Francisco de GoyaFrancisco de Goya y Lucientes (1746-1828) nace en Fuentedetodos (Zaragoza) en 1746, supadre fue maestro d...
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Características generales de su estilo.No fue Goya un artista precoz, al contrario de lo que suele ocurrir con los grandes...
Los temas preferidos de Goya no celebran la grandeza y el poder, sino la alegría de la viday la belleza; se relacionan con...
La gallina ciega. Óleo sobre cartón. 1788-89.El cartón de la Gallina ciega es uno de los últimos cartones para tapices rea...
Los Retratos.Es quizás, uno de los géneros que con más frecuencia cultiva Goya. Se convierte en elretratista de moda, lo q...
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Retrato de Floridablanca. Óleo sobre lienzo. 1783. Museo del Prado.En Enero de 1783, Goya recibió el encargo de hacer un r...
La Maja vestida. Óleo sobre lienzo.1800.Las dos obras más famosas de Goya ofrecen el gran atractivo del desconocimiento qu...
La maja desnuda. Óleo sobre lienzo.Estas obras supusieron todo un atrevimiento en la España de ese tiempo y en generalresu...
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La familia de Carlos IV. 1800-01.Óleo sobre lienzo.Este espléndido cuadro, una de las obras más importantes de Goya, viene...
Josefina-, el marido de la segunda –Luis de Borbón- y el infante Carlos Luis –hijo de estematrimonio. A la izquierda, detr...
Empieza ahora su sordera progresiva y que le marcará siempre su vida interiorconvirtiéndole en un ser fantástico y visiona...
El sueño de la razón. ”El sueño de la razón produce monstruos”. 1797Inaugura con este grabado su serie "Los caprichos". El...
para la portada de los "Caprichos", pero finalmente lo sitúa en el inicio de las escenas debrujas.Esta obra revela que fue...
Goya y la guerra de la Independencia.Este sangriento acontecimiento no sería pasado por alto por Goya, dejándole una huell...
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premisa iniciada por Goya en este cuadro, la idealización de un hecho histórico paradefender con ello principios e ideales...
Las Pinturas Negras de la "Quinta del Sordo". 1820-23Ya anciano, sordo, angustiado, enfermo y hasta perseguido con acusaci...
Saturno devorando a su hijo.1820-22. Pintura mural pasada a lienzo. 1,46 x 0,83Museo del Prado.Esta obra pertenece a "Las ...
El Aquelarre o el gran cabrón. Hacia 1820-23Está ejecutada con esa paleta restringida, con predominio de los tonos oscuros...
FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES(1746-1828)1. VIDANace en 1746 en Fuendetodos (Zaragoza). Después de realizar sus primeros es...
2. ESTILONo fue un artista precoz. Su estilo se fue formando y evolucionando lentamente bajo lainfluencia de los acontecim...
Es indiscutible la importancia histórica de Goya: es contemporáneo de LUIS DAVID ysin embargo es el polo opuesto de su pin...
- La lechera de Burdeos (1827).Fue el género que más cultivó, posando para Goyagentes de todas las clases sociales:reyes, ...
Introducción.Importancia y proyección de su obra en movimientos posteriores comparable con Picassopor su ir contracorrient...
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Pintura religiosa.Dos de los encargos más importantes:* Capilla de la virgen de la basílica del Pilar. (Boceto) "El coreto...
Si nos acercamos, podemos observar que la pincelada es mucho más enérgica, mucho mássintética, el pincel ha dejado su huel...
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  1. 1. Francisco de GoyaFrancisco de Goya y Lucientes (1746-1828) nace en Fuentedetodos (Zaragoza) en 1746, supadre fue maestro dorador y quizás esta actividad paterna contribuyera en su afición por elarte, al permitirle el contacto con pintores y escultores.Por el momento que le correspondió vivir, Goya debería haber sido un pintor de formacióntardobarroca, que habría alcanzado en su madurez, y en el mejor de los casos, la estéticaneoclásica. Sin embargo, Goya es uno de los escasos genios de la pintura de todos lostiempos que no sólo escapa de los planteamientos estéticos de su época sino que destrozacualquier intento de clasificación.Su pintura posee una riqueza formal, estilística, técnica e intelectual tan enorme que en símisma constituye todo un recorrido por lo mejor de este arte. Su verdadera formación nofue la que recibió en el taller del zaragozano José Luzán Martínez ni la influencia posteriorde su cuñado Francisco Bayeu. Sus auténticos maestros fueron Velázquez, Rembrandty la naturaleza. A partir de ellos, y sin dejar de evidenciar influencias de Fragonard o laescuela inglesa, Goya pone las bases de buena parte de la pintura de los siglos XIX y XX:es el verdadero iniciador del Romanticismo, por el dinamismo, la exaltación de la libertad,la arrebatada pasión de sus personajes; se adelantó al Realismo al retratar a las clasessociales más pobres y desfavorecidas; el mundo de los sueños que perseguirán lossurrealistas ya lo había tratado Goya; sus pinturas deformes constituyen un precedente delexpresionismo pictórico debido a la despreocupación por la forma para conseguir unmayor valor expresivo, pero acaso sea más clara la deuda que hacia él tiene elImpresionismo con el que coincide, sobre todo, en su factura deshecha, de manchas(pincelada suelta y vibrante), así como en su interés por la luz o en la instantaneidad de suscomposiciones.Romanticismo: La carga de los MamelucosRealismo: algunos cartones, las estaciones…Surrealismo: Los Disparates y los CaprichosExpresionismo: pinturas negras y Desastres de la guerra. 1
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  4. 4. Características generales de su estilo.No fue Goya un artista precoz, al contrario de lo que suele ocurrir con los grandes genios.A lo largo de su vida, su arte y su técnica no dejarán de evolucionar progresivamente,siendo incluso especialmente fecundo en su prolongada vejez. Son tan distintas las obrasde su primera etapa y su periodo final, que más parecen fruto de dos personas diferentes.Así lo vemos pasar desde los temas más alegres y amables a los más dramáticos ypatéticos; desde un perfecto acabado del dibujo, hasta la factura más suelta y deshecha, demanchas, o desde una paleta rica y clara, en un primer momento a la presencia dominadoray abrumadora del negro.A través de su dilatada obra podemos encontrar el más variado repertorio: temas populares,infantiles, bélicos, religiosos, taurinos, retratos. Es el suyo un arte de contrastes, pasandocon facilidad de la fiesta al aquelarre, de lo real a lo fantástico. Acaso sea la insatisfacciónla que le lleva a la búsqueda constante de nuevas fórmulas expresivas, es como si su obraestuviera en permanente autorrevisión.Se aleja del Neoclasicismo imperante, del que nunca llegó realmente a hacerse eco,desoyendo las normas que este impone (importancia del dibujo, academicismo, parquedaddel color, estatismo). Su espíritu estaba más cerca del tradicional naturalismo hispano queel idealismo neoclásico. Él aboga, como los grandes maestros barrocos por una pinturadonde se ensalce el movimiento y el color se imponga al dibujo. Para él, la esencia de lapintura está en el color.Fue Goya, además, un cronista del mundo que le rodeaba, lo asimiló y lo interpretó consorprendente originalidad. En una buena parte de su obra presta atención al pueblo llano, ala exaltación de lo colectivo, al principio en fiestas y algarabías, más tarde comoprotagonista de terribles sufrimientos. Será precisamente un drama social, el de la guerra,el que provoque, en gran medida, la tremenda mutación que se produce en su estilo,aunque tampoco olvida a las clases acomodadas, burguesas o aristocráticas, que formantambién parte de ese mundo.Igualmente influye en su pintura, la sordera que padecerá y que lo aísla por completo, deeste momento crítico va a surgir un Goya nuevo, el verdadero Goya: escéptico, sarcástico,atormentado, incluso a veces despiadado. Su insatisfacción política es igualmenteinfluyente en su obra. Él como hombre ilustrado que es, le duele esa España socialmenteatrasada y políticamente reaccionaria. Su obra:Cartones para tapices.En la Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara trabajará durante 15 años, en este largoperíodo se puede advertir un constante progreso, a pesar de las imposiciones, más o menosrigurosas a que estaba sujeto, entre otras, las directrices de Bayeu, del que se irá alejando,adquiriendo pronto un lenguaje inequívocamente propio.Sus primeros bocetos, con escenas de caza y pesca, son aún torpes en la composición, y susmotivos infantiles y escenas galantes aparecen todavía envueltos en un costumbrismoacadémico, pero en seguida multiplicará personajes, posturas y ademanes, poniendo ya demanifiesto su originalidad para enfocar temas populares, cada vez con mayor libertad deexpresión y ejecución; en la representación de temas populares describe un mundo lleno dealegría y vitalidad, de gentes populares de los barrios de Madrid, de majos y majasrecreándose a orillas del Manzanares. Su cromatismo también cambia de los primeros a losúltimos; su paleta al principio terrosa y opaca, se limpia y aclara, se llena de luz,descubriendo la belleza de los grises, paso en el que debió de pesar el conocimiento de laobra de Velásquez, aunque sin olvidar los colores intensos como el rojo. 4
  5. 5. Los temas preferidos de Goya no celebran la grandeza y el poder, sino la alegría de la viday la belleza; se relacionan con los festivo y lo galante, destacando el papel concedido a lamujer y a los niños. Pero también tratará temas más hondos, de mayor preocupación social(El albañil herido, la nevada) aunque sin salir del ámbito costumbrista.El albañil herido. La nevada es excepcional como estudio de grises y blancos derefinadísima armonía, en los que se evidencia el estudio de Velázquez.La maja y los esbozados, de gracioso arranque decorativo, pintada ya con una riqueza detonos calientes y una seguridad de pincel considerables. El cacharrero. Los cartones para tapices que dan su aspecto vivo, sensible y popular, matizado a veces deironía y de humor, aún con algo de gracia rococó en su tratamiento. En su permanencia enla fábrica de tapices, Goya fue aprovechando esta obligación casi artesana para ensayar,armonizar, variar composiciones, observar e interpretar la realidad; es decir, como escuelade pura pintura. 5
  6. 6. La gallina ciega. Óleo sobre cartón. 1788-89.El cartón de la Gallina ciega es uno de los últimos cartones para tapices realizados porGoya, y fue creado con destino al dormitorio de las infantas del palacio de El Pardo. Esuna pintura alegre que representa un tema popular, en ella aparecen varios personajesvestidos al gusto de la época, con expresiones risueñas. Destaca el dinamismo de lasformas y la composición cerrada y compacta en forma oval. La temática es de carácternarrativo, en la que se recoge ese mundo alegre de majas y chisperos con un coloridoextraordinario y una pincelada tan suelta que casi parece una acuarela. Los colores blancoy gris, utilizados en el fondo, sirven para resaltar los tonos fuertes de las prendas de vestir(rojos, pardos, ocres y azules). El paisaje representado pertenece a las afueras de Madrid,con una atmósfera transparente, surgida de la lección magistral de Velásquez. En el cuadroun grupo de jóvenes vestidos de majos aparecen jugando a la gallina ciega a la orilla de unrío. El autor no trata de plasmar una realidad tangible y exacta, sino que busca la esenciade la fiesta, el juego y la alegría, captando el bullicio y desenfado de los jóvenes quecomponen el conjunto.En este cartón vemos la evolución seguida por Goya en este género. Del populismodesgarrado y de tonos calientes pasa, a una muñequería de figuras más pequeñas ydelicadas, de carácter casi aristocratizante, donde tras los disfraces populares, se adivina elelevado estrato social de quienes lo portan. Era típico de la aristocracia de finales del sigloXVIII a disfrazarse e imitar las diversiones populares. 6
