La figura humana en la pintura y escultura

LA FIGURA HUMANA EN LA PINTURA Y ESCULTURA Profesora Daniela Maureira ARTES VISUALES

PREHISTORIA

a r q u i t e c t u r a m e g a l í t i c a

Menhir Grandes bloques de piedra (varias toneladas) Colocados en vertical Trasladados Grandes distancias Dolmen Piedras verticales (Ortostatos) Lasca Horizontal (cobija) Completamente cubiertos de tierra A veces desbastan frotando con areniscas Arrancan de yacimientos con maderas y odres de agua (ensanchan) y mediante contrastes frío-calor Recortan dándole formas más o menos geométricas Sentido mágico de conexión de fuerzas telúricas (tierra) con el cielo (proyección) Posible función funeraria PREHISTORIA

Ubicada en único lugar donde una llena se coloca perpendicular a la salida del sol en el solsticio de verano en hemisferio norte (sobre 21 de junio) Diversas remodelaciones Desde finales del cuarto milenio antes de Cristo hasta mediados del segundo Círculo de trilitos (dos piedras verticales de 25 Tm. y una horizontal de 5 Tm. De arenisca local) trabados entre sí con junturas de espiga y mortaja Cinco trilitos en forma de herradura Gran avenida Círculo formado por veinte monolitos de piedra azulada traída de Gales (a más de 150 Km) de unos cuatro a cinco metros de alto Foso circular de más de cien metros de diámetro y anillos de hoyos Gran piedra central Cromlech Stonehenge. Aérea PREHISTORIA

Cromlech Stonehenge PREHISTORIA

Cromlech Stonehenge. Reproducción PREHISTORIA

a r t e m u e b l e

Venus de Lausell (Francia) PREHISTORIA

Venus de Willendorf (Austria) PREHISTORIA

a r t e r u p e s t r e

Pintura paleolítica Soporte Parietal (sobre paredes) Capa de arcilla superficial (por descomposición de caliza) Sobre roca original Materiales Pigmentos cromáticos Carbón vegetal Negro manganeso Arcillas Óxidos de hierro Aglutinantes Grasa animal Resinas Técnicas Tamponado trozos de piel mojado en pintura Aerografía pintura diluida en la boca y escupirla Dedos untar dedos y pintar ( ej. macaronis) Carbón fragmentos de madera carbonizada Contexto histórico Paleolítico Superior (35000 – 9000) Grupos de cazadores-recolectores Glaciaciones Sólo pueden mantenerse grupos pequeños Deben emigrar siguiendo las manadas Vida en cuevas PREHISTORIA

Pintura de manos Positivos Negativos (con aerografía) PREHISTORIA

Altamira. Techo de sala policromada Hasta año 1925 el suelo estaba muy cerca del techo por lo que era imposible una contemplación unitaria de todas las figuras Características generales (esquema anterior) Ausencia de composición Grandes figuras policromía Trazo grueso e incisiones Naturalismo (visual e intelectual) Soporte Materiales Técnicas Temáticas Interpretación Contexto histórico Etc. convencionalismos Según Leroi-Gourham: Grupo de bisontes delimitados por dos caballos, un jabalí y dos ciervas ( casi treinta figuras) Descubierta en 1879 por Marcelino de Sautuola Datada de hace unos 14.000 a 15.000 años PREHISTORIA

Altamira. Contorno grueso. Policromía PREHISTORIA

Valltorta. Cacería Características generales (ver esquema anterior) esquematización estilización Contornos finos monocromía Composiciones dinámicas Carácter narrativo convencionalismos Extremidades muy abiertas planitud Composición en diagonal PREHISTORIA

Valltorta. Arquero PREHISTORIA

ARTE EGIPCIO

Arte egipcio Condicionantes geográficos Rodeado de desierto muerte Río Nilo Delta 250 km. Ancho Curso 15km Ancho Crecidas junio a septiembre (agua y abono) Longitud 6.500 Km (civilización egipcia menos de la mitad) Bajo Egipto (papiro) Alto Egipto (Loto) Ciclo de vida – muerte (orden controlado por faraón) Evolución histórica Protodinástico XXXI – XXVII a.C. Imperio Antiguo XXVII – XXII a.C. Imperio Medio XXI – XVIII a.C. Imperio Nuevo XVI – XI a. C. Menfis dios Ra Divinización faraón Generalización de las tumbas Imperialismo. Importancia de sacerdotes Mentalidad Vida eterna Hay que respetar las reglas Dos energías Ba alma Ka energías vitales Necesita soporte físico y reproducción de elementos de la realidad Arquitectura materiales Adobe ( al principio) Piedra sensación de eternidad Valores estéticos Formas nítidas, geométricas, rotundas Estructuras adinteladas ( conocían las bóvedas, pero líneas rectas dan sensación de eterno) Predominio de la masa sobre los vanos Monumentalidad y colosalismo ARTE EGIPCIO

Arte egipcio Arquitectura tipología tumbas mastabas Forma rectangular Estructura trapezoidal Distribución interna: cámara funeraria (subterránea), pozo, serdab (capilla del doble) falsas puertas pirámides Escalonada Zoser Acpdadas Snefru Regulares Keops Hipogeos tumbas excavadas en roca (Valle de los Reyes) templos Funciones: culto y económicas Partes Avenida de esfinges o carneros de Amón Obelisco Pilonos (muro en talud) Rehundimiento central Patio hipetro (descubierto ) rodeado de pórticos Sala hipóstila (cubierta) bosque de columnas Capilla Residencia del Dios Disminuye en tamaño y en luminosidad Tipos Exentos Karnak y Luxor Semiespeos( semiexcavados) reina Hatshepsut Speos (excavados) Ramsés II Escultura y pintura (característica en las imágenes) ARTE EGIPCIO

a r q u i t e c t u r a e g i p c i a

Mastaba Nombre dado por los musulmanes y que significa banco, pues la construcción se parecía a los poyetes que hacían delante de sus casas Originalmente las mastabas se hacían con madera, después con adobe y finalmente se realizaron con sillares de piedra Alrededor de la mastaba había un muro que delimitaba la zona sagrada. La tumba era una reproducción de la casa palacio que tenía el difunto en vida Las paredes interiores son más bajas que las exteriores, pues el techo era muy grueso relleno de cascajos. A partir de la segunda dinastía el exterior se deja liso, sin decoración ARTE EGIPCIO

Croquis mastaba Cámara subterránea principal orientada al oeste destinada para el sarcófago Cámaras secundarias destinadas al ajuar funerario más valioso Pozo para bajar al difunto (con el tiempo se prefirió el de forma de L). Mediante cuerdas bajaban rastrillos de piedra, con lo cual cegaban la entrada para evitar saqueos Capillas superficiales Para el doble o Ka con puerta falsa hacia oriente para comunicar el mundo de los vivos y de los muertos. Contenían también ajuar funerario Cubren techo con maderas (viguetas sobre la que disponen tablas) y encima macizan con cascajos y gravas El resto de la construcción se hacía macizo, sin ninguna cavidad más o dependencia Durante una época se construyó una escalera desde el exterior que conducía a la cámara mortuoria para depositar al difunto y después la cegaban ARTE EGIPCIO

Conjunto de Gizeh. Aérea Ordenación ortogonal de ciudad funeraria (mastabas distribuidas en calles perpendiculares) Contraste entre poco resalte de tumbas de súbditos y realce de pirámide ARTE EGIPCIO

Pirámides de Gizeh Esquema interior de pirámide de Keops Pirámide de base cuadrada Orientación hacia los cuatro puntos cardinales con sólo un error de 3´36´´ 146`59 m. altura 230 m Proyección hacia el cielo (51º de inclinación) Cámara mortuoria al final en centro de la pirámide, abandonándose la excavada en suelo y la del pasillo horizontal Cámara de ventilación proyecta hacia estrella nue Nueve gruesas lascas rematadas por techo a dos aguas soportan enormes presiones de cámara Sofisticados cálculos matemáticos y astronómicos Pasillo de ascensión orientado hacia estrella polar Entrada en cara norte a 18 metros de altura Gran galería (8`5m. Altura). Paredes compuestas de siete hiladas de piedra que van estrechando la sala en altura. Suelo con calzada central y dos bancos corridos Hiladas de piedra en sentido horizontal ARTE EGIPCIO

Gran esfinge de Gizeh (Kefrén) Exterior recubierto con granito rosado Punta revestida de oro para provocar destellos e imitar rayos del sol Aprovecharon la forma de una masa rocosa abandonada por los canteros (la mayoría del cuerpo no tuvieron que tallarlo sino simplemente recubrirlo con una capa de yeso 57 m. 20 m. Cabeza inspirada en el faraón Kefrén con el nemes (pañuelo), el aureus( serpiente) y ha desaparecido la barba postiza Rodeada de rocas, sólo sobresale la cabeza 215 m . 143 m. ARTE EGIPCIO

e s c u l t u r a e g i p c i a

Mikerinos y esposa 2 puños 10 puños 6 puños Ley del Canon (Lepsius e Inversen) 18 puños (anchura nudillos con pulgar) desde planta del pie hasta mitad de frente Características generales Búsqueda perfección, la esencia (sin lo temporal) para fusionarse con cosmos. Empleo de otra medida: cúbito pequeño (desde hoyo de parte interior del codo hasta uña del pulgar) Un hombre cuatro cúbitos pequeños. El cúbito grande ( codo hasta dedo corazón) empleado en arquitectura sólo se usará en escultura al final, alargando el canon a 21 puños Sentado canon de 15 puños Ley de frontalidad (Lange y Schäfer) Cada obra es fruto de la visión desde cuatro puntos de vista (planos perpendiculares frontal, dorsal y dos laterales) que deben ensamblarse. El eje vertical de una figura es la línea de intersección de los planos cruzados en ángulo recto: eje de simetría desde coronilla, frente, nariz, barbilla, esternón hasta órganos genitales. Línea de hombros y caderas perpendiculares al eje Extremidades pegadas al cuerpo para evitar roturas Hieratismo, rigidez, antinaturalismo Pie izquierdo adelantado (simbología) completamente apoyado. La mujer pies juntos o adelantado pero ligeramente por detrás del pie del hombre (concepción intelectual de la realidad) Tendencia a la simplificación geométrica del modelado del cuerpo ARTE EGIPCIO

Tríada de Mikerinos ARTE EGIPCIO

Triada de Mikerinos. Mikerinos, Hathor y nomo Características generales: Hieratismo, rigidez, simetría, frontalidad, canon, etc. Diosa Hathor con los cuernos de la vaca sagrada y el sol naciente (símbolo del surgimiento del sol entre las montañas primigenias Mikerinos pie izquierdo adelantado apoyado totalmente, diosa Hathor también adelantado pero menos y la diosa de Kynópolis parada Altorrelieve de una serie de ocho. Realizado en pizarra Faldellín plisado muy geometrizado ARTE EGIPCIO

