4. pintura postimpresionista

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4. pintura postimpresionista

  1. 1. NEOIMPRESIONISMOA partir de los años 80, se intenta representar la realidad partiendo de una construccióncientífica de la luz que se concibe como la combinación de varios colores. Se inicia asíel puntillismo o divisionismo, que consiste en representar la vibración lumínicamediante la aplicación de pequeños toques o puntitos de colores puros, que al serpercibidos por el ojo recomponen la unidad de las formas y de la luz. Elneoimpresionismo tiene un papel paradójico en la historia de la pintura ya que alsistematizar el impresionismo lo niega, ya que no tiene nada que ver con la inmediatezperceptiva de la impresión y pretende, en cambio, un arte construido, con lo que abre laspuertas a todas las corrientes abstractas y científicas del siglo XX. Trataban de dar conel sistema técnico y casi científico para dar cuerpo y leyes a lo que los impresionistasrealizaban por instinto.
  2. 2. AutoresSeurat (1859-91), Signac (1863-1935) Un domingo por la tarde en la isla de la Grande- Jatte. Seurat El puerto de Saint-Tropez. Signac
  3. 3. 2. La pintura postimpresionistaSurge hacia 1880 como ruptura frente al impresionismo. Si en aquél los artistas pintaronla mera apariencia, en el postimpresionismo se reconstruye la forma.Supone, entre otras cosas, la recuperación de la importancia del dibujo y lapreocupación por captar no sólo la luz, sino también la expresividad de las cosas y delos personajes. Esta etiqueta engloba a artistas de muy distinta técnica, intención einspiración que recorren un arco que va desde el simbolismo de Gauguin, alconstructivismo de Cezanne.Los post-impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compactade la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar másemoción y expresión a su pintura.Cuatro grandes maestros de la pintura de finales del siglo XIX aparecen englobadosdentro del concepto de pintores post-impresionistas: Paul Cézanne (1839-1906), VicentVan Gogh (1853-1890), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) y Paul Gauguin(1848-1903), diversos estilos personales planteándolos como una extensión delimpresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de ésteEn realidad, sus personalidades y su manera de entender la pintura presentan enormesdiferencias. Pese a ello, existen unos vínculos que van más allá de su coincidenciageneracional y que permiten entenderlos dentro de un mismo contexto.
  4. 4. Todos ellos parten de la pintura impresionista, en cuyo círculo se iniciaron, llegando incluso a participar (con mayor o menor intensidad) en sus exposiciones. Los cuatro se cuestionan pronto la necesidad de buscar nuevos planteamientos formales ante la insatisfacción que les provoca la visión impresionista del arte, indagando una salida en la recuperación de la forma (el impresionismo con su afán por captar la luz del natural había ido disolviendo las formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen, dibujo y sentido del espacio). Por último, en sus vidas hay un sentido trágico que se concreta en el aislamiento, el suicidio, la deformidad o la huida, y que resultará fundamental para entender la esencia de su arte. Los pintores postimpresionistas son, en gran parte, el verdadero puente entre la pintura de los siglos XIX y XX, tanto desde el punto de vista estético como incluso personal. El inconformismo, el riesgo, la ruptura con la tradición y, sobre todo, una enorme voluntad creadora, sitúan sus figuras más cerca del dramático siglo XX que de su propia época. Los artistas que iniciaron esta tendencia (Cézanne, Van Gogh, Gauguin), siguieron planteamientos estéticos propios que abrieron nuevos caminos a la pintura del siglo XX. Cézzane influyó en el cubismo; Van Gogh, en el expresionismo, y Gauguin, en el fauvismo. EL POSTIMPRESIONISMO Recuperación del REVISIÓN DE LOS POSTULADOS Interés por captar la dibujo BÁSICOS expresividad Diversidad de tendencias La pintura como La pintura como La pintura como La pintura como elemento expresión de los color y escasa interés por los publicitario sentimientos importancia de las volúmenes formas Toulouse Lautrec Van Gogh Gauguin Cézanne Cartelismo Expresionismo Fauvismo CubismoPuede parecer sorprendente el hecho de que en tan corto espacio de tiempo, apenas uncuarto de siglo, se hayan producido tantas evoluciones e involuciones en el terreno delarte, sobre todo teniendo en cuenta que hasta la segunda mitad del siglo XIX, los grandesperiodos (Románico, Gótico, Renacimiento, Barroco...) abarcaban cientos de años. Larespuesta está en la actitud audaz de los impresionistas que, al romper con todoacademicismo, sientan precedente y sitúan a la libertad y a la espontaneidad a la cabezade los valores plásticos.
