dorados y soportes blancos. Warhol llevaba puesto un traje negrode cachemira, una corbata de estampado también de cachemira, una pelucaplateada y sus características gafas de sol. Tenía en las manos un pequeñobreviario y una rosa roja. El funeral se celebró en la iglesia católica bizantinadel Espíritu Santo, en el North Side de Pittsburgh. Monseñor Peter Traypronunció su encomio.Yōko Ono también se presentó. El féretro quedócubierto por rosas blancas y brotes de esparraguera. Tras la liturgia, el ataúdfue llevado al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista, en BethelPark (un barrio apartado al sur de Pittsburgh). Allí el sacerdote pronunció unabreve oración y asperjó con agua bendita el ataúd. Antes de proceder aldescenso del mismo, Paige Powell dejó caer un ejemplar de "Interview", unacamiseta de la misma revista y una botella del perfume Beautiful, de EstéeLauder. Warhol fue enterrado junto a su madre y su padre, y unas semanasmás tarde22 se repitió un oficio conmemorativo para Warhol en Manhattan. El testamento de Warhol legaba toda su propiedad -con excepción de algunosmodestos detalles- a miembros de su familia, con el fin de crear unafundación dedicada al "avance de las artes visuales". Warhol tenía tantasposesiones que Sothebys necesitó nueve días para subastar sus bienes tras sumuerte, y la suma total excedía los 20 millones de dólares. Su riqueza totalera aún mayor, debido principalmente a astutas inversiones realizadas a lolargo de toda su vida. En 187, de acuerdo con la última voluntad de Warhol, se constituyó la AndyWarhol Foundation for the Visual Arts. La fundación no sólo sirve comorepresentante legal de Andy Warhol, sino que defiende su misión de "espolearla innovación en la expresión artística y el proceso creativo", y se declara"centrada, principalmente, en apoyar el trabajo de un valor experimental orompedor". Pintura Hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial deéxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millareran particularmente populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastantedesenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint (similares a unamonotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista.Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no erainfrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistasllevaban con discreción su condición de profesionales de la publicidad. Dehecho, la fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento unobstáculo para su consideración como artista. Por entonces trató de exponeralguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de arte, perosus intentos no tuvieron éxito. De esta época parte su cuestionamiento sobreel estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces, criticaríasu separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como untema artístico. El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunosartistas exploraban de modo aislado; algunos de estos pioneros, como RoyLichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser conocido como "el Papa delPop") se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol comenzó ainvolucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas dedibujos animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosassalpicaduras de pintura. Estas salpicaduras emulaban el aspecto delexpresionismo abstracto estadounidense, entonces muy en boga.Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hastareducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad,o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artistaen sus pinturas.32 Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor decosa mentale, tal y como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento.
  12. 12. Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su facetaartística. Así, intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definirun tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizadospor Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warholtambién quería definir su propia estética distintiva. Sus amigos le aconsejaronpintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosasliteralmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosaslatas de sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo másfrecuente a lo largo de su vida. La obra fue vendida por 10.000 $ en unasubasta celebrada el 17 de noviembre de 171 en la sede de Sothebys enNueva York, un precio irrisorio si lo comparamos con los 6 millones dedólares obtenidos más recientemente por la misma obra.33 Pero Warholtambién amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primerospasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su improntapersonal, que consistía precisamente en evitar la huella persona del artista enbeneficio de unos temas que aunque eran considerados "anti-artísticos"constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestarestadounidense. Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía, y cuando se veíaobligado lo hacía calcando de una diapositiva. Según se afianzaba su carreracomo pintor, Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a procesarsus imágenes, siguiendo sus indicaciones para realizar variaciones y versionessobre el mismo tema. En 17, Warhol recibió de BMW el encargo de pintar uncoche de carreras de competición BMW M1 para la cuarta exposición delproyecto "BMW Art Car". A diferencia de los tres artistas que le habíanprecedido, Warhol declinó utilizar inicialmente un modelo a escala, y se pusoa pintar directamente sobre el vehículo. Se dice que Warhol tardó un total de23 minutos en pintar el coche entero.34 La obra de Warhol adquirió un tonomás serio tras el atentado sufrido en 168. Una tendencia cómica coexistía conuna más solemne, y por ello en su obra se pueden encontrar viñetas de cómico sillas eléctricas, indistintamente. Por otra parte, Warhol utilizó las mismastécnicas -serigrafía, offset, pintura en tonos planos con colores brillantes- pararepresentar a sus queridas celebridades, objetos cotidianos, accidentes decoche, imágenes de suicidios o desastres, como prueba la serie "Death andDisaster" realizada entre 162 y 163. Las pinturas de esta serie -como"Accidente de coche en rojo", "Hombre púrpura saltando" o "Desastre naranja"-transforman tragedias personales en espectáculos públicos, y anuncian el usode imágenes de catástrofe que se volvería inherente a la cultura de los mediosde masas. El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilodeliberadamente inexpresivo y la construcción de un personajeaparentemente imperturbable, como un Buster Keaton del arte.35 Estos rasgoseran subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacersepasar por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre sutrabajo. Warhol declaró en cierta ocasión que "todo lo que necesitas sabersobre el cuadro está ahí, en la superficie". Plantilla:Citequote Algunos de susdibujos a tinta, que podían recordar imágenes del test de Rorschachpretendían ser comentarios desde el punto de vista del pop sobre lo que elarte podría ser. Otras pinturas, como el "papel de pared de vaca" (un papel depared con estampado de vacas) o sus "pinturas de oxidación" (a partir delienzos preparados con cobre oxidado con orina- también pueden entenderseen este sentido. Es igualmente remarcable la manera en que esta obra -y losmedios con que se producía- encajaban en el ambiente de la Factory de NuevaYork. El biógrafo Bob Colacello aporta un testimonio sobre las "pinturas deorines" de Andy: Victor...era el espíritu meón de Andy para las Oxidaciones. Venía a la Factorypara orinar en lienzos que habían sido preparados con una imprimaciónbasada en cobre por Andy o por Ronnie Cutrone (quien era el segundo espíritumeón, muy apreciado por Andy, quien decía que la vitamina B que Ronnietomaba proporcionaba un tono más bonito cuando el ácido úrico corroía elcobre). ¿Utilizó Andy su propia orina? Mi diario dice que cuando empezó esaserie, en diciembre de 177, lo hizo, y hubo más de una persona en ello: chicosque venían a comer y que habían bebido algún vino más de la cuenta,quedaban muy divertidos o intimidados cuando se les pedía que ayudasen aAndy "a pintar". Andy siempre parecía entusiasmado durante el trayecto haciael estudio..." El ciclo inacabado de "La última cena", que habría aportado un carácterreligioso completamente nuevo a su obra, es posiblemente la mayor de susseries, y en palabras de algunos críticos también, "la mejor".37 Es igualmentela mayor serie de tema religioso realizada por un artista estadounidense.
  13. 13. Keith Haring
  14. 14. Keith Haring (Reading, Pensilvania, 4 de mayo de 158 - Nueva York, 16 defebrero de 10) fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritude la generación pop y la cultura callejera de la Nueva York de los años 180. Desde muy pequeño empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animadosde la televisión. Estudió arte en la Ivy School of Art de Pittsburgh, dondecomenzó a hacer serigrafías para imprimir en camisetas. Y posteriormentecontinúo sus estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York durante178 y 17, donde estuvo influenciado por Keith Sonnler y Joseph Kossuth quele animaron a formarse como artista conceptual tras la experimentacion con laforma y el color. En el verano de 17 realizó una performance titulada Poetry-Word-Things, en elClub 57 de Manhattan. En 180 comenzó a hacer grafitis, dibujando conrotulador imágenes similares a dibujos animados sobre anuncios en el metrode Nueva York. Más tarde le siguieron unas historietas dibujadas con tizablanca sobre los paneles negros del metro reservados para publicidad. Fuearrestado en varias ocasiones por dañar la propiedad pública. Keith Haring intentó combinar en su obra el arte, la música y la moda,rompiendo barreras entre estos campos. La iconografía era una mezcla deelementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, animales yfiguras danzando; a los que se añadieron más tarde figuras corriendo, bebésgateando, halos, pirámides, televisiones, teléfonos y referencias a la energíanuclear; el tratamiento de Keith Haring de temas como el poder y el miedo ala tecnología sugiere angustia y refleja su inquietud moral. Su primeraexposición individual fue en la galería Tony Shafrazi de Nueva York, en 182. El soporte pictórico que utilizaba Haring era variado y accesible (papel, fibrade vidrio, lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados enescayola de obras de arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal,africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china, los all-over deAlechinsky, Andy Warhol y Mark Tobey, a partir de los cuales evolucionó haciasu estilo semiabstracto característico, una especie de new wave azteca querecuerda a Pollock y a Penck. Gruesas líneas negras bordean figurasesquemáticas en unas composiciones dominadas por un horror vacui evidenteque vibran con una energía irresistible y llamativa. El estilo de Haring refleja elethos de la generación pop y de la cultura callejera del East Village(Manhattan). Intentó plantear las cosas de la manera más simple posible.Como Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es decir, una combinaciónde moda, arte y música, rompiendo barreras entre estas manifestaciones paradarles una mayor extensión; este factor es básico para entender su éxitocomercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales,escultura, posters y pintura corporal. En 186 pintó un trozo del muro de Berlín. En ese mismo año abrió la boutiquePop Shop, en la que vendía sus productos. En 18 creó la Fundación KeithHaring cuyo objetivo es luchar por la solución de los problemas sociales.Murió víctima del sida en Nueva York, el 16 de febrero de 10.