Sacerdote Kaaper Realizado en madera de sicomoro, después recubierto con placas metálicas Madera es más fácil de trabajar y se puede hacer por piezas Características generales: Hieratismo, rigidez, simetría, frontalidad, canon, etc. Gran realismo del rostro Personaje grueso por el empleo cómodo que ocupa. Para que el Ka no se confundiera en la capilla (serdab) había otra estatua con peluca y más delgada ARTE EGIPCIO

Busto de Nefertiti ARTE EGIPCIO

Nefertiti Representación más realista fruto de la revolución religiosa de Amenofis IV (Akhenaton) Realizada en caliza policromada Canon muy estilizado: cuello muy esbelto, cabeza y orejas alargadas Pómulos y mentón muy marcados Lleva el uareus en la corona azul Modelo realizado por el escultor Tutmés para que le sirviera de base para otros retratos (por eso nunca tuvo incrustado el ojo izquierdo) Collar policromado de hojas de sauce Pequeño tamaño (apenas 50 cm.) ARTE EGIPCIO

Máscara de oro de Tutankhamón ARTE EGIPCIO

Akhenatón con su familia ARTE EGIPCIO

Relieve Akhenaton y su esposa Reflejo del naturalismo vemos la flacidez de la barriga del faraón Empleo del huecorrelieve ARTE EGIPCIO

p i n t u r a e g i p c i o

Predominio del dibujo La línea oscura es el elemento plástico rector Empleo de un color oscuro para la línea (negro o rojo oscuro) Enlucido de la pared se recubría con una mezcla de carbonato cálcico, yeso y paja triturada (que servía para retener los pigmentos) Técnica al temple. Pintura en seco (se colocaban los colores una vez seca la pared) Pigmentos cromáticos se diluían en agua y como aglutinante empleaban alguna gelatina o goma Dentro de los contornos marcados, los colores se aplicaban siguiendo un orden, empezando por el más oscuro y terminando por el más claro Colores planos, sin gradaciones ARTE EGIPCIO

Pobreza de paleta. Técnica al temple ocres amarillo blanco azul verde rojo Escasez de gamas o tonalidades ARTE EGIPCIO

Banquete. Características formales Ley de frontalidad (ver características en escultura) Perspectiva jerárquica (personajes principales a mayor escala) Isocefalia Estatismo División en franjas Ausencia de profundidad Jeroglíficos En Imperio Antiguo predominan fondos grises y en el Imperio Nuevo los fondos blancos ARTE EGIPCIO

Convencionalismos Mujer piel Más clara Hombre piel Más oscura Pelucas negras ARTE EGIPCIO

Cámara mortuoria Tumotsis III Abundante decoración en tumbas ARTE EGIPCIO

Tumba de Nefertari Tumba alcalde de Tebas En numerosas ocasiones se reemplazan los relieves por pinturas o bien se policroman los mismos ARTE EGIPCIO

Creación disco solar Temática religiosa o funeraria Origen del mundo: Del lago de aguas primigenias, entre las dos montañas nació el sol ARTE EGIPCIO

Recolectores de frutas Pastores Pisando uvas ARTE EGIPCIO Plañideras Músicas

Pescadores Artesanos En Imperio Nuevo las escenas son más dinámicas (sirvientes) Reflejan una gran vitalidad a pesar de ir destinadas a cámaras mortuorias, por su manera de entender la vida de ultratumba ARTE EGIPCIO

ARTE EGIPCIO

ARTE GRIEGO

a r q u i t e c t u r a g r i e g a

Orden dórico Krepis o krepidoma gradería de tres escalones que permiten acceder al templo por los cuatro frentes Estilobato (escalón superior Columna Basa (B) Fuste (F) Capitel (C) Orden dórico griego carece de basa (F) Surcado por veinte estrías verticales unidas en arista viva Arista viva : zona de intersección resultante del cruce de dos superficies en ángulo. Crea un perfil de aristas agudas que aumenta la sensación de fortaleza (F) El módulo de altura de la columna es el diámetro de la base (6 veces) Aunque los edificios del periodo Arcaico tienen una proporción menor, al final se adopta la relación de seis veces el diámetro de la base. El origen parece estar en la concepción griega del cuerpo humano que tenía que tener de altura seis veces la longitud del pie. (F ) Éntasis central(engrosamiento) (F) Estrecho por zona superior (F) Rehundimientos (armillas) estrechos horizontales en parte superior de fuste (C) Equino: almohadilla cilíndrica con perfil parabólico (F) Al principio era monolítico, pero lo habitual será varios tambores unidos por un vástago metálico central (C) ábaco: pieza rectangular saliente Entablamento Arquitrabe (A) Friso (Fr) Cornisa (Co) (AR ) liso (Co) En saledizo presenta un cuerpo liso y una moldura curva más saliente o cima (Fr) dividido en triglifos (dos glifos* centro y dos medios glifos en extremos) y metopas (pieza rectangular lisa o con relieves) *glifos: acanaladuras verticales separadas por pequeños filetes de igual anchura. Parece ser reminiscencia de los troncos transversales que se colocaban en los templos de origen lignario (en madera) ARTE GRIEGO

Orden jónico Krepis o krepidoma gradería de tres escalones que permiten acceder al templo por los cuatro frentes Estilobato (escalón superior Columna Basa (B) Fuste (F) Capitel (C) (F) Surcado por veinticuatro acanaladuras verticales separadas por listeles convexos (F) El módulo de altura de la columna es el diámetro de la base (9 veces) (F ) Sin éntasis central (F) Collarino en parte superior de fuste (C) Equino: almohadilla con ovas de las que arrancan dos volutas (B ) Compuesto de plinto cuadrado y tres cuerpos circulares separados por listeles: dos toros (molduras convexas) y una escocia (cóncava). (C) ábaco: pieza rectangular poco desarrollada Entablamento Arquitrabe (Ar) Friso (Fr) Cornisa (Co) (Ar ) Dividido en tres franjas horizontales en saledizo unas sobre otras (Co) En saledizo presenta un cuerpo liso y una moldura con rica decoración (ovas, perlas, dentículos, etc.) (Fr) continuo puede estar liso o con relieves Volutas: curvas en espiral en cuyo centro se encuentra un disco. Había una a cada lado paralelas al plano frontal, menos en las esquinas, que al tener que servir la voluta también para el lateral se colocaba en ángulo de 45º Al dejar un poco de listel curvo entre las estrías, suaviza las formas duras Paralelo En ángulo ARTE GRIEGO

Orden corintio Krepis o krepidoma gradería de tres escalones que permiten acceder al templo por los cuatro frentes Estilobato (escalón superior Columna Basa (B) Fuste (F) Capitel (C) (F) Surcado por veinticuatro acanaladuras verticales separadas por listeles convexos (F) El módulo de altura de la columna es el diámetro de la base (10 veces) (F ) Sin éntasis central (F) Collarino en parte superior de fuste (C) Equino: cuerpo troncocónico invertido con dos filas de hojas en zona inferior, de los cuales arranca en los lados cuatro tallos (caulículos) que se enrollan en la parte superior, dejando un espacio en la zona central para una ornamentación de tallos menores enfrentados con adorno vegetal central (palmeta, flor, etc.) (B ) Compuesto de plinto cuadrado y tres cuerpos circulares separados por listeles: dos toros (molduras convexas) y una falsa escocia formada por dos listeles. (C) ábaco: rectángulo curvilíneo de lados cóncavos Entablamento Arquitrabe(Ar) Friso(Fr) Cornisa(Co) (Ar ) Dividido en tres franjas horizontales en saledizo unas sobre otras (Co) En saledizo presenta un cuerpo liso y una moldura con rica decoración (ovas, perlas, dentículos, etc.) (Fr) continuo puede estar liso o con relieves Una leyenda señala que el capitel lo diseñó el orfebre Calímaco al contemplar cómo en una tumba donde la familia había puesto el costurero de la joven fallecida con una losa de mármol encima había crecido varias plantas de cardos (acanto). Al dejar un poco de listel curvo entre las estrías, suaviza las formas duras ARTE GRIEGO

e s c u l t u r a g r i e g a

PERIODO GEOMÉTRICO ARTE GRIEGO

ARCAICO KORE KUROS ARTE GRIEGO

Dama de Auxerre Escuela de Creta (VII a.C.) Pequeñas dimensiones 0´67 m. Tendencia a la esquematización y geometrización Cabellos ordenados en rizos verticales cruzados con líneas horizontales (ajedrezado) Rostro triangular Cara sin rasgos individualizados Ojos grandes, prominentes y de forma almendrada Cintura muy elevada y muy marcada Manos y pies desproporcionadamente grandes Cuerpo aplastado, sin gran desarrollo volumétrico Simplificación y sobriedad (sólo destaca decoración delantera del cinturón y cenefas de parte baja de la falda) Se policromaba ARTE GRIEGO

Kuros de Anavyssos Escuela arcaica (s. VI a.C.) Musculatura marcada pero con tendencia a la geometrización Brazos pegados al cuerpo Pelo largo ordenado de forma regular en rizos u ondas geometrizadas Intenta romper inexpresividad del rostro con el ligero arqueamiento de la línea de los labios hacia arriba (“sonrisa arcaica”) Ojos (almendrados y salientes) y orejas muy grandes Frontalismo, rigidez, simetría Pierna izquierda adelantada (dos pies firmemente en el suelo) En la época arcaica preferencia en el uso de la piedra Representan a dioses pero también a atletas (antropocentrismo) Composición cerrada 1`95 m. Pliegue inguinal muy inclinado Puños cerrados Pómulos prominentes ARTE GRIEGO

Moscóforo Escuela arcaica (s.VI a.C.) Modelado anatómico muy sobrio Mármol policromado Cubierto por fina tela Características arcaicas generales: frontalismo, rigidez, planitud, geometrización, composición cerrada, etc. Hay un mayor naturalismo en brazos doblados y en anatomía del becerro Ojos engastados Representa traslado de un animal para un sacrificio Trascendencia temática: Los cristianos se inspirarán en este modelo iconográfico para representar el tema del Buen Pastor ARTE GRIEGO