  7. 7. Los Retratos.Es quizás, uno de los géneros que con más frecuencia cultiva Goya. Se convierte en elretratista de moda, lo que le proporcionará una avalancha de encargos. Estarán sujetostambién a su constante evolución, los hay desde los más elegantes y distinguidos a los mássinceros y despiadados. Destacan por su penetración psicológica, puesto que no se limita acaptar rasgos físicos sino que traspasa, como Rembrandt, la apariencia para escrutar losrasgos anímicos y mostrar su antipatía o simpatía por el personaje y lo que representasocialmente. Pone más atención en los rostros que en los vestidos, en los que las pinceladasson meras manchas de color. Conforman todos ellos una espléndida galería de personajesde su tiempo: aristócratas, artistas, toreros, políticos y por supuesto reyes.Los hará de muchos tipos, siguiendo líneas tradicionales, velazqueños, al gusto inglés(retrato familiar) y hasta alguno de sabor neoclásico; los tiene de medio cuerpo, de cuerpoentero, sentados, de pie, a caballo, en grupo.Sentirá Goya una especial predilección por los retratos femeninosLa Condesa de Chinchón.1800. Óleo sobre lienzo.El retrato de la Condesa de Chinchón de deliciosa sencillez es posiblemente el más bello ydelicado de los pintados por Goya, sin duda uno de los más hermosos del artecontemporáneo. Quizá venga motivado por el conocimiento de la modelo desde que erapequeña ya que María Teresa de Borbón y Vallábriga era la hija menor del infante donluís, el primer mecenas del maestro. Goya sentía gran aprecio y cariño por la joven, casadapor intereses varios con Manuel Godoy, el poderoso valido de Carlos IV.La Condesa tiene 21 años, después de tres años de matrimonio, y se presenta embarazadade su primera hija, la infanta Carlota. Está sentada en un sillón de época, viste un riquísimotraje de corte que señala su categoría social. Su cabello rubio, con abundantes rizos sobrela frente, está cubierto con una toca blanca, con adornos de suave color azul, espigas(emblema de la fecundidad) y pequeñas plumas de color verdoso. Su rostro aniñado, giralevemente hacia la derecha, a donde dirige su mirada un tanto melancólica. El vestido esblanco gris, con adornos geométricos de azul pálido en el borde de la falda, cintura ymangas. El brazo izquierdo descansa sobre un sillón y el derecho lo hace sobre el cuerpo.En su mano derecha muestra un gran anillo, con la efigie probablemente de Godoy, sumarido.Aparenta azorada y tímida, delicada pero no superficial, exquisita y elegante, en un gestode dulce abandono (está embarazada).La clave formal de la obra viene dada por el contraste, entre el fondo oscuro y la figura.Goya logra en esta obra "una magia de ambiente" lo consigue al centrar la atenciónexclusivamente sobre la figura de la mujer, ya que se recorta sobre un fondo neutro,oscuro, muy típico de la pintura neoclásica de la época.La luz ilumina plenamente la delicada figura, resbalando sobre el traje de tonos claros,creando un especial efecto atmosférico que recuerda a las últimas obras de Velázquez. Asu alrededor no hay elementos que aludan a la estancia, reforzándose la idea de soledadque expresa el bello rostro de la joven. Y es que Goya concentra toda su atención en elcarácter tímido y ausente de María Teresa, animando al espectador a admirarla de la mismamanera que hacía él mismo. La factura empleada es cada vez más suelta, formando losvolúmenes con manchas de luz y color, como observamos en las rodillas que se intuyenbajo el vestido. No debemos olvidar la importante base de dibujo que presenta,especialmente el rostro. La gama de colores cálidos con la que trabaja otorgan mayordelicadeza y elegancia a la figura. Sin duda, es una pieza clave en la producción delaragonés. 7
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  9. 9. Retrato de Floridablanca. Óleo sobre lienzo. 1783. Museo del Prado.En Enero de 1783, Goya recibió el encargo de hacer un retrato del ministro de estado. Elpintor era consciente de que dada la categoría del retratado, una buena ejecución suponía lamejor carta de presentación para conquistar un cliente influyente y próximo a la familiareal y abrirle muchas puertas en la vida oficial madrileñaGoya concibe este importante encargo como una alegoría del Buen Gobierno, iconografíafrecuente en esta época. En la obra se representa al ministro un tanto magnificado, contraje de gala, casaca roja sobre la que destaca la banda de Carlos III, de pie y distante,mirando al espectador. Apenas atiende al pintor, que se autorretrata avanzando hacia elConde, también con traje de gala, levita de color castaño, encaje en puños y parte superior,calzón corto con hebilla, medias blancas y zapatos también con hebillas.Goya presenta al ministro el boceto de un cuadro. Completando la composición aparece alfondo un personaje que porta un compás y detrás la efigie del rey, en el suelo puede leer enel tejuelo de un libro: "Palomino, Práctica de la Pintura", es el segundo volumen del librode Palomino y el más importante tratado español de pintura, lo que significa queFloridablanca también destaca como protector de las artes, y sobre la mesa, un reloj y unosplanos, uno de los cuales deja ver claramente la inscripción "Plano del Canal de Aragón /Al Excmo. Señor Floridablanca, año 1783", sin duda, uno de los proyectos más importanteque realizó el MinisterioIgualmente, destaca el reloj que siempre ha sido un símbolo de la Templanza y, por eso,suele acompañar los retratos de reyes o gobernantes.Técnicamente la obra es un reto para el pintor, ya que se trata de un cuadro de interior peroel genio de Goya logra una excelente representación de las diferentes materias y texturas,lográndose la creación de esa "magia de ambiente" tan propia, basada en la unidadlumínica que viene dada por los diferentes personajes.En esta obra, sin embargo, se produce una discordancia entre la tonalidad general delcuadro y los colores dominantes del atuendo del envarado ministro. La figura del conde deFloridablanca, con una mano sujeta sus quevedos y la otra la apoya en la cintura, lo que leda una pose distinguida y elegante pero carece de la soltura y naturalidad que marcarán laobra posterior de este genial retratista. 9
  10. 10. La Maja vestida. Óleo sobre lienzo.1800.Las dos obras más famosas de Goya ofrecen el gran atractivo del desconocimiento quetenemos de la identidad de la joven que posó para Goya, quien parece muy claro queocultó su personalidad tras ese rostro inexpresivo, mal encajado entre los hombros, quehace más patente la existencia de una mujer real y de un rostro que no lo es. Desde muyantiguo han sido denominadas Venus, gitanas y majas, y se ha fantaseado sobre lapersonalidad de la modelo. Los únicos hechos comprobados son que proceden de lacolección de Godoy, y no sabemos si fueron encargadas por éste o adquiridas por otropropietario; más tarde fueron consideradas pinturas obscenas por la Inquisición, y Goyatuvo por esta causa algunos problemas. El por qué de dos versiones casi gemelas, enactitud un tanto atrevida, se suele explicar, diciendo que la vestida servía para ocultar a ladesnuda.La maja vestida aparece recostada con los brazos cruzados detrás de la cabeza, viste unatuendo blanco y chaquetilla amarilla con adornos negros; además, ciñe su cintura con unaancha faja rosada. La otomana en que está tumbada es de color verde y presentaalmohadones y una colcha blancos. El diván está muy simplificado, no apreciamos elterciopelo ni los encajes con el mismo mimo que en la desnuda. Es destacable eldelicadísimo talle (cintura de avispa) de la maja, realzado por las gasas de su traje-pantalóny su faja marrón ceñida. A pesar de estar vestida, su anatomía es fácilmente adivinable,resultando finalmente tan sensual como su colega desnuda. Diriase que resulta másvoluptuosa que la desnuda por la opulencia de formas y la intensidad de la mirada.Sorprende como el atuendo se ciñe de tal modo a sus formas que se ha llegado a decir queparece más desnuda que su compañera. Ciertamente la técnica empleada por Goya tambiénacentúa este aspecto: las pinceladas sueltas, pastosas y muy libres, chocan con la pulidaperfección académica de la desnuda. En los dos casos poco tiene que ver la cabeza - conese rostro burlón y poco hermoso - con la belleza de los cuerpos representados. Por esafactura muy suelta que hace vibrar las ropas, gasas y encajes se la considera una obra casiimpresionista.La escena brillantemente iluminada, sigue una suave gradación de la luz desde los pies dela figura hacia el fondo marcado por la cabecera, lo que lleva a recorrer mediante esta líneaoblicua la insinuante silueta femenina al espectador.En un primer momento te puedan parecer idénticas, salvando claro está la cuestión de laropa, en realidad hay diferencias entre un cuadro y otro. Para empezar, la vestida tienemenores dimensiones que la desnuda y su ejecución fue mucho más rápida y resumida, nopresenta el cuidado minucioso que sí tiene el diván, la almohada y la sábana de la desnuda,la vestida está pintada como más deprisa y con menos detallismo. Las pinceladas sonpastosas y densas a diferencia de la desnuda, con una enorme perfección académica enellas. Otro asunto muy comentado fue la posición de la cabeza, algo forzada en relación alcuerpo, como si su cuello no presentase una postura natural y relajada. 10
  11. 11. La maja desnuda. Óleo sobre lienzo.Estas obras supusieron todo un atrevimiento en la España de ese tiempo y en generalresultan extrañas en la historia de la pintura de nuestro país, pues salvo honrosasexcepciones, como la Venus del Espejo de Velázquez y la pintó más recatada, de espaldas,no se trata aquí el desnudo femenino, ni tan siquiera en su momento de mayor apogeo, elRenacimiento. Son sin duda, fruto del mismo espíritu optimista que inspiró la mayoría desus cartones.La maja desnuda presenta una factura apretada y precisa. Las líneas que dibujan laanatomía son ondulantes y suaves, y la mirada penetrante. La clave formal del retrato vienedada por el contraste entre el fondo oscuro y las telas blancas que enmarcan el desnudo, noobstante las sombras suavizan el modelado. Destaca igualmente el excelente tratamiento delas telas, consiguiéndose excelentes calidades. El espacio más iluminado es la cabeza y eltorso, suavizándose la luz en las extremidades inferiores. El pintor define con precisión loscontornos de la dama y la baña en luz, destacando su palidez y piel nacarada. Todo esrefinamiento y sensualidad, ella luce destacada sobre un canapé de terciopelo verde,complementado con una sábana y almohada con encajes. La pincelada es detallista yprecisa y los colores suaves y nada exagerados. El contraste se logra por la piel blanca y elterciopelo verde oscuro. Aparte del diván y la maja, no existe nada más, el fondo es neutro,en tonos pardos, y no nos permite ni distraernos ni identificar ninguna otra cosa.La actitud de la maja no tiene el candor de las Venus precedentes, ni está dormida, ni fingeestar ausente ni mira hacia otro lado sin saberse observada, sino que poniendo los brazosbajo la nuca, se exhibe sin recato. En este caso el desnudo es claro, sin disimulos y Goya lolleva más allá al mostrarnos un gesto malicioso y resabiado en el rostro de la maja, ella seexhibe y disfruta provocando al espectador. Por si fuera poco, el centro del cuadro coincidecon su pubis, que aparece, por primera vez en la pintura universal, con vello. Su desnudez,y en esto radica su originalidad, no se justifica dentro de una historia, es una mujerverosímil que hace gala de su atracción sexual para provocar al espectador. A su osadía ydescaro, más que a su traje, tal vez se deba el nombre de “maja”... La chica se contonea,marca sus separados senos al retraer los brazos y coloca las piernas elegantemente.Presenta un cierto sonrojamiento en sus mejillas, muy atrayente al combinarse con sudescaro y desparpajo posando. Contrasta su rostro poco agraciado con la belleza de sucuerpo.En esta obra Goya recoge en una postura un tanto atrevida para la época la esencia de lafeminidad cargada de delicadeza, sencillez y naturalidad. 11
