Conceptos sobre cine

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Conceptos sobre cine

  1. 1. Proyecto TEDDihttp://www.teddi.ua.es
  2. 2. Introducción. Conceptos teóricos básicos: __________________________ 3 • Fases de realización de un producto audiovisual: _________________ 3 • Tipos de plano (internet)_______________________________________ 3 • Movimientos de cámara _______________________________________ 4 • Angulación de cámara_________________________________________ 5 • El montaje y el ritmo __________________________________________ 5 • Los oficios del cine ____________________________________________ 7El guión (de la idea inicial a la versión definitiva). Cómo construir unguión. ____________________________________________________________ 9La preproducción_________________________________________________ 10 • Redacción del guión _________________________________________ 10 • Diseño de producción ________________________________________ 11 • Análisis de guión ____________________________________________ 11 • Cinematografía ______________________________________________ 12 • Ensayo _____________________________________________________ 13El rodaje _________________________________________________________ 13 • Elaboración y cumplimiento del plan de rodaje___________________ 13 • El raccord __________________________________________________ 13 • La dirección de actores, del equipo y la búsqueda de soluciones cuando todo se desbarajusta, las prisas y cómo se acabará el plan de rodaje. _________________________________________________________ 13 • Los elementos de apoyo: la fotografía, el decorado, el atrezzo, el vestuario, el maquillaje, la música prevista, los efectos especiales-visuales previstos, transiciones entre secuencias previstas ___________________ 13 • Consejos básicos para el rodaje _______________________________ 13La postproducción _______________________________________________ 14 • El montaje __________________________________________________ 14 • La promoción _______________________________________________ 18 2
  3. 3. Introducción. Conceptos teóricos básicos: • Fases de realización de un producto audiovisual: o Preproducción La fase de preproducción consistirá básicamente en realizar un detallado análisis de todo el proyecto audiovisual, empezando por el desarrollo del guión y acabando por la elaboración del presupuesto. En esta fase también se deberán tener claros las localizaciones para nuestro producto, así como desarrollar un completo programa de las tareas a realizar. o Producción Administración de producción, localizaciones y estudios, contratación de equipos de trabajo, escenografÍas, alojamiento, transporte, etc. En fin todas las tareas necesarias a lo largo del rodaje de un producto audiovisual. o Postproducción Una vez realizado el rodaje de la película prácticamente “sólo” nos queda el montaje de la misma. En tareas de postproducción también podemos incluir otras labores como marketing y publicidad del producto. Para productos audiovisuales a pequeña escala, aquí podríamos incluir labores tales como la búsqueda de concursos donde presentar nuestro trabajo. • Tipos de plano (internet) El plano se convierte en la unidad mínima y básica expresiva en cualquier obra audiovisual. Cualquier exposición audiovisual se basa en la sucesión y concatenación de distintos planos. Cada tipo de plano se diferencia de los demás por aquello que encuadra y determina el centro de atención, con unas capacidades para la sugerencia emocional. Para conseguir diferentes sensaciones en el espectador, podemos utilizar los diferentes tipos de plano: o Plano de detalle. Consiste en un plano muy cercano en el cual la cámara nos muestra un objeto, un detalle del mismo o un detalle de una persona o animal. Utilizado para resaltar la presencia de una cosa (generalmente de reducido tamaño) de tal manera que no pase desapercibida por el espectador debido a la importancia de dicho objeto en el desarrollo de la película. En ocasiones su excesivo uso, provoca la pérdida de atención del espectador. o Primer plano. Podemos hacer una subdivisión en este tipo de planos. Por un lado, el primer plano corto, en el que sólo aparece el rostro del personaje y por otro, el primer plano largo, en el que además del rostro también se nos muestra una porción significativa de los hombros. Utilizado 3