  5. 5. Paul Cézanne (1839-1906)Padre de la pintura moderna para Picasso y Matisse- comparte cronología con elimpresionismo, en cuya primera exposición (1874) fracasa. Entonces se retira a suProvenza natal -Aix-en-Provence- y crea una pintura que va más allá, ya que no pretendereflejar la desmaterialización de los objetos producida por la luz impresionista, ni lo fugazy transitorio de la naturaleza, sino lo inmutable de ésta, por lo que asistimos a un arte másintelectual fruto de la elaboración y el análisis en el taller. «La naturaleza siempre es lamisma... debemos hacer visible su perpetuidad», afirmó.Buscará desentrañar la estructura interna de los objetos y la naturaleza. En la naturalezatodo se modela mediante figuras geométricas: la esfera, el cono y el cilindro y, enconsecuencia procede a la geometrización de lo que contempla (precubismo)Su objetivo es la construcción cromática y formal de un cuadro. Las montañas, losárboles, las manzanas no interesan en su sentido figurativo sino que son elementosformales y cromáticos del cuadro. La autonomía del cuadro es total en relación a larealidad. Construye con el color volúmenes, masas, luz, perspectiva (es decir, elespacio), realizando una operación de simplificación y síntesis de la realidad mediantemultitud de pinceladas uniformes, de carácter geométrico (anchas y cuadradas) y nomediante el dibujo.Recupera las formas considerando que la esencia de las mismas se basa en lageometría (un precedente del cubismo);Estudia al objeto constantemente y desde todas sus posiciones: se abandona latridimensionalidad y se sustituye por las dos dimensiones, la profundidad empieza a dejarde ser una preocupación. La perspectiva clásica no existe, ya que considera al espectadorfijo e inmóvil, Cézanne cambia esta perspectiva para hacerla desde distintos puntos devista.Las pinceladas de color largas y visibles, de líneas paralelas, que expresan la solidez delas formas (tiene volumen y peso), aparece en sus bañistas, jugadores de cartas,bodegones y paisajes. La serie de cuadros dedicada a La Montaña de Santa Victoria,condensa la novedad de su arte: formas geométricas construidas con grandes pinceladasverdes, rojas y azules. Destacan, también, obras como Los jugadores de naipes y elBodegón con manzanas y naranjas.Es el más revolucionario y en el que se inspiran los grandes maestros del siglo XX. Los jugadores de Cartas las formas se van geometrizando, los brazos son cilindros, los rostros se recortan, las formas aparecen silueteadas con trazos gruesos en negro.
