Este documento presenta información sobre danza y expresión corporal. Explica conceptos como la sensopercepción kinética, el movimiento y sus tipos (naturales, convencionales y artificiales), y la coreografía. También incluye ejercicios para desarrollar habilidades sensoperceptivas como la percepción táctil, visual y auditiva.

1. GUIA DE ESTUDIO
EQUIVALENCIA
2º. BASICO
DANZA Y EXPRESION
CORPORAL

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MOVIMIENTO Y DANZA
“El lugar de la danza está en las casas, en la calle, en la vida”
LA DANZA
La danza y el movimiento como arte es una forma de expresión
natural del ser humano, desde la antigüedad se utilizó la danza para
expresar diferentes formas de pensar y actuar de la sociedad humana.
Cuando practicamos una disciplina artística se nos hace
evidente que el movimiento del cuerpo en general y los gestos del
rostro llegan a ser tan importantes como lo es caminar. En artes
dramáticas, danza, canto, por nombrar sólo a algunas, aprender a
expresarse y lograr, con una mirada, un leve balanceo de brazos o una
nota vocal, llegar al público, es lo que marcará la diferencia entre ser
uno más o ser alguien especial.
La danza es una serie de movimientos corporales rítmicos que siguen un patrón,
acompañados generalmente con música y que sirve como forma de comunicación o expresión.
Usa el cuerpo a través de técnicas específicas para expresar ideas, emociones,
sentimientos, siendo condicionada por estructuras rítmicas. Conjuga e interrelaciona factores
biológicos, psicológicos, sociológicos, históricos, estéticos, morales, políticos, geográficos.
Conjuga la expresión y la técnica y es a la vez una actividad individual y colectiva de grupo.
Sensopercepción Kinética en la danza
La capacidad sensorio-perceptiva pertenece a todos los seres
humanos. Es la capacidad de conectarse, de internalizar e interaccionar
con el mundo externo, el propio cuerpo y el cuerpo de los demás.
La Sensopercepción como práctica pretende recuperar y
enriquecer la vivencia del propio cuerpo para la danza, para la vida.
La concepción de Danza con la cual nos identificamos, sustenta
que todos podemos bailar y disfrutar de esta actividad. De aquí se desprende que
pretendemos que cada persona se contacte con su propio cuerpo real, -sea alto, bajo, gordo,
flaco, flexible, rígido, “lindo” ó “feo”, joven ó viejo- y no dependa de un modelo de cuerpo
determinado al cual ajustarse como premisa previa, sino que llegue a bailar desde su propia
realidad corporal y universo de posibilidades.
La Sensopercepción propone la posibilidad de una vida corporal más armónica que
permita vivir una realidad corporal gozosa, desplegando el máximo de flexibilidad tónica que
cada uno logre desarrollar.
El papel de la Sensopercepción es el de re-estimular incesantemente la capacidad de
observación y de asombro. Guiar, orientar, pautar, abrir puertas, dar permiso para volver a
mirar lo que tal vez miramos todos los días y descubrir en ellas nuevos elementos que hasta
ese entonces pasaban desapercibidos, “descubrir lo desconocido dentro de lo aparentemente
conocido”,

3. Tocar y tocarnos, mirar y ver, oír y escuchar, probar constantemente los mismos ó
nuevos movimientos y posturas dándoles un nuevo cariz, un nuevo ángulo.
Muchos alumnos descubren que tienen aptitudes y enorme placer en bailar, cuando
creían que esta posibilidad había quedado olvidada en algún rincón de su niñez, descubren
incluso la posibilidad de mejorar la calidad de su danza por medio de esta práctica y
entrenamiento consciente. Lo esencial de practicar la Sensopercepción, es entonces el
abarcar la persona íntegra en su propia vida afectiva, pensante, y emocionada, hacia una
danza propia y significativa.
CONOCIMI ENTO Y DOMINIO DEL CUERPO
El conocimiento del cuerpo no se refiere únicamente a
que el niño identifique las partes del mismo, lo acepte, lo
estimule y utilice como medio para logre su identidad integral y
realizar sus acciones con seguridad y confianza hacia los
demás.
Debido a los constantes cambios que el crecimiento
provoca en el organismo del ser humano, cada seis meses
resulta necesario orientarlo a que conozca su cuerpo y sus
funciones. La postura, la respiración, el equilibrio y la relajación
son movimientos básicos naturales. Es decir, el individuo no está permanentemente pensando
en ellas, cuando las asume o ejecuta.
Ejercicios para desarrollar habilidades sensoperceptivas
• Percepción háptica (Tacto y quinestesia=movimiento) Hay tres tipos de ejercicios:
1- Experiencias táctiles y quinestésicas
Ej: describir tocando y mirando las
cualidades de los objetos que dan
sensaciones opuestas (agua caliente y fría)
Palpar materiales suaves como pieles,
terciopelos... y describir sensaciones
Caminar descalzo sobre aserrín, arena,
hojas... y describir sensaciones
2- Reconocimiento de objetos
familiares
Ej: identificar personas, objetos y dibujos (siluetas de cartón), explorándolos con el tacto
sin verlos.
3- Reconocimiento de objetos Complejos y formas Geométricas
Ej: se pueden construir cuadrados, triangulos, letras, números, estrellas... en cartón o
cartulina y hacer juegos para que el niño explore táctilmente y luego los identifique y los dibuje.