  4. 4. para mostrar las emociones o estado anímico del personaje y sus reacciones ante todo lo que está sucediendo. o Plano medio. Enmarca al personaje por encima de la cintura. Este tipo de planos muestran más información acerca del personaje y además permite la inclusión de otros elementos en la imagen. Un claro ejemplo de este tipo de plano serían los que aparecen en los telediarios. o Plano americano. O también conocido como plano ¾ Incluye al actor . desde la cabeza hasta las rodillas y fue muy utilizado en su momento en los westerns. o Plano general. El personaje se nos muestra de cuerpo entero y además está rodeado por su entorno. Al igual que los primeros planos, se pueden dividir en plano general corto o largo según la amplitud de lo que se encuadre. Este tipo de planos se olvidan un poco de los personajes y dan más importancia al todo. Sin embargo también se puede utilizar para resaltar la soledad de un personaje colocando una figura pequeña en un lugar desierto. o El espacio off. Supone aquellos planos que no aparecen en la pantalla pero cuya existencia se supone o sugiere gracias al sonido y los diálogos (ruidos de coches, música de fondo en una discoteca).• Movimientos de cámara Un movimiento de cámara debe llevarnos siempre de un punto de interés a otro. Con esto tenemos diferentes movimientos: o Panorámica. La cámara efectúa un ligero movimiento de rotación girando sobre su propio eje horizontal. Se utilizan para mostrar el entorno en el que se desarrolla la acción y debe conducirnos de un punto de interés a otro que sirva para el inicio de la narración. o Travelling. La cámara realiza un movimiento de traslación, es decir cambia su situación sobre el suelo. En este tipo de movimiento la cámara se sitúa sobre unas vías, grúas o cualquier otro soporte sobre las cuales se mueve. Se utiliza para seguir el movimiento de un determinado objeto de interés. o Cámara al hombro. Los dos movimientos anteriores se pueden realizar con la cámara al hombro, sin embargo el movimiento tembloroso no acaba de caer bien entre los espectadores. o El zoom. Se puede simular un travelling de acercamiento o alejamiento gracias que poseen las cámaras. El efecto no es muy realista y tan sólo cambia el tamaño de una porción de la imagen. 4
  5. 5. • Angulación de cámara o Eje perpendicular. La cámara se coloca perpendicularmente al objeto desea captar. Es la angulación más realista. o Picado. La cámara se sitúa a una altura por encima de los personajes y graba desde arriba. Provoca sensación de vértigo, inferioridad del personaje que aparece. o Contrapicado. La cámara se sitúa a una altura inferior a la de los personajes y los filma desde abajo. Dan a los personajes un halo de superioridad. o Angulación aberrante. La cámara se ladea lateralmente además de moverse por encima o debajo de la perpendicular produciendo un punto de vista que sugiere inestabilidad, ruptura, desequilibrio.• El montaje y el ritmo Tan importante como el propio guión o el rodaje, es la fase de edición o montaje de la película. El montaje es el final de un proceso, pero que sin embargo se debe pensar en él desde un primer momento. Una frase lo simplifica todo: “rodar para montar”. Esto implica que en el momento del rodaje se ha de saber que planos nos van a hacer falta a la hora de realizar el montaje. Existen una serie de reglas de montaje para cualquier producción audiovisual: o La regla de la gradación de escala. Esta regla indica que un plano general largo no puede ir seguido por un primer plano de un rostro, sino que deben intercalarse algo conocido como plano de escala intermedia para que el salto producido entre ambos planos no sea demasiado grande y que además resuelva dudas como ¿dónde se encuentra el personaje?¿con quien está el personaje en ese momento?. La falta de utilización de esta regla provoca en el espectador mucha confusión. o La regla de los 90º. En un montaje no pueden aparecer dos planos de la misma escala sin tener una diferencia en el eje de tiro de la cámara de al menos 90º . Si colocamos dos planos demasiados similares, parecerá que 5