  15. 15. Robert Indiana
  16. 16. Robert Clark (n. New Castle, Indiana; 13 de septiembre de 128), másconocido como Robert Indiana, es un artista estadounidense asociado con elmovimiento pop art. De todas sus obras, las más conocidas son las seriesrealizadas con la palabra LOVE. Indiana también ha trabajado diseñandoescenografías y vestuario para obras teatrales. Sus obras emplean símbolos y palabras de la vida diaria pintados con loscolores vivos propios del pop art, y representan la cultura y la vidaestadounidense de forma irónica, conteniendo a menudo críticas políticas a lasociedad de dicho país Comenzó a estudiar arte en la Herron School of Art de Indianápolis y en elMunson-Williams-Proctor Institute de Útica, Nueva York. entre 145 y 148. De14 a 153 lo haría en la School of the Art and Sculpture de Chicago y enSkohwgan School of Painting and Sculpture de Maine, y en ese mismo año setrasladaría al Reino Unido para estudiar en el College of Art de Edimburgo yen la Universidad de Londres hasta 154.1 2 Al terminar su vida académica se instalaría en Nueva York, donde entablaríaamistad con otros pintores como Richard Smith, Ellsworth Kelly y JackYoungerman. Sus primeras obras fueron series inspiradas en señales detráfico, máquinas tragaperras y logotipos comerciales antiguos.2 Durante los primeros años 60 realizaría assemblages3 escultóricos, al mismotiempo que comenzaría a desarrollar un estilo frío y multicolor utilizandoletras, números o palabras cortas como EAT, HUG y LOVE, en el que jugabacon la simetría y con los elementos cromáticos. Al margen de su actividad como artísta plástico, Indiana también apareció en164 en la película Eat de Andy Warhol y diseñó la escenografía y el vestuariode la obra teatral Santa Fe Opera en 176. En 178 se trasladó a la isla de Vinalhaven en el estado de Maine y tras losataques del 11-S realizó un conjunto de obras que tituló Peace Paintings quefueron expuestas en Nueva York en 2004. El sueño americano A diferencia de otros representantes del pop art, Indiana ha estado másinteresado en la identidad y cultura estadounidense que en los mass media yla cultura del consumo. La principal diferencia con sus coetáneos radicaba ensu relación personal con Estados Unidos y con su estilo de vida. Sus obras sebasaban en los factores que marcaron la cultura estadounidense de lasegunda mitad del siglo XX: la identidad nacional, la agitación política y social,el estancamiento frente a ella, el auge del consumismo, las presiones de lahistoria y en definitiva, el llamado sueño americano.2 El sueño americano es la piedra angular de las obras de madurez de Indianadebido a que vivió su niñez durante la gran depresión de los años 30 y a quesu etapa de formación como artista tuvo lugar durante las transformacionessociales y políticas que vivió su país entre los años 40 y los años 60. El sueñoamericano fue la temática de su primer cuadro importante - vendido al MoMAen 161 - y ha seguido representándolo hasta la actualidad, datando la obraSeventh American Dream de 18. Indiana se ha acercado al sueño americanoreconstuyéndolo y redefiniéndolo de diversas maneras: con sus obraspolíticas, como Alabama (165), sus obras literarias, como The Calumet (161),o sus autorretratos e investigaciones sobre fama e identidad, como TheMetamorphosis of Norma Jean Mortenson (163-167). LOVE La serie de carteles, serigrafías y esculturas basadas en la palabra LOVE hansido las que le han dado más popularidad en todo el mundo. La imagen,consistente en la palabra love en letras mayúsculas con la letra o inclinadahacia la derecha, fue creada en 164 como tarjeta de navidad para el MoMA. En173 el Servicio Postal de los Estados Unidos puso en circulación un sello porvalor de 8 centavos que fue el primero de las varias series de sellos conocidascomo love stamps. A causa de la popularidad de LOVE, muchos críticos handefinido a Indiana como «diseñador», «oportunista» o «one hit wonder».
  17. 17. Roy Lichtenstein
  18. 18. Roy Fox Lichtenstein nace el 27 de octubre de 123 en la ciudad de NewYork, en una familia de clase media y tiene una hermana. Asiste a una escuelasecundaria privada de New York en la que el arte no consta en el programa.Empieza a dibujar y a pintar de adolescente solo en su casa. se interesa por elJazz, y frecuenta conciertos en el Apollo Theater, Harlem y en varios clubes dela calle 52 que le llevan a pintar retratos de músicos de Jazz, a menudotocando sus instrumentos. Busca la inspiración en Picasso. Se gradúa en laescuela secundaria con el firme convencimiento de estudia Arte y se matriculaen la escuela de Bellas Artes de Ohio, dónde un profesor le enseño que "elarte trata de la percepción organizada". "Me enseñó la manera de abordar elaprendizaje y a mirar." A ésta época corresponden sus obras expresionistasde modelos y naturalezas muertas. Ya reclutado en el ejercito, dibuja a lanaturaleza a la aguada, lápiz y pastel. Luego de concluir sus estudios, alvolver de la guerra, se centra principalmente en abstracciones geométricasseguidas de pinturas semi abstractas inspiradas en el cubismo. En 14 obtieneel Masters de Bellas Artes en la Universidad estatal de Ohio. En el mismo añose casa con Isabel Wilson, de la Carlebach Gallery. Con el tiempo su obra sehará más suelta e impresionista. Lichtenstein se traslada a Cleveland donde trabaja de dibujante gráfico ymecánico, decorador de escaparates, diseñador de chapas metálicas...Nacensus hijos, David Hoyt Lichtenstein y Mitchell Wilson Lichtenstein. Es nombradoprofesor ayudante de arte en la Universidad Estatal de New York, Oswego. Lasobras correspondientes al período 152-160 fluctúan entre el expresionismoabstracto no figurativo y dibujos de imaginería de cómics (figuras de Disney,como Mickey Mouse, Donald, etc.) Más tarde Lichtenstein se traslada a New Yersey donde conoce a AllanKaprow, que lo inicia en los happenings y ambientes. Conoce a ClaesOldenburg, Robert Watts, Jim Dine, Robert Watts, Jim Dine, Robert Whitman,Lucas Samara y George Segal. Los artistas de happening/ambientes reavivansu interes por la imaginería protopop. Sus primeras pinturas pop se registranhacia 161, centrándose en imágines y técnicas de tiras cómicas derivadas dela impresión comercial. Produce una serie de viñetas cómicas con cambiosminimos dibujadas directamente sobre la tela preparada con lápiz y pintadasal óleo. Empieza a utilizar la imaginería de la publicidad que evoca elconsumismo y las tareas domesticas. En 162 tiene oportunidad de ver la obrade Andy Warhol, que también aplica imaginería de cómics en la Leo CastelliGallery. Castelli acepta a Lichtenstein y rechaza a Warhol). Hacia 164, y luego de volver a New York, realiza una exposición retrospectivaen el Pasadena Art Museum. Esta exposición se presentaría también enAmsterdam, Minneapolis, Londres, Berna y Hannover. Se casa con dorothyHerzka. Luego se dedicaría a las pinturas modernas con imaginería de losaños treinta. En 16 trabaja en New York con Joel Freedman de las Cinneamon Productionsy experimenta cinematográficamente. Diez años mas tarde, la fundaciónNacional para las Artes le encarga una escultura publica: "Sirena" de unos tresmetros de acero y hormigón, para el Theater of the Performing Arts, MiamiBeach, Florida. También es elegido mienbro de la American Academy andInstitute of Arts and Letters. Exposición retrospectiva de los años sesenta,organizada por el Saint Louis Museum, que viajaba por Japón, Europa yEstados Unidos, en 181. Pinto, en 183, el Mural de Greene Street 142, NewYork. Exposición retrospectiva de dibujos en el Museo de Arte Moderno, NewYork, también presentada en Frankfurt en 188. Finalmente fallece el 30 de septiembre de 17, año en el cual algunas de suspinturas son animadas y exhibidas en el PopMart Tour, gira musicalorganizada por el grupo irlandés U2, alrededor del mundo. En dichoespectáculo, también se pueden apreciar obras de Andy Warhol y KeithHaring, entre otros. .
