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Abstracción
 

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    Abstracción Abstracción Document Transcript

    • AbstracciónUna obra plástica es abstracta cuando no tiene referencia a la realidad observada,aunque sea esa realidad el punto de partida del abstracto. El protagonismo lo adquierenahora, por sí mismos, el color, la luz, la línea, la forma… en definitiva, los elementosplásticos del cuadro o de la escultura.Por tanto, el propósito de los artistas abstractos es prescindir de todos los elementosfigurativos para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que noofrezcan relación con la realidad visual.El que una obra abstracta se reduzca a los elementos visuales básicos no quiere decirque no tenga mérito alguno; posiblemente al revés: si una imagen es realista, sureferencia será más específica; cuanto más abstracta, más general y abarcadora.La abstracción surge entre 1910 y 1917 y en focos distintos como Holanda, Rusia,Berlín, París.¿A qué se parece una música cuya letra no se entiende o que es meramenteinstrumental? ¿Es el tema lo fundamental de Las Meninas? ¿Cuál es el contenido delcanto de un pájaro? ¿A qué se parece un edificio? ¿Qué referencia tiene con lanaturaleza? ¿Qué es lo más importante de nuestros seres queridos, su aspecto exterior osu carácter y personalidad? ¿Cómo representar mejor éstas? ¿No es, por ejemplo,abstracto el arte musulmán o el mudéjar? Si el abstracto no nos gusta, sí decimos noentenderlo, nos cerramos a la vez a varios capítulos de la historia del arte.La abstracción no es un movimiento ni una vanguardia ni un “ismo”. Nos laencontramos al final de muchos de ellos: del cubismo sintético, del dadaísmo, delexpresionismo, del surrealismo no figurativo. Por tanto no va a poseer ninguna unidadideológica ni programática. Sólo tiene en común la eliminación de las referenciasdirectas a la Realidad, a la Naturaleza que se capta por los sentidos.La obra de arte se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, ypor tanto ya no representa hombres, paisajes, casas, flores… sino simplementecombinaciones de colores que intentan expresar con un lenguaje sin formas, como el dela música, la necesidad interior.Las normas que rigen las formas hacen que podamos dividir a los pintores abstractos en: Líricos. Aquellos en los que su configuración interna se ajusta a principiosdifíciles de delimitar, pero que se intenta plasmar emociones. Destaca Paul Klee yKandinsky Geométricos. Los que se atienen a leyes matemáticas, como los neoplásticos deMondrian y Van Doesburg o suprematistas como MalevichWassily Kandinsky (1866-1944). Sus obras se cargan de espiritualismo situando loirracional por encima de otros valores. Los amplios conocimientos de Kandinsky sobremúsica influyeron decisivamente en su modo particular de entender la pintura. Para él,la pintura y la música estaban íntimamente relacionadas. Incluso llegó a hacer unestudio sobre la coloración de los sonidos. El color influye en el espíritu, es la tecla y elojo el percutor que golpea el alma. Cada color tiene para él un sentido diferente. El azul,aleja y llama al hombre al infinito, el verde es el equilibrio entre el azul y el amarillo, elblanco el silencio y el negro la nada. Cada uno de sus cuadros es una sinfoníacromática, pura música visual. En el lenguaje pictórico de Kandinsky las formastambién, poseen significado en sí mismas: el triángulo se identifica con la idea deelevación, el círculo con lo acabado, lo concluido, etc. El arte, y esto es un conceptobastante novedoso dentro de la pintura, no es una mera representación de objetos sinoque sus cuadros se construyen con forma y color.