  6. 6. se ha producido un salto en la película, lo cual resulta desagradable para el espectador.o La regla del salto de eje. Esta regla indica que dos planos consecutivos deberán ser siempre tomados desde el mismo lado del eje de la acción. Esta es la típica situación de una conversación entre 2 personas una en frente de la otra, en el que se ve a un personaje de frente y al otro de espaldas y posteriormente al revés. En estas situaciones la cámara deberá estar siempre en el mismo lado de forma que el personaje A esté siempre a la derecha y el B a la izquierda, independientemente de quien esté de frente o de espaldas en cada momento.Pasando al tema de las transiciones entre planos, podemos distinguir entre:o Al corte. Un plano seguido de otro limpiamente. Esto implica una continuidad espacio-temporal. Si queremos incluir este tipo de transición, el siguiente plano debe ser lo suficientemente diferente como para que el espectador no piense que se trata de la misma escena.o Fade in. La imagen va apareciendo en una pantalla oscura que se va aclarando. Se utiliza normalmente para abrir una escena.o Fade out. La pantalla se oscurece gradualmente haciendo desaparecer la imagen. Da sensación de cierre o de haberse acabado aquel instante dentro del periodo en que estamos.o Encadenado. Refundido de dos imágenes. La segunda se va superponiendo a la primera. Se utiliza para indicar un paso de tiempo más rápido que un fade.o Encadenado con desenfoque. En este caso, la imagen se difumina, pierde intensidad, clarea hasta que desaparece o entre otra distinta. Es un recurso sofisticado de paso de tiempo, de transición o bien de cierre.o Congelado. La imagen deja de moverse, queda instantáneamente inmovilizada. Este efecto se utiliza para enfatizar un instante o cerrar una escena.o Cámara lenta. Los movimientos se ralentizan; la imagen pierde velocidad. Con ello, se intensifica, se acentúa, se remarca una acción; se altera y se transforma el tiempo real. Si hacemos un uso abusivo, podemos perjudicar la acción. En los años sesenta, la cámara lenta se convirtió en tópico de imágenes románticas, tanto amorosas como violentas.o Cortinilla. Ocurre un desplazamiento de la imagen fuera de la pantalla por una línea vertical, y es sustituida por otra escena. Da idea de 6
  7. 7. simultaneidad. Una variante del desplazamiento de imagen es el remolino: imagen que gira y se va, o desaparece en el fondo de pantalla. o Cámara rápida. La imagen adquiere mayor velocidad; los movimientos son más rápidos. Este recurso se limita a las escenas humorísticas. La relación que el público establece que la cámara rápida y el cine primitivo se debe a la frecuencia con que películas antiguas se proyectan a una velocidad inadecuada, por culpa de unas máquinas automáticas no siempre graduables. o Barrido. La cámara corre, desplazando la imagen con rapidez y, simultáneamente, cortamos y pasamos a otra escena, o volvemos a la misma escena (corte de continuidad en seco).• Los oficios del cine En cualquier producción audiovisual, el reparto del trabajo es fundamental para el éxito del mismo. Vamos a tener que dividir el proyecto en una serie de funcionalidades básicas. Vemos unas cuantas: o El director y los guionistas El trabajo del director del producto consiste en llevar el control de todo lo que se está haciendo en cada momento. Por este motivo, el director necesita tener conocimientos de las funciones que desempeñan el resto de los participantes. En resumen, es responsable del producto final por lo que su buena elección será vital. Al lado del director se encuentran los guionistas, que como su propio nombre indica construirán el guión a desarrollar en el producto. Estos se suelen apoyar en los dibujantes de storyboard cuyo trabajo es representar en forma de “comic” las diferentes secuencias que luego se presentarán en imágenes. Los storyboard constituyen la primera aproximación visual al relato y nos facilitará la ordenación de nuestras ideas. o El productor La producción siempre ha estado ligado la parte económica. El productor será el encargado del estado de cuentas de nuestro producto: materiales necesarios, cintas, maquillajes, comidas de los participantes, pedir permisos para grabar en determinados lugares. o El director de fotografía Encargado de que la imagen esté acondicionada adecuadamente en cuanto a sus niveles de luz. Cuando no disponemos de la suficiente luz, los 7