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• Percepción Visual
Implica la capacidad para reconocer, discriminar e interpretar estímulos visuales.
Existen varias clases de ejercicios:
1- Direccionalidad: laberintos, unión de esquemas punteados, dibujos con trazos
discontinuos...
2- Motilidad ocular: El niño debe ser capaz de seguir un objeto que se desplace.
Ej: Lanzar una pelota de goma en varias direcciones
3- Percepción de Formas: Discriminar figura y fondo, letras de forma semejante y
diferente...
4- Memoria Visual: Ej: Mostrar tres objetos durante unos segundos, retirarlos y pedir a los
niños que los nombren. Se pueden utilizar láminas con dibujos...
• Percepción Auditiva
Es muy importante par el desarrollo del lenguaje. Hay tres tipos de ejercicios:
1- Conciencia Auditiva: Ej: Discriminar sonidos naturales, de animales o de objetos que
tenemos grabados.
2- Memoria Auditiva: Ej: Jugar a los secretos, pasándolos de unos a otros en voz baja, o
reproducir sonidos marcados por el educador.
3- Discriminación Auditiva: Para el desarrollo de la habilidad, establecer las diferencias
para distinguir sonidos semejantes o diferentes.
Ej: pote-bote; mesa-pesa
EL MOVIMIENTO
Una de las formas de comunicación más
comunes que tiene el ser humano, y tal vez la
menos consciente, es el movimiento. Por
movimiento en este caso, entendemos toda acción
que el hombre realiza cuando modificando la
postura de alguna parte de su cuerpo, comunica
algo.
El cuerpo puede realizar acciones como
rotar, doblarse, estirarse, saltar y girar. Variando
estas acciones físicas y utilizando una dinámica
distinta, los seres humanos pueden crear un
número ilimitado de movimientos corporales.
MOVIMIENTOS NATURALES:
Son parte de nuestro funcionar diario y se relacionan con acciones directas como
caminar, saltar, levantar las manos, etc. Si pensamos un poco más, nos daremos cuenta de
que no son movimientos complejos porque están asociados a las emociones y necesidades
primarias del ser humano.