  19. 19. Robert Rauschenberg Robert Rauschenberg (22 de octubre de 125, Port Arthur, Texas;† 12 demayo de 2008, Captiva Island, Condado de Lee (Florida)) Robert Rauschenberg es una de las personalidades más influyentes de lasegunda mitad del siglo XX y artistas como Roy Lichtenstein y Andy Warhol loreconocieron como el padre del Pop Art. Aunque solía decir que no entendíadel todo el Dadaismo, Rauschenberg fue siempre capaz de elevar los objetoscotidianos a la categoría de Arte y, junto a Jasper Johns, recuperó el espírituDadá en Estados Unidos durante la década de los 50. Estudió Farmacia en la Universidad de Texas y también Historia del Arte,escultura y música. Fue alumno de Josef Albers y Jack Tworkov en el BlackMountain College de Carolina del Norte y allí se hizo amigo de John Cage.Después viajó por Italia, Francia y España en compañía de Cy Twombly. Rauschenberg fue mucho más que una figura clave de la Vanguardia de los50 y los 60 porque acabó convirtiéndose en fuente de inspiración para lamayoría de los artistas integrados en las Vanguardias Radicales de los años70. El mítico galerista neoyorquino Leo Castelli fue quien lo sacó de la nadaen 151, aunque no sería hasta catorce años después cuando se convirtió en elprimer pintor norteamericano galardonado con el Gran Premio de la Bienal deVenecia. De esa manera, el Pop Art se consagraba como el movimientodominante de mediados del siglo XX. Nadie como Robert Rauschenberg ilustra la evolución del Arte de esa época.Desde el Expresionismo Abstracto hasta las últimas consecuencias del Pop.Sus ‘combine paintings’, en las que mezclaba sobre el lienzo sillas, botellas yanimales disecados, hicieron de él un auténtico gurú para los artistas degeneraciones posteriores y también fue uno de los primeros en experimentarcon la serigrafía para repetir las imágenes obsesivamente, primero en blancoy negro y después en color. Su manera de entender el Arte era de aperturatotal, rompiendo las fronteras tradicionales entre técnicas y estilos.Rauschenberg destacó en la renovación conceptual de la pintura, la obragráfica y hasta el diseño de decorados teatrales, sin olvidar la fotografía y ladanza. Con ellas estableció un lenguaje híbrido que en el siglo XXI es habitualentre los nuevos creadores. Con ellos tenía en común su desprecio por elculto a la personalidad y la apuesta por los objetos de la vida cotidiana comomodelos y herramientas con las que oponerse a la vieja idea de un artistaheroico que se aleja de sus contemporáneos en actitudes y expectativas. Entre sus obras imprescindibles se encuentra ‘Bed’, concebida en una épocaen la que el artista pasaba apuros económicos y no tenía recursos ni paracomprar un lienzo, por lo que utilizó el edredón de su cama para pintar sobreél con pasta de dientes y laca de uñas. Fundamental es también ‘Estate’, en laque aplicó su técnica de transferencia para integrar la pintura artesana conimágenes recogidas de periódicos y revistas. Cualquiera que fuera la técnica elegida, mantuvo siempre su espíritu crítico ysu voluntad de experimentar. La constante búsqueda de nuevas formas deexpresión lo convirtieron en un artista clave en la Historia del Arte y todos losgrandes museos del mundo cuentan hoy en día con alguna de sus obras entrelo mejor de sus colecciones.
  20. 20. Steve Kaufman
  21. 21. Steve Kaufman nació en el Bronx, Nueva York, en 160. Tuvo su primeraexposición con tan solo ocho años. Trabajó como asistente de Andy Warhol enla Factoría hasta que en 18 abrió su propio estudio en Nueva York. Prontocomienza a contratar a personas sin hogar y a expandilleros de los Ángeles ydestina parte de la recaudación a estas causas a través de su fundación GiveKids A Break. Algunas de sus ediciones limitadas fueron creadas por Kaufmanpara destinar el cien por cien de su recaudación a obras benéficas, estaspiezas incluyen en el dorso la inscripción: "Give Kids A Break" y el anagramadel artista. Kaufman está especialmente interesado en el efecto que producen lasgrandes estrellas en la sociedad, es el caso de sus trabajos sobre MarilynMonroe, James Dean, Elvis, Kennedy, etc. Pero también elabora un discursosobre la fama recurriendo a figuras históricas como Beethoven, Mozart oShakespeare, las cuales presenta como si fueran estrellas de la actualidad.Trabaja sus ediciones limitadas de una manera innovadora ya que dota a cadauna de un diseño único mediante un embellecimiento que la hace exclusiva. La obra de Kaufman ha ganado en los últimos años un importante número deadeptos en todo el mundo. Se le ha reconocido como el nuevo artista pop ocomo suelen decir algunos: el príncipe del Arte Pop. Actualmente importantes colecciones incluyen obras de Kaufman, estos sonalgunos ejemplos: Amsterdam Museum, Andy Warhol Foundation, CampbellsSoup Co., Citibank, Coca- Cola Inc., Los Ángeles AIDS Foundation, MarilynMonroe Estate, Picasso Estate, Saatchi and Saatchi, The White House, VanGogh State.
  22. 22. Bert Stern
  23. 23. Bertram Stern (n. 3 de octubre de 12) fotógrafo estadounidense que hadestacado en sus trabajos sobre moda y retratos de personas célebres. Nació el 3 de octubre de 12 en Brooklyn, con dieciocho años empezó atrabajar en un banco de Wall Street, pero pronto lo abandonó para trabajarcomo ayudante de arte del director Herschel Bramson. En 151 entró comodirector artístico en la revista Mayfair y pronto inició su colaboración conrevistas como Vogue, Squire, Look, Life, Glamour y Holiday. Entre sus trabajosde esa época se encuentra un retrato de Louis Armstrong de 15 realizado parauna campaña publicitaria de Polaroid que incluso se llegó a considerar deexcesiva calidad para la misma.1 A principios de los setenta cerró su estudio yse trasladó a vivir a España hasta 176. Tras su regreso a Nueva York se dedicóa realizar fotografía publicitaria y colaboraciones en revistas.2 Su trabajo más conocido es The last sitting (La última sesión) que es unacolección de 2.571 fotografías tomadas a Marilyn Monroe en 162 en el hotelBel-Air de Los Ángeles.3 Este reportaje lo realizó seis meses antes de sumuerte y parte del mismo se publicó en Vogue. La primera edición del libroThe Last Sitting se hizo en 182 y en el mismo Stern cuenta el encuentro condetalle.2 En 2008 con casi ochenta años de edad Stern replicó el reportajefotográfico teniendo como modelo a Lindsay Lohan Entre las mujeres famosas que ha fotografiado se encuentran AudreyHepburn, Elizabeth Taylor, Madonna, Kylie Minogue, Drew Barrymore, ShirleyMacLaine, Claudia Cardinale, Jacqueline Bisset, Brigitte Bardot y CatherineDeneuve. También ha realizado trabajos en el campo cinematográfico con fotografías:Lolita en 162, Cita con un ángel muy especial en 187 o en American mastersen 2006; como director en Jazz on a Summers Day en 160 o comoprotagonista en Becoming Bert Stern en 200.
  24. 24. OBRAS EN LA EXPOSICIÓN
  25. 25. ANDY WARHOLCampbell’s Soup. Serie compuesta por 10 serigrafías.Campbell’s Soup I. Black Bean.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II. 44. 1980.Campbell’s Soup I. Vegetable.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II. 48. 1980.Campbell’s Soup I. Pepper Pot.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II. 51. 1980.Campbell’s Soup I. Chicken Noodle.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II. 45. 1980.Campbell’s Soup I. Beef.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II. 49. 1980.Campbell’s Soup I. Consommé.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II. 52. 1980.Campbell’s Soup I. Onion.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II. 47. 1980.Campbell’s Soup I. Green Pea.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II. 50. 1980.Campbell’s Soup I. Cream of Mushroom.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II. 53. 1980.Campbell’s Soup I. Tomato.88,9 X 58,4 cm. Serigrafía II. 46. 1980.Campbell’s Soup II. Old Fashioned Vegetable.88,9 x 58,4 cm. Serigrafía. II. 54. 1980.Campbell’s Soup II. New England Clam Chowder.88,9 x 58,4 cm. Serigrafía. II. 57. 1980.Campbell’s Soup II. Chicken’n Dumplings.88,9 x 58,4 cm. Serigrafía. II.58. 1980.Campbell’s Soup II. Hot Dog Bean.88,9 x 58,4 cm. Serigrafía. II.59. 1980.Campbell’s Soup II. Golden Mushroom.88,9 x 58,4 cm. Serigrafía. II.62. 1980.Serie Flash November 22.Black Kennedy II. 32.Green Rifle II. 37.Pink Oswald II. 36.53,3 X 53,3 cm. Grabados. Firmados al dorso. 1963-1968.Washington Monument IIIB.2.111,4 x 75,2 cm.Grabado. UP 85.Sellado al dorso por el Estate of Andy Warhol y la Andy WarholFoundation.Titulado y fechado. 1974.Jimmy Carter III - II. 152.