  8. 8. objetos aparecen desvirtuados y apenas existe definición. Estos defectos los tendrá que solventar el director de fotografía.o El técnico de sonido Para grabar sonidos, este ha de ser alto, claro y sin distorsiones y para añadirle realismo debe venir acompañado de efectos como ruidos de pasos, puertas que se abren, etc.o El montador Será el encargado de recoger todas las escenas grabadas, editarlas con un programa de edición de video y obtener el resultado final. Este montado debe conocer a fondo el lenguaje audiovisual para captar errores en la grabación y sacar el máximo partido a las escenas filmadas.o El script Todas las cámaras incluyen la posibilidad de visualizar un contador. El trabajo del script es anotar en una tabla el plano rodado, la secuencia a la que pertenece y el número de tomas que se hacen en cada caso indicando la duración que viene en dicho contador. Esta tabla será de vital importancia para el montador ya que gran parte de las cintas contendrán muchos errores. El montador debe saber cuales son los planos buenos y cuales, los desechables. El script también debe estar pendiente de que exista continuidad o raccord, es decir, que el actor lleve la misma ropa en todas las grabaciones de una misma escena.o El claquetista Una es una pequeña pizarra donde se anota la información que al mismo tiempo anotará también el script en su libreta, es decir, el plano, la secuencia a la que pertenece y el número de la toma que va a ser rodada. Cuando ya se tiene, lo primero que se graba, antes de decir “acción” es la claqueta y se da el golpecito y comienza la escena.o Los actores Constituye la profesión más sufrida. Suben, bajan, corren, gritan, huyen y sobre todo ensayan mucho. La primera comunicación entre un personaje y su público es no verbal y se lleva a cabo a través de su físico y de su rostro. De ahí lo importantes que es el casting.o Otros Maquilladores, cámaras, ayudantes de cámara, auxiliares de cámara, ayudantes de dirección, ayudantes de producción, eléctricos, ... son el resto de profesiones que caracterizan un producto audiovisual. 8
  9. 9. El guión (de la idea inicial a la versión definitiva). Cómo construir unguión. No es conveniente dejar la elaboración del guión a la divinidad de algún dios oculto, por eso es conveniente contar con un grupo de entre 5 y 8 personas y realizar lo que se conoce con el nombre de brainstorming o lluvia de ideas. Cada persona del grupo podrá exponer sus ideas y estas ser debatidas por todos los demás. De esta manera se puede ir escogiendo lo mejor de cada una de las ideas para posteriormente unirlas y formar una idea global más completa. Una vez elaborada esta idea total, es conveniente verificarla con otras personas para obtener una valoración más objetiva ya que en muchas ocasiones se produce el fenómeno inevitable de ver lo nuestro como lo mejor. Cualquier guión debe pasar por una serie de etapas: o La Idea. Sentido fundamental de la historia que se quiere convertir en un guión. o La sinopsis. Constituye la idea más la acción. Contendrá los hechos más destacados de la historia, personajes y la resolución de aquello que sucede entre los personajes. o Tratamiento. Matiza el sentido de la historia. Se fija el modo en el que se va a contar la historia (intriga, comedia, fantástica). Ya deben empezar a perfilarse los rasgos característicos de los personajes protagonistas, perfiles físicos y psico-sociales. o La escaleta. Construcción esquematizada de lo que va a ser el guión definitivo. Enumeración muy escueta de lo que va a ser todas las secuencias por orden de continuidad, con pequeñas indicaciones sobre las localizaciones y algunos otros rasgos orientativos. Tendremos una visión anticipada de la estructura global de la película. o El guión literario. Redacción de la historia dividida en secuencias, de forma descriptiva, pero sin entrar en anotaciones técnicas de ningún tipo. Se incluyen los elementos anteriores más los diálogos. El guión literario sólo dará instrucciones muy escuetas y claras, sin entrar en detalles, sobre localizaciones y ambientes. Sólo es necesario entrar en detalles muy minuciosos cuando los objetos tienen una importancia trascendente para la historia. También es necesario caracterizar a los personajes con datos como: edad, posición social, forma de vestir, gastos, reacciones, relaciones humanas, influencia del pasado, etc. 9
  10. 10. o El guión técnico. Contiene todos los aspectos del guión literario más todas las indicaciones técnicas precisas (campo visual, movimientos de cámara, planos). El storyboard supone un complemento al guión técnico. Consiste en dibujar la película plano a plano. Las viñetas deben responder a la escala y angulación adoptadas de antemano por escrito. Por otro lado, el croquis de rodaje consiste en un sistema de dibujo de las escenas más complicadas que, de forma muy sencilla, describen los movimientos, angulaciones y posiciones de la cámara que se deben adoptar para filmar las sucesivas tomas que corresponden a la escena. o El plan de rodaje. Desglose por tomas, que se ordenan de forma que el rodaje se haga lo más económico posible en