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  13. 13. La familia de Carlos IV. 1800-01.Óleo sobre lienzo.Este espléndido cuadro, una de las obras más importantes de Goya, viene a representar lacumbre de la carrera palaciega de Goya, pintando, en un gran retrato colectivo, a la familiareal en atuendo de gala oficial, a modo de recepción palatina ante la corte.Para su realización, Goya se valió previamente de bocetos individuales de cada personaje,de los que conserva cinco magníficos el Museo del Prado.Los personajes se representan todos de pie, con una serena quietud. Es de destacar lapenetración psicológica, Goya capta no sólo el físico con exagerado realismo - que enalgunos personajes raya en lo grotesco -, si no el alma, la forma de ser de cada uno deellos, en especial el carácter altivo de la Reina, frente al más apocado del Rey, Carlos IV.Se revela de modo realista e irónico las dudosas cualidades morales y la vulgaridadhumana de los retratados.La reina ocupa el centro de la composición, con lo que Goya quiere indicarnos quienrealmente dominaba. No hay por parte de Goya intento de caricaturizar pero tampocoadulación.Para su composición Goya tuvo presente Las Meninas de Velázquez, y se puede concretaren tres características específicas: el pintor frente a un lienzo retratándose junto a la familiareal, la sala interior de un palacio decoradas con pinturas al fondo dónde se sitúan losreyes, y la posición central de la reina que evoca a la de la infanta Margarita de Austria.Sin embargo, Las Meninas no son utilizadas por Goya como un formulario para componersu obra: se trata de un punto de referencia y en todo caso un comentario a la obra del granmaestro. Aunque la familia real se encuentre en el interior de una estancia palatina, comoen Las Meninas, la concepción goyesca del espacio difiere. Goya ha renunciado a loscomplicados juegos de perspectiva. Un muro frontal detiene cualquier ilusión deprofundidad. La sucesión monótona de los modelos, unos tras otros, casi apiñados, comoen un relieve, tampoco contribuye a crear esta ilusión. La línea compositiva es frontal, muyneoclásica, pero sabiamente interrumpida por la reina y sus dos hijos menores que sedestacan en el centro, para romper este posible alineamiento ha utilizado una línea muysinuosa para los pies de los personajes que, ocultándose unos detrás de otros, destruyen lafrontalidad. Sin embargo, el juego de luz y sombra, y el contraste y la brillantez del color,distribuido en manchas, dan variedad a la escena y ayudan a diferenciar la sucesión de losdistintos planos en profundidad.La luz otra de las protagonistas del cuadro da unidad a la composición, está se cuida deforma delicada proyectándose sobre los rostros y el torso de los personajes, para atraer lamirada del espectador, luz que arranca destellos a las condecoraciones, joyas y ricas telas.La penumbra, matizando desdibujados y relieves, está magistralmente utilizada, así comoel colorido y sus gradaciones.La pincelada es suelta, segurísima, atrevida, abreviada, bocetista, que le da un aspectosorprendentemente moderno, que años más tarde despertaría la admiración de losimpresionistas, con esos brillantes y osados toques que alcanzan su culmen en el vestido dela reina. Consiguiendo excelentes calidades plásticas en el tratamiento de las carnes, y lassedas y brocados de los vestidos. Relega al dibujo a un nivel secundarioPlásticamente, el cuadro es una sinfonía de blancos, oros, amarillos y castaños sostenidospor rojos y azules.Los personajes reales se distribuyen en tres grupos: en el central aparecen el rey y la reinacon sus dos hijos pequeños, María Isabel y Francisco de Paula; encuadrado en la izquierda,el futuro rey Fernando VII acompañado de su futura esposa -que, al ignorarse todavíaquién sería, esconde el rostro-, el infante Carlos María de Isidro –segundo en la líneasucesoria- y la hermana del rey, la infanta María Josefa; a la derecha, Antonio Pascual –hermano del soberano-, a las hijas de los monarcas –Carlota Joaquina y María Luisa 13
  14. 14. Josefina-, el marido de la segunda –Luis de Borbón- y el infante Carlos Luis –hijo de estematrimonio. A la izquierda, detrás de un cuadro de grandes dimensiones, semioculto en lapenumbra, aparece Goya. 14
  15. 15. Empieza ahora su sordera progresiva y que le marcará siempre su vida interiorconvirtiéndole en un ser fantástico y visionario. Además se vio agitado por las nuevasideas que recorrían Europa y que le llevan hacia una actitud progresista, ultrailustrada y decrítica social. De esta época son los Caprichos (1799) serie de grabados donde reflejalacras sociales y una personalidad atormentada. Paralelamente pinta una serie de cuadros(no encargados sino por gusto) como El Incendio, El Naufragio, La casa de locos, dondeel capricho y la invención no tienen límites y donde la masa anónima y el dramatismo sonlos protagonistas. Pero continua a la vez su faceta oficial, retratos de cortesanos y muy enespecial de todos sus amigos, grandes figuras del pensamiento ilustrado: Moratín,Jovellanos, el Conde de Floridablanca.La serie de los Caprichos consta de 80 grabados realizados entre 1793 y 1796,poniéndose a la venta el 6 de febrero de 1799. Fueron ejecutados empleando aguafuerte yaguatinta pero la importancia de esta obra no radica en la realización sino en el contenidode sus imágenes, consideradas peligrosas para la época por su mordacidad. Toda lasociedad es criticada por el artista: la educación, la religión, la nobleza, la prostitución y unlargo etcétera, por lo que intervino la Inquisición. Para evitar problemas con el SantoOficio, Goya regaló las planchas y los ejemplares sin vender a Carlos IV a cambio de unapensión para su hijo Javier. El sueño de la razón produce monstruos iba a presidir la serieen un principio, relegándose al número 43 en la edición definitiva. 15
  16. 16. El sueño de la razón. ”El sueño de la razón produce monstruos”. 1797Inaugura con este grabado su serie "Los caprichos". El mensaje viene a colación del contextoentre el conflicto de la razón imperante con la tradicional forma de pensar. El pintor caerendido sobre su mesa de trabajo, rodeándole una serie de animales, sus propios monstruos yfantasmas. Con esta imagen querría indicarnos cómo la razón libera sus fantasmas durante elsueño, a través del subconsciente, por lo que se supone un anticipo del Surrealismo. Tambiénpodría aludir al deseo del artista por desenmascarar todos los monstruos de la sociedad através de sus estampas, destacando así el poder de la razón sobre las tinieblas de la ignorancia,filosofía característica del pensamiento ilustrado. Se trata de un tema costumbrista,concretamente representa a un personaje rodeado por numerosas criaturas nocturnas. Es ungrabado en el que Goya utilizó la técnica del aguafuerte sobre una lámina de cobre. Esta secubre con un barniz y sobre ella se prepara el dibujo con una aguja. En la superficiedescubierta actúa el ácido nítrico que vertemos corroyendo el metal. En la plancha quedan lossurcos realizados por el ácido. Según se ha marcado el dibujo estos surcos son más profundoso menos. Seguidamente se aplica tinta sobre la plancha y se presiona contra el papelsurgiendo así el grabado. La luz es una característica muy importante ya que recaedirectamente sobre el cuerpo del personaje y deja oscurecidas algunas lechuzas y el fondo, lo cual dasensación de profundidad. La composición gira entorno a un primer plano en el que seencuentra el artista dormido sobre un pedestal, donde figuran esparcidas hojas de papel dedibujo y lapiceros con carboncillos; y un segundo plano en el que quedan las criaturasnocturnas: un gato, murciélagos, búhos y lechuzas de agitado vuelo... Las alas abiertas deestas aves reflejan una sensación de movimiento. Es bastante realista, aunque de una maneraidealizada, ya que simboliza la sociedad de la época. Esta obra fue pensada originalmente 16
  17. 17. para la portada de los "Caprichos", pero finalmente lo sitúa en el inicio de las escenas debrujas.Esta obra revela que fue un artista muy comprometido con su época. Goya los pintó mientrasera pintor de Corte de Carlos IV. Este es un momento en el que Goya aprecia lo que ocurre enEspaña con Godoy y por ello manifiesta su descontento. Las criaturas nocturnas simbolizanlas vulgaridades perjudiciales del mundo, la ignorancia y los vicios de la sociedad. Males queGoya intenta poner a la luz representándolos para que puedan ser reconocidos y combatidos.Estas obras fueron criticadas por la Iglesia, quien no veía bien el reproche que hacía a lasociedad.La tradición le ataca: En una declaración de intenciones, Goya deja claro que no le van avolver a atacar los poderes del viejo régimen (las aves que le atacan) sino que apuesta por larevolución.El durmiente: Parece ser que, después del agotamiento mental que supone un trabajointelectual, la razón acaba durmiendo y le atacan los monstruos del pasado.Sombras: En la noche, las sombras se vuelven monstruos, pero al acercarse a la luz se vencomo animales. Esta confrontación luz-sombra es la que protagoniza el grabado.Minerva: Algunos autores hablan de que la lechuza representa a Minerva, diosa de lasabiduría, que le acompaña al durmiente para ayudarle.Infinita noche: El fondo del grabado representa la noche, con su carácter onírico.Gatos nocturnos: Como buen animal de la noche, el gato se acerca al durmiente comorepresentante nocturno.Técnica: Goya para este grabado utilizó las técnicas de aguafuerte y aguatinta.El aguafuerte es el procedimiento de grabado en el que sobre una plancha metálica cubiertapor una fina capa de barniz protector se dibuja con una punta metálica el tema iconográfico. Aldibujar sobre el barniz protector éste se elimina. Al introducir la lámina en un baño de ácido, oaguafuerte, se produce la corrosión del metal en las zonas dibujadas, es decir, en las que se haeliminado el barniz protector.El aguatinta es un procedimiento de grabado que consiste en verter sobre la plancha una capauniforme de resina. La plancha se calienta para que la resina se funda y se adhiera.Posteriormente, se introduce en ácido, y éste penetra en las partes en las que la superficie noestá protegida por la resina. El aguatinta está casi siempre asociada al aguafuerte. En unamisma plancha las dos técnicas se complementan: el dibujo queda definido por elprocedimiento del aguafuerte y el aguatinta se utiliza para rellenar las superficies y conseguirlos contrastes de luces y sombras. 17