  26. 26. 71,7 x 52,1 cm. Grabado. Firmado 3 veces y numerado 1/100 alápiz. 1977.Lillian Carter II. 153.99,7 x 74,9 cm. Grabado. Firmado y numerado AP 2/20 a lápiz.1977.Marilyn Monroe. Serie compuesta por 10 serigrafías.Marilyn Monroe.91 x 91 cm. Serigrafía II. 22. 1980.Marilyn Monroe.91 x 91 cm. Serigrafía II. 23. 1980.Marilyn Monroe.91 x 91 cm. Serigrafía II.24. 1980.Marilyn Monroe.91 x 91 cm. Serigrafía II. 25. 1980.Marilyn Monroe.91 x 91 cm. Serigrafía II. 26. 1980.Marilyn Monroe.91 x 91 cm. Serigrafía II. 27. 1980.Marilyn Monroe.91 x 91 cm. Serigrafía II. 28. 1980.Marilyn Monroe.91 x 91 cm. Serigrafía II. 29. 1980.Marilyn Monroe.91 x 91 cm. Serigrafía II. 30. 1980.Marilyn Monroe.91 x 91 cm. Serigrafía II. 31. 1980.Mildred Schell II. 239.77,5 x 109,2 cm. Grabado. Firmado y numerado a lápiz AP 19/50.1980.Ladies & Gentlemen II. 127.95,2 x 69,8 cm. Grabado. Firmada y numerada XXXII/L (32/50) aldorso. 1975.Ladies and Gentlemen, Cawe.110,50 x 72,40 cm.Litografía en papel Arches. Firmada, fechada 1975 y numerada65/125 al dorso. Editada por Alexander Heinrici, NY y publicadapor Luciano Anselmino, Milán.Flowers. Serie compuesta por 10 serigrafías.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 64. 1980.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 65. 1980.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 66. 1980.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 67. 1980.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 68. 1980.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 69. 1980.
  27. 27. Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 70. 1980.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 71. 1980.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 72. 1980.Flowers.91,4 x 91,4 cm. Serigrafía II. 73. 1980Grevy’s Zebra II. 300.96,5 x 96,5 cm. Grabado. Firmado y numerado 25/150. Pertenecea la serie Endangered Species. 1983.The Cow II. 12A.74,5 x 115 cm. Serigrafía sobre papel de empapelar realizadapara la exposición realizada en el Modern Art Pavillion SeatleCentre a finales de 1976 y principios de 1977.Planchas originales destruidas. Firmada a lápiz y dedicada aldorso, lo que la convierte en pieza única. Sólo 100 unidades.Ejemplares firmados en 1979.Santa Apolonia II. 332.76 x 55,8 cm. Serigrafía. Firmada y numera AP 26/35 a lápiz.Pertenece a una serie de cuatro serigrafías.Publicada por el Dr. Frank Braun en Düsselforf, Alemania. Impresaen los talleres de R. J. Smith NYC. 1984.Black Lenin II.402.100 x 75 cm. Serigrafía a color. 1987.Red Lenin II.403.100 x 75 cm. Serigrafía a color. 1987.Goethe II. 271.96 x 96 cm. Serigrafía a color sobre papel. Numerada 132/250 ycon sello de Blue Grass Editions al dorso.Goethe II.272.96 x 96 cm. Serigrafía a color sobre papel. Numerada 132/250 ycon sello de Blue Grass Editions al dorso.Mao II.93.90 x 90 cm. Serigrafía a color. Editada recientemente por SundayB. Morning. Sellos al dorso en tinta negra.Mao II.94.96 x 96 cm. Serigrafía a color sobre papel. Numerada 126/250 ycon sello de Blue Grass Editions al dorso.Mao II.96.96 x 96 cm. Serigrafía a color sobre papel. Numerada 126/250 ycon sello de Blue Grass Editions al dorso.Mao II.97.97 x 97 cm. Serigrafía a color. Numerada 113/250 al dorso.Editada por Blue Grass Editions. 1972.Mao II.98.96 x 96 cm. Serigrafía a color sobre papel. Numerada 126/250 ycon sello de Blue Grass Editions al dorso.Mao II.99.96 x 96 cm. Serigrafía a color sobre papel. Numerada 126/250 ycon sello de Blue Grass Editions al dorso.Electric Chair.90 x 121 cm.
  28. 28. Serigrafía sobre papel blanco.Firmada a bolígrafo y fechada 1971 al dorso. Impresa por SilkprintKettner, Zurich. Publicada por Bruno Bischoffberger, Zurich.KEITH HARINGThe Story of Red and Blue.42 x 56 cm. Serigrafía a color. Edición AP-7/10 - XVII. Firmada yfechada 90 a lápiz por el autor. Sello de autenticidad al dorso.Three Eyed Man.63,5 x 53 cm. Serigrafía a color original. Numerada 152/250 aldorso. Pertenece a la serie “Icons” de 1990. Sello de autenticidadal dorso.1990.Serie Suite Apocalypse realizada en 1988. Formada por 10litografías.Apocalypse I.98 x 96,5 cm. Litografía a color firmada a mano y numerada 57 /90.Apocalypse II.98 x 96,5 cm. Litografía a color firmada a mano y numerada 57 /90.Apocalypse III.98 x 96,5 cm. Litografía a color firmada a mano y numerada 57 /90.Apocalypse IV.98 x 96,5 cm. Litografía a color firmada a mano y numerada 65 /90.Apocalypse V.98 x 96,5 cm. Litografía a color firmada a mano y numerada 57 /90.Apocalypse VI.98 x 96,5 cm. Litografía a color firmada a mano y numerada 57 /90.Apocalypse VII.98 x 96,5 cm. Litografía a color firmada a mano y numerada 57 /90.Apocalypse VIII.98 x 96,5 cm. Litografía a color firmada a mano y numerada 57 /90.Apocalypse IX.98 x 96,5 cm. Litografía a color firmada a mano y numerada 57 /90.Apocalypse X.98 x 96,5 cm. Litografía a color firmada a mano y numerada 57 /90.ROBERT INDIANAAmor.60 x 60 cm. Litografía a color PA. Firmada, titulada y fechada.1994.Green Peace Love.81 x 75 cm. Litografía edición limitada a 120 unidades. Titulada,numerada 106/190, firmada y fechada. 1994.
  29. 29. Love.Tapiz lana 243 x 243 cm. (Red & Blue). Firmado. Edición limitada.15/100.Love.181 x 182 cm. Tapiz de lana (Black & White). Firmado. Ediciónlimitada. 20/300.Marilyn-Norma Jean.40 x 40 cm. Firmada y numerada 186/395. Litografía a color querepresenta a Marilyn en la postura del posado para el calendariode 1951.Terre Haute Nº 2.100 x 80 cm. Serigrafía perteneciente a la serie “Decade”.Publicado por Multiples Inc. Firmada fechada y numerada 49/200.1971.Autoretrato 1969.25,5 x 33 cm. Litografía original a color de edición limitada sinfirma de 3.000 unidades. Realizada para la Deluxe Art Review.Publicada por XXe Siecle en 1973.One.40,5 x 40,5 cm. Serigrafía a color firmada a mano y numerada229/395 a lápiz por el autor.Pablo Ruiz Picasso.48 x 40,5 cm. Serigrafía a color homenaje a Picasso. Firmada ynumerada 229/395 a lápiz. 1973.ROY LICHTENSTEINFoot On Hand.43 x 54 cm. Litografía tinta sobre papel. Firmada a lápiz y fechada1964. Numerada 136/300.Still Life With Figurine.118,6 x 95,8 cm. Litografía y grabado. Firmado y numerado AP5/14. Pertenece a la serie Still Life. 1974.Merton of The Movies.76 x 51 cm. Litografía sobre papel de aluminio en su colororiginal. Tirada limitada de 450 unidades. Todas ellas sin firma.1968.Red Lamp.54,6 x 61 cm. Litografía. Firmada, numerada 28/250 y fechada alápiz. 1992Still Life With Portrait.120 x 95,4 cm. Litografia y grabado. Firmado y numerado AP5/14 a lápiz. Pertenece a la serie Still Life. 1974.Reflections on Brushstrokes.145 x 180,3 cm. Litografía, grabado y collage PVC metalizado.Firmada, numerada AP 11/16 y fechada a lápiz. 1990.Reflections on Expressionist Painting.151,1 x 100 cm. Grabado. Firmado, numerado 33/60 y fechado1990. Publicado en 1991.Cubist Cello.127 x 61 cm. Grabado. Firmado y numerado 60/75 a lápiz en1997. Publicado en 1998.