el tiempo y dinero. En este desglose pueden figurar los siguientes datos: día de rodaje (fecha), número de secuencia, localización, luz natural o artificial, número de páginas de guión técnico que comprende la secuencia, decorados, personajes principales, secundarios y figuración. El plan de rodaje está realizado por el jefe de producción a partir del guión técnico.La preproducción Las cinco fases de preproducción de un producto audiovisual son las siguientes: • Redacción del guión o Recursos e investigación Cuando se quiera redactar un guión se pueden tener a la mano una librería de fotografías recortadas para cada escena durante la composición, esto servirá como referencia para localizaciones específicas o para la evocación de memorias y sentimientos. Estas imágenes son sólo temporales, no son los planos finales pero ayudarán al director a comunicarle al diseñador de producción o al cinematógrafo al espíritu, tono y atmósfera deseado para una escena. La mejor forma de organizar la estructura de un guión es mediante el despliegue de tarjetas en un corcho de pared, en el que cada tarjeta es una escena, y en cada una se irá redactando el boceto de dicha escena. o Sonido y música Existen varias formas de imaginar el sonido para una producción, algunos editores usan clips de música existentes que luego reemplazan por la composición original. Según la selección de sonido que el cineasta imagina para la escena, el cinematógrafo y el diseñador de 10
  11. 11. producción pueden capturar instantáneamente la idea y el sentimiento que deben imprimirle artísticamente.• Diseño de producción o Ajuste del guión y del presupuesto Algunas veces invertir más dinero en una producción no significa que va a ser mejor. El director asistente y el gerente de producción se sientan para hacer un ajuste de guión que no es más que una proyección logística y financiera de la película para que no se sobrepase el presupuesto. Para evitar gastos innecesarios la mejor solución es realizar el storyboard y poder así rodar lo necesario. o Diseño artístico y secuencial El diseño artístico incluye el diseño del set, vestuario, utilería, maquillaje y cualquier otro elemento que deba ser fabricado u obtenido. El diseño secuencial es el recorrido que hace el director y el cinematógrafo por una localización, planeando los ángulos y movimientos de cámara. o Diseño de la continuidad Es la composición de planos individuales, el planeamiento de la acción, la selección de lentes y el orden de los planos finales. Preferiblemente todo debe ser responsabilidad del director. o Exploración de localizaciones Es el recorrido realizado por el equipo de producción, el productor, el diseñador de producción y el artista de storyboard, examinando los sitios seleccionados para rodar. El director puede cargar una cámara fotográfica para poder después estudiar ángulos, composición, lentes y dirección de la luz del sol. o El guión ilustrado Después de tener bastante material visual para cada escena, como las fotografías que ha tomado o los bocetos que se hayan hecho, pueden desplegarlas completamente sobre una mesa para tener una vista general de toda la producción. Todo esto servirá para que no pierda la continuidad visual. Reunirse con el equipo creativo estudiando y reorganizando este collage de imágenes y fotografías es muy aconsejable.• Análisis de guión Cada cineasta desarrolla su propia manera de trabajar antes de filmar, algunos lo hacen a partir del storyboard, otros a partir de una lista de planos. Lo mejor es crear el plan de rodaje, en donde se describe la 11
  12. 12. representación de la acción, la selección de lentes y el ángulo de la cámara. o Plan de rodaje Primer borrador: después de haber visitado las localizaciones y tomado decisiones de producción basado en el presupuesto, el director realiza el plan de rodaje a partir de las fotografías tomadas en las localizaciones. El director después hace una lista de imágenes y así determina que fotografías de planos son determinantes en el efecto narrativo de la escena, basado en las ideas que vienen a su mente por asociación libre mientras lee el guión. Segundo borrador: aquí el director examina la descripción de cada escena en el guión, y resuelve el tipo de plano adecuado, abierto, medio, cerrado. o Desarrollo del Storyboard Una forma de desarrollar fácilmente el storyboard es distribuir cada escena del plan de rodaje escribiéndola dentro de cajas pero sin imágenes, sólo la descripción principal. Después el director agrega las fotos o imágenes o una selección de planos cerrados, medios y abiertos de los actores principales. Después escucha su librería musical para ir seleccionando el repertorio para las escenas. o Modelos y miniaturas El cineasta puede hacer uso de maquetas de los platós para estudiar ángulos y movimientos de cámara también. Puede tomar fotos con ayuda de lentes macro o diópticos, con lo que podrá fotografiar planos medios de los pequeños modelos.