  18. 18. Goya y la guerra de la Independencia.Este sangriento acontecimiento no sería pasado por alto por Goya, dejándole una huelladifícil de borrar, lo que tendrá una traducción en buena parte de su obra posterior. Fruto dela misma fue los Grabados de los Desastres de la Guerra y algunos lienzos dondeinmortalizará la violencia de los hechos.Para él, el país que había llevado al poder la Razón, en la que creía, va imponer susprincipios por la brutalidad de las armas.En 1814 Goya decide poner su pintura al servicio de la causa independentista y ejecuta losdos cuadros más emblemáticos de la guerra contra los franceses.La carga de los Mamelucos (El dos de Mayo de 1808).hacia 1814. Óleo sobre lienzo.Esta obra es sin duda un cuadro histórico, pero carece del acento oficial que suelecaracterizar a este género, no hay héroes ni personajes importantes, sólo el pueblo llano deMadrid que combate y muere por defender a su país. Es una magistral escena de lucha, quealgunos autores sitúan en la Puerta del Sol, es un auténtico canto a la agitación y almovimiento. Capta el momento en el que el pueblo de Madrid se lanzó valientementesobre el cuerpo de caballería de los mamelucos egipcios, mercenarios al servicio deFrancia y coraceros polacos.Para este cuadro, como se ha dicho "una historia sin héroe", ensalzando al héroe anónimoque es el pueblo, huye de cualquier tipo de jerarquización o equilibrio en la composición yrecurre a la curva, a la estructuración parabólica, mucho más apta para el tono expresivoque se desprende de la visión instantánea, casi de reportaje, del confuso estallido y delmovimiento de una escena de insurrección popular.La escena aparece tomada muy de cerca. La composición es abigarrada, confusa, dondefunde en una masa compacta, a los caballos y a los hombres de uno y otro bando, sobre unfondo de rostros borrosos, desdibujados, de extraordinaria ejecución rápida, apenas unasmanchas, envuelto todo en una acertada iluminación que centra la atención del espectadoren el valor del pueblo de Madrid luchando indefenso contra la carga violenta de losmamelucos y un grato cromatismo, donde conjuga magistralmente los nacarados delcaballo, los rojos, los ocres(albero) con los grises y pardos (entre marrón y verde)Se recogen con gran realismo, las distintas actitudes del ser humano ante la muerte: miedo,valor y arrepentimiento.El tema épico, el movimiento impetuoso, la violencia de las luces y la riqueza cromáticaseñalan los caminos del Romanticismo. 18
  19. 19. Los Fusilamientos de la Moncloa. (El tres de Mayo de 1808).Hacia 1814. Óleosobre lienzo.El lienzo Los fusilamientos del 3 de mayo en la montaña del Príncipe Pío de Madrid esuno de los más altos logros de la pintura española y, probablemente, uno de los hitostambién de la pintura universal. Sin duda, además de sus excelencias artísticas, puede serconsiderado uno de los cuadros de temática histórica más dramáticos de toda la historia delarte.En este lienzo de los fusilamientos de la Moncloa, recreación de un hecho histórico, nosmuestra el pintor las consecuencias que se derivaron de aquel levantamiento popular,complementándose así un cuadro con el otro.La composición se articula en dos planos: el fondo, esbozado y nocturno de la ciudad, y elprimer plano, destacado por el efecto focal de una luz que al chocar contra el promontorioenvuelve el hecho principal destacándolo enfáticamenteEn este nocturno, se contrasta la oscuridad de la noche con el potente foco de luz quearranca de un farol del suelo, luminosidad que se vuelve violenta al incidir sobre la camisablanca (que parece absorber toda la luz del cuadro con una fuerte carga expresiva ysimbólica) del hombre que, con los brazos en alto, se dispone a ser fusilado, como lo hansido ya algunos de sus compañeros que yacen desangrándose en el suelo y como lo serán elresto. Aquí, la composición es más ordenada, con dos grupos claramente diferenciados, elpelotón de fusilamiento, homogéneo, compacto, sin rostros, cuyas posturas se igualan en elmecánico acto de matar siguiendo un ritual de la ordenanza militar y los que van a serfusilados, por el contrario, con actitudes individualizadas destacados por la luz y por sutremendo expresionismo; mientras uno se tapa el rostro con las manos, otro por ejemplocomo dijimos antes, levanta los brazos como muestra de su espíritu rebelde, el terror delque se muerde las uñas con desesperación, otro reza,… Intensifica el dramatismo con ellenguaje de las manos. La postura del insurrecto que levanta sus brazos recuerda a Cristocrucificado y en las palmas de sus manos de pueden apreciar sus estigmas, también por elcolor blanco de pureza y el amarillo de divinidad; lejos de él, en la parte izquierda delcuadro, una mujer está sentada con un niño en brazos. Mediante estas claras alusiones aJesús y a la Virgen, Goya abandona la “anécdota” para convertir su lienzo en un gritocontra la irracionalidad de la guerra y, a la vez, en una expresión de esperanza en Diosy en la Historia.Como el mismo asunto imponía, presenta este cuadro un colorido más sombrío que el otro,con predominio de los tonos negros y grises, jugando sabiamente con los contrastes de luzpara acentuar el dramatismo de la escena, puestas, además, tanto la técnica como larepresentación de las figuras, al servicio de un brutal expresionismo.Pero el acierto de la obra no radica sólo en su significación, sino también en suextraordinario sentido de la anticipación. En ella, Goya supo destilar lo más personal de sutécnica, que desemboca en un lenguaje plástico de fuerza desconocida hasta el momento yabre las puertas (aún a principios del siglo XIX) al expresionismo más actual.Las edificaciones que se escalonan al fondo, de la ciudad dormida confieren profundidad ala obra.Las desgarradas pinceladas de grueso empaste son de tonalidades oscuras con puntos deamarillo y rojo brillante. La pincelada es más suelta en la zona más luminosa. La luz seproyecta de forma violenta. El grupo de soldados es más oscuro y el de los prisioneros másluminoso con colores a base de manchas amarillas y blancas en el centro, sobre un fondoverdoso en el terraplén y rojo en la sangre del suelo.Este cuadro de gran realismo, documenta la despiadada represión y la brutal realidad de laguerra. Con esta obra se convierte en un cronista de su época. También una obra que seadelanta al posterior movimiento romántico, porque el Romanticismo hará buena esta 19
  20. 20. premisa iniciada por Goya en este cuadro, la idealización de un hecho histórico paradefender con ello principios e ideales. 20
  21. 21. Las Pinturas Negras de la "Quinta del Sordo". 1820-23Ya anciano, sordo, angustiado, enfermo y hasta perseguido con acusaciones deafrancesado, decide retirarse, hacia el año 1820 a una casa de la ribera del Manzanares,conocida como "La Quinta del sordo" donde se ocupa pintando, para él, dos habitacionesde la vivienda, el salón y el comedor, unas 14 composiciones en total, al óleo sobreenlucido de yeso. En ellas reflejará todo el dolor físico y espiritual que tanto leatormentaba, es un mundo alucinante, disparatado incluso, como de pesadillas, escenasconfusas y rostros de intensa ferocidad expresiva, dando suelta a su exaltada imaginaciónpoblada de brujas, machos cabrios, monstruos, luchas fraticidas, amenazas planetarias, endefinitiva horribles seres.La técnica se basa en la mancha de color oscuro, básicamente negro, más que en laprecisión anatómica o de perspectiva.En estas pinturas negras, Goya, ve al hombre transformarse en un monstruo, puesto quevive en un mundo dominado por las fuerzas irracionales, por la decadencia de la razón, porla destrucción del hombre mismo; desarrolla imágenes terroríficas, metáforas de lacondición humana; nos muestra un arte con tremendo fondo de amargura y pesimismo.El conjunto de las Pinturas Negras son un gran alegato en contra de la Humanidad, laHistoria, la Razón... Estamos ante el antineoclasicismo. Este mundo de rostros brujescos,procesiones nocturnas, un mundo poblado por el miedo y la superstición, llenan páginas,las más originales del arte goyesco. Estas pinturas interesaron a surrealistas yexpresionistas por su impacto visual y la fuerza expresiva.Dentro de las llamadas "pinturas negras" son diversas las obras que, como Dos viejos comiendo, hanpermitido calificar a Goya de precursor del expresionismo. La visión angustiosa de la vejez como supremamaldición, de tanta tradición en la literatura española, se expresa aquí con una dureza cruel de la más hondavena expresionista. La gula, en las bocas desdentadas de estos monstruosos viejos, adquiere una expresióncasi diabólica.Se trata del Goya expresionista de las "pinturas negras". Un preámbulo de esta serie de pinturas es el lienzoque lleva el título de El coloso o El pánico, realizado hacia 1810-1812 y conservado en el Museo del Prado.Este enigmático lienzo (que plasma todavía, sin duda, las pesadillas de la guerra) anuncia, pues, por sutécnica y ambiente, las visiones que en los últimos años de la vida del pintor alcanzarán su punto de máximaexpresividad. La verdadera significación e intención temática de este lienzo es aún imprecisa. Algo colosal yterrorífico se yergue frente a la desamparada humanidad y la pone en fuga. Sólo un asno, estampa de laignorancia y la inconsciencia, permanece quieto e impávido. 21
  22. 22. Saturno devorando a su hijo.1820-22. Pintura mural pasada a lienzo. 1,46 x 0,83Museo del Prado.Esta obra pertenece a "Las Pinturas Negras" de la "Quinta del Sordo". Es una obrasobrecogedora, con una tremenda fuerza y violencia plástica.Saturno, Cronos en la mitología griega, devoraba a sus hijos recién nacidos para impedirque se cumpliese la profecía de que uno de ellos lo destronaría. Goya prescindió de lostextos clásicos e hizo que las víctimas del dios ya fuesen adultas.El fondo negro liso intensifica, si cabe, el horror de esta terrorífica interpretación del temamitológico del paso del tiempo. El símbolo del tiempo, que todo lo devora, se transformaen la imagen brutal de un anciano engendro, un espantoso ser, con ojos desorbitados, quecon ansia feroz, inhumana, coge con fuerza entre sus manos el ensangrentado y mutiladocuerpo del hijo, hasta acercarlo a su inmensa y negra boca para seguir devorándolo. De lasamables alegorías mitológicas del siglo XVIII a esta figuración de pesadilla hay un abismo.Quizá el sentido de esta terrible imagen esté en esa negra visión del hombre, de lahumanidad, que Goya pudo adquirir a través de su sordera y de los años cruentos de laguerra, revoluciones y represalias que le tocó vivir.En esta obra tenemos uno de los más claros ejemplos de Goya como precursor delexpresionismo, en ella se sacrifica la forma y el detalle de las figuras, que se reducen amanchas de color para resaltar la expresión.La técnica acompaña a la imagen, la pincelada es suelta y larga, y sobre un fondo oscuro sefunde la silueta de saturno contorsionada en un gesto terrorífico. Los tonos empleados sonnacarados, rojos y ocres sobre un fondo casi negro. La luz acentúa la fuerza expresiva de lacomposición y el dramatismo fantasmagórico y sombrío de la representación con susfuertes contrastes lumínicos. 22
  23. 23. El Aquelarre o el gran cabrón. Hacia 1820-23Está ejecutada con esa paleta restringida, con predominio de los tonos oscuros y fríos, ycon esa técnica brutal, audaz, enormemente libre y moderna, que caracteriza a esta serie depinturas negras.La escena nos representa un aquelarre de brujas presidido por el diablo en forma de machocabrío, con hábito frailuno. Es la culminación de las visiones de brujería pintadas porGoya, donde las deformaciones expresivas del artista alcanzan su cima. Brutalidad de lamasa anónima y gregaria ante el inhumano magisterio de la bestia.Los problemas iconográficos se complican con algunos aditamentos y con la joven figurafemenina, con mantilla y manguitos que, apartada del grupo, se halla sentada a la derechade la escena, un tanto al margen de la composición, en quienes algunos han querido veruna representación de Leocadia Zorilla, la joven malcasada que vivió con Goya desde suviudez hasta su muerte, abre un interrogante sobre su significación.Aquí la composición, una escena alargada sometida a un cierto movimiento elíptico, comoel deprimente colorido (negro, blanco, tierras, algo de rojo y azul) y la técnica son de unaavanzada modernidad y el terrible asunto adquiere, así tratado, unos tintes oníricos deoprimente pesadilla. 23