  30. 30. ROBERT RAUSCHENBERGUntitled 1.103 x 103 cm. Litografía y offset. Numerada 3/50, firmada yfechada a lápiz. 1970.The Razorback Bunch.75 x 60 cm. Photo Etching. Firmada, numerada 16/24 y fechada alápiz. 1982.Tampa 10.297 x 86 cm. Litografía a color Printer’s Proof. Editada porGraphic Studio University of South Florida. Firmada y fechada alápiz. 1972.Human Rights.55 x 76 cm. Litografía a color en técnica collage. Firmada,numerada 28/100 y fechada a lápiz. 1981.One More And We Will Be More Than Half Way There.55 x 76 cm. Firmada, numerada 21/100 y fechada a lápiz. 1979.Ace Gallery, Venice - Califonia 1977.181,5 x 130 cm. Cartel realizado en litografía offset para la bienalde Venecia. Firmada con rotulador plata. 1977.TATE 1980.104 x 75 cm. Litografía offset y barniz a color. Firmada a lápiz ynumerada 14/50. 1980.ROCI, Berlin, March 1990.96,5 x 63 cm. Litografía offset firmada a lápiz. 1990.Support.56,5 x 78,5 cm. Serigrafía collage original sobre papel realizadapara Styria Studio. Firmada, fechada y numerada VI/XX a lápiz.1973.The Fest.66,5 x 51,5 cm. Litografía. Técnica de collage con iconografía deljean americano. Firmada, numerada 1/51 y fechada. 1991-92.More Distant Visible Part Of The Sea.55 x 76 cm. Collage y grabado. Firmado, numerado 71/100 yfechado 79 a lápiz. 1979.Louisiana.81,3 x 61 cm. Litografía sobre papel Arches. Firmada, numerada110/150 y fechada a lápiz. 1980.Peace.73 x 54 cm. Serigrafía. Firmada, numerada AP 13/20 y fechada.Editada por Jerry Salomon. 1971.Signs and Cow.122,1 x 80,1 cm. Aguafuerte sobre papel Arches. Firmado,fechado y numerado 16/24. 1983.R.R. At Leo’s 1980.77.6 x 57 cm. Litografía offset en color. Firmada y numerada10/30. 1980.San Lázaro Island 1996.97 x 68 cm. Litografía offset a color. Firmada a lápiz. 1996STEVE KAUFMAN.Statue of the Liberty.
  31. 31. 20,5 x 20,5 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada, sellada ynumerada al dorso 5/3. Años 90.New York City Taxi.20,5 x 20,5 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada al dorso,sellada y numerada 42/100. Años 90.Master Card & Visa.38,10 x 38,10 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada SAK ynumerada 39/50 al dorso. Años 90.Coca-Cola Bottle.113 X 30 cm. Serigrafía sobre lienzo a color, embellecida a mano.Firmada y numerada al dorso 43/50 PP. Años 90.Coca-Cola Label.88,5 X 27,5 cm. Serigrafía sobre lienzo a color embellecida amano. Firmada y numerada al dorso 43/50 TP. Años 90.Flash Gordon.64.5 x 84 cm. Dibujo a tinta original con collage. Firmado enángulo inferior derechoJohn Travolta.112 x 149 cm. Serigrafía sobre lienzo retocada a mano. Firmada ynumerada 89/100 al dorso. Firmada por J. TravoltaI Love Brookyn.91 x 91 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada y numerada10/30 al dorso.Gótico Americano.135 x 95 cm. Serigrafía a color sobre lienzo embellecida a mano.Firmada y numerada 97/100 al dorso.Barbie.126 x 80 cm. Serigrafía sobre lienzo embellecida a mano. Firmadaal dorso.Celine Dion I.130 x 112 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada ynumerada 16/100 al dorso.Celine Dion II.130 x 112 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada ynumerada 93/100 al dorso.Franklin Half Dollar Front.63 x 73 cm. Serigrafía a color sobre lienzo cosido en tela. Firmaday numerada 5/50 AP al dorso.New Washington One Dollar Bill.91.2 x 41 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada y numerada5/50 al dorso.McKinley 500 Dollar Bill.83 x 33 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada y numerada50/50 al dorso.Old Washington One Dollar Bill.86.2 x 41 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada y numerada15/50 al dorso.Silver One Dollar Bill.88 x 41 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada y numerada18/40 al dorso.1914 Two Dollar Jefferson Bill.81 x 33 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada y numerada33/50 al dorso.Chinese Money 20 Yuan.
  32. 32. 68 x 35 cm. Serigrafía a color sobre lienzo. Firmada y numerada8/50 al dorso.BERT STERNMM Laughing In Black Dress.53 x 38 cm. Fotografía. Firmada al dorso MM in Vogue, numerada18/62 y datada 1962 y sello de autenticidad con fecha 2006.
  33. 33. Pop Art: ¿El movimiento artístico demayor cercanía con el pueblo? Por Cintia Bourlot
  34. 34. Creación y Producción en Diseño y Comunicación Nº35 Diciembre 2010 Para empezar a hablar sobre el Pop Art, es necesario nombrar sus antecedentes,las causas que determinaron su aparición. La raíz más antigua puede considerarse el lenguaje del cubismo, gracias altrabajo de Stuart Davis, quien usó objetos comunes y domésticos (tales como unabatidora de huevo, un guante de goma y un ventilador eléctrico) para las pinturasque realizó en los años veinte. Sin embargo, es más importante destacar lainfluencia dadaísta y surrealista en el surgimiento del arte Pop. La primera vanguardia nombrada combinaba los textos y las imágenes de loscarteles publicitarios, la vida cotidiana, los slogans y carteles en diferentes tiposde collages y assemblages. El collage propiamente dicho había sido inventado porlos cubistas como medio para explorar las diferencias entre la representación y larealidad, determinando luego una expansión y búsqueda de utilidades por partede artistas posteriores al movimiento, quienes esta vez se interesaron porestablecer conexiones entre esos objetos que colocaban juntos. Kart Schwittersfue uno de los artistas dadaístas más relevantes, y el creador de uno de las obrasque puede considerarse punto de partida para el Pop Art: el collage For Kathe,cuya composición incluyó por primera vez el cómic (elemento característico enmuchas obras de Roy Liechtenstein). El dadaísmo, al igual que el posteriormovimiento pop, cuestionaba el término tradicional del arte y trató como temasel insultó y la conmoción. Es importante entonces destacar como precursor del arte pop el ready-madedadá por el cual los objetos se utilizan con un fin artístico y dejan de tenerutilidad: el arte se convierte entonces en algo cotidiano, y lo cotidiano (las latasde sopas Campbell o las cajas de brillo de Warhol, como ejemplo). Los surrealistas, si bien se basaban en el inconsciente del hombre y lapsicología de Segmund Freud (lo cual se contrapone a las ideas del Pop, en dondeel ser humano es manipulado por fuerzas externas), también influyeron en elestilo del arte pop, debido a la libre combinación de normas de conducta,modelos estéticos y objetos modelo elegidos al azar. Para el pop art, el collage yel assemblage son los fundamentales principios creativos y simbólicos, es poresto la importancia del dadá y el surrealismo en su desarrollo. Posterior a estas vanguardias, durante los años cuarenta y cincuenta, elexpresionismo abstracto fue la tendencia predominante en los Estados Unidos.Cuando este movimiento comenzó a agotar sus ímpetus, se pasó de un arte“elitista” y subjetivo a un arte caracterizado por la representación de lascostumbres y estilos del pueblo, de la clase media. Los artistas comenzaron aexperimentar con materiales y estilos. El Pop Art pareció desafiar alexpresionismo abstracto, siendo más figurativo, más nuevo y másnorteamericano. Lo acusaban de ser un movimiento elitista y vacío, carente decontenido. Cabe destacar que, por otra parte, para la historia del arte pop fueronimportantes algunos fenómenos ocurridos en Europa, sobre todo en el períodode entreguerras, en los cuales también proliferaba una época de progresos en lacultura de masas, de diferencias entre la vida de lujo y la vida decadente, dedesarrollo de la tecnología y la industria del ocio. Los artistas, intelectuales,escritores y cineastas críticos comenzaron a interpretar ese cambio en lasociedad e intentaron generar conciencia cultura. Walter Benjamín y SigfriedKracauer, por ejemplo, escribieron obras teóricas sobre los medios de masas. Continuando con los hechos que determinaron la aparición del Pop Art, alcomenzar una nueva década, los años sesenta, se produjo un cambio en lasociedad tan importante, y, de cierta forma, revolucionario, que trajo consigo unanueva forma de vida, una manera diferente de apreciar la realidad, una nuevaconsciencia. Rápidamente se empezaron a popularizar y expandir los mediosmasivos de comunicación, y por consiguiente los avisos publicitarios. La clasemedia era manejada por la radio y la televisión. El bombardeo de información porparte de los medios impulsó un acercamiento entre los compradores ycomerciantes, determinando la masividad del consumo. A su vez, los pósters, losperiódicos marginales, los carteles y los fan-magazine crearon un nuevo sistemade comunicación. Es importante destacar la estabilización política y económica enla época de post-guerra, ya que sin ella hubiera sido muy difícil el desarrollo deestos elementos determinantes de este tipo de arte. Todo lo anteriormentenombrado condujo a una revaloración de lo que es comúnmente llamado“popular”, “del pueblo”. Lo trivial, lo efímero, lo banal, comenzó a convertirse enobjeto de interés general, no sólo para las clases medias sino también para lagente de bajos recursos y la burguesía. En otras palabras, los factores quecrearon el Pop Art no son universales, sino mas bien específicos y particulares delas culturas urbanas de Inglaterra y Norteamérica de la post-guerra. Con relación a este último tópico, es necesario hacer una distinción entre el PopArt americano y el Pop Art británico.
