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    3. la escultura romana 3. la escultura romana Document Transcript

    • 2. La escultura romana: el retrato y el relieve histórico ESCULTURA ROMANA Influencias y características Cronología y características Arte Griego Arte Etrusco República Alto Imperio Bajo ImperioEscultura religiosa Retrato y relieve S. III a. C.-I a.C S. I a. C – III d. C s. IV-V d. C. históricoNaturalismo Realismo y Realismo Idealismo y Hieratismoidealizado y carácter narrativo Realismomitología Características generales La escultura romana, en general, estaba subordinada a la arquitectura. Se trata de esculturas exentas para plazas y edificios y de relieves para decorar distintas construcciones. Los materiales más usados en las esculturas fueron la piedra, sobre todo el mármol, y el bronce, aunque también utilizaron otras como la madera, hueso, marfil etc. Los tipos de esculturas más frecuentes fueron los retratos, las reproducciones de obras griegas y los relieves. Las principales manifestaciones de la escultura romana fueron el retrato y el relieve histórico, al ser ambos ejemplos acordes con el sentido práctico propio de Roma y al utilizarse con fines de propaganda y de exaltación de emperadores, generales, magistrados y otros personajes mostrados al pueblo como modelos. Igualmente se daba a la escultura una función de docencia por las narraciones de hechos históricos. La escultura romana está también vinculada a dos tradiciones principales: la griega y la etrusca. La griega, es consecuencia, de la moda romana de saquear las obras griegas y posteriormente de llevarse Roma los escultores helenos como contratados o esclavos. Se desarrolla así un clasicismo romano y por tanto idealizado que durará largo tiempo. La tradición etrusca conlleva un mayor sustrato popular, por lo que influirá en su mayor realismo, que será tan característico del retrato romano. Asimismo la importancia etrusca del tema fúnebre, dará pie al retrato funerario, muy habitual también en Roma. El tema predilecto de la escultura romana es el ser humano, con la intención no de representar a un ser idealizado, sino al ciudadano romano. Por esta razón, la escultura romana tiene en general un marcado carácter realista, que lleva a veces, incluso a lo anecdótico. Se dieron dos corrientes, por un lado un arte culto y oficial de gusto idealizante, la corriente helenizante o aristocrática, dirigida a una elite; y por otra, un arte popular, realista, en la que más que la preocupación formal, predominaba la inquietud narrativa y simbólica. Se sirvieron como técnica escultórica del trepano para las labores más profundas. Dos géneros son fundamentales: el retrato y el relieve, sin olvidar en este último campo, la importancia del relieve historicista. Ya hemos comentado que la escultura romana en general es deudora en gran medida de la estatuaria griega. En muchos casos se reproducen esquemas compositivos y recursos formales, cuando no se copian directamente gran cantidad de obras griegas, que gracias a ello han llegado hasta nosotros.
    • No obstante, hay dos aspectos de la escultura romana que son peculiares y distintivos deella: las cualidades naturalistas, plenamente reales de sus retratos, y la técnica muydesarrollada de sus relieves.
    • El Retrato
    • El retrato entronca con la tradición etrusca de las imagines maiorum, o mascarillas dedifuntos hechas de cera o yeso y tomadas directamente de la cara del difunto, que seperpetúan en Roma y que explican la capacidad de verismo y de realismo físico ygestual del retrato romano, buscan pues la reproducción exacta de una inmediatez cruda,aceptando los “defectos” de la naturaleza.Suelen ser representaciones de busto, pero también se cultiva de cuerpo entero: de pie,sedente (propio de la mujer) y ecuestres (prerrogativa imperial) y hay que destacar quetan importante como el realismo físico de los retratados lo es también su profundidadpsicológica (su carácter y estado anímico). No obstante y dado el origen de dichasimagines no faltaba una cierta rigidez gestual, un aspecto inerte, pómulos salientes,nariz afilada, boca fruncida con cierto rictus cadavérico.Con posterioridad esta disponibilidad de las imagines maiorum, al principio reservadasúnicamente a los patricios, se extenderá también a los plebeyos, siendo frecuenteasimismo la utilización de materiales más duros y por tanto más duraderos en su factura,como la terracota (arcilla modelada y cocida en horno)El retrato romano evoluciona desde la época republicana hasta el final del Imperio.Durante la República se generaliza un tipo de busto corto y triangular, con claravoluntad realista de representar a un individuo preciso, su cargo político y su rangosocial. Aunque también podemos encontrar algún rasgo helenizante Lo podemos ver enlos retratos de Sila, de Pompeyo el Grande o el patricio Barberini. Pompeyo. Museo de Nápoles. César.Grupo Barberini. Retrato de Brutus Barberini. Estatua de mármol, de influenciaetrusca, de un patricio romano llevando dos retratos de sus antepasados (imagomaiorum). Es un retrato privado asociado al culto de los antepasados y a la gloriafamiliar. El minucioso y detallado realismo que da cuenta de las irregularidades físicasy de vestuario. Presenta dos bustos- retrato que por el realismo de los detallesfisionómicos se puede enlazar con las máscaras funerarias. 50 a 30 a. C.