Guerrero de Riace Características generales Escultura griega clásica Material:bronce (copias en mármol) Policleto 7 cabezas Canon Lisipo 8 cabezas Contrapposto Pierna en tensión y pierna relajada se corresponde con brazos contrarios en tensión y relajado para equilibrar. Rompe frontalismo y la rigidez, desnivelando caderas y hombros, formando Suave curva acompañada de leve giro del rostro Diarthrosis (unión armónica de partes con el todo) Era más evidente en anatomía masculina al tener menor tejido adiposo que cuerpo femenino Antropocentrismo (preferencia por tratar el tema de la humanidad) Estudio anatómico ( con exquisito equilibrio entre formas naturalistas y la idealización de las figuras) Rostros relajados, sin phatos Longitud: Frente= Nariz-Labio= Labio-barbilla Desnudo representa ideal de belleza. En periodo clásico reflejo de belleza interior. En helenístico más cuestión estética que moral ARTE GRIEGO CLÁSICO

Mirón: Discóbolo ARTE GRIEGO

Mirón. Discóbolo Periodo clásico 1`55 m. Original en bronce, copia en mármol Composición basada en formas geométricas en tensión (triángulos –estabilidad- y arcos –dinamismo-) A pesar de contorsión del cuerpo está concebido para ser contemplado desde un único punto de vista Cabellos sin realce formado por rizos uniformes y geometrizados Estudio anatómico, pero adolece de cierta planitud Rostro sereno, con cierta inexpresividad (no refleja esfuerzo) Representación de atleta en actividad física. Pero falto de dinamismo. Postura irreal. Contrapposto: pie sólidamente apoyado y el otro apenas rozando la punta ARTE GRIEGO

Policleto: Doríforo ARTE GRIEGO

pierna derecha firmemente apoyada (tensión) mientras que la izquierda queda retrasada, relajada , flexionada y apoyada en la parte delantera del pie Rasgos arcaicos: pelo poco desarrollado y muy geometrizado Pectorales poco marcados con excesiva forma rectangular Unión de tronco con extremidades demasiado marcada ( además zona inguinal y pectoral son arcos de un mismo círculo) Brazo que se dobla para portar jabalina Policleto (s.V a.C.) Doríforo Canon: siete veces la cabeza (figuras anchas) Cabeza dividida en tres partes iguales Contrapposto (rompe frontalidad y crea ritmo sereno) Distinta posición de piernas origina que caderas se encuentren a distinta altura Brazo derecho relajado cae mientras izquierdo se flexiona y en tensión , sostiene la lanza Realidad idealizada, buscando la simplificación de las formas, eliminando lo secundario. El tema es intrascendente (atleta con jabalina) pero se le da gran solemnidad. Original en bronce. Copia en mármol Lado derecho cerrado y en vertical, mientras que el izquierdo, angular, se abre hacia atrás Para equilibrar, cabeza se gira ligeramente hacia la derecha ARTE GRIEGO

Lisipo: Apoxíomeno Praxíteles: Hermes con Dionisos niño ARTE GRIEGO

Lisipo (s IV a.C.) Apoxiomenos Canon de 8 cabezas (algo más de 7´5). Más estilizado, de proporciones menos anchas que doríforo de Policleto y cabeza más pequeña. Escena prosaica e intrascendente: atleta se quita sudor y arena tras competición En una mano tiene taco de madera y en otra el strigilis (instrumento en forma de S que servía para arrancarse la suciedad de la piel) Al adelantar los dos brazos: A) invita a rodearlo lo que rompe frontalidad al multiplicar puntos de vista, B) Incorpora el aire que queda entre los brazos a la composición escultórica Cabello más desarrollado Características generales clásicas (diartrosis, contrapposto, etc.) Pierna derecha se desplaza más hacia su lado, mientras que izquierda no queda muy rezagada ARTE GRIEGO

Praxíteles (S.IV a.C.) Hermes y Dionisos Se acentúa contapposto creando una curva en forma de s invertida más acentuada Contraste movimiento sinuoso de Hermes y verticalidad de paño y Dionisos Para las obras en mármol era preciso colocar un soporte Praxíteles prefiere trabajar en mármol Anatomía con formas blandas, lo que difumina las zonas de transición entre luz y sombras Simboliza la paz entre Arcadia (Hermes era su dios protector) y la Elide (Dionisos) En el brazo derecho portaba unas uvas La composición queda cerrada mediante las miradas cruzadas de los dos dioses Policromada en algunas zonas ARTE GRIEGO

HELENÍSTICO Laoconte y sus hijos ARTE GRIEGO

Pérdida de visión frontal composiciones movidas : diagonales, espirales, etc. Líneas de fuerza abiertas Nuevas temáticas: grandes grupos, lo feo, lo desagradable, anecdótico, etc. Captación del instante teatralidad: exaltación de las pasiones Características generales escultura helenística Línea serpentinata Desequilibrio acentuado por postura inestable: ambos pies apenas apoyados a distinto nivel Cabellos profundamente horadados con tecnica a trépano (aumenta efectos de claroscuros) Dolor físico y espiritual (están matando a sus hijos) Rotunda representación de poderosa anatomía Hijos con cuerpo de adultos pero a distinta escala Temática sobre guerra de Troya. Serpientes enviadas para castigar al sacerdote Laoconte Época helenística. Escuela de Rodas. Laoconte Copia en mármol del s. I (Agesandros, Polidoro y Atenodoro) de original en bronce del s.III a.C. Frente rugosa, ojos hundidos, pómulos marcados, boca entreabierta ARTE GRIEGO

Venus de Millo ARTE GRIEGO

Escuela Ática sigue con los modelos clásicos de los siglos anteriores Contraste entre gruesos pliegues del manto, que crea ricos claroscuros, y suave lisura de la pulimentada piel, por donde resbala la luz Época helenística. Escuela Ática. Venus de Milo Ideal de belleza clásica: frente alta, nariz recta, boca pequeña pero carnosa, mejillas lisas Obra en mármol Giro de figura invita a rodearla, multiplicando puntos de vista Portaba en una mano una manzana (símbolo de Milo) y la otra sujetaba la ropa Peinado y rostro melancólico muestran influjo de Praxíteles ARTE GRIEGO

Época helenística. Escuela de Pérgamo Monumento de Átalo I (reconstrucción) Gálata suicidándose. Gálata moribundo Copias en mármol de original en bronce ARTE GRIEGO

Época helenística. Escuela de Pérgamo. Gálata moribundo Rasgos étnicos (facciones, pelo y collar céltico) Enaltece al enemigo Contraste extremidades inferiores, brazo izquierdo y cabeza extenuados y brazo derecho en tensión Composición piramidal con vértice superior desplazado hacia lado derecho lo que acentúa la disposición en diagonal Armas en el suelo (símbolo de derrota) Incorporación del aire interpuesto entre brazos y piernas Multiplicidad de puntos de vista Contrates de luces y sombras ARTE GRIEGO

Pérdida de visión frontal (multiplicidad de puntos de vista) composiciones movidas : diagonales, espirales, etc. Líneas de fuerza abiertas Nuevas temáticas: grandes grupos, lo feo, lo desagradable, anecdótico, etc. Captación del instante teatralidad: exaltación de las pasiones Contraste: cuerpo tenso del hombre (desnudo) y flacidez de mujer muerta (vestida) Gusto por lo macabro y desagradable Personaje ennoblecido ( desnudo como los héroes y girado para mirar altivamente a sus enemigos) Época helenística. Escuela de Pérgamo. Gálata suicidándose ARTE GRIEGO

ARTE ROMANO

a r q u i t e c t u r a r o m a n a

Templo Romano Panteón de Roma ARTE ROMANO

Panteón. Fachada Pórtico ostástilo (fuste de granito y basa y capitel de mármol blanco) Concebido para ir al fondo de una plaza porticada, su frontal ocultaba la planta circular del interior Dieciséis columnas sostienen el pórtico dividiéndolo en tres calles. Dos terminan en exedras y la central en las puertas de acceso a la cella Aunque en el friso una inscripción indica que lo construyó Agripa, su forma definitiva la adquiere en tiempos del emperador Adriano ARTE ROMANO

Panteón. Interior Enmascaramiento con ricos mármoles Numerosos elementos constructivos griegos: frontones, columnas, etc. En el segundo cuerpo se abrían vanos con celosía que aportaban una luz indirecta, siendo el foco lumínico principal la luz cenital del óculo central Entre los ocho pilares se abren ocho vanos (uno para la entrada el resto para los astros conocidos: sol, luna y cinco planetas) ARTE ROMANO

Panteón. Cúpula con casetones Dividida en circo anillos concéntricos (5 esferas del sistema planetario concebido entonces) con 28 casetones (días lunares) Casetones convergentes que acentúan efecto de perspectiva Óculo central simboliza el sol que a lo largo del día ilumina de distinto modo la estancia Se pensaba que el cielo que era la perfección y ellos asociaban la misma al círculo ARTE ROMANO

Coliseo de Roma. Vista aérea Planta elíptica (anfiteatro fruto de la unión de dos teatros) Totalmente exento mediante la superposición de pisos Red compleja de pasillos radiales conectados con otros transversales sostenidos sobre bóvedas de cañón y arista 80 arcos de medio punto permiten una rápida entrada y salida al recinto Arena central con subsuelo excavado con galerías, pasillos, conducciones de agua, etc. Características generales romanas: funcionalidad, propaganda, combinación dintel y arco, hormigón, etc. Construido en tiempos de Vespasiano ARTE ROMANO

Coliseo de Roma. Fachada Cuarto cuerpo añadido en tiempos de Domiciano Sobre gradas o estereobato Superposición de órdenes (dórico, jónico, corintio) Segundo y tercer cuerpo con estatuas en intercolumnios Predominio del muro sobre el vano (sólo pequeñas aberturas rectangulares) Articulación del muro con lesenas (estrechas pilastras) Ménsulas que sostienen mástiles de los toldos Recubrimiento exterior con mármoles y estucos Reconstrucción parcial en el s. XVIII ARTE ROMANO

Coliseo de Roma. Reconstrucción ARTE ROMANO

e s c u l t u r a g r i e g a

Patricio Barberini Tradición funeraria “ imagines maiorum” Rasgos griegos: canon, contrapposto, etc. Estudio natural de los pliegues Prefieren el mármol policromadas Realismo: arrugas, pómulos salientes, nariz pronunciada,etc. Estatuas (salvo las áulicas) sirven tradicionalmente para fines privados, por lo que son más naturalistas, mientras que los griegos sólo la hacían a personajes que habían alcanzado algún honor público (ganar carreras, etc.) La tradición funeraria romana, heredada de los etruscos, se caracterizaba por hacer máscaras en cera o arcilla del rostro de los fallecidos y guardarla en los lararios. Después se realizarán en mármol y bronce, conservando todo su realismo Brutus libertador Pueden ser de cuerpo entero (las mujeres generalmente sentadas y los hombres de pie) o bustos que van evolucionando en la parte representada a lo largo del tiempo ARTE ROMANO