    • El propio autor clasifica sus obras en tres grupos: las Impresiones, que toman comopunto de partida una impresión captada directamente de la naturaleza, lasImprovisaciones (definidas por él como: expresiones inconscientes espontáneas delcarácter interior, de naturaleza inmaterial), puramente formales e inconscientes, esdecir, donde se impone la espontaneidad y las Composiciones, en las que el punto departida es un sentimiento que el pintor elabora, construye de forma laboriosa, es decir,aquéllas obras más complejas y trabajadas.Amarillo, rojo y azul. 1925. Óleo sobre lienzo, 127x200 cm. Centro GeorgesPompidou, París. KandinskyKandisnky iniciará una nueva andadura en la expresión plástica prescindiendototalmente de cualquier referencia figurativa o real y dejando que la obra de artedescanse únicamente en los elementos que son propios de su lenguaje. De esta forma seha de conseguir, nos dice él mismo, que la pintura nos traslade a un estado intelectual depureza y misticismo equiparable al que nos eleva la música, pues lo mismo que lasnotas musicales (que en sí mismas son abstractas), en su disposición armónica nosproducen sensaciones y sentimientos diversos, así los colores y las formas (que en símismos también son abstractos), dispuestos igual de armónicamente en un cuadro, hande provocar en el espectador iguales sensaciones y sentimientos.Los cuadros de Kandinsky admiten diversas aproximaciones: en un primer momento, elespectador se ve sacudido por la violenta expresividad de las formas y los colores, y lospercibe emocionalmente. A continuación, puede empezar a descodificar los diferenteselementos del cuadro y permitir, así, que entre en juego el intelecto.El cuadro aparece dividido en dos partes sobre un fondo plano que representa unespacio impreciso definido con la ayuda de colores pálidos. En la parte izquierda,domina el amarillo, rodeado de líneas oblicuas finas y aceradas que recuerdan la formatriangular. En la derecha un círculo azul está parcialmente cubierto por una líneaondulante negra y cuadrados rojos. La disposición de los diferentes elementos no dejanada al azar, consiguiendo crear una fuerte tensión entre las diferentes formas y valorescromáticos, el amarillo chillón y el azul intenso, la curva y el ángulo, las rectas y laslíneas suavemente cóncavas. El ritmo, omnipresente en las obras de esta época, seconsigue mediante violentos contrastes de color que otorgan vitalidad a la composición.El conjunto adquiere una dimensión cósmica y espiritual. El cuadro puede serinterpretado como el enfrentamiento entre el amarillo y el azul que, sin duda, simbolizala oposición entre el día y la noche.Los elementos plásticos se reducen al máximo: no hay espacio ni perspectiva; no haymodelado ni figuración. Sólo color y líneaLa característica principal de esta obra es la conjunción de formas regulares como(círculos, rectángulos y triángulos) con formas libres y gestuales como la serpenteante
    • línea negra.El coloquio de estos dos tipos de elementos pictóricos es lo que determina el verdaderoefecto del cuadro.Abstracción geométricaLa neutralidad holandesa en la I Guerra Mundial hizo posible que, mientras en elconjunto de Europa quedaba cercenado el desarrollo de las vanguardias, en los PaísesBajos surgiera, en 1917, una interesante experiencia artística colectiva: elNeoplasticismo.El origen del movimiento está en la fundación de la revista De Stijl (El Estilo) a cargode un pequeño grupo de pintores y arquitectos encabezados por Theo van Doesburg(1883-1931). Su objetivo era lograr un arte completamente nuevo, basado enplanteamientos estéticos de una extraordinaria pureza y comunes a las distintasmanifestaciones artísticas, (arquitectura, diseño industrial, artes plásticas).Decididamente abstracto, el Neoplasticismo se caracteriza por formas extremadamentesencillas (planos, figuras geométricas simples, líneas) y colores primarios. Partiendo delas investigaciones previas, en especial del Cubismo, plantean nuevas alternativasestéticas a la sociedad