  24. 24. FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES(1746-1828)1. VIDANace en 1746 en Fuendetodos (Zaragoza). Después de realizar sus primeros estudios en elColegio de las Escuelas Pías de Zaragoza, ingresa en el taller de JOSÉ LUZAN (1760). Setraslada a Madrid en 1763 con la pretensión de ganar los concursos de la Real Academia deSan Fernando y conseguir una de las becas o pensiones que este organismo otorgaba paraestudiar en Italia. Fracasa y en 1770 viaja por su cuenta a Italia, en donde aprende latécnica del fresco, el arte de componer y el colorismo.En 1772 decora una de las bóvedas del Pilar de Zaragoza y realiza varios cuadros para laCartuja del Aula Dei.Su matrimonio en 1773 con Josefa Bayeu, hermana de los pintores Bayeu, le facilita elingreso como cartonista en la Real Fábrica de tapices de Santa Bárbara. Aquí permanecerádesde 1775 hasta 1792. Durante estos años también tendrá acceso a las Colecciones Realesy podrá conocer a los grandes maestros, especialmente a Velázquez.En 1780 es nombrado académico de San Fernando, presentando en el acto de su recepciónen la Academia el cuadro de "Cristo en la Cruz", de clara influencia velazqueña. Su famaen la Corte va creciendo y en 1786 es nombrado pintor de Carlos III. En 1789 Carlos IV lenombra pintor de cámara. Inicia una intensa relación con los ilustrados, como Jovellanos oMoratín.Después de una grave enfermedad sufrida en Cádiz en 1792 queda prácticamente sordo yesto influye decisivamente en su pintura: pierde el carácter alegre y optimista y se hacemás intimista y pesimista. Este cambio se aprecia en algunos cuadros de esta época como"El entierro de la sardina”, o "Casa de locos". Realiza también dos de sus obras másimportantes: "Los Caprichos"y los "Frescos de la ermita de San Antonio de la Florida".En 1799 Carlos IV le nombra primer pintor de cámara con lo que alcanza la cumbre deltriunfo oficial. En estos tiempos es cuando realiza los más importantes cuadros de lafamilia real.En 1808 se produce una nueva crisis en la vida de Goya: la Guerra de la Independenciaacrecienta su pesimismo y su carácter crítico. Es obligado a ser pintor de cámara de José I.En 1812 muere su esposa Josefa Bayeu.Al regreso de Fernando VII en 1814, Goya tiene problemas por sus ideas ilustradas yliberales y por algunos de sus cuadros con la Inquisición y con el mismo rey.En 1819 se traslada a una finca, al otro lado del Manzanares, la llamada "Quinta delSordo".Allí pinta una de sus obras más famosas: Las Pinturas Negras. Padece una nueva y graveenfermedad que intensifica su aislamiento.Ante el recrudecimiento del absolutismo después de 1824 y ante el temor de lasrepresiones por parte del rey, Goya marcha a Burdeos en donde permanecerá, excepto endos cortos viajes a España, hasta su muerte ocurrida el 16 de Abril de 1828. 24
  25. 25. 2. ESTILONo fue un artista precoz. Su estilo se fue formando y evolucionando lentamente bajo lainfluencia de los acontecimientos que le tocaron vivir y que le afectaron profundamente.Su arte se encuentra en permanente evolución: paulatino progreso en la técnica, búsquedade nuevas formas expresivas, continua corrección y profundización.El arte de Goya se nos presenta lleno de contrastes: representaciones de fiestas alegresque exaltan la vida al lado de sucesos dramáticos y de muerte; escenas de niños que jueganfelices y otras misteriosas y alucinantes de brujas participando en aquelarres; retratos de lanobleza pero también de los ilustrados y de los "majos" y las "majas" que simbolizan lopopular. Pintó lo bello con exquisita delicadeza, pero también supo reflejar lo feo, loterrible, lo monstruoso.En Goya apunta algo que, según Víctor Hugo, es propio del mundo moderno: lo grotesco.Se enfrentó con el academicismo de sus maestros y de sus contemporáneos, oponiéndose alaestética neoclásica. El dibujo pierde importancia frente al color, a la inspiración y almovimiento.Fue pintor esencialmente colorista: la esencia de la pintura, para él es el color. Afirmabaque sus verdaderos maestros habían sido Velázquez, Rembrandt y la propia naturaleza. Delprimero hereda el amor por el retrato psicológico; del segundo, la profundidad espiritual yla técnica pastosa; de su tercer maestro, la naturaleza, hay abundantes pruebas en lospaisajes de los cartones para tapices.Pero aún hay otro factor, la imaginación. Goya no conoció límites para sus facultades yen esto se aprecia su romanticismo. Combina el realismo con la imaginación creando, apartir de lo real, un mundo propio en el que la fantasía y la crítica juegan un papel aún másimportante que la realidad visual.Crea un arte testimonial y comprometido en el que lleva a cabo una crítica de todos losestamentos sociales: Corte, iglesia, nobleza, la sociedad en general. Temáticamente su obraes muy variada, estando presente en la misma casi todos los géneros.Utilizó principalmente la técnica del óleo que aplica sobre los más diversos materiales(lienzo, tabla, pared, etc.) pero también realiza frescos, litografías, aguafuertes, etc.Empleó normalmente composiciones de tipo neoclásico, es decir, tiende a la ordenacióngeométrica y regular. Las figuras se agrupan en triángulos, cuadrados, pirámides. Para quese distingan bien los personajes en los retratos colectivos crea líneas paralelas oblicuas. Sinembargo, en la etapa de madurez busca la libertad compositiva pero siempre mantieneunas líneas rectoras que evitan el caos compositivo.De una forma muy general se pueden distinguir en Goya dos formas de hacer:Visión optimista y alegre de la vida Visión pesimista y patética de la vida Temas alegres de ambiente rococó. Dibujo de trazo continuo. Colores vivos y luminosos aplicados a basede pinceladas muy iguales. Composiciones ordenadas geométricamente. Temas críticos, dramáticos y de una fantasíasombría. Dibujo discontinuo e incluso, en ocasiones,poco correcto. Aplicación del color a base de manchas, depinceladas sueltas con vibraciones luminosas. Mayor libertad en las composiciones. 25
  26. 26. Es indiscutible la importancia histórica de Goya: es contemporáneo de LUIS DAVID ysin embargo es el polo opuesto de su pintura. Influyó en muchos pintores españoles comoALENZA y LUCAS y, sobre todo, en pintores franceses del romanticismo y del realismo,especialmente en MANET y COURBET.Anuncia una serie de movimientos pictóricos posteriores: Romanticismo: por su individualismo, por la preocupación psicológica de sus retratos,por el apasionamiento y exaltación de algunos de sus temas. Ej.: La carga de losmamelucos. Impresionismo: por su pincelada suelta y vibrante. Ej.: La lechera de Burdeos. Expresionismo: por su despreocupación por la forma para conseguir un mayor valorexpresivo. Ej.: Las pinturas negras, Desastres de la guerra. Surrealismo: por el mundo de fantasía que representa. Ej.: Disparates, Caprichos.3. TEMAS Y OBRASTemas Obras CaracterísticasCARTONES PARA TAPICES- El quitasol.- El cacharrero.- El columpio.- Las cuatro estaciones.- La gallina ciega.- El pelele.- En sus últimos cartones, por influencia de la Ilustración, realiza temas en los que semanifiesta una cierta crítica social, como “La Boda”.Más que cartones son, en realidad, cuadros al óleo. Realiza 54 durante su estancia en laReal Fábrica de tapices.Trata los temas populares de Madrid: verbenas, romerías, juegos, etc. Son escenas llenasde gracia y poesía.Los personajes populares aparecen ataviados con los trajes típicos de los majos y las majas.Utiliza colores claros, una gran gama cromática y desdibuja los contornos lo que dificultala labor de los tejedores. Se aprecia en ellos una clara evolución:- En los primeros, coincidentes con el reinado de Carlos III, en torno a 1776, utiliza coloresplanos, fuerte dibujo y temas de cacería.- Más tarde, con Carlos IV, hacia 1780, realiza temas costumbristas con manchas de colory celajes de influencia rococó. Mantiene una composición central geométrica con árbolesque marcan una diagonal y fondos arquitectónicos.RETRATOS- Carlos III cazador.- Familia del duque de Osuna.- La tirana.- Francisco Bayeu.- Josefa Bayeu.- Las majas.- Condesa de Chinchón.- Familia de Carlos IV (1800).- Fernando VI.- Autorretrato.- Marianito Goya. 26
  27. 27. - La lechera de Burdeos (1827).Fue el género que más cultivó, posando para Goyagentes de todas las clases sociales:reyes, nobles y personajes populares. Sintió especial predilecciónpor el retrato femenino.Se caracteriza por su realismo y sinceridad, reflejandoperfectamente al retratado, aunqueen ocasiones se manifiesta el interés, simpatía o indiferenciaque Goya sentía ante elretratado.Evolucionó desde los retratos elegantes y estáticosde los primeros años hasta losejecutados alrededor de 1800 a base de pinceladas sueltas, cortas yluminosas, de dibujo abase de trazos rotos, discontinuos y de mayor penetración psicológica.Excelente tratamiento de las calidades de los vestidos,objetos, etc.TEMAS HISTÓRICOS - El coloso.- Dos de Mayo o la Carga de los Mamelucos (1814).- El tres de mayo o los fusilamientos de la Moncloa (1814).Principalmente temas sobre la Guerra de la Independencia: destacan por su expresionismo,auténtico alegato contra la crueldad y la barbarie de la guerra.Sus composiciones son complejas, llenas de movimiento y acción.PINTURA RELIGIOSA- Cristo en la cruz, Academia de Bellas Artes de San Fernando.- Frescos de San Antonio de la Florida, Madrid (1798).- Última oración de san José de Calasanz (1819).- La oración en el huerto.No fue muy cultivada por Goya y la realiza tanto en lienzos como frescos. Mientrasalgunos cuadros pecan de excesivo academicismo, otros poseen un profundo sentimientoreligioso.PINTURAS NEGRAS- Aquelarre.- Viejos comiendo sopa.- Las Parcas.- Saturno devorando a su hijo.- Perro hundido en la arena.Reciben este nombre tanto por el color empleado (blanco, negro, ocres, dorado-verdosos),como por su tenebrosa significación pesimista, sombría y desesperanzada.Son escenas macabras y de brujería de difícil interpretación, expresión de un mundointerior desolado y terrible, alucinante.Una fantasía e imaginación desatadas presidieron su ejecución. 27
  28. 28. Introducción.Importancia y proyección de su obra en movimientos posteriores comparable con Picassopor su ir contracorriente y por su personalidad.La huella de sus obras podemos encontrarla, desarrolla un arte muy adelantado a sutiempo, presenta adelantos.En muchos estudios se le compara con David. Goya nace en 1746, David unos años antes,los dos retratan la era Napoleónica desde diferente óptica, lo que más interesa señalar sonesas diferencias.Goya: protesta airada del Neoclasicismo que representa David.* David: "Retrato ecuestre de Napoleón".* Goya: "Retrato ecuestre de Carlos IV".La pintura de David siguen las doctrinas Neoclasicismo, concretamente esa noblesimplicidad, cualidades que Winckelman encontraba en el arte griego, se encuentran en laobra de David."Juramento de los Horacios"."El rapto de las sabinas". Ambas obras tienen colores artificiales, pincelada imperceptibleque destaca el color." Retrato de Napoleón en San Bernardo". 1800. Primer encargo del Cónsul.Teniendo en cuenta su personalidad y las claves de la pintura Neoclasicismo no es raro loque aquí retrata David. El cruce de Napoleón por el paso, alguno de San Bernardo (Italia).El triunfo de Napoleón sobre los Austrias, también influyó en la idealización del héroe congran carga propagandística. David maquilla la realidad, para realzar la figura de Napoleón.Esto era tradicional en la monarquía.David: Idealiza la figura de Napoleón, que destaca en su caballo frente a las tropas, queaparecen en el segundo plano. David juega y pone una serie de elementos falsos, porejemplo, en primer plano aparecen unas rocas en las que se puede leer los nombres deCarlo Magno y Aníbal, que habían pasado ya por allí. 28