Augusto ad prima porta Thoracata Idealización del emperador (presenta sus rasgos pero joven) Rasgos griegos: canon ( de Policleto), contrapposto, cabeza levemente girada, etc. Apoyo en delfín y Dionisos (se considera que familia Julia es descendiente de Eneas, hijo de Venus) Gruesos pliegues del paludamentum Coraza con ricos relieves alegóricos sobre la paz augustea: Mayoría de las obras pensadas para ponerlas delante de pared, por lo que parte trasera menos trabajada Pies descalzos, símbolo de divinización Restos de policromía permiten reconstruir colores originales Cielo cubriendo con manto Helios con carro solar Venus y Aurora Galia (última anexión junto a Hispania) Hispania (última anexión junto a Galia) Legionario (Marte o Tiberio) con loba Parto devolviendo insignias de legiones de antigua derrota romana En obras áulicas (de la Corte, para enaltecer al emperador) hay una fusión entre la tradición idealizante griega (perfección del cuerpo especialmente y la tradición naturalista romana Febo (Apolo) sobre grifo Diana con ciervo Diosa Tierra con cuerno de abundancia Dioses protectores de dinastía imperial ARTE ROMANO

Busto de Julio César Época republicana (S.I a.C) Cabellos poco desarrollados y pegados al casco Rasgos faciales muy marcados: estructura ósea de cara, pómulos salientes, imperfecciones Ojos eran pintados Busto hasta el cuello RETRATO ARTE ROMANO

Busto de Tiberio Dinastía Julia-Claudia (S.I d.C) Sigue cabello pegado, pero con más guedejas que se curvan Cierta idealización del rostro Busto acaba en cuello o comienzos de hombro con una terminación triangular ARTE ROMANO

Busto de Adriano Dinastía de los Antoninos (1ª mitad Siglo II d. C.) Incisión del iris, por lo que ya no necesitan colorearse Desde dinastía Flavia (finales s.I d.C. se vuelve a un mayor realismo) Aparición de la barba (Adriano tenía una cicatriz y para disimularla se la dejó) que todavía es corta Desarrollo del cabello que se riza y se hace más profundo (efectos de claroscuros) Busto crece hasta el pecho ARTE ROMANO

Busto de Cómodo Dinastía de los Antoninos (2ªmitad s. II d. C.) Busto alcanza hasta el vientre Representación completa de los brazos Cabellos mucho más desarrollados con abundante uso del trépano (efectos de claroscuros más intensos) Barba más desarrollada Atributo de Hércules: Piel del león de Nemea y la maza (gran influencia griega) ARTE ROMANO

Busto de Caracalla Dinastía de los Severo (1ª mitad s. III d. C.) Cabello técnica a trépano Realismo físico y estudio psicológico del personaje: emperador girado con expresión fiera: entrecejo fruncido, facciones tensas, rictus de Labios) Incisión del iris ARTE ROMANO

Emperador Constantino 1ª mitad s. IV a.C. Tendencia al colosalismo Vuelta al frontalismo arcaico Cabello poco desarrollado Expresionismo: representación exageradamente grande de los rasgos básico del rostro: orejas, nariz y especialmente ojos ARTE ROMANO

Ara Pacis ARTE ROMANO

Ara Pacis Procesión. Familia de Augusto y Corte Relieve de Tellus Procesión. Familia de Augusto y Corte Relieve de Roma Eneas realizando un sacrificio Rómulo Y Remo (muro no reproducido) Decoración de roleos de acanto y animales de pequeño tamaño (ranas, lagartijas, etc.) Cenefa geométrica inspirada en grecas helenísticas Guirnaldas de grueso desarrrollo Empalizadas Altar para sacrificios Entrada posterior con rampa (para animales) ARTE ROMANO

Ara Pacis Realizado en mármol de Carrara Sobre podium 10`60 m . 3`70 m . 11`60 m . Pequeñas dimensiones Ausencia de concepción iconográfica unitaria (zonas con motivos vegetales, otras con pasajes mitológicos y tema histórico-político) ARTE ROMANO

Ara Pacis Familia de Augusto Livia Marcus Agripa Horror vacui Afán de incorporar profusa información. Ruptura de monotonía mediante la introducción de temas anecdóticos Distribución en alto, medio y bajo relieve (apenas esbozado) Aumenta efecto de tridimensionalidad al acentuar profundidad Permite jerarquización de personajes (más importantes en primer término) Afán de reflejo de la realidad Naturalismo de pliegues retratos Composición continua, sin cesuras ni compartimentos Ritmo sosegado y ceremonioso Escorzos profundos ARTE ROMANO

Columna Trajana ARTE ROMANO

Sarcófago Sarcófago de Giunio Basso ARTE ROMANO

ARTE MEVIEVAL GÓTICO

a r q u i t e c t u r a g ó t i c a

Arco apuntado Arco lanceolado ARTE GÓTICO

Muros. Aligeramiento. Saint Denis Vidrieras ARTE GÓTICO

Tracería gótica ARTE GÓTICO

Rosetón ARTE GÓTICO

Gárgolas ARTE GÓTICO

Evolución. S.XIII. Gòtico clásico Catedral de Chartres ARTE GÓTICO

Evolución. S.XIII. Gòtico clásico Catedral de Reims ARTE GÓTICO

e s c u l t u r a g ó t i c a

Características generales. Anunciación y Visitación. Catedral de Reims Gran fuerza expresiva Individualización De los rostros Liberación del Marco arquitectónico Formación de grupos. Actitudes dialogantes Gusto por lo secundario Y anecdótico Naturalismo (ej.: Pliegues) Comienzos Del Gótico Sonrisa arcaica ARTE GÓTICO

Detalles de rostro. Anunciación y Visitación. Catedral de Reims ARTE GÓTICO

Características generales. Tímpano de Santa Ana. Notre Dame de París. División en Franjas. Arquivoltas apuntadas. Esculturas siguen Dirección del arco Comunicación Entre figuras ARTE GÓTICO

ARTE GÓTICO

p i n t u r a g ó t i c a

El prendimiento Escuela de Florencia. Trecento italiano ARTE GÓTICO GIOTTO

Resurrección de Lázaro. Escuela de Florencia. Trecento italiano ARTE GÓTICO GIOTTO

Escuela de Florencia. Trecento italiano Muerte de San Francisco Llanto sobre el Cristo muerto ARTE GÓTICO GIOTTO

El jardín de las delicias. Gótico flamenco ARTE GÓTICO EL BOSCO

La Virgen del Canciller Rolin. Gótico flamenco ARTE GÓTICO JAN VAN EYCK

El matrimonio Arnolfini. Gótico flamenco ARTE GÓTICO JAN VAN EYCK

RENACIMIENTO

e s c u l t u r a r e n a c e n t i s t a

Piedad del Vaticano. Idea neoplatónica de representar virginidad de María con rostro joven Temática religiosa con elementos simbólicos El tema gótico del norte de Europa de la madre destrozada por el dolor se transforma en la actitud serena de la Virgen y el aspecto de estar dormido de Jesús La obra encargada por el embajador francés tiene un trasfondo ideológico: La Virgen=Iglesia romana sobre la roca del Gólgota se convierte en legítima heredera y el monarca galo Carlos VIII está dispuesto a apoyar al Papado Composición cerrada inscrita en triángulo equilátero (cumple con principios racionales y de simetría del Renacimiento) Cristo realizado a menor escala para que no sobresalga (para disimular cuerpo amplio de virgen su cabeza es más pequeña) Para expresar el orgullo por su obra, el autor cinceló su nombre en la cinta que cae del hombro de la Virgen Desnudez de Cristo frente a profundos y plegados ropajes de la Virgen, Liviandad de Jesús que apenas apoya un pie y amplia base de sustentación de la Madre Equilibrios de rostros: hacia delante y hacia atrás Desarticulación del cuerpo mediante zig-zags Obra brillante y pulimentada para que resbale la luz, pero sin dorados Contrastes 1`75 m. RENACIMIENTO Miguel Ángel

Frente .David Exaltación de la fuerza física como “ virtus” fusionada con belleza y formas clásicas Contraposición de tamaño desproporcionado del brazo caído y pequeño del doblado Profundidad de figura no supera anchura David representará los ideales republicanos, por lo que al final, en lugar de en la catedral, se colocó ante la entrada del palacio de la Signoria En torno a un eje (cabeza- pie derecho) los miembros del cuerpo cierran la composición en actitudes contrapuestas, en zig-zag Musculatura vigorosa, rostro concentrado y elementos contrapuestos reflejan fuerza y dinamismo en potencia El bloque de mármol muy alto y estrecho planteaba problemas técnicos para su ejecución Otra clave de Miguel Ángel es el empleo del bloque únic, sin tener que ensamblar después extremidades. Las figuras afloran del prisma geométrico de forma extractiva, pues según el autor se limitaba a quitarle lo que sobraba, ya que el “alma” de la correspondiente creación estaba en el interior del bloque. Por eso las figuras se contraen (en el David más pausadamente) o se retuercen para no sobresalir del cuerpo cúbico original 4`35 m. Pies excesivamente grandes Va abandonando contrapposto clásico: brazos muy tensionados, piernas demasiado abiertas. Giro de cabeza rompe frontalidad Tema religioso presentado como desnudo anatómico RENACIMIENTO Miguel Ángel

Detalle mano Espaldas David Contraste lado derecho acotado por vertical del brazo y la pierna lado izquierdo más abierto y de formas angulosas Intensidad del instante (venas y nervios marcados) Sobre hombro izquierdo tenso cae la honda cayendo el extremo de la misma a la altura de la mano derecha, procediendo David a colocar la piedra mientras calcula con ceño fruncido el disparo RENACIMIENTO Miguel Ángel

p i n t u r a r e n a c e n t i s t a

El nacimiento de Venus RENACIMIENTO Botticelli

Espíritu científico RENACIMIENTO Leonardo da Vinci

Última Cena. Santa maría delle GrazieMilán Composición muy geométrica, basada en divisiones verticales, horizontales y diagonales. Crean cuadrados (cuadrado central acotado por dos medios cuadrados, cuadrado más pequeño inscrito en cuadrado central, etc.) Lunetos con escudos de armas de los Sforza Empleo de técnica experimental óleo-temple provocó su rápido deterioro. Al menos seis restauraciones y periodos de abandono Perspectiva lineal. Coincide punto de fuga Con punto de vista espectador. Efecto ilusionista (era el refectorio de los monjes y al pintar en el muro del fondo, la sala parecía agrandarse y les hacía creer que participaban de la escena) 8´80 m. 4´60 m. Jesús en el centro enmarcado por ventana central de tres (Trinidad) Foco de luz frontal y uno secundario trasero RENACIMIENTO Leonardo da Vinci

