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  • 1. EL MANIERISMO No todo el arte italiano del siglo XVI desarrolla un mismo criterio de plenitud clásica. A partir de la segunda década del siglo, comienza una nueva experiencia basada en la innovación y la ruptura, de una enorme creatividad: el Manierismo. Grandes maestros como Miguel Ángel se implican en ella, configurando un estilo que pronto traspasará las fronteras de Italia. Pero no podemos entender este arte si no analizamos un poco la coyuntura histórica que lo rodea. Estamos en una encrucijada de cambios políticos y religiosos que impiden la convivencia desahogada del optimismo humanista. Italia se ha convertido en un campo de batalla ya que Francia y España se disputan el dominio de la zona. El punto álgido de la contienda se da en el Saco de Roma por las tropas de Carlos V. Por otra parte, la Reforma protestante agudiza la crisis al poner en tela de juicio la supremacía de Roma y del Papado. La crisis de fe en la capacidad del individuo y en la razón, valores tan arraigados en el Renacimiento, trascenderá al arte y se manifiesta en angustia, desequilibrio, distorsión…, producidas por el desasosiego del ser humano, que contempla cómo su mundo se viene abajo. El concepto de manierismo es un término relativamente reciente, pues como tal sistematización artística no empieza a ser tenida en consideración hasta bien avanzado el siglo XX. A partir de 1525 se empiezan a abandonar el equilibrio y la armonía de tendencia clásica. Las composiciones pierden la simetría, la proporción y la serenidad de las obras renacentistas, y la atención se centra en el decorativismo más que en la estructura formal de la obra, es el inicio del Manierismo. El período manierista es una fase de reacción a las fórmulas clásicas, que siguen utilizándose, pero ahora buscando su confrontación con la ortodoxia, buscando su contradicción y la inversión de los términos. Convirtiéndose en fin, en un movimiento anticlásico. El nombre manierismo se tomó del término italiano “maniera”, que alude a una forma propia, personal y con un hondo sentido espiritual de entender el arte. Su cronología se iniciaría a partir de 1520, es decir, con las últimas obras de Rafael y las primeras de Miguel Ángel, al que hay que considerar el punto de partida de una ruptura personal (a su maniera) y decisiva con respecto al lenguaje clásico. Desde ese momento el arte italiano del s. XVI va a buscar: la tensión frente al equilibro clásico, el agobio espacial frente a la amplitud; la luz tremolante y vivida frente a la homogénea; la intensidad cromática y el contraste de luces y sombras frente a la homogeneidad y la suavidad; la volumetría frente a la gracilidad; la expresividad frente al idealismo; y la inquietud, la sorpresa y la zozobra frente al orden. Características: 1. Liberación del culto a la belleza clásica, a la serenidad, al equilibrio y a la claridad del Renacimiento. A veces se trata de hacer lo contrario de que se hacía en el Renacimiento.1. Alejamiento de la realidad. Las obras reflejan una tensión interior que termina en el irrealismo y la abstracción olvidando la fidelidad a la realidad del Renacimiento.
  • 2. 2. Es un arte intelectual, refinado y cortesano, por eso no tuvo expansión en las clases populares y quedó reducido a ciertas elites. La arquitectura manierista viene determinada por: 1. Un rechazo de los elementos clásicos: desaparece el orden, la armonía, la unidad…y las formas transmiten tensión y abstracción.2. Un mayor desarrollo del decorativismo y la plasticidad en las obras.3. La monumentalidad y el dinamismo de los elementos arquitectónicos, que son utilizados de forma arbitraria. Miguel Ángel, Vignola, Giacomo della Porta destacan como arquitectos manieristas. La escultura manierista. El hallazgo en Roma, en 1506, del grupo escultórico helenístico del Laocoonte, significó un cambio en la escultura del momento. El mismo Miguel Ángel, influido por la obra, dio un giro a su producción artística, dotando a sus esculturas de monumentalidad y de idealismo dramático, características que siguió también la escultura manierista. Las formas ornamentales, sinuosas, que buscan el desequilibrio y la tensión, liberándose del culto de la belleza clásica, fueron otras características de la escultura manierista. Destacan como escultores además de Miguel Ángel, Benvenuto Cellini (1500-1571) y Juan de Bolonia o Giambologna (1529-1608)
  • 3. El rapto de la sabina. GiambolognaEn pintura las características propiamente dichas son: 1. Una reacción anticlásica: la belleza, armonía y unidad se sustituyen por tensión, desequlibrio, inestabilidad y ruptura. 2. Angustia del espacio. Se descompone el espacio racional clásico y se desequilibra. Zonas muy vacías junto a zonas muy llenas, composición irregular y descompensada, sin ejes de simetría. 3. Inestabilidad de las figuras. No están en reposo pero tampoco en movimiento. Están en un equilibrio inestable, a punto de caerse. 4. El dibujo es deformador de la realidad. Se imponen las curvas largas, la línea “serpentinata” de doble curva. Dibujo sofisticado y artificioso para acentuar los gestos y los escorzos. 5. El colorido está pensado sin valor plástico, no sirve para modelar sino para decorar. Se utiliza una paleta de tonalidades frías y ácidas, que no siempre corresponde con la realidad de los objetos representados. Todo lo contrario al color suave del Renacimiento clásico. 6. Las composiciones están formadas por diversos ejes generalmente diagonales.Ver estas obras manieristas:Última cena, TintorettoEstaciones de ArcimboldoVisitación y descendimiento de PontormoVirgen del cuello largo, ParmigianinoResurrección, Guercino