  6. 6. Bodegón: Manzanas y Naranjas. Museo de Orsay. Óleo sobre lienzo 74 x93 cm.1895-1900.Cézanne construye las formas a partir de volúmenes puros, las modela mediante planosde un color poderoso y, sobre todo, introduce una variedad de puntos de vistasorprendente. Así, el plato de manzanas y la mesa están vistos desde arriba, mientrasque el frutero y la jarra tienen una perspectiva lateral. La gran habilidad de Cézanne eslograr esta variedad y riqueza de visiones, prácticamente cubista, sin disonancias niaparente esfuerzo.No deja espacio libre, sobrecargando la escena; dos manteles de diferentes colores, conel mantel blanco en primer plano determina la imagen, pero el mantel a cuadros colormarrón aparece en muchos bodegones posteriores del artista. La relación de coloresevidencia un minucioso estudio de Cézanne cuando el pequeño fruto verde semiocultode la izquierda junto al plato se mezcla con el tono verde del tapiz. El color incorporala luz y reconstruye la forma.Concretamente esta naturaleza muerta, como muchas otras que hizo, le sirve parareducir los objetos a formas geométricas esenciales. Así destaca en todas estas piezas defruta la rotundidad de su esfericidad. Algunas realmente no parecen tales frutas, sinosimples círculos o esferas, cuyos volúmenes nos vienen dados por la rotundidad de loscontornos y perfiles, y por los efectos de color matizados por la luz. En este sentido elcolor en el que predomina una sola gama, en este caso de rojos y naranjas, se enriquecede tal modo de matices que consigue una perfecta armonía cromática, y consigue conello modelar los volúmenes, que es precisamente lo que él buscaba, y es el nuevo papelque Cézanne le asigna al color. Por ejemplo, obsérvese el mantel, cuyos pliegues, durosy aristados, como acartonados, adquieren tal volumen y relieve por efecto de los maticesde color. El color con Cézanne es el elemento que da solidez a las formas.Compositivamente, se advierte un marcado triángulo, con el frutero central en suvértice, que crea la estructura estable y sólida sobre la que estructurar una pinturaigualmente firme y consistente. Este aspecto es fundamental porque anticipaprecisamente la gran aportación de los cubistas, la multiplicidad de los puntos de vistade una imagen en un cuadro. Lógicamente esta es ya una visión intelectualizada de larealidad, muy distante de la concepción simplemente visual que tenían de esa misma
  7. 7. realidad los impresionistas. Es por ello por lo que la aportación de Cézanne a la historiade la pintura es extraordinariamente importante, porque como los grandes artistas seanticipa a las grandes conquistas de la expresión plástica.Paul Gauguin (1848-1903)Personifica al hombre y al artista que se enfrenta con lo establecido. Por desacuerdo conla sociedad industrial en que vivió abandona su confortable vida parisina y se traslada aBretaña, Provenza, Tahití y las Islas Marquesas, entre otros muchos lugares. Suinsatisfacción con los recursos artísticos tradicionales lo lleva, tras iniciarse en elimpresionismo con Pisarro, a buscar nuevos lenguajes en lo primitivo o no occidental(Edad Media, Egipto, Japón, el Pacífico). Manifiesto de este cambio y la nuevaorientación de su pintura será su obra La visión después del sermón (1888). Gauguinresta importancia a la luz y se centra en el color –simplificado y dispuestouniformemente en grandes superficies, como en los esmaltes y en las vidrieras,delimitado claramente por líneas-, así produce efectos cromáticos intensos y deexquisita delicadeza, un anticipo del fauvismo.Hace un uso expresivo del color, con gradaciones de colores planos, fuertes yarbitrarios. No pretende imitar a la realidad por lo que hace los contornos bien definidosen color negro imitando así los esmaltes de las vidrieras de la Edad Media que tanto leinfluyen.Pero también con su dibujo nítido y sin perspectiva crea composiciones estáticas eintemporales liberándose de la realidad. Ve la pintura como instrumento deintrospección humana (que el artista sienta lo que está pintando), y no como un meroduplicado del mundo visible, y eso lo acerca al simbolismo (representación delsentimiento profundo del hombre). Sus obras tratan de acercarse a las verdades eternas:la vida, el amor, la muerte y el erotismo como medio de escape. Consigue estoutilizando colores planos y arbitrarios con valor decorativo y simbólico y encuadresinsólitos que trasladan la escena al mundo de lo onírico.Su pintura se caracteriza por la sencillez, sinceridad y simpleza introduciendo elminimalismo en el arte.