  35. 35. Muchos autores afirman que el fenómeno Pop surgió primero en Gran Bretaña, apartir de una nueva consciencia de las manifestaciones de la época actual,apoyándose en la descripción detallada de la situación socio-cultural. Los artistase intelectuales comenzaron a darse cuenta de que su cultura cada vez estaba másinfluenciada por los medios de comunicación y las nuevas tecnologías. Surgióentonces (en 1952, en Londres) un grupo independiente que, si bien no eragrande y los encuentros irregulares, determinaron la variada temática de losactos, tales como las técnicas artísticas, el actionpainting, la cultura popular, lacultura urbana, la publicidad, el cine los cómics, la literatura de ciencia ficción, lamúsica pop, la moda. Estos temas, a menudo alejados de los intereses de lacultura establecida en esa época, eran discutidos a conciencia con diferentesposturas para lograr comprender los problemas de la sociedad contemporánea.Los miembros del grupo Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi son consideradoslos padres del arte Pop británico. Cabe destacar que la primera obra Pop, paramuchos autores, es un collage de Hamilton titulado ¿Qué es lo que hace que loshogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos? (26 x 25 cm, 1956, Tübingen:Kunsthalle Tübingen). El hecho determinante fue la conferencia Bunk de Paolozzi durante el primeracto del Grupo Independiente en 1952. Bunk era una especie de collage visual a partir de revistas americanas, cómics yrevistas de ciencia ficción, mezclando imágenes de los medios de comunicación yla publicidad. Proyectados sobre una pantalla, se aumentaba el efecto de suscomponentes llamativos que resultaban irritantes. A partir de ese momento elPop se fue expandiendo con un fácil y rápido éxito; su campo de acción aumentóen extensión y entre la joven generación. Una fecha clave es 1961, debido a laexposición de los Jóvenes Contemporáneos que tuvo lugar ese año, conformadopor un grupo de estudiantes del Royal College of Art de Londres. Hay un par deartistas que, si bien no conformaron este grupo, también son relacionados con elmovimiento Pop, tales como Anthony Donaldson (quien usó la fantasía pop demuchachas desnudas o casi desnudas como componente de sus cuadros queparecen estar más cercanos a la asbtracción) y Patrick Caulfield (debido a lautilización de líneas duras e invariables contorneando los elementosrepresentados). El movimiento Pop en Inglaterra, al igual que en América, es un arte sobre elarte y los estilos, un arte que abandona su desarrollo tradicional y toma elcamino de representar un presente trivial percibido a consciencia. Los temasrepresentados y el espíritu es el mismo, sin embargo, suele mirarse más aldesarrollo del Pop Art en Estados Unidos, debido a que América y la calidad devida de los americanos fueron las inspiraciones básicas de muchos artistas,independientemente de su nacionalidad. El Pop Art ha sido siempre considerado entonces una crítica a esa nuevasociedad, la sociedad de masas, la sociedad consumista. Es por eso que elmovimiento basa sus temas pictóricos en la vida cotidiana, intentando reflejar lasrealidades de una época, su estado de ánimo, sus cambios en la conducta,mostrando el cambio cultural producido. Los temas, las formas y los medios delarte Pop no son más que el reflejo de los rasgos esenciales de los años sesenta.Éstos incluyen, a modo de ejemplo, el culto a las estrellas de Hollywood (en donde el espectadorse transforma en un ser anónimo e insignificante), el dinero (representación deque todo tiene un precio, la llave que permitía acceder y disponer de las cosas,remedio universal contra las frustraciones), el nacionalismo, el consumismo engeneral: botellas de gaseosa, paquetes de cigarrillos o envoltorios de chicle sonalgunos de los objetos a menudo representados. Mediante la representación sugestiva de los medios de masas, las realidadessociales y consecuencias de éstas para el ser humano, el Pop Art reacciona ante ladespersonalización de la sociedad, con instrumentos estilísticos impersonales,con cuadros más objetivos y muchas veces de difícil comprensión. El Poppretendía redefinir el individualismo dentro del arte, por esta razón en muchasobras se resalta el anonimato del artista (tema que se desarrollará luego,tomando ejemplos concretos). Si bien este movimiento artístico presenta, a veces,características contrapuestas y caminos diversos, su base, tanto en forma comoen contenido, siempre va a estar relacionado con las estructuras, los métodos ola influencia de los medios de masas. Esta ambivalencia de contenidos, esta unión de conceptos que no sonexactamente compatibles (“arte” y “pueblo”) fue bienvenida por la audiencia, noasí por las críticas. En lo que respecta al público común, este tipo de arte tuvo ungran éxito (sobre todo para los distribuidores y coleccionistas): la sociedad sesentía atraída por la variedad e intensidad de colores, los contenidos, sus formasfáciles y en cierto punto divertidas. Al espectador le gustaba reconocer esoselementos representados, comprender la obra (o intentar comprenderla) deinmediato al ver que aquello que estaban viendo era, quizás, un elemento que
  36. 36. fácilmente encontrarían dentro de su hogar. De esta forma, se ahorraban lacomplicada interpretación de obras del expresionismo abstracto. Pero en la relación entre el arte pop y su público puede decirse que hubo unaespecie de “malentendido”, por parte de éste último. La audiencia, si bien recibiócon gran aceptación este arte diferente y más cercano a su realidad, pareció nocomprender que lo que se estaba queriendo mostrar era una crítica. La gente nocomprendió la carga de ironía y ambigüedad, quizás vieron el Pop Art como unacelebración a la cultura de consumo, en lugar de entenderlo como una sátira delo banal, lo carente de contenido, lo trivial, lo superficial. Contrariamente, lacrítica no fue para nada favorable. Sus detractores afirmaban que la llegada delPop Art hechó a perder todo lo logrado con el expresionismo abstracto. HaroldRosenberg, uno de los líderes defensores de este movimiento, planteó que lasuperficialidad del arte pop desembocaba en la monotonía, y por consiguiente,en la escasa permanencia, a diferencia del expresionismo abstracto, que, segúnRosenberg, no pierde calidad, significado y capacidad para producir obrasnuevas. A pesar de esto, los artistas parecían haber cumplido su objetivo: el dellegar al máximo público posible, sin exclusiones, lograr un arte accesible para elciudadano común. En lo que respecta a las técnicas utilizadas, el Pop Art se valió básicamente,como se nombró anteriormente, el collage y los assemblages. El artista explotatodos los mecanismos de producción de imágenes populares (fotografía,publicidad, cine, revistas, cómics,), juntándolos y complementándolos para lograreliminar la subjetividad del autor. Se quería una neutralidad completa, que en laobra no haya rastros de la mano del artista. Es por eso que las imágenes debíanser procesadas de alguna manera previamente, dejando la expresividad ensegundo plano. En el caso de Roy Liechtenstein, representante del movimiento (elcual se desarrollará luego), empleaba en sus obras viñetas de cómics ampliadas,dejando ver los puntos de impresión. Característico es el uso del color: tonos planos, sin modulaciones, intensos. Asu vez, muchas veces las formas representadas están descriptas por una líneadura invariable, conformando y delineando las formas, dándoles un estiloparticular y preciso a los dibujos. Estas técnicas contribuyen a la fácilidentificación del objeto representado, propio del lenguaje publicitario. En lo que concierne a los máximos exponentes del movimiento Pop, AndyWarhol, Roy Lichtenstein, Richard Hamilton, Jim Dine, Claes Oldenburg, GeorgeSegal, Jasper Johns y Robert Rauschenberg son sólo algunos de los grandesartistas