Organización de personajes Frente al sistema tradicional de colocar a Judas al otro lado de la mesa, aquí aparecen los doce apóstoles tras la mesa agrupados de tres en tres, seis a cada lado con Jesús en medio respetando la simetría Última Cena. Santa maría delle Grazie Milán Gran cuidado en la naturaleza muerta representada sobre la mesa Jesús en el centro con su actitud relajada contrasta con la gestualidad de los discípulos Mediante gestos( sobre todo disposición de manos y expresión de rostros) presenta una gran diversidad de actitudes Características generales: armonía colores, estudio de pliegues, perspectiva aérea, difuminado que redondea contornos etc. Judas realiza un movimiento de apartarse mientras se aferra con la mano a la bolsa de monedas y vuelca salero (símbolo mala suerte) Leonardo ha elegido un momento diferente a la bendición del pan y el vino. Prefiere representar el instante dramático en que anuncia que uno de los presentes le va a traicionar RENACIMIENTO Leonardo da Vinci

La Gioconda Horizontes del paisaje a distintas alturas (más alto el izquierdo) confluyen en Monna Lisa, influyendo en la percepción de su enigmática sonrisa Tono verdoso y falta de cejas por mala restauración Estructura piramidal: Mujer sentada en escorzo lateraly cabeza levemente girada que contrasta con brazo de la silla casi paralelo al plano del cuadro Gusto por los detalles (descripción minuciosa de los encajes) Óleo sobre tabla de álamo Originalmente el cuadro era el retrato de una mujer ante un pretil con columnas. Pero la tabla fue cortada, quedando la base de dichas columnas a ambos lados Perspectiva aérea: capta el aire interpuesto entre el espectador y el fondo, por eso el grosor de la atmósfera se capta con esas tonalidades azuladas y perdiendo nitidez los contornos, quedando las montañas redondeadas y con color más oscuro en las bases Estudio de manos con dedos alargados y dispuestos con gran expresividad Claroscuros suaves, mediante luces intermedias, con trasparencias y reflejos matizados 77 cm. 53 cm. Sfumato: Desarrolla modelo de rostro dulcificado, de aire melancólico mediante el difuminado: ese juego de tenues transparencias brillantes y sombreadas disimula los rasgos básicos, presentando la boca, nariz y cejas sin zonas de transición, arropadas por una vibrante atmósfera. Destaca la disposición ambigua de comisuras de labios entre sonrientes y nostálgicos, y sus gruesos párpados. Estudio naturalista de los pliegues del vestido. Al estar representado con los contornos más nítidos, parece que fue fruto de una etapa inicial Paisaje rocoso y agreste RENACIMIENTO Leonardo da Vinci

La Gioconda Retrato de Madonna Lisa, segunda esposa de Francesco del Giocondo Parece ser que aunque originalmente fuese un retrato de encargo, al no querer desprenderse de él Leonardo, se ha asociado con que en esta pequeña obra quiso representar su ideal de belleza Según Freud, Leonardo buscaba recuperar el rostro sonriente de su desaparecida madre Supo representar a la mujer en actitud distendida y relajada Paisaje brumoso, con rocas y grutas representan la naturaleza salvaje, con cierto toque de fantasía en el que aparecen algunos elementos humanos: el camino serpenteante a la derecha y el puente a la izquierda (fusión de mundo terrenal y mundo espiritual RENACIMIENTO Leonardo da Vinci

Antes de Miguel Ángel Fue mandada construir por Sixto IV a fines del s. XV. Sus paredes se decoraron con frescos (cada lado temas Antiguo y Nuevo Testamento) mientras que bóveda cielo azul oscuro con estrellas doradas Capilla Sixtina Construcción basada en proporciones aritméticas: longitud es tres veces la anchura, y la altura es la mitad de la longitud 39 m. 19`5 m. 13 m. En 1508 se le encarga la nueva decoración de la bóveda( en principio estaba previsto la representación de los doce apóstoles) pero Miguel Ángel consiguió imponer su criterio de dedicar el espacio a un programa iconográfico más complejo Veinticinco años después se le encomienda la decoración del muro del fondo con el Juicio Final. Aunque la obra comenzó en 1535 (ventanas cegadas del fondo, eliminación de cornisa, etc.) Miguel Ángel comenzó a pintar al año siguiente Era novedoso que un autor influyese en el contenido de la obra a realizar RENACIMIENTO Miguel Ángel

Creación de Adán Creación de Eva Bóveda. Capilla Sixtina Abundancia de líneas curvas en el espacio donde se encuentra Dios marca la fuerza generadora. Su proyección mediante una línea convexa marca la fuerza expansiva, mientras que la curva cóncava que forma el cuerpo de Adán marca la actitud pasiva Composición basada en la diagonal, deja en el centro, desplazado hacia la izquierda, la unión de las dos manos (una poderosa y otra lánguida), sin ninguna referencia paisajística que pueda distraer del trascendental acontecimiento Armonía de colores: tonos cálidos de Adán resaltan sobre fondo verde azulado del suelo, y rosa violáceo de Dios sobre contornos oscuros Características generales de Miguel Ángel: predominio del dibujo, con contornos bien marcados que potencian relieve, preocupación por desarrollo de personajes (profundo estudio anatómico de musculaturas y de expresiones vigorosas) más que por el paisaje, volumetría conseguida mediante claroscuros y ricas combinaciones cromáticas con tonalidades claras y brillantes en complicada asociación. Anatomía potente pero pasiva en actitud expectante Figura de Dios a gran escala y parece no caber en recuadro de la escena RENACIMIENTO Miguel Ángel

Bóveda. Capilla Sixtina Expulsión del Paraíso El Diluvio Presentación de dos sucesos cronológicos distintos en el mismo rectángulo: tentación y expulsión Presenta serpiente con torso y cabeza de mujer Árbol con forma de encina con bellotas (en honor a familia de Julio II) Aunque pretende reflejar paraíso con vegetación y exilio yermo, al no preocuparle el paisaje apenas se nota el contraste Características generales de Miguel Ángel: predominio del dibujo, con contornos bien marcados que potencian relieve, preocupación por desarrollo de personajes (profundo estudio anatómico de musculaturas y de expresiones vigorosas) más que por el paisaje, volumetría conseguida mediante claroscuros y ricas combinaciones cromáticas con tonalidades claras y brillantes en complicada asociación. No existe la unidad de espacio, son diferentes grupos de personajes que resaltan por las tonalidades cálidas de sus cuerpos y los colores llamativos de sus mantos sobre los fondos verdosos (tierra) y grisáceos (mar y cielo) RENACIMIENTO Miguel Ángel

Juicio Final. Capilla Sixtina Antes de restauración Ascensional Descendente Originalmente el proyecto se lo encargó el Papa Clemente VII e incluía un fresco en el muro de los pies de la capilla sobre la caída de los ángeles rebeldes y otro en el altar sobre la resurrección. Paulo III mantiene el encargo pero será en el paramento del altar y el tema será el Juicio Final. La pared ya contenía obras de Perugino e incluso de Miguel Ángel ( los lunetos de las ventanas de la época en que decoró la bóveda). El artista decidió acabar con la cornisa y ventanas y crear un gran mural En un fondo de azul intenso y de luminosidad uniforme, donde desaparecen las referencias espaciales ( espacio abstractos, sin perspectiva, planos ni escalas) un masa de más de cuatrocientas figuras ingrávidas, giran alrededor de Jesucristo División en cuatro franjas Inframundo (a un lado los muertos resucitados) y al otro las almas condenadas Segundo nivel : elegidos que se elevan, ángeles con trompetas, y condenados arrastrados por los demonios Tercer nivel: santos, profetas y demás bienaventurados alrededor de Jesús Cuarto nivel: ángeles portando los instrumentos de la pasión Distribución manierista de la composición: zonas con apelmazamiento de personajes y otras con marcados vacíos. Doble movimiento Dimensiones de los personajes crecen con la altura para compensar la lejanía del punto de contemplación Cristo destaca por su tamaño y por estar aislada del resto de las figuras mediante un nimbo de luz azulada Miguel Ángel

Juicio Final. Capilla Sixtina Obra condicionada por su crisis religiosa y existencial ( unión al grupo reformista de Vittoria Colonna). El saqueo de Roma y la decadencia de la visión optimista de la filosofía humanista le llevan hacia un angustiado pesimismo En esta representación aparece sólo el cielo y el infierno, pero no el purgatorio, lo que iría en contra de lo que posteriormente reafirmó el concilio de Trento Algunas referencias al mundo clásico a través de la obra de Dante: Caronte en la barca y Minos rodeado de los anillos de una serpiente Jesús aparece como desnudo atlético, con brazo derecho levantado amenazadoramente Otro aspecto iconográfico que resalta es que no aparece la Santísima Trinidad como era tradicional, sino sólo el hijo La Virgen a escala inferior no actúa como intercesora, sino que aparece como pudorosa o con temor De los elegidos destacan San Lorenzo (con la parrilla) y San Bartolomé (con cuchillo y piel) pues a ellos, junto a la Virgen, estaba dedicada la capilla Ángeles ápteros (sin alas) portan símbolos de la pasión: Columna, cruz, corona de espina, etc. Los muertos que van resucitando lo hacen incorporándose a sus huesos la piel, como señalaba el libro de Ezequiel En piel arrugada aparece autorretrato del autor, como señal de extrema humildad y reflejo de su abatimiento Formación de doble círculo alrededor de Jesús. RENACIMIENTO Miguel Ángel

Juicio Final. Capilla Sixtina Zona Central En piel arrugada de San Bartolomé aparece autorretrato del autor, como señal de extrema humildad y reflejo de su abatimiento San Pedro Características generales de Miguel Ángel: predominio del dibujo, con contornos bien marcados que potencian relieve, preocupación por desarrollo de personajes (profundo estudio anatómico de musculaturas y de expresiones vigorosas) más que por el paisaje, volumetría conseguida mediante claroscuros y ricas combinaciones cromáticas con tonalidades claras y brillantes en complicada asociación, escorzos intensos, multiplicidad de actitudes. RENACIMIENTO Miguel Ángel

Redimidos Ángeles Condenados Juicio Final. Capilla Sixtina Personajes parecen flotar a la vez que parecen avanzar y retroceder en ese intemporal azul de uniforme luminosidad Redimidos ascienden de forma lenta, como si les costara subir Condenados forcejean y establecen una lucha entre vanos intentos de elevarse con tendencia descendente general, aunque no brusca, como si se hubiese ralentizado el tiempo Figuras en remolino, se presentan de frente, perfil, espalda creando una espiral en su bajada RENACIMIENTO Miguel Ángel