• Cinematografía Desde que se inicia la preproducción el director de fotografía o cinematógrafo tiene que estar pendiente de todo lo que corresponda a las localizaciones de rodaje, revisiones de storyboard, pruebas de imagen e iluminación de objetos de utilería, vestuario, maquillaje, etc. Sus responsabilidades es la iluminación, exposición de la película, y la ejecución del encuadre y movimiento de cámara determinados por el diseñador de producción, el director y el cinematógrafo mismo. Algunos directores le muestran a sus directores de fotografía imágenes, recortes o pinturas como una forma de ilustrar que es lo que quieren estética y artísticamente. 12
  13. 13. • Ensayo El ensayo es una gran opción para evitar tener que perder tiempo cuando se realiza la producción. Las escenas que requieren mayor concentración o exigencia de habilidades por parte de los actores y que podrían significar pérdida de tiempo si no están claras, deberían ser ensayadas a nivel de la misma disciplina que ofrece el teatro.El rodaje • Elaboración y cumplimiento del plan de rodaje • El raccord Este galicismo designa en terminología cinematográfica el perfecto ajuste de movimientos y detalles que afectan a la continuidad del corte entre distintos plano y, en consecuencia, raccordar significa unir dos planos de modo que no se produzca una falta de coordinación entre ambos, de tal manera que el salto que se produzca no sea perceptible y la ilusión del espectador de ver un fragmento de acción continúa no se vea interrumpida. Con esto podemos distinguir diferentes tipos de raccord, como raccord de dirección, de movimiento, de luz, etc. • La dirección de actores, del equipo y la búsqueda de soluciones cuando todo se desbarajusta, las prisas y cómo se acabará el plan de rodaje. • Los elementos de apoyo: la fotografía, el decorado, el atrezzo, el vestuario, el maquillaje, la música prevista, los efectos especiales-visuales previstos, transiciones entre secuencias previstas • Consejos básicos para el rodaje 1. No filmar todo lo que se presenta al objetivo de la cámara. Sólo hay que filmar aquello que tenga relación con el tema escogido 2. No abusar de los movimientos de cámara: travelling o panorámica 3. Variar el ángulo de toma de vistas, desplazándose cada vez alrededor del sujeto 4. No abusar de las vistas de monumentos o de paisajes. La película no debe ser un conjunto de fotografías, sino que debe mantener un orden y una coherencia y cohesión entre sus planos 13
  14. 14. 5. Estudiar bien todas las posibilidades de los exteriores antes de ponerse a rodar en ellos 6. La iluminación y los ángulos de toma de vistas bien escogidos desempeñan un gran papel en el éxito de una película 7. A una panorámica que vaya de derecha a izquierda no se debe oponer otra que vaya de izquierda a derecha 8. Estar atentos a los raccords de todo orden que son necesarios para lograr la continuidad 9. Evitar los movimientos de cámara cuando se rueda con teleobjetivo 10. No abusar del zoomLa postproducción • El montaje o Introducción El trabajo del montador es un trabajo de sustracción: se parte de un número de metros de película o de horas de grabación, a los cuales no se les puede añadir nada, para eliminar una parte, que se convierte en descartes. Mediante esta unión de planos se crea la lógica, el sentido, el ritmo que estos no manifestaban en estado separado. En este sentido, el montador no deja de tener una conciencia aguda, mezclada con un cierto vértigo, de una infinidad de posibilidades combinatorias que jamás tendrá tiempo material para explorar. En la medida en que una película ha sido objeto de un trabajo previo de escritura, y en el que el guión suele indicar el desglose de los planos, o presentarlo en forma de storyboard, podemos cuestionarnos por qué el montador no se limita a reproducir en la pantalla este desglose previo. La razón es que en el cine una vez fijada la imagen de la película, ya no es sólo la traducción de una idea o de un dibujo; tiene su ritmo, su vida, sus propiedades. Lo que parece convincente sobre el papel puede no funcionar en pantalla por razones imprevisibles en abstracto. o Aspectos importantes del montaje Secuencia: unidad dramática y temática con sentido completo. Cada secuencia va a estar dividida en varias escenas, lo que más le interesa al montador es la escena y no tanto la secuencia. Una escena en un libro sería un párrafo. Escena: acción continuada que se desarrolla dentro de un mismo ambiente o escenario. Es de escenario de donde viene la palabra 14