  8. 8. ¿Cuándo te vas a casar? 1892 óleo sobre lienzo, 10´5 x 77´5 cm,
  9. 9. El propio Gauguin consideró este cuadro como una de las obras fundamentales de suproducción tahitiana. Representa uno de los temas favoritos del pintor: la mujer, a laque convirtió en la protagonista absoluta de sus composiciones.Dos figuras centrales absorben la atención sentadas en el suelo sobre un fondosimplificado con colores planos y vivos. Se trata de una influencia de la estampajaponesa que ya ofrecen buena parte de los impresionista. Son dos mujeres tahitianassituadas en diferentes planos, están muy bien asentadas en el espacio, como si depesadas estatuas se tratase. La primera vestida con un pareo de colores tradicionales yuna blusa blanca, y tras ella se sienta en el suelo una mujer vestida con un traje de estilomisionero cerrado de color rosa. El gesto de su mano levantada pide atención.Las dos jóvenes están captadas con enorme naturalidad y realismo. Destaca la belleza yserenidad de sus rostros, especialmente el de la que se encuentra colocada en un planoanterior y que lleva una flor blanca en la oreja.El enigmático título forma parte del simbolismo general de la escena. Algunos expertosconsideran que la mujer de primer plano busca marido al llevar una flor tras su orejamientras que la segunda sería la encargada de buscar el futuro esposo. Por eso en elfondo contemplamos dos esbozadas figuras que pasean. Estas mujeres tahitianas van aser el motivo fundamental para la inspiración del artista, protagonizando la mayor partede los lienzos ejecutados en la Polinesia.El fondo es de diferentes planos de colores vivos e intensos que sugieren el paisajeluminoso tropical. Desde el verde oscuro de la hierba del primer plano, el prado doradocentral y el azul lejano de las montañas.La modelo que posó para la chica en primer plano fue su compañera en Tahití,Teheamana. Las mujeres están en un claro al pie del monte Orohena.A diferencia del retrato europeo donde prima la individualidad, Gauguin utiliza amenudo en Tahití la fórmula de los retratos duales que, además, suelen ser el motivocentral del cuadro.
  10. 10. La figura de la joven, medio sentada y medio en cuclillas, ya lo había analizado yestudiado en un dibujo a lápiz, carbón y pastel, y que después lo reprodujo como figurasecundaria en varios de sus cuadros.La escena plasmada en esta obra no es una simple representación de dos muchachastahitianas, sino la plasmación de la armonía y sencillez de la vida de su pueblo y detodos los que viven de acuerdo con la naturaleza.Gauguin fue un artista que se evadía de la sociedad de su época buscando unanaturaleza extraña, lejana y exótica, con gentes no adulteradas por el progreso, encondiciones de autenticidad y de ingenuidad primitivas, casi mitológicas.La gama cromática utilizada resulta muy llamativa al realzar el ocre y la piel tostada delas muchachas con el color rojo y naranja de los vestidos y el azul de las montañas delfondo.Resalta el intenso colorido de los típicos pareos, de tonos rojo, rosado o naranja, quecontrasta con el color blanco de la blusa y de la flor que lleva en el pelo la muchachaque está en un primer plano.Los morados y amarillos toman en él un valor personal.La perspectiva no existe. La luz pierde su centro absoluto en aras de una exaltación delcolor. La luz no procede específicamente de ningún punto.Al simplificar las formas y utilizar trazos gruesos, su pintura se aleja de la realidad y seconvierte en simbólica.
  11. 11. Vincent van Gogh, (1853-1890)La obra de Van Gogh ahondó en el uso del color como recurso expresivo para suextraordinaria y trágica emotividad independiente de la luz, siguiendo el caminoabierto de Delacroix, a quien siempre admiró.Evoluciona desde una pintura social con influencias de algunos pintores realistas comoDaumier y Millet (Los comedores de patatas) a otra más colorista, tras conocer en Parísla pintura impresionista 1886, e incluso muestra alguna deuda con la pintura japonesa.Pero, a diferencia de otros, abandonará el realismo descriptivo por un arte en el que elsentimiento es simbolizado por el color y el dibujo, valorando los contornos duros yangulosos por su fuerte carga expresiva, utilizando colores planos, sin matices, quealejan al cuadro de una mera descripción y rechazando la perspectiva tradicional a favorde un primitivismo intencionado, que pretendía infundir a las imágenes de un nuevosignificado.Progresivamente se fue apartando de la técnica impresionista (aunque siguióparticipando de la pintura al aire libre), adecuada para captar las sensaciones visualesinstantáneas, pero que no le permitían expresar sus propios sentimientos a través delcolor proyectándolo sobre los objetos cotidianos. En 1888 dejó París y se trasladó aArles, fascinado por la luz y el sol del Mediterráneo. Allí empezó a utilizar laspinceladas ondulantes y rápidas, cercanas a la convulsión expresionista y losazules, verdes y amarillos intensos tan característicos en obras formalmentesencillas. Su pincelada está cargada de