  29. 29. Esta idealización, donde aparece como esculpido en vez de dibujado. Para los neoclásicosel dibujo era esencial, llegado al punto que junto a los colores artificiales pareceesculpido.Napoleón, no parece sufrir desde su altura en el caballo, presenta una actitud serena,mayestática.Frente al tipo de retrato que maquilla la realidad podemos encontrar el que hace Goya aCarlos IV.Goya: Primer pintor de cámara, no tiene ningún tipo de agradecimiento a sus mecenas, masbien, al contrario. Encontramos un monarca, con hombros caídos, no hay ningún tipo demaquillaje de la realidad, el paisaje desolado, árido, no hay prácticamente.Ese realismo implacable será un signo que lo reconocerá. La muestra más evidente esta en"La familia de Carlos IV".El momento de esta monarquía esta cuestionado, el monarca tampoco tiene un porte yempaque natural.Como hemos podido ver, las diferencias entre David y Goya son muy importantes. En elcaso de David y en la "Coronación", también en cada una de los personajes encontramosun estudio psicológico. También W. Blake es un adelantado, pero no cubre las etapas queGoya cubre.Proyección de Goya en el arte moderno, es una de las referencias incuestionables, junto aVelázquez para el impresionismo." La lechera de Burdeos". Pincelada pequeña que tuvo difusión en Francia.Goya llega al impresionismo a través de la galería española del Louvre, donde habíanlienzos de los mejores pintores españoles: Valdés Leal, Murillo, Ribera... pinturasdecisivas para la formación del grupo de pintores antiacademicos del momento. Por laguerra Napoleónica y la desamortizaron llegan mayor cantidad de obras.Los franceses también se ven influenciados por Goya, como Degas o Manet, el cual pintó"La Lola de Valencia"."El balcón" Manet. = "El balcón" Goya."Maximus Manet" Manet = "Fusilamientos" Goya.Influencias.En 1878 se exponen en París las "Pinturas negras" de Goya. Fue el descubrimientodefinitivo de Goya a nivel Europeo. No sólo influenciara en el impresionismo, tambiénserá estudiada en el expresionismo (Munch, Hold, Ernest...su manera de deformación),surrealismo (Su relación con el mundo onírico), incluso en el expresionismo abstracto.Impresionismo por Su técnica.Expresionismo por Su manera de deformación.Surrealismo por Su relación con el mundo onírico.Referencia de tendencias que se reflejan en Goya. El rococó desde sus comienzos anuncialo que era el romanticismo, en su utilización del color, las formas: rococó.19-X-99.Relación entre Goya y el arte moderno.Napoleón cubrió el trayecto alpino a lomos de una mula, más significativo el caso deadulteración de David a la hora de realizar la pintura.* Técnicas:* David: Superficies más pulidas, bruñidas, uniformes, que se corresponden con la estéticaNeoclásica.* Goya: 1800. pincelada muy suelta. Tiende a la mancha, a sintetizar, muy moderno. 29
  30. 30. Goya presenta escasas influencias del Neoclasicismo y rococó, pies siempre aflora supersonalidad. Es un neoclásico un tanto peculiar, siempre pasado por su tamiz personal.Goya se siente identificado con la ilustración. A raíz de su enfermedad en 1792 agudiza sucrítica de la sociedad, cuando se encierra en sí mismo, observando de cerca, las lacras de lasociedad.Su huella, prácticamente ininterrumpida en la pintura española, se puede observar en variospintores como es el caso de Antonio Saura, también en la pintura valenciana: Antonio JoséStruc, Ricardo Verde, pintores menores donde la huella de Goya esta muy latente.La galería española Luis Felipe l da a conocer la pintura española en Francia. Influyó en elimpresionismo, surrealismo, expresionismo. Trata el vacío como los expresionistas, porejemplo "El perro" de las pinturas negras.Presenta un carácter pionero en el uso del aguatinta, la litografía y la caricatura del s.XIX.Es difícil encajar a Goya, adjudicarle un adjetivo que defina su trayectoria, al igual que lepasa a otros autores como Picasso.En la trayectoria de Goya podemos observar, desde un expresionismo desgarrado de laPinturas Negras, hasta retratos preciosistas. No se le puede atribuir un calificativo que lodefina con exactitud.Andadura de Goya hasta 1792, fecha de su enfermedad:* Llega a Madrid a los 17 años, se presenta a unos concursos de la academia de SanFernando, consiguiendo dos fracasos.* Goya hace un viaje a Italia (Templo del arte) por sus propios medios, en 1770, el artistapensaba visitar lugares concretos que anotaba en un cuaderno: Bolonia, Florencia y Roma.* 1770, la Academia de Parma convoca un concurso "El Aníbal vencedor".* 1771, en Italia, anticipa en algunas notas, ciudades que presumiblemente va a visitar.* 1770. "Aníbal vencedor", concurso convocado por la Universidad de Parma. Goya envíadesde Roma un lienzo, fue una obra muy elogiada, aunque también recibió algunosmenosprecios y defectos. Quedando vencedor del concurso Pablo Berroni."Aníbal Vencedor". Boceto. Muchos autores dicen que la madurez de su pintura es ungrado que va ganando poco a poco, a partir de 1880."Aníbal Vencedor" original. Se encontró en el 5-2-94. Fundación Salgaz, Asturias. Hasufrido modificaciones. El jurado dijo de él que tenia un colorido poco verista y que no seajustaba del todo al tema propuesto. Figura en el primer plano, cabeza de buey, es larepresentación del río Po. El carro que cabalga sobre una nube va a coronar a Aníbal y esotro elemento mitológica junto con el genio alado que esta animándolo a seguir el camino.Es una obra de colorido muy suave, con una dominante de azul que tiene sus contrapuntosen los amarillos (armadura, río...).Ya se observa esa técnica suelta que puede ser extremadamente delicada o de gran energía.La figura de Aníbal es peculiar es su postura, un tanto especial, en su contraposto y suforma de tocar.En esta época, en Roma, entra en contacto con el retorno a lo clásico, patrones clasicistas.El 1771 un pequeño grupo de cuadros, de claro sentimiento Neoclasicista.è "Sacrificio a Priapo", otros cuadros son a Pan, Hestia...todos ellos dioses clásicos.Primeros temas clásicos, es el contacto de Goya con esa vuelta a lo clásico. Ideasgenerales: Actitudes nobles, serenas, grandeza de la que hablaba Winckelman.Pero por otro lado, asoma la personalidad de Goya por que las figuras son serenas pero almismo tiempo respiran una intensidad de vida, unida al toque de su pincelada, nada tieneque ver con la pureza de líneas de los pintores Neoclásicos. Son obras de sentimientoneoclásico pasada por su tamiz personal.En estas primeras obras hay referencia del neoclasicismo, el Barroco y el rococó en "Loscartones para tapices" 1771-1782. 30
  31. 31. Pintura religiosa.Dos de los encargos más importantes:* Capilla de la virgen de la basílica del Pilar. (Boceto) "El coreto", al fresco.* Aula Dei. Zaragoza. Un total de once pinturas. Goya intenta superar a los pintoresBarrocos, emula la luz del anagrama central y la ventana superior (Emula la luz que entra).Presenta pinceladas enérgicas y sistemáticas pero que crean a veces sensaciones dulces.Adapta a las pinturas, las rendijas de respiración de la iglesia.è "Autorretrato" 1773. Año en el que contrajo matrimonio con Josefa Bayeu. Se dice quepudo hacerlo con motivo de su boda. Retrato enérgico, presenta esa intensidad quedesprenden sus figuras. características de Goya, esa intensidad rebrandiana. Se sienteimpulsado por sus maestros : Rembrandt, Velázquez y naturaleza, esa naturaleza querechaza los postulados Neoclásicos.Presenta un fondo muy oscuro, donde apenas se aprecia la larga y negra melena del autor.El Goya empeñado en composicionesa religiosas: "San Francisco el grande", "Siena", "Lacúpula del Pilar" son pinturas que no le darian el éxito al autor, las que sí lo harian son laspinturas de corte.En los concursos, lo que se valoraba del pintor era el manejo del color, de la composición ,armonizar el colorido, la invención (Operacion de sublimacion de la realidad en la que seperdia lo que go buscaba)... Mengs dijo que era "Poesia de la `pintura"1775-1792: Cartones para tapices.Goya trabajara para palacio en la realización de Cartones para tapices, que eran óleos quese transformaban en la Real Fabrica de Santa Barbara, creada por Felipe V para larealización de tapices destinados a diversas estancias.Con la entrada de Goya en la fábrica se realiza una revitalización de la misma. No hay quepensar que para Goya este tipo de pintura es secundaria.Algunos de los cartones para tapices podrían catalogarse como obras maestra, como porejemplo "El parasol" o "El cacharrero".Son obras de una extraordinaria calidad: Composiciones de formas intensas, el juegocromático, los gestos, el dinamismo, se forman, en gran medida, en este género. Aunque sevea como una pintura casticista, nunca trató como material complementario. "La caza del jabalí" 1775. Es de los primeros cartones que realiza y es de escasa calidad.De los primeros, algunos proceden de su cuñado, cuando los diseñe él, estos adquiriríanuna gran calidad."El quitasol". 1777. Armonía perfecta de azules, rojos, oros...las coloraciones estántrabajadas con gran exquisitez hacen que estas obras sean unas de las fuentes delcasticismo hispano que desembocará en el costumbrismo andaluz.A las clases nobles, para divertirse, les gustaba vestirse como las clases populares (Majos /majas), también desarrollaban juegos como "la gallinita ciega".La fuente de eses casticismo hispano esta en la actividad de los ilustrados, los cuales sepreocuparon por revisar y visitar, analizando la variedad regional española, por lo queatañe a todos sus aspectos: Recuperar las costumbres populares.En el 1777 se publicó un libro llamado "los trajes regionales de España", con grabados,pinturas...y esto pone en manifiesto que se estaba estudiando al pueblo y sus costumbres.Tipismo hispano que se desarrollaría a lo largo del s. XIX.Goya, como precursor, tuvo la actitud de captar el momento; en los cartones de Goya lasfiguras son dinámicas, dan la sensación de movimiento, parece que trate de captar lafugacidad del momento. 31
  32. 32. Si nos acercamos, podemos observar que la pincelada es mucho más enérgica, mucho mássintética, el pincel ha dejado su huella en el lienzo, nada que ver con la pinceladaminuciosa del Neoclasicismo."Baile a orillas del Manzanares". Escena decorativas anecdótica."Jugadores de Naipes". Expresividad. Todos están atentos al juego. El autor irá avanzandoen la expresión hasta llegar a la deformación monstruosa más enfática."El cacharrero". Presenta distintos planos, perspectiva aérea. Influencia velazqueña.Dinamismo en el carruaje.è "La florera".è "La vendimia o el otoño" Lo más importante de estos cartones es la pericia de Goya paralos planos y sus figuras, que a veces, pasa casi desapercibido. Goya trata a los niños congracia, apreciable en el niño que aspira a recoger las uvas.è "El albañil Herido". Cartón muy famoso, Hay alusiones a esta obra en pinturas de otrasépocas, como las de los años ‘30.El tema es bastante brusco por que no parece que sea para colgarlo en el palacio Real.Puede ser que durante el reinado de Carlos III saliese un decreto de ayuda para los obrerosheridos, de ahí la representación de este tema."La gallina ciega". Alterna color entre las figuras para que resulte más animado.è " Pradera de San Isidro". Personajes diferentes que se mezclan y el paisaje de Madrid alfondo. Muestra con pocos trazos diversos edificios. Recoge todo el gentío, algarabía,bullicio del momento.è "El Cristo crucificado". Goya lo realiza cuando es admitido en la Real Academia de SanFernando. Acusa la huella de Mengs y del Neoclasicismo. El tratamiento del rostro esdiferente al del resto del cuerpo.21-X-99.Fue la primera vez que recibió una composición moral para el acceso a la Academia de SanFernando; el cuadro que realiza es este Cristo. Es un diseño de Bayeu que procedía deMengs. Las comparaciones con el "Cristo" de Velázquez ha permitido que se ponderetodas la calidad de la obra.Hay una vuelta a Zaragoza con motivo de pintar: una de las cúpulas de la Basílica del Pilar,es cuando se produce el choque de parecer entre Bayeu (inspector de la decoración deltemplo) y Goya por doble motivo:* Las perspectivas distintas del arte de ambos artistas.* El temperamento de Goya no toleraba los toques de superioridad de su cuñado.Después de este tuvo otros dos encargos:è Un lienzo religioso para la "Iglesia de San Francisco el grande". Diversos pintoresrealizaban sus obras allí también. Estos cuadros religiosos no eran los más próximos a susensibilidad.è Retrato del "Ministro Florida Blanca" de Carlos III. Pero tampoco este tipo de retratosprotocolarios fueron los que le dieran el triunfo.En la obra, el ministro esta ubicado en el centro del cuadro y aparece magnificado en unaactitud distante. En la parte izquierda se autorretrata el propio autor. Detrás del retratadoaparece un arquitecto, que maneja unos planos del canal de Aragón (1783). Al pie de lamesa hay un libro "La practica de la pintura" de palomino. Un reloj marca las 10:30 horasy en la parte superior hay un retrato ovalado de Carlos III.En la parte inferior un papel con la firma de Goya.Contra todos los propósitos, Goya alcanzó el éxito como retratista y posibilitó suintroducción en la alta sociedad.Concretamente, entre 1783 "R. Florida Blanca" y 1792 "Crisis de su enfermedad" 32