Venus de Urbino Dannae recibiendo la lluvia de oro Obras Mitológicas Formas juveniles, que en obra posteriores dotará de mayor carnosidad Inspirado en la Venus dormida de Giorgione, pero la traslada a un rico palacio (juego de telas de tafetán oscuras, almohadas y sábanas blancas, y rojo de la cama) Personaje rezuma sensualidad, con los ojos abiertos mira al espectador mientras se cubre, indolente,el pubis con la mano Modelado suave, mediante un delicado sombreado va configurando las redondas formas Equilibra la distribución de colores: el rojo y blanco de la parte inferior derecha del cuadro tiene su contrapunto en los vestidos de la sirviente que está de pie y la que abre el arcón Desarrolla muchos de sus desnudos sobre la base de las relaciones musicales y el círculo (o arcos del mismo) Pincelada se va haciendo más suelta y libre (ambas obras fueron ejecutada con una diferencia de más de treinta años) Contraste entre carnes nacaradas de Dánnae y oscuras de sirvienta, y en intensidad de la luz dorada sobre cada cuerpo Miradas de sirvienta y dama confluyen en lluvia dorada Tema mitológico empleado para reflejar aspectos morales: aceptación del destino y venta de la virtud RENACIMIENTO Tiziano

ARTE BARROCO

e s c u l t u r a b a r r o c a

Rapto de Proserpina. Características generales Abandono del concepto de bloque único Materiales nobles (bronce y mármol) Composiciones abiertas y movidas Momentos drámaticos y expresivos ( teatralidad) Captación del instante Ropajes y cabellos Ampulosos, quebrados Virtuosismo técnico Línea serpentinata ARTE BARROCO Bernini

Apolo y Dafne Obra periodo juvenil Perfección técnica Composición en diagonal y aspa Contraste superficie pulida de la piel y formas hirsutas de ramas Análisis psicológico de personajes Líneas abiertas Búsqueda de belleza ideal ARTE BARROCO Bernini

David. Periodo juvenil Líneas de fuerza en tensión Contraria (aspa) Fuerza dinámica Boca y entrecejo apretados Músculos rígidos ARTE BARROCO Bernini

Éxtasis de Santa Teresa. Periodo medio Líneas de composición entrecruzadas (aspa) Pedestal oculto al transformarse en nubes en suspensión Ojos entornados, aletas nariz dilatada, boca entreabierta Actitud desmayada de cuerpo, acentuada por posición de manos y pies Contraste: pesados y quebrados Pliegues de la Santa y dinámicos giros de túnica pegada al cuerpo del ángel. Bello y asexuado ángel Flecha del amor místico Contraste: actitud pasiva de la santa frente a acción del ángel. Contacto leve y delicado de ambas figuras ARTE BARROCO Bernini

12 ángeles con atributos de la pasión. Puente Sant`Angello. Periodo tardío Busca expresividad y espiritualidad El canon se alarga. Contraposto inestable Ropajes Realzan Dramatismo de instrumentos de la Pasión ARTE BARROCO Bernini

Beata Albertona. Periodo tardío. Entorno Escenográfico (ventanas, pinturas, etc.) Contraste colcha roja y sábanas blancas. Expresión De abandono Mano que oprime sábana. Contraste con colcha distendida ARTE BARROCO Bernini

p i n t u r a b a r r o c a

Venus del espejo Composición basada en diagonal curva (símbolo relajación) Temática: desnudo en pintura española Sensualidad y erotismo Formas curvas Riqueza cromática Cortinaje rojo Piel nacarada Tafetán negro Sábana blanca Espejo sostenido por amorcillo: Contraste rostro difuminado, de facciones groseras y belleza rotunda del cuerpo ARTE BARROCO Diego Velazquez

Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Las Meninas perro Nicolasito Pertusato (pie en animal = anecdótico) Maribárbola Mariana Agustina Sarmiento (ofrece agua en búcaro sobre plato de oro) Autorretrato (cruz roja de Santiago pintada con posterioridad) Reflejados en el espejo los reyes Felipe IV y Mariana de Austria Aposentador real José Nieto Dama de honor Marcela de Ulloa Guardadamas Diego Ruiz de Azcona Isabel de Velasco ARTE BARROCO Diego Velazquez

Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Las Meninas Punto de fuga en puerta del fondo (donde aparece un segundo foco de luz) Foco de luz principal En ventana lateral de primer término. La progresiva gradación de la luz en los personajes Irán señalando la profundidad a la que se encuentran (mientras más al fondo más oscuros y contornos más desdibujados = perspectiva aérea Mitad superior del cuadro Destinado al techo y a Cuadros mitológicos En mitad inferior se Distribuyen personajes Brazo de Aposentador crea Linea de tensión que nos lleva hasia reflejo de los reyes Al aparecer los reyes en reflejo, se introduce a espectador en escena, pues monarcas quedan detrás del observador Figuras de primer término agrupadas de tres en tres Salón muy elevado Resto ventanas laterales no dejan pasar la luz, salvo la última Pincelada fluida y larga (sólo algunos detalles con pincel fino) Gran riqueza cromática ARTE BARROCO Diego Velazquez

Diego Rodríguez da Silva y Velázquez Las Meninas Interpretación A: Velázquez está pintando a los reyes cuando irrumpen en la estancia la infarta Margarita con su séquito Interpretación B: Reivindicación de la Pintura como arte intelectual Velázquez aparece Pintado junto a los reyes (inusual). Dos cuadros de la pared son: Atenea y Aracné (copia de Rubens), y Apolo y Marsias El aposentador real, al apartar el cortinaje y parecer estar retirándose parece invitar al observador a dirigirse hacia él atravesando la profunda estancia Le fue concedida la cruz de Santiago por empeño del rey (no podían formar parte de esa orden los que se dedicasen a actividades manuales: la pintura estaba catalogada como manual)) Bastidor cierra Lateral del cuadro ARTE BARROCO Diego Velazquez

Pedro Pablo Rubens Las tres Gracias Mujeres de exuberantes carnes según gusto de la época Blanco de piel conseguido mediante fusión de los tres colores primarios Forman un círculo Actitudes delicadas. Parecen iniciar una danza (las tres retrasan un pie) Retrato de su primera mujer Isabel Brandt Retrato de su segunda mujer Elena Fourment Peinados del Siglo XVII Transparencias de gasas Ritmo curvo Paisaje idílico (origen literario) Guirnaldas de flores (calidades matéricas) Cupido con cornucopia Árbol que se Tuerce y quiebra. Contraste cromático y de color con gasa en la rama 1º artista que hace obras gran formato para su propio deleite ARTE BARROCO Rubens

Rembrandt autorretratos Actitud arrogante Contrastes intensos Potenciación De las sombras Luz emana de propias figuras Decrepitud sin paliativos Abatimiento, cansancio ARTE BARROCO Rembrandt

NEOCLASICISMO

Contexto Histórico Auge del pensamiento científico NEOCLASICISMO Afición por el coleccionismo

Descubrimiento ruinas de Pompeya y Herculano Importancia de academias (sala de modelo vivo) NEOCLASICISMO

e s c u l t u r a n e o c l á s i c a

Antonio Canova Teseo y el Minotauro Rostro melancólico Actitud serena posterior al combate Cuidada ordenación de espacios y líneas para lograr un bloque unitario, pero desarrollando un sutil juego entre zonas en contacto de las dos figuras y una progresiva separación de la parte superior de Teseo contraposto NEOCLASICISMO Antonio Canova

Antonio Canova Eros y Psiqué Composición en aspa que (al contrario que en el Barroco) genera un movimiento centrípeto, es decir, las líneas de fuerza nos dirigen hacia dentro, no hacia afuera. Brazos de Psiqué y Adonis Forman un óvalo que concentra la atención en la aproximación de los dos rostros Actitud tierna y delicada (manos de Eros sobre pecho y cabeza de la amada) Posturas contorsionadas pero elegantes que dotan a la obra de un ritmo pausado Superficies blancas y pulidas, sin rugosidad Rostros inexpresivos, fríos NEOCLASICISMO Antonio Canova

Antonio Canova Paulina Bonaparte Referencias mitológicas: Como Venus vencedora (manzana de Paris) Figura frontal salvo cabeza que gira para ponerse de perfil Acabado muy pulimentado con ligero tono rosado Triclinio concebido como pedestal Quietud y abandono que potencian sensualidad Pulcra ordenación de pliegues Brazo flexionado apoyado en almohadones acentúa complacencia NEOCLASICISMO Antonio Canova

p i n t u r a n e o c l á s i c a

Jacques-Louis David El Juramento de los Horacios Predominio del dibujo sobre el color, con contornos nítidos. Figuras formadas con triángulos que dan estabilidad Personajes masculinos desarrollan líneas verticales, están erguidos, músculos tensos y están inscritos en un cuadrado (reflejan el Ethos, el sacrificio cívico) Personajes femeninos dominan líneas curvas (abatimiento, desesperación, el “pathos”) Fondo arquitectónico clásico (toscano) sin adornos para no distraer de acción principal en primer plano (el fuerte claroscuro también contribuye a llamar la atención sobre el primer término iluminado y relegar la zona de penumbra) Cada arco de medio punto engloba a un grupo de personajes Teatralidad de los gestos Manto rojo del padre atrae atención sobre él Unidad del cuadro Fragmentada en dos escenas para lograr una visión sincrética: la parte heróica (el juramento) y la parte trágica (el dolor de las mujeres) Composición clara y equilibrada (principio de simetría, compensación de masas, etc.) Belleza ideal en anatomías de inspiración clásica Dota de gran realismo a los personajes NEOCLASICISMO Jacques-Louis David

Jacques-Louis David El Juramento de los Horacios Frente a frivolidad del Rococó se usan temas de la Antigüedad para ensalzar valores cívicos ( exemplum virtutis ) Cambia el papel social del artista Pese a que los juramentos se hacían en lugares públicos ante el pueblo, David elige el interior de la vivienda familiar para resaltar que por la patria hay que sacrificarlo todo El padre, centro de la composición mira las espadas, para destacar que el juramento es más importante que sus hijos Incorrecciones históricas: espadas medievales, dos de los hijos levantan el brazo izquierdo en lugar del derecho para jurar Los hombres representan lo público, por eso deben dominar sus sentimientos y afrontar su misión y trascender del espacio privado Las mujeres representan el ámbito doméstico, la pasión descontrolada, por eso se dejan abatir por los sentimientos de tristeza y desesperación. Personajes concebidos como un friso, sin apenas desarrollo en perspectiva NEOCLASICISMO Jacques-Louis David