pasta Estas son su característica principal, loque se aprecia en sus tres mejores obras: Los girasoles, La habitación de Van Gogh enArles y Noche Estrellada.En Arles, surgen graves desavenencias entre él y Gauguin, con quien solía reunirse apintar, que culminarán con el conocido episodio en el que Van Gogh acaba por cortarseuna oreja con una navaja de afeitar. Desde ese momento comenzará a ser el “loco depelo rojo" hasta el 27 de julio de 1890 en que se suicida disparándose una bala en elpecho.Durante su encierro en el manicomio de Saint-Rémy, su pincelada ondulante adquirióuna mayor vehemencia.Van Gogh es uno de los pintores postimpresionistas más renombrados y uno de losprecursores del arte contemporáneo. El uso de colores violentos y arbitrarios y el afánexpresivo de su obra le llevaron a ir más allá del Impresionismo y a abrir un mundo deposibilidades a expresionistas (Munch, los suelos estremecidos, las líneas retorcidas, ladeformación de la realidad para sacar la rabia que llevaba dentro, por manifestar susangustias interiores) y fauvistas (Matisse, que continuaron apostando por una pintura enla que el color es independiente del objeto, por el uso de unos registros cromáticosviolentos y por el dibujo de trazos muy marcados).Si hay un personaje en la historia del arte que responda al prototipo de genio loco,solitario, con devoción absoluta hacia el arte, ese es Vincent van Gogh.Vincent van Gogh fue un pintor de vocación tardía, como Gauguin. No se decidió adedicarse profesionalmente a la pintura hasta 1880, cuando tenía 27 años de edad.Aunque solamente tuvo 10 años de vida artística, su vocación era tan fuerte que esetiempo realizó más de 800 cuadros (producidos muchos de ellos en una sola jornada), ynumerosos dibujos.
  12. 12. Autorretrato. Óleo sobre lienzo, 65 cm x 54 cm. 1889. No tiene firma. MuseodOrsay.Se autorretrata en muchas ocasiones -como su admirado Rembrandt.En el geriátrico de Saint-Rémy-de-Provence y durante el verano de 1889, Van Goghesboza uno de sus últimos autorretratos. Se trata de una lúcida, atormentada visión. Sesuicidaría diez meses después.A lo largo de su vida, Van Gogh pintó varios autorretratos, como si buscaradesesperadamente descubrir su propia identidad. Se han catalogado unos cuarenta,realizados entre los años 1886 y 1889.A su llegada a Saint-Rémy-de-Provence, donde Van Gogh fue internado a consecuenciade crisis alucinatorias, el artista ya había pintado un autorretrato en el que parecíaenfermo. Esta segunda versión le muestra en mejor forma física: la tonalidad verdosadel rostro -que le otorgaba un aire enfermizo- es en esta tela notablemente menosacusada. Van Gogh envió el retrato a su hermano Théo: "Mi fisonomía está en calma,aunque la mirada guarda la imprecisión durante más tiempo que antes". Según supropia afirmación, se resistía a tomarse como modelo: "Es difícil conocerse a sí mismo",dijo el pintor. Sin embargo, Van Gogh se sentía estimulado por el desafío, pues para él,el retrato tenía algo de "original y perdurable".Pese a las crisis de demencia que padecía el pintor, su trazo nunca dejó de ser firme, ysu arte, consumado. El autorretrato se revela como un excelente campo deexperimentación pictórica. De factura clásica en su origen, estas obras se caracterizanpor una profunda evolución técnica. El pintor asimiló las lecciones del impresionismo ydel puntillismo para superarlas y alcanzar su inimitable estilo, hecho de pinceladasamplias y ondulantes.La fuerza de los característicos remolinos de pintura de estos años contrasta con ladelicadeza de la entonación azul, en la que destacan como fogonazos la barba y el pelorojizos. La tensa calma del cuadro es fiel reflejo del irregular estado de ánimo del pintor
  13. 13. por entonces, con periodos de lucidez intercalados entre agudas crisis. Sus ojos veladospor una honda y prematura tristeza, genera una mirada fría, dura y penetrante.Se concentra la atención en el rostro. Sus rasgos son duros y demacrados, su mirada deojeras verdes parece intransigente y ansiosa. Se contrastan entre lo pálido (fondo, ropapiel) y lo vibrante (naranja del cabello)Con la inmovilidad del modelo, contrastan las curvas ondulantes del cabello y de labarba, que encuentran un eco amplificado en los arabescos alucinatorios del fondo. Hayun efecto alargado del retrato.Su espíritu atormentado se percibe en esta obra a travésdel constante movimeinto de laspinceladas, que parecen no encontrar la manera de quedarse quietas y necesitan cambiarde lugar dentro del propio cuadro. Así, ofrece la sensación de que todo en la imagentiene vida propia.La línea ondulada se ha adueñado de la imagen, no sólo en el fondo sino que también semuestra en la chaqueta. El azul y el naranja - colores complementarios - realizan uninteresante contraste, sin olvidar el creado por la línea marcada por los contornos(chaqueta, ojos, etc.) con la soltura y rapidez del resto de la composición. Pero porencima de las fórmulas estilísticas empleadas, sorprende la capacidad para mostrar supersonalidad.