    • ¡Error!No se pueden crear objetos modificando códigos de campo.En el Imperio encontramos esas dos corrientes de la estatuaria romana que hablábamos.Por un lado, se impone una tendencia helenizante, o lo que es lo mismo idealizante enlos ambientes cultos y oficiales, y otra, de carácter popular más realista.La escultura en general, tanto el retrato como el relieve, alcanza una mayoridealización en sus formas y aumenta el sentido propagandista del arte. El emperadorAugusto se convierte en el modelo arquetípico de belleza y constitución humana.Ahora aumenta el tamaño del busto, que comprende hasta los hombros y los pectorales.Retrato de Catón y Porcia.Grupo funerario realizado en mármol de Catón y Porcia, obra en extremo sugestiva porel intimismo de la postura y la noble afectuosa dignidad con que la joven esposa sedespide de su viejo marido. Fácilmente podría tomarse como de época republicana sinofuera porque el peinado de la esposa –cabello partido- es del tiempo de Adriano (117-138). Se encuentra en los Museos Vaticanos de Roma.Retrato de Augusto de Prima Porta. Se le llama así porque fue encontrado en eselugar. 20 d.C. Realizado en mármol es una copia del original en bronce o en oro.Imagen
    • apoteósica de Augusto en la que aparece triunfador ataviado con su uniforme militar ydescalzo, tal y como se representaba a los héroes.Vemos en este retrato una plástica clasicista y de tradición griega, donde Augustoaparece con cánones y proporciones clásicas, composiciones en contraposto, un rostroidealizado, ojos grandes y pelo a flequillo. Aunque lo ensalza, representa claramente ala persona del emperador.La estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto, aunque con algunasvariantes: Augusto aparece arengando a las tropas y por ello extiende el brazo hacia elfrente, asimismo la pierna izquierda se dobla mucho más para agilizar la estática delmodelo de Policleto.La copia estaba policromada como lo prueban los numerosos restos de dorado,púrpura, azul, etc. Lo que acentuaría sin duda el efecto de la pieza.Iconográficamente la obra es igualmente interesante, no sólo por la nueva tipología delretrato imperial sino por los aditamentos de su indumentaria. Viste el emperador unatúnica corta y una coraza, en la que se representan en relieve numerosos símbolos: en elcentro, el dios de la guerra, Marte o Tiberio, acompañado de la loba capitolina, recibedel legado parto las águilas imperiales arrebatadas en el campo de batalla a las legionesde Craso y Antonio; esta devolución se produjo el año 20 a. C. En los flancos aparecensentadas las personificaciones femeninas de Hispania y la Galia llorando la pérdida desu independencia; el sometimiento de ambas provincias tuvo lugar el año 19 a. C.Arriba, bajo la bóveda del Cielo, la Aurora guía la cuádriga del Sol, precedida delLucero del Alba y el Rocío. En la zona inferior, Apolo sobre un grifo, Diana sobre unciervo y la Tierra con la cornucopia de la abundancia, constituye una clara alegoría de laprosperidad durante la Paz Augústea.A sus pies un Eros cabalga sobre un delfín, que nos recuerda su descendencia divina yencima resuelve el problema de sustentación de la estatua de mármol.En contraste con el hermetismo y rigidez de la coraza, el paño tiene una gran textura yun sentido muy libre. Esta obra es una copia de un original anterior que debía estarrealizada en bronce o en oro, y que era la representación del emperador que másapreciaba su esposa Livia. Por ello, al enviudar y retirarse a Prima Porta, un lugar a lasafueras de Roma, la emperatriz mandó realizar esta réplica.Las facciones del emperador están recogidas en un ejercicio de retrato psicológicoinsuperable, a pesar incluso del idealismo gestual antes aludido.Sus retratos lo muestran como él quiso ser visto y recordado: joven, melancólico yabrumado por sus responsabilidades.Como era corriente en la escultura romana, esta obra estaba pensada para ser colocadacontra la pared, por lo que se concentra todo el énfasis en el plano frontal. Los ladosestá poco cuidados y el dorso ni siquiera está acabado. Titulo: Augusto de Prima Porta Autor: desconocido, por encargo del Senado de Roma. Espacio-tiempo: Roma, Siglo I a. C. Copia 14 d. C. Estilo: romano imperial Técnica: fundición, copia talla Material: bronce, copia mármol Localización actual: Museos Vaticanos, Roma
    • Augusto de Prima Porta. Porta coraza (estatua toracata)
    • ¡Error!No se pueden crear objetos modificando códigos de campo.