moderna. Liberar todo lo superfluo, para llegar a lo esencial,que para ellos es la línea recta, son las principales características de este estilo. Elobjetivo era la depuración de las formas hasta llegar a sus componentesfundamentales: líneas, planos y cubos, creando una estructura asimétrica peroequilibrada. El planteamiento es totalmente racionalista, estructurado a partir de unaarmonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempreverticales, horizontales o formando ángulos rectos.Piet Mondrian (1872-1944) se convirtió en la figura más conocida del movimiento ysu principal teórico. Extraordinariamente riguroso en su manera de entender elNeoplasticismo, llegó a rechazar todo aquello que no fueran líneas verticales yhorizontales, los colores primarios y el negro. Sus cuadros habrían de convertirse así enimágenes inconfundibles, fascinantes en su simplicidad e imprescindibles paracomprender la estética de la primera mitad del siglo XX. Son la máxima expresión de laabstracción geométrica.Sin embargo, el rigor mantenido por Mondrian, que en parte es la clave de su éxito, fuela causa de la pérdida de cohesión del Neoplasticismo y su consiguiente disgregación.Al sentirse profundamente limitados en sus vías de expresión, algunos miembros delgrupo encabezados por Van Doesburg, rompieron con las pautas marcadas porMondrian y recuperaron las diagonales, aumentaron la gama cromática, etc. Se
    • terminaba así una de las fases más coherentes e interesantes del fenómeno de lasvanguardias artísticas.A pesar de su radicalidad, las vanguardias siguen manteniendo contactos con el arte delpasado. Sólo una, el Suprematismo (el mundo de la no representación), lo rechaza deplano. Su creador, el ruso Kasimir Malevich (1878-1935) lleva a cabo una obraauténticamente revolucionaria. De ideología nihilista, Malevich considera que sóloeliminando cualquier rastro de arte establecido será posible dar origen a un arterealmente nuevo.La primera exposición suprematista tuvo lugar en Petrogrado en 1915. La obra estrellaera Cuadro negro sobre fondo blanco, verdadero símbolo del movimiento comoejemplo de la simplificación pictórica: no hay tema, ni figuras, ni color, nicomposición… Sin embargo, Malevich no estaba del todo satisfecho, y en 1918 pintó suCuadro blanco sobre fondo blanco. Con el su autor culmina el proceso de ruptura con elarte histórico. El lienzo ha quedado completamente purificado y listo para iniciar lareconstrucción del arte.
    • Expresionismo abstracto o el informalismoTras la 2ª G.M. París pierde la supremacía del arte el cual pasa a Nueva York. Elmáximo exponente de este expresionismo abstracto es Pollock. Se decantan por unapintura que rompe con las formas de la tradición. El informalismo no debe entendersecomo una tendencia concreta sino como un espíritu de rebeldía creativa, una voluntadde huir de cualquier pretensión reguladora y racional de la forma artística.Esta técnica se caracteriza básicamente por:• El artista ejerce menos control sobre la creación del cuadro.• Los materiales se independizan del pincel y se distribuyen con mayor autonomía.• Pintura total. Se extiende hasta los límites de la tela, parece no tener ni principio nifin.• Telas de gran formato.• La pintura total y el gran formato de las telas contribuye a crear un ambiente queatrapa al espectador.Técnicas de Expresionismo abstracto.• Action Painting. Los artistas se aproximan al caballete sin ninguna idea preconcebidasobre lo que van a pintar. Sólo saben que pintarán "algo" en la tela blanca. La imagenserá el resultado del encuentro del artista con la tela. Existe en esta técnica algunasreferencias al surrealismo (azar, lo fortuito).• Dripping. Consiste en chorrear directamente la pintura del recipiente a la tela queestará extendida en el suelo. Lo innovador es precisamente eso, la tela no está sobre uncaballete sino en una superfície lisa (pared o suelo). Esto da más libertad al artista quepuede moverse por los 4 lados de la tela e incluso dentro de la misma, en contactodirecto con ella.