  15. 15. escena, porque en teatro cuando se cambia de escenario es cuando se cambia de escena. En el cine, hay que privilegiar a la continuación de la acción dramática. Toma: acción ininterrumpida de la cámara, desde que se prende hasta que se apaga. En el montaje no se va a incluir ni la plaqueta ni la veladura final que hace la cámara cuando corta. Toma de montaje: aquel fragmento comprendido entre dos cortes. Plano: tiene dos significados: el primero tiene que ver con el tamaño en que se está tomando la toma. El segundo es lo mismo que decir toma. Campo: el campo es estrictamente la imagen o el cuadro que tenemos enfrente o lo que aparece en la pantalla. Fuera de campo: se refiere a lo que no vemos pero se sugiere o se imagina que está. Espacio fílmico: la suma del campo y el fuera del campo es igual al espacio fílmico. O sea lo que se ve en el cuadro, o pantalla, y lo que no se ve pero se sugiere o imagina.o Reglas de montaje. Principios básicos Tras el ritmo, la continuidad se considera la regla del buen montaje. Si el ritmo más adecuado lo marca la propia película, en cuanto a la continuidad poco a poco han ido apareciendo una serie de leyes, creando una especie de gramática del montaje. Una de las reglas se refiere a los saltos de eje (cambio de plano sin cambiar el eje de la mirada) e implica un contraste muy marcado en el tipo de plano, es decir: no se puede pasar en el mismo eje de un plano medio a un plano apenas más amplio, o a la inversa. Si se incumple esta regla, se percibe un salto en la imagen. Un principio similar se refiere a los posibles cambios de ángulo de un plano a otro y se llama la regla de los 30 grados. Tiene que haber al menos 30 grados entre el eje de un plano y el eje del plano siguiente; en caso contrario, el ojo del espectador podría percibir el cambio de plano como un cambio torpe. Estas dos primeras reglas plantean que la condición para el encadenamiento de dos planos sea fluido en un contraste suficientemente acentuado. La tercera regla se aplica a los raccord de dirección. Si un personaje sale del campo caminando hacia la derecha, el plano siguiente deberá mostrarlo entrando por la izquierda. En caso contrario, el espectador 15
  16. 16. tendrá la impresión que ha retrocedido y se desorientado, tomando enseguida conciencia de la mediación de la cámara. También relativa a la orientación, especialmente en los diálogos y el cambio de ángulo de un plano a otro, la cuarta regla exige que se conserve siempre que sea posible a la derecha el personaje que estaba a la derecha y a la izquierda el personaje que estaba a la izquierda (campo/contracampo). La quinta regla, que es de las más importantes, pues garantiza básicamente la impresión de continuidad, consiste en practicar siempre que sea posible, en una acción continúa, el paso de un plano al siguiente utilizando un raccord de movimiento. Por ejemplo, tenemos una escena en la que la protagonista deja una taza de café y se levanta. Se ha filmado a la actriz en primer plano y luego en plano general, con ángulos iguales o diferentes. La solución de montaje desaconsejada sería mostrar la totalidad de la primera acción en el primer plano y, una vez dejada la taza, cambiar el ángulo para mostrar en plano general al personaje que se levanta. Se aconseja colocar el empalme durante una de las dos acciones, la de colocar la taza o la de levantarse. Al final del primer plano, la acción no habrá terminado y al principio del segundo se terminará o se continuará. La observación del movimiento por parte de espectador hará que empalme le pase inadvertido. Se observa, además, que durante un raccord de movimiento, suele ser necesaria una elipsis de tiempo, es decir, cortar una parte muy breve de la acción en el momento del empalme, para que el espectador no tenga la sensación de salto. Finalmente señalar que desde la llegada del cine sonoro, los raccord sonoros cuentan mucho en este sentimiento de continuidad que trata de conseguir el montador.o Tipos de montaje Por todos es sabido que el montaje tiene como primera finalidad la de hacer inteligible el discurso de los contenidos y crear la continuidad del mismo. El montaje reorganiza las ideas y genera el sentido. Estos objetivos pueden lograrse mediante algunos de estos procedimientos de yuxtaposición de los planos: 1. Montaje lineal: busca una narración cronológica, continuada de los hechos. Se trata de un montaje en continuidad que busca evitar al máximo los grandes saltos temporales de la narración. Su desarrollo 16