    • Otros retratos de Augusto no lo representan como Pontífice Máximo con la cabezacubierta por el manto y oferente. También como legislador y administrador de la ley, ensu calidad de pretor, lo vemos con el rollo del edicto en la mano y envuelto en toga.Ambas esculturas con influjo helenizante.
    • Retrato de Augusto como Pontifex Maximus, sumo sacerdoteOctavio Augusto como senador, envuelto en toga (togatos) y con el rollo de la ley. DeAugusto mismo poseemos toda una serie de retratos excelentes, que nos muestran susrasgos finos y distinguidos, su expresión pensativa y su constitución nada robusta.. Sucabello liso y caído en mechones sobre la frente es el que conservará toda su vida. Losretratos esculpidos en su edad madura nos lo presentan en los múltiples aspectos de supersonalidad.El poder cada vez más absoluto del emperador no tarda en desembocar en sudivinización, sobre todo después de muerto, aunque Claudio fue divinizado en vida. Laconsecuencia de todo ello es la creación de un nuevo tipo de retrato, en el que sepresenta al emperador semidesnudo, coronado de laurel y con símbolos de dioses, comoes el retrato de Claudio con el águila de Júpiter. Esta divinización del emperador nolleva, sin embargo consigo la idealización de su rostro que, por el contrario, continúasiendo un retrato. Claudio divinizado. Museos Vaticanos
    • Tiberio. VaticanoSin embargo cada vez más va aflorando ese carácter popular y realista hasta que conTrajano alcanza su verdadera madurez y personalidad. Bajo el mandato de Adriano S.IId. C aparecen algunas novedades en el retrato, que denotan un mayor interés por eldetallismo. El busto se prolonga más allá de los pectorales. Se dejó de pintar losretratos, tallando el iris y la pupila de los ojos que proporcionan gran expresividad Elcabello varonil se empieza a encrespar, rizar, se hace más voluminoso; se generaliza eluso de la barba en el Imperio que evoluciona desde una barba corta al principio a másvoluminosa después. Los efectos de claroscuro son mayores, contribuyendo también aello el empleo del trépano con el que se horada profundamente el mármol para crearpuntos de sombra intensa. De esta época destacamos el Retrato ecuestre de marcoAurelio, retrato de Caracalla
    • Adriano. Caracalla Retrato de Caracalla, realizado en mármol, muestra aún los refinados cabellos del sigloII, pero inicia la expresividad propia del siglo III, marcando su carácter enloquecido ycruel, presenta contracción en las facciones, mirada colérica, rostro duro lleno derealismo, que refleja el carácter del emperador. El retrato de Caracalla, aunquemantiene elementos del realismo anterior se introduce simplificaciones esquemáticas yde cierta rigidez que durante los siglos IV y V, en el Bajo Imperio, se generalizaránevolucionando hacia formas abstractas, interesando más la sensación del conjunto quelos detalles.