  33. 33. Retrató diversas casas nobles que actuaron como sus protectores, entre las más importantesse encuentran las casas de los Osuna y la casa de Alba.è "Duquesa de Osuna". Una de las aristócratas mas relevantes del momento, rival de laDuquesa de Alba. Protectora de las artes y las letras, tomó bajo su protección a Goya y lointrodujo en el mundo de la alta sociedad. Esta representada con un vestido azul, largo ysombrero que evoca un personaje cosmopolita. Los brazos separados del cuerpo, junto consus ojos chispeantes que trasmiten ese carácter vivaz de la Duquesa.è " Los duques de Osuna". Este tipo de cuadros: composición familiar es más afín altemperamento de Goya, el cual, sabe revelar el carácter de sus personajes. La mirada seconcentra en los retratados, no como en el de Florida Blanca, que era un retrato másenfático. Armonía de grises muy sutil, en este tipo de cuadros resulta ser un colorista muysutil con un resultado muy depurado.è " Marquesa de Montijos". Donde se aprecia un pintor muy depurado, tratando con sumadelicadeza todas las texturas del cuadro, rozando lo preciosista."Carlos III". Para este cuadro Goya pone al monarca en una de sus aficiones favoritas lacaza. Se cree que Carlos III no posó para él, es muy posible se apoyara en otros retratos,quizá por ello la huella de los retratos de Velázquez es sumamente acusada. El rostroaparece con esa mirada inteligente, con esas facciones socarronas, hay quien piensa que lasexageró rozando la caricatura."San Francisco de Borja asistiendo a un moribundo". Antes de pasar por su crisisaparece un Goya ansioso de explorar en las angustias humanas.San Francisco viste hábito de Jesuita, aparece de pie frente al moribundo, que presenta unrostro dejenerado se vuelven al revés los ritos extraños, la manera de recrear el tema pareceestar más cerca de un acto de brujería que un tema misericordioso que promulga la Fecristiana. Hay un desequilibrio entre la figura del Santo y el espacio que ocupan los seresdemoniacos, los cuales se van introduciendo poco a poco en la obra.Fuerza expresiva para captar a esos seres y la expresión aterradora del moribundo, lasfuerzas del mal parecen más poderosas que las fuerzas del bien. Este expresionismo delautor ya se manifiesta tempranamente. Esta obra es una anticipación de algunos temas;personajes que luego aparecerán en su obra de forma constante."Sebastian Martínez". Testigo de su enfermedad y fue en su casa donde pasaron largotiempo. Era un comerciante, gran biblioteca y coleccionista de obra de arte y estampas.Aquí Goya describió ciertos grabados."El incendio". Anticipa algunos de los temas que trabajará en otras obras. Representa elincendio del coliseo de Zaragoza el 1878. Se traslada a una escena de dolor terrenal, unaespecie de escena apocalíptica. Pincelada suelta, abigarramiento donde las figuras sesobreponen unas a otras.En 1792 Goya padece ya la sordera, la que dejaría grandes secuelas en todos los aspectosde su vida. Había tenido una vida social muy activa, y ahora se introduciría en su mundointerior y desarrollaría la observación. Pintará entonces obras como si fuesen sus catarsis,donde vuelca toda su imaginación.Caprichos. Serie completa realizada con una finalidad por que plantean diferentesproblemas, se los regaló al rey. Fueron ubicados en el 1799 y para difuminar algunoscontenidos de los caprichos los titula de forma ambigua.El grabado es la disciplina en la que Goya empezó a cultivar muy tempranamente, cuandollega a dar forma a la serie "los caprichos" ya ha llevado una larga trayectoria comograbador, en las escuelas de reproducciones reales, las cuales divulgan y dan a conocer lascolecciones reales. La intencion de difundir los grabados fue del Rey que quería quellegasen a diferentes cortes europeas. 33
  34. 34. Aguafuertes:* "Las meninas". de Velazquez. Demuestra cierta tosquedad en el desarrollo de la lectura,aun no ha hecho valer su maestría.* "Los borrachos" de Velazquez.En los caprichos Goya da rienda suelta a la invención, se revela como un gran maestro delaguafuerte y del aguatinta, una dibujística y la otra para lograr sombras uniformes. Habíanun total de 80 más 5 adicionales, donde solo una de ellas estaba realizada a la técnica delaguatinta. Utiliza el aguafuerte para realizar las figuras y el aguatinta para realizar ydetallar las sombras.En el grabado únicamente puede trabajarse el claroscuro, unos contrastes que son yaclaramente modernos.Detrás de cada uno de estos grabados hay una serie de dibujos preparatorios muyinteresantes, por que han sido determinantes para las investigaciones, para determinar elsentido de los mismos, pues el sentido último se nos puede escapar por la ambigüedad deestos grabados.è "Que viene el coco". Crítica lo erróneo de la educación por el miedo a temer algo que noexiste, para mantener un dominio injusto sobre los civiles.No se trata de una escena cotidiana, la madre presenta rostro monstruoso que nos demiedo, ese misterio que rodea la escena, hace que percibamos algo más allá que noterminamos de entender.Contrastes acusados entre el blanco y el negro que va a prodigar en los siguientes.è "El de la Rollona" (niñera). Hace referencia a la educación infantil. Hay una acusación ala nobleza que malcría a sus niños. Parte del proverbio "El de la niñera que tenia 7 años yaun mamaba".è "Ni así la distingue". Se acusa la estupidez de los galanes. La coquetería de la mujer de lacalle, que hace uso de sus armas de mujer, para ver no basta el anteojo, se necesita juicio.è "Que se la llevaron". La vivencia del rapto, se expresa con una tensión admirable. Susignificado es que la mujer que no sabe guardar es el primero es el primero que pilla.è " Tantalo". Hace alusión a los matrimonios por interés que se hacen entre hombresmayores y muchachas jóvenes.è " A la caza de dientes". Búsqueda de dientes de un ahorcado para hacer hechizos. Hacealusión a la superstición. Otros comentarios que se han hecho de la obra es que los malosefectos de la pasión, que conduce a estos extremos.è "Y van desplumados". Después de caer en manos de las muchachas, desplumados, sonechados de la casa a escobazos.è "Aquellos polvos". Tema de impresión. El titulo esta en relación con el refrán "Aquellospolvos trajeron estos lodos".è "Tu que no puedes". El injusto reparto de las cargas, hacen que sean los humildes lossoportes del Estado, llevando a cuestas a las casas nobles....considerados como burros.è "El sueño de la razón produce monstruos" (dibujo). Se concibió como portante de laconducción.Lo encontramos en un lienzo alusivo a la reine María Luisa. Presenta el concepto decaricatura, esa deformación constante que aparece en la obra de Goya.è "Hasta la muerte". Hace alusión a la coquetería femenina que sobrevive a los limites de laedad.è "Aun no se van". Escena donde los protagonista son los difuntos. Más que desuperstición, es el constante reflejo de los muertos en la vida de los vivos.è " Quien lo creyera" Dos brujas que riñen, cayendo en un abismo repleto de monstruos.Las visitas que Goya realizó a San Lucas de Barrameda y su relación con la Duques deAlba se reflejan en su obra. 34
  35. 35. è "Linda maestra". Contraste entre la joven y la vieja. La escoba adquiere un carácterfálico. Las viejas dan lecciones a las jóvenes de volar por el mundo: la alcahueta.26-X-99.A partir de 1793 aproximadamente, es cuando Goya se da cuenta que puede explorar parasu pintura, una nueva potencia alentadora, a raíz de su enfermedad desarrolla suimaginación.Junto al "Incendio" realiza un grupo de pequeñas pinturas que para Goya son una especiede catarsis y que le resultan económicas por su pequeño formato.En una carta a su amigo Bernardo iriatrte le habla sobre unos lienzos en soporte dehojalata. En las obras de encargo no tenia ensanche, no podia desarrollar su imaginacion,nada tiene que ver con los generos al uso. Cuadros muy personales como:è "El naufragio".è "El asalto a la diligencia".è "El corral de los locos" (detalles). Una de las obras que aparecenlos asuntos, obra de gran tragedia, aquí dice que es uno de los asuntos que él habiapresenciado en Zaragoza. Per esta claro que la invención entra en juego, Goya creóbastante de su parte.è "La tirana" Entre 1793-1798 (fecha en la que se pinta los frescos de San Antonio de laFlorida) realiza este retrato. Ella era una actriz que recibe este nombre por que su esposoen el teatro siempre desempeñaba el papel de Tirano.è " Retrato de Doña Tadea Arias de Enriquez". Retrato muy hermoso, presenta ciertoparecido con la "Marquesa de Pontejo", elegancia del retrato ingles, podia revelarse alpropio Gausbourght (pintor inglés, retratista, Neoclasico).è "Retrato de Francisco Bayeu". 1795. Retrato del pintor en el mismo año de su muerte.è "Retrato de la Duquesa de Alba" 1795. Con vestido blanco.è " La Duquesa de Alba". 1797. Vestido negro.è "Jovellanos". Lo pinta con gesto eensimismado u preocupacion. Aparece la imagen deMinerva (Diosa de la sabiduria). Esencia de la Escuela romántica que había analizado enOviedo. Jovellanos era gran amigo de Goya.è "Reina Maria Luisa"è "Marquesa de las Mercedes".è "Josefa Bayeu". Su esposa.è Fotografía de la iglesia de San Antonio de la Florida. 1798. A partir de 1788, sube alpoder Carlos IV, el poder queria un palacio de Verano que ocasionó la demolicion de unaiglesia, la de San Antonio, que luego realizaria al ser Iglesi Real de Felipe Fontana. Será aGoya a quien se le encargue su decoracion pictorica, él tendrè totalk libertad a lña hora desu realizacion, por encima de él no hay nadie, exceopto el rey por ser el poder real.La Iglesia presenta planta de cruz griega con una cupula de 6 metros de diametro, donde secentraba la pintura de Goya. Por los arcos, pechinas, abside... habria diferenrtes motivosrepresentados.A nivel iconografía, Goya alterna el orden iconográfico, de época Barroca. En la partesuperior hay angeles y en la parte inferior milagros.Goya altera el orden situando el mlkagro en la parte superior y los angeles en la pateinferior . 120 dias le costo a Goya concuir esta obra,m ayudado por Asensio Juliá.è Imagen para el Aula Dei. Zaragoza. Entre esta pintura y San Antonio de la Florida, hacambiado mucho. Su tecnica es más sintetica, mucho mas suelta, un hecho impensable enesta época.El milagro de San Antonio de Padua, que realizó en Lisboa siendo su padre acusado deasesinato. 35