    • Se alejan de los utensilios propios del pintor, tales como pinceles, paleta, y prefierenpalos, espátulas, cuchillos, pintura fluida que gotee, pesados empastes con arena, vidriosrotos u otros materiales atípicos.Lo más importante no es el cuadro resultante sino el acto físico de pintar. El lienzo paraellos es como un escenario donde actúan sin guión que coarte su libertad de acción. Supsique ha de expresarse de forma directa y fortuita.Jackson Pollock (1912-1956). Tras pasar su juventud en Arizona y California, llegó aNueva York en 1929. Allí recibió el apoyo de Peggy Guggenheim y de su galería Artof this Century. Hacia 1949 alcanzó la madurez de un estilo caracterizado por el usode grandes telas que, colocadas en el suelo, eran impregnadas con chorros de color(drippings) superpuestos, ejecutados por el artista desplazándose en los alrededoresdel cuadro. No existen aquí, por lo tanto, las nociones de arriba y abajo.El único «tema» es el del diálogo físico entre la superficie dura de la tela y elmovimiento del creador. Esto permitió al crítico Harold Rosenberg hablar de actionpainting o que se extendiera también para este y para otros procedimientos similares ladenominación de «arte gestual». Lo más paradójico es que la pintura, en el caso dePollock, no era aplicada directamente por el pincel que sostenía su mano, sino arrojadadesde una cierta distancia, como si se evitara el contacto directo entre el cuerpo delartista y la obra. La ausencia de tema (el carácter abstracto de la creación) erajustificada con declaraciones como éstas: «Yo quiero expresar mis sentimientos másque ilustrarlos. La técnica es sólo un medio de llegar a una declaración.»Es la figura más representativa de la action painting (cuya finalidad es dar a lacomposición, al trazo y al color una violenta carga emocional, el artista deja liberarsus impulsos que trasladaba al lienzo sin ningún control. Sus obras son impetuosas,vigorosas y de gran tamaño. Las características son: la violencia en el gesto, violenciaen el color, pinturas de grandes tamaños, que muchas veces se situaban en el suelopara poder trabajarlas desde todos los ángulos y trabajar toda la superficieinaugurando una técnica que se llama all over, de manera que el cuadro no tiene ni uncentro ni un final definido. Jackson Pollock encarnó una clara voluntad de romper conel cuadro de caballete y para ello usó la técnica del Dripping (chorreado de pinturasobre la tela puesta en el suelo) con nuevos materiales como el barniz al aluminio,esmaltes sintéticos, etc. Pollock danzaba alrededor de su obra, corriendo a veces, consus botes de pintura, a lo largo del estudio para poder conferir con uniformidad a susgrandes pinturas.
    • Eco nº 25. Museo de Arte Moderno. Nueva York. 1951 Se aprecia como todo el lienzo está recorrido por una inextricable maraña de líneas que no son más que la huella dejada por el brazo ágil del pintor. Para lograrlo Pollock debe recurrir a colocar el lienzo en el suelo e introducirse físicamente en él o inclinarse hacia su interior desde los lados. Esto supone una nueva relación entre pintor y cuadro. Ahora no se trata de situarse ante el cuadro sino de meterse dentro de él. Este cambio de planteamiento pictórico se une a la voluntad de potenciar la fuerza expresiva de la obra. En consecuencia, se buscan formatos muy amplios (más de cinco metros de anchura en Eco) a fin de que el espectador no contemple la obra sino que se sienta parte de ella. Quedará preso, de esta forma, en la jungla negra y blanca creada por Pollock, de la que le resultará muy difícil salir porque, a diferencia de la pintura tradicional, el cuadro no tiene centro ni recorridos sino un espacio continuo, all over, similar al que sentimos en las grandes, dinámicas y caóticas ciudades modernas como Nueva York. Pollock: La personalidad del artista influyó muchísimo en su obra. Pollock buscaba la fama, superar a Picasso, crear algo novedoso y hacerse el dueño de la escena artística. Alcohólico, mujeriego, fiestero y problemático. Son aspectos de su vida que se reflejan en su obra, llena de dramatismo, de rebeldía, de expresión y de furia. Dripping: Es una técnica pictórica creada por el propio Pollock. Consiste en verter la pintura directamente en el lienzo, formando líneas de pintura. Es una forma de rebeldía, el pincel se carga de pintura y forma lo que el artista siente. No importa la idea, sino la acción. Pollock ponía sus grandes lienzos en el suelo y trabajaba frente a ellos. Dimensiones: Una de las cosas que más llama la atención al espectador, es la dimensión de los cuadros. Son grandes lienzos, como si fueran los típicos grandes lienzos de pintura de historia. Esto provoca más aún el choque con el público. Busca la expresión, la reacción por parte de quien lo mira. No te puede quedar indiferente. Libertad: Pollock en su arte busca la libertad de hacer y sentir lo que quiera, y reflejarlo en sus lienzos. Etapas: En la carrera artística de Pollock vemos su propio estado de ánimo. En este tipo de lienzos de pocos colores se ve su frustación, para pasar a otra etapa más positiva donde usa colores como rojo y azules. La vida del artista fue una constante evolución hasta conseguir un estilo propio y personal.