  17. 17. es lineal, progresivo en el tiempo y generalmente vinculado a un acontecimiento, hecho o circunstancia precisa. 2. Montaje discontinuo: el montador puede construir el relato incluyendo secuencias filmadas en distinto tiempo y lugar, aunque ordenadas cronológicamente. En ciertos fragmentos se encuentra muy cercano al montaje lineal; con la diferencia de que el montaje discontinuo utiliza los saltos en el tiempo y las elipsis continúa sobre las que se articula el relato. 3. Montaje paralelo: aquí siempre se recurre a secuencias referidas a hechos que se desarrollan simultáneamente en el tiempo, pero que son presentadas alternativamente al espectador. 4. Montaje ideológico: es aquel montaje que introduce secuencias o planos que conectan con el tempo no por su vinculación espacio- temporal, real, fáctica o argumental con los hechos, sino por su relación simbólica, por su poder metafórico.o Etapas del montaje El montaje comienza con el visionado de las imágenes rodadas. Se trata, en realidad, de un primer acto de montaje destinado, por razones de economía y de ahorro de tiempo evidentes, a identificar las tomas que van a formar parte de la copia de trabajo, eliminando de entrada los demás: movimientos de cámara fallidos, fallos de interpretación,.... En el rodaje, la script debe anotar las tomas consideradas como defectuosas e imposibles de recuperar. Al visionar globalmente los rushes (imágenes rodadas) con el montador, el director puede explicarle sus intenciones antes de dejarle montar él sólo una primera versión. El trabajo prosigue con la realización de un premontaje, que consiste en montar uno tras otro, de acuerdo con l s indicaciones del guión, los a plano de los que se han eliminado las claquetas del principio y los “corten”. Este premontaje puede mostrarse a algunos colaboradores para darles una idea de la película. Tras este primer montaje ya se empieza a realizar la primera versión del montaje definitivo. Tras la unión de las secuencias, se observa que cada secuencia puede funcionar de diversas maneras. Se hacen diversas combinaciones hasta que el enlace resulta de interés y atractivo para el espectador. De este modo se van haciendo transformaciones hasta que queda el montaje definitivo. 17
  18. 18. • La promoción Una vez finalizado el producto audiovisual sólo nos queda pensar el procedimiento a utilizar para que la idea se venda. ¿Cómo vender un producto audiovisual? La manera más sencilla de que un producto audiovisual se venda, es el nombre de los componentes del equipo de trabajo, es decir que los componentes del grupo tengan una gran prestigio en el mundo audiovisual. Está claro que esta opción para gente que empieza a hacer sus primeros productos no es nada factible. Por lo tanto debemos buscar otra serie de alternativas. Estas pueden ser la realización de un cartel anunciador atractivo que sea capaz de enganchar a la gente a primera vista. Otro de los aspectos que no se debe pasar por alto es la realización de un press-book interesante. El press-book consiste en nombrar a todas las personas que han trabajado para el producto, así como anunciar el título del producto. En fin, el press-book sería aquella parte que aparece al inicio y al final de cualquier producto audiovisual. Al igual que el press-book, otras formas típicas de promoción han sido la realización de un trailer en el que se coloquen las escenas que consideremos más atractivas para el espectador así como el making off (como se hizo). Debido al uso de las nuevas tecnologías, realizar una página web con la información del producto audiovisual, también será un aspecto importante en su promoción. En este ámbito tampoco debemos olvidarnos de los medios de comunicación. Con ellos más vale llevarse bien, porque ellos son los que tienen los medios para llegar a más gente. Las buenas relaciones con los medios de comunicación serán muy importantes para el buen funcionamiento de nuestro producto entre el público. 18

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