    • Cómodo. VaticanoRetrato ecuestre de marco Aurelio. Es uno de los ejemplares más valiosos de laescultura romana por dos motivos: es una de las escasas obras en bronce de la épocaimperial y es la única muestra conservada de estatua ecuestre. Hacia el 166. Broncedorado. El retrato ecuestre era privativo de los emperadores, representándolos sobre uncaballo en actitud de revista militar y extendiendo el brazo en su saludo al pueblo y alejército. Tenía a sus pies a un bárbaro vencido (hoy no existe).Servirá de modelo para periodos posteriores como el Renacimiento y el Barroco. Eltratamiento del claroscuro de la cabelleras y de las barbas, el amplio torso desnudo ocubierto con el manto militar, la talla expresiva de la pupila y el contrate lumínicoentre la piel pulida y el cabello mate, explican por qué será tan admirado por los autoresdel Renacimiento y Barroco.Es curioso, que pese a que el retrato ecuestre es más propicio a la propaganda militar, eneste caso del retrato de Marco Aurelio no es así: el emperador pasó por ser el estadistamás pacifista de la Historia de Roma y un convencido antimilitarista, lo que no leimpidió que las circunstancias políticas le obligaran a pasar la mayor parte de su vida enlos campos de batalla. Por el contrario, él era un hombre de razón, y así apareceretratado en esta escultura. No con los atributos militares, sino con la toga del filósofoque domina con la razón.Caballo y jinete están fundidos en bronce, en dos piezas separadas, pero formando elmismo conjunto plástico. El caballo apoya sólo tres patas, lanzando la otra haciadelante. Tal postura aparece justificada: la pata levantada pisaba la figura de un bárbaro.El retrato psicológico gana aquí muchos enteros. Hasta el caballo con su actitudrotunda, pero no violenta, contribuye a transmitir la idea de poder sereno y sabio. MarcoAurelio igual, con su rostro sereno y en parte idealizado, todo equilibrio, mesura y portanto sabiduría. Nunca la febril iracundia de la violencia militar. Más que vencer albárbaro parece que lo aplaque, que lo convenza. Ello ha hecho que muchos críticoscensurasen el poco aire de jinete que muestra Marco Aurelio, que va como montado enun jumento.De ahí la composición equilibrada y cerrada, a la que contribuye considerablemente lapostura del caballo, con la cabeza y la cola hacia abajo y las patas marcando direccioneshacia el centro de la composición, y la propia posición del emperador, dominada por elequilibrio y la estabilidad. La pata delantera derecha del caballo levantada escompensada por el brazo levantado del emperador.El retrato ecuestre nace volcado a la contemplación en la calle, y por tal razón se lereserva para la máxima jerarquía: la del emperador.En la actualidad, la obra se encuentra en el Museo Capitolino.Nombre: Estatua ecuestre de Marco Aurelio.
    • Autor: desconocidoEspacio-tiempo: Roma, siglo IIEstilo: romano imperialTécnica: fundiciónMaterial: bronceLlegada la etapa bajo imperial (2ª mitad S. III) el retrato romano, como en general todoel arte del momento, se aleja del realismo característico que lo había definido hastaentonces, manifestando una tendencia a la deshumanización, a la esquematización delos rasgos, a la espiritualización. El retrato se vuelve más tosco y expresionista, se abandona el trépano y las superficies aparecen menos trabajadas. Es el comienzo de una tendencia que duraría hasta finales de la Edad Media. Destacamos el Coloso de Constantino, 315. Donde la cabeza se convierte en un volumen casi cúbico, camino de la abstracción. Es la representación simbólica de quien ostenta el poder. La imagen serviría de patrón y modelo a la estatuaria bizantina y medieval, lejanas del realismo romano y más proclives a la magnificencia de los símbolos.
    • Constantino. Museo de los Conservadores. Roma.El retrato femenino. Podemos seguirlo a través de los retratos de las emperatrices,aunque sólo algunas tienen una actividad pública señalada. Aquí el peinado es elelemento más valioso. En la época de Augusto el peinado es bajo, con raya al centro ymuy ondulado o rizado a los lados. Minatia Pola. Termas. Roma. Livia. Arqueológico. MadridEn el último tercio del S.I (bajo los Flavios) el peinado se transforma radicalmente, ycon ello cambia el aspecto del retrato. Se impone un peinado rizado a manera de nimbo(aureola) en torno a la parte superior del rostro.