  36. 36. San Antonio pregunta al asesinado, si ha sido su padre, el muerto se levanta y dice que élno le había matado. Goya lo refleja de forma natural, sencilla, cotidiana, desacraliza laescena. Hay una barandilla que rodea toda la escena, recuerda una corrida de toros, unafiesta.Audacia y atrevimiento del pintor en el desarrollo de la obra (Nadie en esa épocaconocemos que pintara así).En cada detalle se puede observar el brochazo limpio, la pincelada suelta, rápida yespontanea, abocetada e inacabada, que lógicamente se habla de Goya como laanticipación al Impresionismo.è Detalle. Ángeles. De sexo femenino.è Retrato de Asensio Juliá. Este autor ayudó a Goya en la elaboración de los frescos de SanAntonio de la Florida. De fondo podemos apreciar lo que serían los andamios de SanAntonio. En la parte inferior, en el suelo, aparecen pinturas y pinceles sueltos. Esta pintura,conocida por los impresionistas, estuvo en la Galería "Luis Felipe" en el Louvre, posibleinfluencia en Berthe Morrisot.Entre 1798 y comienzos de la Guerra de la Independencia, Goya sigue pintando a laFamilia Real, en 1789 se convierte en pintor de cámara.è "Retrato de la condesa de Chinchón".è "Retrato de María Teresa de Borbón". Esta mujer ya había sido pintada por Goya depequeña. En el momento en que la pintaba, estaba embarazada, pero esto es disimuladocon el vestido de corte imperio y las manos entrelazadas. Era la esposa de Godoy, Goyasentía gran afecto por esta mujer, un cariño fraternal, pues la conocía desde muy pequeña.16-XI-99.En 1863 el último propietario antes que el barón F.E. Derlandeer la adquiriera el 1873 ymanda arrancar la pinturas y pasarlas a lienzo por Martínez Cubeix; en el 78 son puestas enla exposición de París y en ele 81 se ceden gratuitamente al Prado. La Quinta del Sordo esdemolida en 1913, que es cuando los descendientes del barón la venden para construirnuevas casas.Pinturas negras (Repaso).Fotografía sobre "Asmodea". 1863. Pintadas sobre escenas costumbristas que ocupabanese lugar, pero no se sabe el autor. Goya aprovechó elementos de las pinturas que subyacena las negras. Se ha dicho que so de Goya, pero no se ha podido determinar; La hipótesisque defiende la autoría de Goya se basa en el aprovechamiento de los elementos de laspinturas cubiertas.Fotografía sobre "Duelo a garrotazos". 1863. El fondo es utilizado de la pintura anterior.Distribución de las pinturas negras. Todas están colocadas menos "Viejos comiendo sopa",que no se ha podido determinar donde estaban. Otros cuadros tampoco se sabe segurodonde estaban."Saturno devorando a sus hijos" de Rubens. 1673. Goya pudo dejarse influir por él.Iconografía: o bien devorando a sus hijos con voracidad (Goya) o bien melancólicamente,con un reloj de arena y/o con una guadaña."Saturno devorando a sus hijos". Voracidad. Figura que surge de la tiniebla, ojosdesorbitados, fuera de control. 36
  37. 37. "Judith y Holofermes". Holofermes no se ve, y Judith refleja muy bien sus rasgosfemeninos. Muy cambiados respecto a la historia.è "Leocadia Zorrilla". Apoyada sobre un túmulo. Se acentúan los rasgos femeninos. Lamirada y el semblante es melancólico.è "Dos frailes o viejos". Se contraponen las dos figuras, el viejo que se apoya en el cayado,que esta relajado. Parecido al dibujo de "Aun aprendo". Detrás, una criatura deforme que lesusurra algo al oído.è "Aun aprendo"è "Dos viejas comiendo sopa". Cuadro de difícil colocación. Una esta comiendo, pero laotra parece estar manejando una lista. Expresionismo, pincelada pastosa y suelta,percibimos, no obstante, la huella del pincel.è "El aquelarre". Separación de los grupos para señalar la autoridad del demonio.Animalidad de los rasgos. Rostros con gran abstracción. Aparece también la inicial.è "La romería de San Isidro". Romería triste y desesperada. Multitud que se agolpa en unprimer plano, algún personaje mira directamente al espectador, parece ser conducida porun ciego, también aparecen diferentes clases sociales: mendigos, damas, burgueses...è "Dos mujeres y el hombre". Escena cotidiana de prostitución.è "Hombres leyendo". Cotidiana. Nos e sabe muy bien su significado. No sabemos si elescrito es político, prensa, libro...è "Duelo a garrotazos". Puede ser sobre la guerra civil, o como una continuación de los"desastres de la guerra". Utiliza el paisaje de la pintura que le subyace.è "El paseo del Santo Oficio". Presidido por un dignatario y una multitud que le sigue. escomo una alusión al Santo Oficio con el que Goya había tenido problemas. Los arboles delpaisaje fueron retocados por Martínez Cubeix y en los cuadros verticales también se nota elretocado del mismo autor.è "Las parcas". Diosas del destino. Interpretación "Sui generis" del mito por sus atributos."Asmodea". Dos demonios y una escena de jinetes que se dirigen a una población."El perro de Goya"."La lechera de Burdeos". 1827. El sentido de la luminosidad y la pequeña pinceladaanticipa las conquistas de los posteriores, como el impresionismo.El influjo del Goya: Agustín Esteve, Antonio Carnicero y Asensio Julià.Pintores coetáneos a Goya, que trabajan en colaboración con él realizando copias de susobras, por eso reflejan un poco su arte, pero están marcados por Mengs y el Neoclasicismo.A. Esteve.Nace en Valencia y posteriormente se traslada a Madrid, donde estudia en la academia deSan Fernando y donde se dedicará a su profesión como retratista, se relaciona pronto conlas casas mecenas de Goya para los que realizará muchos retratos.Hay dos fases reconocibles en los pintores:* Se desarrolla bajo el influjo de Mengs.* Se deja influir por la obra de Goya.è "Retrato de Manuel Godoy". A. Esteve. 1787-1790. Lo más significativo es la factura,fina, lisa y poco espesa; Máxima atención al detalle, detención en lo minúsculo...Obrasignificativa de su primera etapa.A partir de 1778 el rey llama a Goya para que lleve a cabo los retratos oficiales de lafamilia real. Esos retratos tenían quecolgarse en muchas instituciones del país, y los copistas se dedicaban a llevar acabo esaspinturas. Copistas de tan alta calidad que se ha llegado a dudar sobre la atribución de laautoria de alguna obra a cualquier de los dos autores. 37
  38. 38. è "Retrato de J. Esteve Bonet. Escultor valenciano. sentado mirando al espectador ysosteniendo un papel. a excepción de algunas veladuras que adopta de Goya, la factura esmuy distinta, se recrea en los detalles de la indumentaria.è "Retrato de Fernando Selma". Gravador. Aparece con un informe académico, sostiene unretrato de Carlos IV realizado por él, hay un buril en su mano y otros elementos degravador.è (****) "Manuel Godoy fundador del instituto Pestalogi". Copia de una obra de Goya. Seconservan dos copias. Se ve en primer plano la figura de Godoy y después los cadetes delinstituto que manejan instrumentos como una escuadra, una pizarra...instituto militar quequería seguir los postulados de Pestalogi. Edificio de corte Neoclásico y en el frontón elescudo diseñado por Goya. Muestra el libro de Pestalogi y una imagen del pedagogo, y enla cartela dice "El señor príncipe de la paz..". En la parte superior hay un busto de CarlosIV, ya que fue él quien realmente había financiado el instituto.è Mismo cuadro, pintado por Goya. Factura más desenfadada. Pincelada suelta.è "Retrato femenino". 1798. Juaquina Teñez de Girón. Hija de los condes de Osuna. Losniños y las mujeres le permiten más libertad para la composición. Pintada de cuerpo entero.apoyada sobre el globo terráqueo, se dice que este tipo de retratos incide poco en el aspectopsicológico. Ese vestido y el tipo de pelo lo encontramos en otros cuadros de Goya, porque era el tipo de vestimenta de moda en la época.è "Retrato de la condesa de Sastago".è "Retrato de joven".è "Retrato de la condesa de Montijo con sus hijas".è "Retrato del niño del cordero".è Mañano Sanjuan y Pineda". 1813.è Marquesito de Cogolludo y sus hermanas.A. Carnicero.Nace en Salamanca y se traslada a Madrid, va a Roma y se convierte a su vuelta en granretratista.è "Puertos de España". Debían cumplir las órdenes de los reyes. Esta labor se le habíaencargado a otro pintor, pero cayó enfermo y se la encargaron a él.è "Caza de patos en la Albufera".è (****)"Ascensión de un globo Montgolfier en Madrid" 1783-17784. Resulta undocumento de la época bastante importante. Los personajes de la parte inferior son dediferentes clases sociales. Respecto a sus valores pictóricos: Envaramiento y rigidez en lafactura y poses. Gran detallismo y muy bien dibujadas.è "Retrato de Tomasa Aliaga".è (***) Retrato de Campomanes. Puede ser el mejor retrato que hizo este autor. eraministro del rey.è (***) Retrato de Godoy". Pincelada un poco más suelta y colores muy vivos.è "Maria Luisa". Retrato de la reina. Dibujo para ser gravado.A. Julià.è "El naufrago". 1815. Toque más suelto que entronca más con la factura goyesca, es elautor que más se le aproxima.El personaje permanece atado a un árbol, en un fondo en el que dividamos un torreón,marina al fondo.è "Caricatura política". Se relaciona con la pintura anterior por la factura desenfadada. 38
  39. 39. 25-XI-99.José de Madrazo.Iniciación de una saga de pintores que ocupa el s. XIX. Pintor de Santander que estudia enSan Fernando y posteriormente gana la beca para deslazarse a París, donde conoce a Davidy estudia su obra.Allí pinta algunos lienzos de los que sólo conservamos grabados, como "La muerte deLucrecia". Posteriormente se desplaza a Roma, y allí concibe la idea de realizar unconjunto de cuadros evocadores de la antigüedad, entre los que constaban "La muerte deViriato", "Destrucción de Numáncia"... en realidad sólo se llevó a cabo " La muerte deViriato", en Roma también toma contacto con Ingres, y alguno de sus retratos reflejan lainfluencia del pintor.è "La muerte de Viriato". 1807. Obra de las que beberán los pintores a parte de 1856 conlas exposiciones nacionales. Su composición es monumental, mide más de tres metros dealtura por 4’5 metros de ancho y su esquema compositivo y resolución pretende recoger laesencia Neoclásica de David. La pintura recoge en la parte central al caudillo asesinado portres de sus hombres y a sus generales que lo descubren y se abalanzan sobre el cadáver condiferentes actitudes, por una parte los que se abalanzan, un segundo grupo detrás, y doslanceros y un servidor. En la parte derecha de la obra observamos la entrada de otro militarque descubre la escena. Al fondo, el campamento y soldados que se acercan. Hay unpersonaje con una cuerna, que anuncia lo sucedido, otros dos soldados salen de la tiendacon espadas, en un gesto de venganza.Composición en la que se trata de repetir la grandiosidad monumental y las actitudescontenidas propias del Neoclasicismo, dotar a la figura de nobleza y de la dignidad de laépoca.Fue expuesta en la Academia de San Fernando en 1818 y la actitud que adoptó la prensa alrespecto fue laudatoria, pero también aparecieron opiniones divergentes que aluden aaspectos de la pintura.José de Madrazo trata de seguir las enseñanzas neoclásicas y es lo que se observa en estecuadro y en los posteriores. Prácticamente todas las figuras están en el mismo plano o enplanos muy cortos, característica del Neoclasicismo.Hay que destacar principalmente el grupo central, donde se concentra el pintor, estáelaborado y tiene más luminosidad. El resto, bien sean los dos soldados del segundo plano,que se diluyen en la penumbra, bien sean los otros gestos. Muy buena realizacion de lastelas.La pintura es importante por que es la primera vez que uno de estos temas evocadores de laantigüedad se centre en un episodio relacionado con la historia de España. 39

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