Jacques-Louis David Marat asesinado Simplicidad compositiva: líneas geométricas ortogonales estructuran la composición Y la dotan de una sensación estática de intemporalidad (verticales y horizontales) Fuerte claroscuro la opacidad del fondo contrasta con la Iluminación intensa del político Escasez de elementos y los que hay con una fuerte carga simbólica: Cuchillo con el que fue asesinado cerca de su mano caída que sostiene la pluma (oposición barbarie frente a ideales ilustrados) una simple caja vieja de pino le servía de escritorio, las sábanas con remiendos, el tapete verde que cubría la tabla que tenía sobre la bañera (austeridad), un billete de asignado con una nota para entregar a una viuda con cinco hijos (generosidad) A pesar de no ser agraciado físicamente David lo representa con un desnudo heroico Tintero con pluma para significar la labor intelectual de Marat En la mano la nota con la que su asesina pretendía llegar hasta él (nunca la leyó Marat, es una licencia que se toma David). Las manchas de sangre acentúan el dramatismo Hay un recorrido con la sangre desde la nota, el agua enrojecida, la herida manando que llevan hasta el cuchillo ensangrentado La caja, un volumen cúbico perfecto hace las funciones de lápida: “ A Marat, David. L`an Deux NEOCLASICISMO Jacques-Louis David

Jacques-Louis David Napoleón cruzando los Alpes Contraste del lento y fatigoso avance del Ejército francés por el paso de San Bernardo y la actitud dinámica del caballo Paisaje abrupto en diagonal Caballo en corveta agitado en contraste con dominio del emperador Crines, capa, crines y cola del caballo impulsados por viento trasero siguen dirección del brazo del emperador (símbolo del triunfo) Inscrito en las rocas el nombre de Anibal, Carlomagno y el propio Bonaparte Atmósfera tormentosa (azul grisáceo) contrasta con tonos cálidos de Napoleón Gran realismo en los detalles La cara serena de Napoleón contrasta con lo agitado de las líneas curvas en que aparece envuelta NEOCLASICISMO Jacques-Louis David

Francisco de Goya y Lucientes Segunda etapa Maja desnuda Maja vestida Pincelada más suelta, más variedad cromática, riqueza de detalles (corpiño) Perfección anatómica Sensualidad: sus rosadas carnes resaltan al contrastarse con el azul del diván y los blancos de las sábanas y almohadones Efectos claroscuros, luz envolvente de cuerpo Otro extraño ejemplo de desnudo en pintura española (Inquisición lo prohibía) Dibujo más definido, pincelada lisa Ropa masculina (disfraz) con detalles de lujo (zapatos y lazo rojo) Canon acortado NEOCLASICISMO Goya

Francisco de Goya y Lucientes Tercera etapa El Coloso Figura majestuosa realzada sus tonalidades cálidas por los juegos de luz Puño cerrado amenazador (alegoría de la guerra o la desgracia. También posible alusión a Napoleón) Contraste de líneas de fuerza: Gigante de espaldas hacia fondo y la población y animales despavoridos hacia los lados opuestos Sólo burro permanece quieto (símbolo de la ignorancia ante lo que se avecina) Paisaje desolado complementa caos y pánico NEOCLASICISMO Goya

Francisco de Goya y Lucientes Cuarta etapa Pinturas negras Saturno devorando a sus hijos Expresionismo: Ojos desencajados, nariz y boca prominentes Estudio anatómico (persona adulta) del hijo. Fuerte contraste ocre claro del cuerpo y rojo de la sangre Gusto por lo desagradable y horripilante Dedos se incrustan en carnes Contraste cuerpo inerte y cuerpo en tensión de Saturno Figura emerge de una profunda oscuridad Cuerpo deformado Pinceladas discontinuas, Enérgicas, manchas saturadas, con grumos Simboliza paso del tiempo (y mensaje más profundo hombre destruye al hombre) NEOCLASICISMO Goya

Ingres NEOCLASICISMO El baño turco

Ingres NEOCLASICISMO La gran odalisca

ROMANTICISMO

ROMANTICISMO Géricault

Théodore Géricault La balsa de “la Medusa” Dos pirámides de movimientos divergentes: Una hacia la salvación Otra arrastrada a la perdición Uniforme abandonado refleja metáfora de la decadencia de Francia Realismo en anatomías (estudió cadáveres) pero sin perder su concepción clásica Presencia en la lejanía del barco que los salvará Dramatismo de situación se traduce en paisaje tormentoso. Los brillos en la distancia simbolizan la esperanza La inmensa ola oscura acentúa la tensión dramática Gradación de movimientos Desde la base (muertos o moribundos) hasta la cúspide donde los náufragos agotan sus últimas fuerzas en hacer señales Composición en zig-zag, escorzos profundos, diagonal recesiva El empleo de betún para obtener tonos más oscuro estropeó zonas del cuadro Figuras recortadas por luz violenta Representa tema contemporáneo de forma épica para resaltar la desesperación de la humanidad por su abandono ROMANTICISMO Géricault

ROMANTICISMO Delacroix

Eugène Delacroix Libertad guiando al pueblo Muertos y barricada en primer término crean una pirámide inestable Movimiento ascensional hacia el espectador que incluso rebasa encuadre (bandera) Carácter simbólico del pueblo: trabajador con espada, burgués con fusil (posible autorretrato) y un joven con pistolas (todos con expresión de gran determinación) Alegoría:Moribundo mira a la libertad (en un predominio de tonos apagados – ocres y grises - destacan los colores rojos y azul de su ropa y el blanco del difunto que está delante (bandera francesa) Composición más equilibrada pero dotada de gran dinamismo Pinceladas muy sueltas y onduladas Representación alegórica de la libertad o Francia (reminiscencia a las victorias aladas griegas) En el paisaje se ven las torres de la catedral de París Sobre fondo azul y rojizo se recortan a contraluz las figuras ROMANTICISMO Delacroix

ROMANTICISMO Delacroix

Eugéne Delacroix Muerte de Sardanápalo Fuerte dinamismo (figuras en máxima tensión en contraste con actitud relajada del rey) Manchas de color con pequeñas y libres pinceladas o esfumatos logra difuminar loscontornos dotando a la composición de mayor dinamismo. Diagonal dominante desde el fondo hasta el espectador que se ve confundido por ejes transversales al principal Punto de vista elevado Sensualidad y fiereza Contrastes cromáticos intensos (cuerpos nacarados mujeres, tela roja, etc.) Violento claroscuro Apelmazamiento de objetos y personajes Preferencia por tonos cálidos ROMANTICISMO Delacroix

M. WilliamTurner Anibal cruzando los Alpes El sol representado rodeado de un torbellino donde se mezcla la tempestad y el alud de nieve Ejército cartaginés y salasios son pequeñas figuras aborbidas por inmensidad del paisaje Contraste de tonos oscuros con zonas cálidas o con destellos blancos Ritmos giratorios que plasman fuerza incontrolable de naturaleza Aparece por primera vez el vórtice alrededor del cual girarán los torbellinos tormentosos ROMANTICISMO Turner

M. William Turner Lluvia, vapor y velocidad La luz penetra en la materia y la deshace en imágenes desleídas Diagonales oscuras del puente que avanzan hacia el espectador 1ª vez que un tren (Revolución Industrial) se convierte en tema del arte Tonos más oscuros mitad inferior (marrones, grises) Barca y segundo puente envuelto en vapor atmosférico Pinceladas abocetadas, muy libres, con transparencias junto a zonas muy saturadas de color (empastes, restrega dos) Sensación de movimiento Atmósfera formada por yuxtaposición y mezcla de amarillos claros, blancos y algunos azules grisáceos (naturaleza indómita) ROMANTICISMO Turner

Caspar David Friedrich Monje contemplando el mar Figura empequeñecida Pérdida de perspectiva. La profundidad se diluye en las difuminadas manchas de color Mayor parte del cuadro ocupado por el cielo Fuerte contraste entre colores fríos de cielo y los tonos cálidos de la playa Tonalidad oscura del mar acentúa sensación de desamparo y soledad ROMANTICISMO Friedrich

REALISMO

Gustave Courbert Los picapedreros Personajes de extracción humilde en su duro trabajo (anónimos, sin distinguirse bien el rostro) La montaña de color oscuro impide que el espectador se distraiga del primer término. Sus protagonistas invaden espacio del espectador Arte con función de denuncia social Un trabajador joven y otro mayor para simbolizar la vida malgastada en el alienante trabajo Dos movimientos contrapuestos equilibran la composición: el joven levanta la carga mientras el viejo baja el martillo REALISMO Courbert

Gustave Courbert El estudio Compleja simbología Pintor con paisaje tomado del natural frente a maniquí usado por pintores académicos Clases más desfavorecidas Napoleós III disfrazado de cazador Capa, puñal y guitarra en el suelo (fin del romanticismo) Calavera sobre periódico (muerte a los críticos de arte) Niño = mirada del futuro Mujer desnuda símbolo de la verdad Baudelaire Claridad de exterior a través de la ventana lateral Niño pintando alegoría de dedicación o hijo ilegítimo de Courbert REALISMO Courbert

Gustave Courbert El entierro de Ornans Retratos de gente de su pueblo Figuras de tamaño natural distribuidas a modo de friso horizontalmente Composición rectangular simple con verticales y horizontales (Paisaje horizontal equilibra figuras verticales) Hoyo del centro invade espacio del espectador Crucifijo único elemento vertical que sobresale Escena no Idealizada (despreocupación) 6`63 m. Enormes proporciones 3´10 m. Encuadre cortado arbitrariamente en extremos Distribución democrática de asistentes con sutil organización: clero, personajes laicos importantes y mujeres con los niños Fondos oscuros con figuras de primer plano recortadas más oscuras (negro) Pincelada suelta Luz de amanecer da corporeidad a personajes estatismo REALISMO Courbert

Honoré Daumier Las lavanderas Trazos gruesos Predominio de tonos ocres y marrones Movimiento ascensional dificultoso Absoluto protagonismo de personajes humildes Figura ocupa buena parte del cuadro dotándola de cierta grandiosidad Paisaje desolado Contraste colores cálidos y fríos Dota de entrañable humanidad figura infantil Óleo sobre tabla REALISMO Daumier

Honoré Daumier El vagón de tercera Trazo grueso modela fuertemente sus figuras Expresión de cansancio y abatimiento Mujer anciana Ocupa zona central Diversidad de expresiones y gestos Personajes de extremos abocetados en contraste con los otros perfectamente definidos REALISMO Daumier