    • Julia. Museo Capitolino. Roma. A mediados del S.II el peinado baja de nuevo, formando grandes ondas y se recoge en la nuca en un moño, o se eleva después en forma de trenza. Posteriormente el peinado seguirá descendiendo en sus caídas. Julia Domna. Museo Capitolio. Rom El relieve histórico Como ya dijimos, tiene un sentido marcadamente narrativo y conmemorativo. Es además un buen testimonio de la calidad de los talleres escultóricos romanos, porque el relieve alcanzó en Roma un elevado nivel técnico y artístico. Adquiere preponderancia por ser un medio más propicio que el volumen tridimensional para las representaciones de escenas complejas, anecdóticas y realistas, tan identificadas con el arte romano.Arcos triunfales, frisos arquitectónicos y columnas conmemorativas son las principalestipologías decoradas con bajorrelieves, cuyas escenas plasman las hazañas militares ypolíticas del pueblo de Roma.Algunos rasgos comunes en los relieves históricos son el realismo, que responde a lavoluntad de representar la realidad lo más fielmente posible y abandonar la idealización ydeformación de aquélla; la plasmación de la profundidad en las obras y la narrativacontinua, donde se suceden las imágenes como si de una secuencia fílmica se tratase.
    • El Ara Pacis. S.I a.C. Altar de Paz. Los relieves del Ara Pacis están considerados comoel ejemplo más importante de la escultura romana aplicada a la arquitectura, a pesar deser una obra romana, se cree que fueron pensados y ejecutados por artistas griegos.El senado romano aprobó el 13. a.C. la erección de un altar que se debía dedicar a la paxaugusta, en el Campo de Marte, para festejar el retorno de Augusto de la Galia y deHispania. La obra estaba acabada 4 años más tarde. Hoy se encuentra reconstruido.Su forma es la de un rectángulo abierto por el techo, con dos puertas monumentales: laprincipal con escalinata, para los oficiantes, y la posterior para las víctimas.Dentro, en el centro de este monumento rectangular, se coloca un ara o altar sobre unpedestal escalonado. Igualmente, este interior está decorado con la representación de unaverja de empalizada y un friso decorado con guirnaldas (de laurel, rosas y frutos)sostenidas por bucráneos (cráneos de bueyes) realizado en alto relieve y separados porpilastras.En los muros externos de esta especie de templo rectangular encontramos una decoracióndispuesta en dos niveles separados por un friso decorado con grecas: los inferiorespresentan formas vegetales y frutales sin que falten tampoco los bucráneos, importante eneste contexto pues el sacrificio dedicado a la Pax en este ara era de dos bueyes. Todo conun cierto abigarramiento compositivo que nos hace pensar en el horror vacui; los frisossuperiores se dividen en 6 paneles; 4 que flanquean las puertas con escenas míticas yalegóricas (la loba capitolina amamantando a Rómulo y Remo, a Eneas mítico fundadorde Roma, a Tellus, la diosa tierra) que nos hablan de un simbolismo general en el que laPax hace prosperar a Roma; los dos paneles restantes de los lados mayores representan, almodo de las Procesiones de las Panateneas, a Augusto encabezando un cortejo de caminoal sacrificio que honrará la paz y a sus dioses Jano y Pax. Al primero se le ofrece uncarnero, al segundo dos bueyes. Acompañan a Augusto en este desfile silencioso sufamilia al completo, senadores y magistrados purificados con sus coronas de laurel,sacerdotes, amigos y allegados a la familia, etc. Los niños con sus gestos infantiles y susonrisa, ponen la nota alegre en el desfile, y aún no falta algún tema anecdótico, como elde la mujer que con el dedo en la boca impone silencio a dos que hablan.Su solución plástica trata de rellenar obsesivamente todo el espacio, pero con unatécnica narrativa, clara, de técnica precisa y rotundo realismo, donde el nivel del relievemarca la perspectiva. Así las figuras del primer plano se representan el alto relievemientras que las de segundo y tercer plano se realizan en medio y bajo relieve. Con estatécnica se establecen distinciones jerárquicas al situar en primer término a lospersonajes principales y en segundo a los de menos relevancia.Las actitudes de los personajes varían entre sí (unos andan, otros están quietos; lascabezas se hallan en todas las posiciones, de frente, de perfil, de espaldas, en trescuartos....) lo que crea ritmo compositivo y movilidad en la composición, a pesar delnúmero de personajes. La representación es sumamente elegante, discurriendo pausada yordenadamente.Aunque está clara la influencia fidiaca de las Panateneas, lo cierto es que aquí esdiferente la composición (se respeta el protocolo – jerarquía familiar y político de laprocesión, la técnica, el ritmo del relieve y la individualidad de los personajes. De estamanera a diferencia de lo que ocurre en el Partenón, donde los individuos no puedenidentificarse ni puede precisarse su tiempo histórico, en el Ara Pacis se han labradoretratos reconocibles y la misma procesión puede fecharse con exactitud (4 julio del año13 a. C)
    • El altar nos muestra la afirmación del poder político en la realización artística. Unasingularidad del arte romano, que lo distingue del griego es su voluntad histórica, siempreal servicio de la glorificación de su presente y de su pasado.