que resuenan como los más significativos e influyentes de este tipo dearte. El temperamento y personalidad de cada uno de ellos determinó el estilo desu obra, presentando algunas diferencias entre ellos. Por ejemplo, Dine y Warholdifieren en actitud y en método, sin embargo ambos son dos de los exponentesque lideran la vanguardia Pop. En el caso de Dine, hace un uso extensivo del collage. En sus cuadros, dibujos,collages, assemblages y esculturas combina diversas técnicas introduciendotextos y palabras escritas a mano, y coloca objetos cotidianos (como batas,manos, herramientas o corazones) en entornos indefinibles. Los objetos reflejansu propio estado de ánimo, sin dejar de mostrar su pasión por lo banal y suatracción por lo cotidiano, su deseo de hacer de la “vida común” que todosexperimentan en las sociedades urbanas e industriales, algo digno deconsiderarse una pieza de arte. Se diferencia de otros artistas al apartarse de lafrialdad y la impersonalidad del Pop Art al realizar obras en las cuales se adviertesu pasión personal. Es, además, uno de los creadores de los “happenings”: obrasde arte que tenían la forma de eventos o manifestaciones teatrales, ofreciendo uncollage de sensaciones rodeando al espectador. Warhol, en cambio, es más enigmático e innovador. Su idea no es tan sóloconvertir el arte en algo trivial y vulgar, sino trivializar y vulgarizar al propio arte;producirlo como un producto de masas. Sus primeras pinturas datan de 1960 yse inspiran en los motivos de la publicidad y el cómic. Le interesan los criteriosde santidad y cualidad, tanto en las personas como en los artículos de la industriadel consumo. En sus serigrafías sobre lienzo (de 1962 a 1970) aparecen estrellasde cine (Marilyn Monroe, Elvis Presley, Marlon Brando), del arte (Mona Lisa,Rauschenberg y hasta el propio Warhol), de la política (Jackie Kennedy, NelsonRockefeller), así como también hechos políticos (como la Race Riot), artículos deconsumo (Coca Cola, Pepsi Cola, conservas Campbell, envoltorios) y monumentos(el Empire State, la Estatua de la Libertad), entre otros elementos ypersonalidades. Una de sus obras más famosas, en la que aparece una lata desopas Campbell, fue justificada por el autor sólo por el hecho de que solíatomarla todos los días como almuerzo durante veinte años. Esto encuentra surazón de ser en que Warhol procedía de la misma clase social que se interesó porrepresentar, y desde temprana edad debió realizar trabajos ocasionales paraganarse el pan. Desde la única representación de latas de sopa, Warhol progresó a lasmúltiples, donde la misma imagen era repetida una y otra vez, con la finalidad de
  37. 37. remover cualquier significancia que hubiese tenido al ver el objeto aislado (larepetición de la información la banaliza). Este método, de reproducir la mismaimagen repetidas veces en una misma obra, es otra característica particular delartista. Como ejemplo puede citarse la pintura de polímero sintético y serigrafíasobre lienzo, Tunafish disaster (316 x 211 cm, 1963, Londres: SaatchiCollection), el óleo sobre lienzo Green Coca-Cola Bottles (208,9 x 144, 8 cm,1962, Nueva York: Collection of Whitney Museum of American Art), y la serigrafíasobre lienzo Two Dollar Bills -Front and Rear (210 x 96 cm, 1962, Colonia:Museum Ludwig). Tal como fue mencionado anteriormente, muchos artistas,como Warhol, pretendían el anonimato autorretratándose sin rostro. Warholresalta el anonimato de su personalidad artística en su pintura acrílica y serigrafíasobre lienzo Autorretrato (180 x 183 cm, Londres: Saatchi Collection). El artistautilizó una fotografía tomada por él mismo con el disparador automático, luegoaumentó y coloreó la imagen con una serie de serigrafías para llevarla al estilopublicitario. Warhol, quien es considerado a menudo el artista más pop, declaróalguna vez que la razón por la cual pintaba de esa forma es porque quería seruna máquina, y sentía que cualquier cosa que haga tenía que hacerlo como tal. Enotras palabras, quería ser algo que hace no pinturas sino productos industriales.Quizás es por eso que su campo de acción va más allá de los límites de lapintura: hizo numerosas películas y dirigió entretenimientos en un club nocturnollamado Velvet Undergrount, y disfruta de una notoriedad que cualquier actorprincipiante envidiaría. En el caso de Lichtenstein, a diferencia de Warhol, se encuentra profundamenteinteresado en cuestiones de estilo, aunque ese interés muchas veces esexpresado en una forma extremadamente paradójica e irónica. Su primermaterial, como el de Warhol, fueron las tiras cómicas, pero éstas eran tratadas deuna forma diferente. El artista reproducía todos los elementos que encontraba ensu material: los bordes negros, los puntos generados por la impresión barata (loscuales sobredimensionaba), aludiendo a que sus técnicas parecían sercomerciales pero no lo eran. Esto permitió al artista utilizar las mismas técnicasen temas totalmente diferentes, ya no conectados con las tiras cómicas perotraducidas en su lenguaje. Tal es el caso de la serie de “Pinceladas”: utilizando lamisma técnica que los cómics, logra versiones congeladas y minuciosas de lasmarcas que un pintor expresionista abstracto habría hecho con una pasada depincel. “A los cómics les debo los elementos de mi estilo y no los temas”, habíadeclarado el artista durante una entrevista. También, Lichtenstein realizó versiones de obras de grandes artistas: Cézanne,Mondrian y Picasso. Por un lado, parece distanciar las pinturas que elige paracopiar, para que pueda dársele una connotación racional, además de mostrarcómo una misma representación varía cuando las convenciones para realizarlases alterada. Los cuadros de Lichtenstein pretenden objetivar y des-individualizar emocionesy actitudes. Su pintura resulta perfecta y detallada, minuciosa, queriendo lograr ladesaparición de sus huellas (imprecisiones, cambios). Muestra los temas tal comolo haría un diseñador gráfico o dibujante de publicidad. El lenguaje visual utilizado, así como la disposición del texto y la imagen sontomados directamente del penetrante lenguaje publicitario, de los envoltorios ylos anuncios. Lichtenstein reelabora tipográficamente los textos y unifica loscolores mediante la trama adicional de un fondo estructurado previamente.Pretende simplificar tanto la línea como el color: si algo podría ser rojo, se vuelverojo en su totalidad. De la misma manera que Warhol, Lichtenstein no se ancló solamente en lapintura sino que exploró otras formas artísticas como la escultura. Sus trabajosen tres dimensiones son en general más débiles y menos interesantes que suscuadros, pero no dejan de poseer su particular estilo. En lo que respecta a Jasper Johns, su obra se basa en la percepción, tanto en sucreación como en su efecto. El proceso artístico nace a partir de esa percepción,pasando por el hecho hasta el cuadro. Este artista se observaba a sí mismo eneste acto: analizaba lo que hacía y cómo lo hacía, queriendo una representaciónde las interpretaciones que van más allá del simple hecho de observar. Losprimeros objetos y signos importantes que pintó con este fin fueron las Flags(imágenes intervenidas de banderas americanas), las Targets los números, letas yconceptos. Para crear sus pinturas prefiere agarrarse de algo preexistente, sintener que crear así sus propias composiciones. Actúa a la inversa: inventa unafunción y le busca un objeto. El tema de sus imágenes es en gran parte la falta detema, dejando que el espectador le otorgue un significado específico. En lo que concierne a la pintura, Johns es un maestro de la técnica. Se interesapor la inercia pictórica, en la idea de pintura como objeto más que comorepresentación. La obra de Jasper Johns puede resumirse, entonces, como una pintura quedescubre a los mecanismos perceptivos, los movimientos y las tensiones del ojo.