François Millet Las espigadoras Temática campesina (mujeres más pobres recogen las sobras) Primer término destacan figuras con pañuelos con colores primarios Figuras inclinadas, en escorzo. la que se incorpora no sobrepasa línea de horizonte que está muy elevada (simboliza sometimiento a la tierra) Almiares y carreta reproducen esquema de mujeres pero a la inversa (dos elementos altos y uno bajo) Tonalidades terrosas (muchas veces colores sin mezclar con aceite, pasta seca, rugosa) Contornos geometrizados Figura a caballo, personas trabajando y abundancia de trigo del fondo contrasta con pobreza de tierra de primer término estatismo Pinceladas pequeñas a a b b b a Análisis de la luz para acentuar sentimientos REALISMO Millet

François Millet El Ángelus Estudio de la luz Figuras recortadas, de formas rotundas sobre elevado horizonte (en contraste su verticalidad con horizontalidad de paisaje) Características generales: estatismo, colores de la tierra, gusto por los detalles, geometrización, pinceladas pequeñas, etc. Armonía cromática Gusto por el detalle (pequeñas hierbas) Cabezas bajadas y tristes REALISMO Millet

IMPRESIONISMO

Características generales Captar lo efímero de la realidad Pintan al aire libre (para poder aprehender las variaciones de luz) Tema principal el paisaje Escenas de la naturaleza Escenas urbanas Interés por lo cotidiano Análisis de la incidencia de la luz sobre los objetos Pinceladas rápidas, enérgicas Relación espacio, tiempo y luz (series sobre un mismo tema) Composición Diversidad de encuadres (por influjo de la fotografía) Multitud de puntos de vista Distribución libre de volúmenes y vacíos Colores Colores puros, claros y luminosos Salvo Renoir no suelen emplear el negro Sombras conseguidas con el color complementario correspondiente Estudio teórico de los colores Rueda cromática Toques rápidos y sueltos. Yuxtaposición de manchas muy saturadas de color Dibujo relegado. Colores industriales Más variedad y viveza Se fusionan en retina del espectador Ausencia de perfiles Primarios, Secundarios, complementarios IMPRESIONISMO

ÉDOUARD MANET IMPRESIONISMO

OLIMPIA IMPRESIONISMO

El bar del Folies-Bergere IMPRESIONISMO

CLAUDE MONET Impresión sol naciente IMPRESIONISMO

Claude-Oscar Monet Impresión: salida del sol Colores puros y brillantes Pinceladas divididas en bandas horizontales o verticales (suele preferir las redondeadas para el agua y las nubes) Desaparición del dibujo (contornos difuminados) Claroscuros sustituido por yuxtaposición de colores Pinceladas en diferentes direcciones Diagonal de las tres barcazas Sol naranja (cálido) rodeado de azules fríos El título del cuadro hizo que un crítico de arte (Louis Leroy) denominara despectivamente al movimiento “ impresionismo” y los artistas que participaron en la exposición en la sala del fotógrafo Nadar (antiacademicismo) lo aceptaron Monet prefiere Reflejar la atmósfera y el agua (va a ser el único que permanece fiel al estilo toda su vida) Equilibrio de la composición: Formas que están por encima del horizonte se reflejan en el mar IMPRESIONISMO

Claude-Oscar Monet Regatas en Argenteuil La Grenouillere Características generales Figuras y árboles Con pinceladas verticales Agua con pinceladas horizontales Yuxtaposición de pinceladas con tonos muy simples Poco a poco los impresionistas incorporan al cuadro todos los colores del arco iris en llamativas combinaciones (rojo y naranja de casa con verde de vegetación y azul del cielo. Triángulos amarillos de las velas, etc.) Horizonte delimitado por largas pinceladas IMPRESIONISMO

Claude-Oscar Monet Serie de Estación de San Lázaro Temática revolución industrial Serie de al menos siete cuadros Espacio enmarcado por el triángulo del techo de la estación Objetos captado a través de las densas manchas de color del vapor de agua Características generales IMPRESIONISMO

La estación de San Lázaro IMPRESIONISMO

Catedral de Ruán IMPRESIONISMO

Claude-Oscar Monet Serie Catedral de Rouen Serie de más de cuarenta lienzos Desmaterialización de las formas Le interesa más que el edificio en sí, cómo se ve afectada la catedral por la incidencia de la luz en distintos momentos del día y desde diferentes ángulos (se iba desplazando hacia la derecha) IMPRESIONISMO

PIERRE AUGUSTE RENOIR IMPRESIONISMO

Pierre Auguste Renoir Baile en el Moulin de La Galette Composición basada en la diagonal que forman las figuras del primer plano y las que bailan al fondo Sutiles juegos de luces y sombras por la luz que es tamizada a través de las ramas de los árboles Encuadre elimina el cielo, centrándose en las figuras Actitudes alegres, despreocupadas Multitud de personajes en actitudes diversas Características generales Varios puntos de fuga rompen sentido unitario Elementos de primer término más nítidos, fondo más difuminado Escena de la vida cotidiana urbana que transmite alegría de vivir IMPRESIONISMO

IMPRESIONISMO

Pierre Auguste Renoir El almuerzo de los remeros Gran preocupación por las naturalezas muertas Aparente espontaneidad de actitudes ocultan una compleja labor de composición La diagonal separa al dueño del restaurante y a la futura mujer de Renoir del resto Los dos tríos están situados en un lado del cuadro Se trata de una obra en la que aparecen retratados conocidos del pintor Las interrelaciones de los personajes a través de las miradas nos hacen dirigirnos de un lado al otro del cuadro e imprimirle gran frescura IMPRESIONISMO

IMPRESIONISMO

EDGAR DEGAS IMPRESIONISMO

Edgar Hilaire Germain de Gas ( Degas ) La clase de danza Escenas de interior Tema de bailarinas (especialmente ensayando) Características generales: diversidad de gestos, zigzag, composición en diagonal, encuadres cortados, etc.) Tablones acentúan profundidad (abarcan dos tercios del cuadro) Blancos transparentes y vaporosos Mujeres de espaldas al espectador alejan al observador Realce de lazos con Colores primarios o binarios Posición destacada del maestro (se crea un espacio en torno a él) Paredes verdes y suelo marrón destacan blancos de bailarinas Verticales marcadas por las pilastras Desequilibrio entre zonas con muchos personajes y otras vacías IMPRESIONISMO

IMPRESIONISMO

POSIMPRESIONISMO VINCENT VAN GOGH POSIMPRESIONISMO

Vincent Van Gogh Noche estrellada Contraste entre formas rectas del pueblo muy empequeñecido y la profusión de curvas y contracurvas del cielo y la vegetación Cipreses flamígeros dan verticalidad que equilibra horizontalidad de cielo Pinceladas enérgicas, sinuosas y cargadas de color puro que contrastan de modo violento Estrellas y luna representadas por torbellinos amarillos rodeadas de pinceladas blancas en dinámica relación con cielo azul Espirales de color acentúan agitación Contornos muy marcados con líneas oscuras Resplandeciente banda aumenta contraste entre espacio terrenal y celestial POSIMPRESIONISMO

POSIMPRESIONISMO

Vincent Van Gogh autorretrato Autorretrato con oreja vendada Técnica divisionista con pinceladas densas directamente sacadas de los tubos industriales de pintura Pinceladas yuxtapuestas y superpuestas con distintas tonalidades que provocan fuertes contrastes cromáticos Innumerables autorretratos POSIMPRESIONISMO

Vincent Van Gogh Naturaleza muerta Doce girasoles Catorce girasoles Pincelada continua, de ejecución rápida Búsqueda de combinaciones cromáticas de amarillos y naranjas Girasoles simbolizan sol de Arlés POSIMPRESIONISMO

Vincent Van Gogh Mi habitación en Arlés Tres versiones Punto de vista elevado (privilegia plano del suelo) Combinaciones cromáticas de tonos puros y complementarios Objetos con valor simbólico Ventana semicerrada estado de ánimo deprimido Colores planos muy saturados POSIMPRESIONISMO

Vincent Van Gogh Los cipreses Pinceladas se arremolinan, reflejando su alterado estado anímico Colores cada vez más saturados (usa espátula junto al pincel) Se inclina por el tema de los cipreses con desarrollo flamígero POSIMPRESIONISMO

POSIMPRESIONISMO

Vincent Van Gogh Campo de trigo con cuervos Realizado días antes de su muerte Utiliza cuchillo para impregnar espesas capas de pintura Contrastes cromáticos intensos Desaparición absoluta del dibujo Expresión de estado de ánimo a través del color Caminos tortuosos Desasosegante presencia de los negros cuervos volando en diagonal Línea de horizonte ondulada Cielo encrespado por colores oscuros y por torbellinos POSIMPRESIONISMO

e s c u l t u r a i m p r e s i o n i s t a

Auguste Rodin Las puertas del infierno Proyectada más de 180 figuras en varios grados de relieve: bulto redondo, alto, medio y bajo relieve Personajes aislados, encerrados en su introspección Se inspira en “ La Divina Comedia de Dante” No se concluyó pero algunas piezas se convirtieron en obras independientes El pensador (originariamente iba a ser Dante) En un espacio con fondos indefinidos y zonas escarpadas se arraciman y afloran multitud de agitadas figuras, algunas apenas esbozadas Las tres sombras Grandes dimensiones: 13`5 m. alto x 4 m. ancho Gran intensidad del modelado (Rodin fue más moldeador de barro) confiriendo rugosidad a las formas (ricos contraste luz-sombra) IMPRESIONISMO

Auguste Rodin El beso El pensador Personaje cerrado sobre sí mismo (líneas de fuerza) Extremidades sobredimensionadas Cuerpo musculoso en tensión Técnica del “ non finito” rugosidad Multiplicidad de puntos de vista Pensamiento reconcentrado refleja intensidad del esfuerzo Superficie sin pulimentado crea fuertes claroscuros contraste Superficie muy lisa (mujer más, Pulida, hombre de carnes más duras) Captación del movimiento en distintas fases: beso apasionado pero mano apenas acaricia aún vacilante IMPRESIONISMO

Auguste Rodin Los burgueses de Calais Sustituye el alto pedestal por una baja platafoma Son figuras aisladas unas de otras. Avanzan en distintas direcciones Características generales: multiplicidad de puntos de vista, técnica del non finito que acentúa claroscuros, expresividad de manos, tensión muscular, etc. No son figuras ennoblecidas, sino individuos derrotados que se dirigen hacia su cruel destino Temática: Eduardo III de Inglaterra exige tras la rendición de la ciudad, que seis importantes miembros de la misma vayan descalzos, con traje de arpillera, cuerdas en el cuello y llevándole las llaves de la plaza tomada IMPRESIONISMO

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La figura humana en la pintura y escultura

by NU3V3 on Jun 05, 2011

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