    • Nombre: relieves del Ara PacisAutor: desconocido, por encargo del Senado de RomaEspacio-tiempo: Roma, siglo I a. CEstilo: romano imperialTécnica: tallaMaterial: mármol
    • Relieves del Ara Pacis de Augusto. Es una de las obras cumbres del relieve romano. Lasmajestuosas figuras añaden a la grandiosidad helénica el realismo romano de los retratoso de los gestos.
    • Relieves de la Columna Trajana. S.II. Es el relieve historiado más importantedel arte romano. Su valor reside en sus dimensiones fuera de lo común y, especialmente,en la originalidad que supuso desarrollar una cinta historiada alrededor del fuste de unacolumna. El relieve llega a su plena autonomía. La Columna Trajana es una novedadabsoluta, en la que los papeles tradicionales se invierten: la arquitectura se convierte ensoporte de la evocación esculpida de las campañas llevadas a cabo por el emperadorcontra los Dacios y sostén de la estatua del mismo emperador. Estatua en bronce que seha perdido, la que vemos actualmente es la de San Pedro colocada allí en el S.XVI.Se apoya sobre un pedestal cúbico decorado con trofeos, victorias y águilas con grandetalle y minuciosidad, en el interior, había una habitación para las cenizas delemperador, en una urna de oro. En la columna misma se representan en un relieve (bajo)continuo desarrollado en espiral a lo largo de 200 metros los distintos episodios de lascampañas de Trajano contra los Dacios, al otro lado del Danubio.La columna mide 38 metros de altura y el fuste está compuesto de 18 tambores demármol. En su interior se desarrolla una escalera que conduce hasta la cimaEl hilo conductor de la narración es la figura de Trajano, que aparece repetidamente conindumentarias diferentes según los hechos: arengas, ceremonias religiosas, accionesmilitares, etc. La narración, salpicada de elementos simbólicos, como el buey, el ciervo,el jabalí (la paz) y elementos míticos, como el padre Danubio, finaliza con escenas de larendición de los supervivientes.Los relieves, de tendencias planas (aplastado) en secuencia narrativa“cinematográfica”, lo que es también inédito, estaban ricamente policromados. Loselementos arquitectónicos y paisajísticos son representados en menores dimensiones quelos personajes, y el tamaño de éstos dependerá de su grado de poder, destacando la figurade Trajano (perspectiva jerárquica).Es una composición realista cercana a la corriente popular y alejada de todo idealismohelénico. Son obras de diversos escultores, pero se mantiene la unidad estilística. Alinterés narrativo de la representación real de los hechos queda supeditada y sacrificada lailusión del espacio, por tanto carece de perspectiva real (las figuras quedan yuxtapuestas).En los últimos planos suelen aparecen grabados que consiguen sensación de profundidad.Pueden considerarse como los mejores ejemplares de la escultura romana de carácterrealista, los sentimientos de horror y piedad trascienden con tremenda vitalidad.Titulo: Columna trajanaAutor: Apolodoro de DamascoEspacio-tiempo: Roma, siglo II d. CTécnica: tallaMaterial: mármolEstilo: romano imperial
    • Relieves del Arco de Tito. S.I El relieve histórico produce una nueva gran obra en lasdos escenas que decoran el arco de Tito que se refieren a la entrada de Tito en Jerusalén:la del desfile del emperador en su cuadriga guiada por Roma y coronado por la victoriadespués de la destrucción de Jerusalén; las lanzas jalonan, en perspectiva, el últimotérmino: En el otro relieve se ve el transporte del candelabro de los siete brazos, la mesade oro y las trompetas del templo, convertidos en botín de guerra.Puede advertirse cómo ese escalonamiento de planos de mayor a menor relieve,empleado ya en el Ara Pacis, es mucho más sabio. No sólo produce la sensación deprofundidad, sino que ha permitido hablar de que el artista nos hace sentir la ilusión delaire interpuesto, (ello buscando los efectos de claroscuro) como muchos siglos mástarde hará Velázquez. La noción de lejanía se obtiene por degradación progresiva delbulto. La policromía que tenían acentuaba la ilusión espacial.