  14. 14. Noche estrellada. Van Gogh. 1889 Saint Rémy. Óleo sobre lienzo; 73x92 cm.Museum of Modern Art, Nueva York La noche estrellada, pintado durante la estancia voluntaria de Van Gogh en el hospitalpsiquiátrico de Saint- Rémy, el pintor vislumbró esta obra desde la panorámica que le ofrecía la ventana de la clínica. No pretende ser un reflejo más o menos fiel de un paisaje,sino quizás la expresión del sentimiento místico del artista hacia la naturaleza, y de supropia angustia, que se materializa en el uso de la deformación como recurso expresivo.El resplandor de las estrellas ilumina artificialmente el cielo, lo que se ha interpretadocomo un símbolo de la última esperanza de salvación para un hombre sumido en ladesesperación.En esta obra, Van Gogh incorpora dos de sus motivos predilectos de la época: loscipreses, que empezarán a interesarle a partir de mediados de 1889, y que destacan porsu marcado ímpetu ascensional; y las escenas nocturnas, que pintaba al aire libre,provisto de candiles alojados en el ala de su sombrero y alrededor del lienzo.Mientras las pinceladas sinuosas y rápidas del artista se transforman en estrellas delfirmamento y en cipreses llenos de vitalidad, pinceladas rectas delimitadas por gruesaslíneas negras conforman las casas del pueblo. Gracias a los cipreses, el cielo alcanza suprofundidad y su verdadera dimensión. Contienen junto a la aguja de la iglesia en unprecario equilibrio la arrolladora fuerza del cosmos horizontal.La paleta cromática utilizada por Van Gogh en este lienzo no pretende ser fiel almodelo, sino trasmitir las impresiones personales de su autor en el momento de pintarlo.
  15. 15. El verde de los cipreses y el amarillo de las luces celestes y de las ventanas mitigan lapresencia del azul que todo lo invade.En primer término aparecen dos cipreses: uno, el mayor, se eleva hasta el límitesuperior del lienzo, y el otro, de dimensiones más reducidas, adquiere formasllameantes. El dinamismo vertical que se desprende de ambos y también de la aguja dela iglesia del pueblo se contrapone al remolino horizontal de las estrellas.Dos enormes espirales que se enroscan transmiten agitación al cielo intensamente azul.Once estrellas iluminan el firmamento, mientras que una enigmática luna de colornaranja se confunde con un astro mayor que el resto; probablemente el sol. Un anchosendero luminoso se extiende sobre la línea del horizonte.La ciudad, en primer plano, cuya serenidad contrasta con la virulencia del cielo, estátrazada con líneas rectas y a partir de formas geométricas básicas (rectángulos,triángulos, cuadrados y pentágonos). Destaca el contraste entre la caracterización de laparte terrena y las curvas propias de la celeste. Incluso las diminutas luces de las casasson rectangulares y no redondas como las estrellas.Las características de esta singular pintura influenciaron notablemente a los artistas quemás tarde se manifestarían dentro del movimiento expresionista.

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