  38. 38. Con referencia a Claes Ondenburg y George Segal, ambos son exponentes de laescultura pop. En el caso de Ondenburg, su perspectiva revela una ciertaaceptación a la cultura americana. Sus culturas suelen instalarse en espaciosurbanos públicos y paisajes, donde causan el mismo efecto que una arquitectura.Parte de los objetos cotidianos y transforma su función y significado,aumentando enormemente su tamaño, cambiando su material (convirtiendo loduro en blando y viceversa) y dándole un color nuevo. Lo elemental del elemento(su forma, su función, su material y sobretodo su organización ideal) sontransformados en algo “sorprendente y sugestivo”. Como ejemplo se pueden citarcuriosas obras como Soft Toilet, un vinilio relleno con fibra de ceiba y pintadocon liquitex, y madera (132,08 x 81,28 x 76, 2 cm, Nueva York: Collection ofWhitney Museum of American Art) y Soft Pay- Telephone, también un viniliorelleno con fibra de ceiba montado sobre una tabla de madera (118, 11 x 48,26 x22,9 cm, Nueva York: The Salomon R. Guggenheim Museum). La obra de George Segal, por su parte, es más simple. Consiste en yesos quecrean esculturas de personas y objetos reales en situaciones cotidianas. Éstos soncreados con de moldes a partir de un modelo vivo (siguiendo una técnica que élmismo inventó). Otro artista mencionado anteriormente como uno de los mayores exponentesdel Pop Art fue Robert Rauschenberg. Sus collages y assemblages de finales delos años cincuenta y comienzo de los sesenta tomaban semántica y formalmenteel movimiento de Kurt Schwitters y Marcel Duchamp. El artista pretendíaconfrontar las reproducciones mecánicas triviales de los medios de comunicacióncon los elementos del dibujo, la pintura y la escultura. A principios de la décadadel cincuenta, pintó una serie de cuadros completamente blancos donde la únicaimagen era la propia sombra del espectador: quizás con esto quiso lograr que elpúblico viera un reflejo de sí mismo, en el sentido de ver lo que es el ser humanoy los actos que realiza, en qué se ha convertido la sociedad. Gracias a la variedad de materiales de desecho que utiliza (tales como sillas opájaros disecados), Rauschenberg es muchas veces relacionado con el dadaístaKurt Schwitters, aunque Rauschenber ha pasado a través de la experienciaimpresionista abstracta. Richard Hamilton, que anteriormente fue mencionado como el autor de laprimera obra considerada Pop, es considerado el mayor representante del artePop inglés. De hecho, gracias a su obra, fue instaurado el término "Pop-Art" fueutilizado por primera vez por (utilizado el crítico británico Laurence Alloway en1958 al definir sus obras junto conlas de Eduardo Paolozzi). Su técnica se basa enla utilización de imágenes fotográficas y el collage, y su temática gira alrededorde las más inverosímiles historias cotidianas. Los artistas Pop, entonces, si bien presentan algunas diferencias de estilo y depensamiento, concuerdan en la ambición de crear un arte que refleje la cultura dela época. Pueden presentar un mayor o menor rechazo a la sociedad de consumoy el capitalismo, pero la esencia no deja de ser la de mostrar elementos, personaso personajes en sus formas cotidianas, representando la mentalidad de unanueva generación de pensamiento consumista. Para finalizar, puede decirse que, a pesar de conformarse por tipos derepresentación que a veces son muy contrapuestos (la técnica y los temas deJasper Johns con los de Lichtenstein, por ejemplo), el Pop Art no deja de ser unaespecie de espejo en la cual se ven reflejado el ánimo de una época muyparticular, marcada por las nuevas tecnologías y los medios masivos decomunicación. Todos los artistas, con sus diferencias y similitudes, retratanobjetos o situaciones de la vida diaria, a la cual el público reconoce fácilmente.Por eso es que se obtiene la conclusión de que fue el movimiento artístico demayor cercanía con el pueblo, por reflejar sus ideas y mostrar elementos queellos asimilaron y aceptaron por resultarles cotidianos. Y quizás a eso se debe larazón de su éxito: a pesar de que el público pudo haber interpretado mal lasironías y la crítica hacia ellos mismos, aceptaron con gusto esas llamativas yparticulares obras. Bibliografía  Osterwold, Tilman (1992). Pop Art. Köln: Taschen.  Lucie-Smith, Edward (1979). Movimientos en el arte desde 1945. Buenos Aires: Emecé.  Masotta, Oscar (2004). Revolución en el arte: Pop-art, happenings y arte de los medios en la década del sesenta. Buenos Aires: Edhasa  Hockney, David (1986). Forty years of modern art 1945-1985. Londres:  Nate Gallery.  Aspects of modern art (1989). Londres: Academy Group.  Papadakis, Andreas. (1992). Pop Art. Londres: Academy.  Adams, Hugh. (1984). Art of the sixties. Londres: Peerage Books.  Moix, Ramon-Terence. (1968). Los "cómics": arte para el consumo y formas "pop". Barcelona : Llibres de Sinera.
  39. 39. Arte Pop
  40. 40. El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX quese caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas delos medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books,objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como lamúsica pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitistacultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto yaislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal okitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.1 El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos delarte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunqueinclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.2 Introducción El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entoncesdominantes ideales del Expresionismo abstracto.3 De cualquier forma, el artepop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismoabstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todoen obras de grandes proporciones.3 Del mismo modo, el arte pop era tantouna extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y eldadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba losimpulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre losartistas considerados como precursores del movimiento pop están MarcelDuchamp, Kurt Schwitters y Man Ray. El movimiento como tal surgió a mediados de los años 150 en el Reino Unidoy a finales de los años 150 en los Estados Unidos. con diferentesmotivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hardedge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»5 ) y del arterepresentacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidadmundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismopersonal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña dela post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era másacadémico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la culturapopular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto demecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones dela vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte poptemprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideasalimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientrasque los artistas estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivirdentro de dicha cultura. La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debidoa que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen quesean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tantoénfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.1 En el Reino Unido: el Grupo Independiente El Grupo Independiente, fundado en Londres en 152, es reconocido como elprecursor del movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores,escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visiónmodernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las Bellasartes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y laimplicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas,tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología. Durante la primera reunión delGrupo independiente en 152, el co-fundador, artista y escultor EduardoPaolozzi presentó una lectura utilizando una serie de collages titulado Bunk!,el cual había ensamblado durante su estancia en París entre 147 y 14. Elmaterial consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajesde tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba lacultura estadounidense. Una de las imágenes utilizada en dicha presentaciónfue un collage de 147 de Paolozzi titulado I was a Rich Mans Plaything, el cualincluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!″, que aparecía en unanube de humo que emergía de un revólver. Después de dicha presentación, elgrupo independiente se enfocó principalmente en el uso de imágenes de lacultura estadounidense, principalmente aquellas que aparecían en los mediosde comunicación masivos. El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 154 con lafinalidad de describir el movimiento. Éste fue utilizado en las discusiones delGrupo independiente durante su segunda sesión realizada en 155 y la primeraaparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en 156, enun artículo publicado en Arc por parte de los miembros del Grupo Alison yPeter Smithson. sin embargo el término generalmente es acreditado al críticoy curador británico Lawrence Alloway, quien en un ensayo titulado The Arts
  41. 41. and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 158 utilizó el término«popular mass culture» (cultura popular de las masas). El arte pop estadounidense Tuvo su origen a finales de los años 150 pero tuvo su mayor ímpetu en ladécada de 160. Durante este tiempo, los anuncios estadounidenses habíanadoptado varios elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a unnivel muy sofisticado. Consecuentemente, los artistas estadounidensesbuscaron estilos dramáticos que distanciaran el arte de los bien designados einteligentes materiales comerciales. A diferencia del estilo más romántico,sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas estadounidensesprodujeron obras de mayor fuerza y agresividad.7 Dos de los más importantes dibujantes en el establecimiento del vocabulariodel arte pop en este país fueron Jasper Johns y más particularmente RobertRauschenberg. Aunque los dibujos de Rauschenberg tenían una obvia relacióncon los trabajos previos de Kurt Schwitters y otros dadaístas, se enfocaba enla sociedad del momento. Su acercamiento hacia la creación de elementos pormedio de materiales efímeros sobre temas ordinarios de la vida diaria enEstados Unidos le dio una calidad única. En España En España el estudio del arte pop está asociado con el «nuevo figurativismo»que surgió a raíz de la crisis del informalismo. Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamientopodemos mencionar el «Equipo Crónica», el cual trabajó en Valencia entre 164y 181, formado por artistas como Manolo Valdés y Rafael Solbes El productor de cine Pedro Almodóvar emergió de la subcultura madrileña «LaMovida» de la década de 170 haciendo películas pop de 8 milímetros de bajopresupuesto. En Italia En Italia, el arte pop fue conocido desde 164 y tomó diferentes formas, comola "Scuola di Piazza del Popolo" en Roma, con artistas como Mario Schifano,Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa y también algunas piezas de artede Piero Manzoni y Mimmo Rotella. El pop art italiano se gestó con la cultura de los años 150, con los trabajos dedos artistas en particular: Enrico Baj y Mimmo Rotella, considerados los líderesdel movimiento. De hecho, fue entre los años 158 y 5 que Baj y Rotellaabandonaron sus anteriores carreras —las cuales podrían ser definidas engeneral como un género no representativo a pesar de pasar por el post-Dadaismo— para catapultarse hacia el mundo de las imágenes y reflejos queestaban brotando a su alrededor. Los posters de Mimmo Rotella consiguieronun gusto más figurativo, a menudo explicitamente e intencionalmenterefiriendose a los grandes íconos de la época. Las composiciones de Enrico Bajestuvieron inmersas en el kitsch contemporáneo, lo que terminaría siendo unamina de oro de imágenes y un estímulo para toda una generación de artistas. La novedad se apoya en el nuevo panorama visual, tanto dentro de cuatroparedes como fuera: automóviles, señales de transito, televisión, todo el"nuevo mundo". Todo puede pertenecer al mundo del arte, el cual es nuevo ensí mismo. Desde ese punto de vista, el arte pop italiano toma el mismocamino ideológico que la escena internacional; lo único que cambia es laiconografía y en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica.Incluso en este caso, los prototipos pueden ser hallados originialmente enRotella y Baj, ambos lejos de ser neutrales en su relación con la sociedad. Sinembargo este no es un elemento exclusivo; hay una larga lista de artistas,desde Gianni Ruffi hasta Roberto Barni, desde Silvio Pasotti hasta UmbertoBignardi y Claudio Cintoli que tratan la realidad como un juguete, como unavidriera de donde sacar material con desencanto y frivolidad, cuestionando losmodelos lingüísticos tradicionales con un renovado espíritu de diversión alestilo Aldo Palazzeschi.
  42. 42. Pop Art

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