5. Llegado al caso de una coreografía de patinaje, conviene incluir movimientos naturales si
queremos representar una acción común, como las mencionadas arriba, que nos sirva a su vez
para representar un personaje y lo que sea que supuestamente haga este. El mejor ejemplo es
pensar en aquellas coreografías que entre sus elementos, incluyan la interpretación actoral
como uno de los más importantes.
MOVIMIENTOS CONVENCIONALES:
Por fuera del arte o el deporte, convencionales son los movimientos que cumplen con
un motivo social, que requieren un aprendizaje previo por parte del individuo para estar en la
sociedad y generalmente tienen alguna finalidad útil.
Por otro lado y desde el punto de vista que nos interesa, todas las disciplinas tienen estos
movimientos porque son los que se aprenden para cada una en particular. Un jugador de fútbol
debe aprender como patear mejor una pelota, un bailarín debe aprender las técnicas de la
danza y un patinador las del patinaje.
MOVIMIENTOS ARTIFICIALES:
Movimiento artificial: Estos son los que más gustan y
suelen ser marca diferencial de algunos artistas. No
obedecen a ninguna regla, no requieren aprendizaje
como los anteriores y su única finalidad es enriquecer
las posibilidades artísticas de cada expresión.
Los movimientos artificiales son aquellos que
alejándose de los requeridos, se entremezclan con los
mismos para lograr fluidez, virtuosismo y
expresividad. Son creados sólo para lograr esto.
El lenguaje corporal humano es una forma de expresión
que abarca múltiples planos. Es comunicación
espontánea e instintiva, pero al mismo tiempo calculada.
El lenguaje corporal es un paralenguaje y acompaña a
toda expresión verbal. El lenguaje del cuerpo puede ser
independiente del lenguaje de las palabras cuando actúa conscientemente con gestos mímicos
en la vida cotidiana o en el ámbito artístico; también puede hacer las veces de acción
intencionada o movimientos que hace abstracción del gesto mímico, como en la danza.
En la vida diaria a veces se utilizan los gestos mímicos esquemáticos, técnicos,
codificados o simbólicos. El lenguaje corporal es material informativo real y ficticio, al mismo
tiempo. Por una parte, es físicamente concreto, pero también puede desprenderse del
cuerpo. Los elementos fundamentales del lenguaje corporal: espacio, tiempo, energía,
comunicación, se efectúa en un momento determinado y no es recuperable con un gasto
energético en el espacio.
La kinesia o movimiento corporal.
Cuando hablamos de kinesia (kinesis en griego significa movimiento) nos estamos
refiriendo a la capacidad de efectuar comunicación mediante gestos u otros movimientos
corporales; incluyendo la expresión facial, el movimiento ocular y la postura entre otros.
Este tipo de señales no verbales pueden ser específicas para cada individuo o
generales. También podemos decir que algunas pueden tener la intención de comunicar
mientas que otras son meramente expresivas, así mismo algunas nos pueden proporcionar

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información acerca de las emociones mientras que otras nos dan a conocer rasgos de la
personalidad o actitudes
La expresión corporal tiene tres ámbitos; cuerpo espacio y tiempo que en la práctica
siempre están interrelacionados. Se trabaja desde dos puntos de vista:
-Racional: toma de conciencia.
-Emocional: vivencia del cuerpo. Descubrir la propia realidad corporal. Responde sabiendo lo
que se puede hacer.
Para estudiar esto conceptos debemos remitirnos al desarrollo psicomotor del individuo,
su evolución, como se siente, como piensa y nos encontramos con el mecanismo base de la
expresión: TONO MUSCULAR.
El tono va a desempeñar un papel fundamental en la conciencia de sí mismo y en la
relación con los otros. Un niño cuando nace que capaz de captar las emociones de los otros a
través del tono (interpretación, mímica, sonido) y a través de como lo cogen, lo acarician etc.
El tono muscular de cada
persona es el resultado de la relación
con el entorno, todas las emociones que
vive con el entorno quedan arraigadas
en su tono muscular y va a influir en
todas sus reacciones a lo largo de toda
su vida. Las reacciones son:
-Rigidez; ante una posición incomoda,
situación de malestar etc.
-Descenso del tono muscular; Alegría.
La armonía en la postura, gesto,
tono muscular denota la relación con el
medio. Todo lo que es la afirmación de
lo que es la persona corresponde a lo espontáneo y la adaptación cuando representamos para
los otros.
LA COREOGRAFIA
Proveniente del griego, la palabra coreografía significa
literalmente ‘la escritura de la danza’ (koreos – ‘danza’,
‘movimiento’ y grafía – ‘escritura’). Entendemos entonces por
coreografía a aquel conjunto de movimientos y bailes
organizados de manera estr uctural, con un sentido y un
objetivo específicos para significar algo previamente diseñado.
Estos movimientos siempre mantienen relación unos con otros y
dependiendo del tipo de baile o danza seleccionada, buscan
ensamblar un complejo de situaciones en las cuales el cuerpo
humano sigue el ritmo de la melodía presentada.

7. La coreografía es sin dudas la base de cualquier danza, sea esta oficialmente enseñada
o transmitida de manera informal. Cada estilo de baile supone un estilo particular de
coreografías que buscan adaptar los movimientos del cuerpo a la sintonía de la música para
ensamblarse así de manera organizada y pareja. Mientras algunas coreografías pueden ser
lentas y tranquilas, otras pueden basarse en el desgaste energético y en movimientos que
parecieran no tener ningún significado pero que están claramente pensados para expresar
determinadas emociones.
La coreografía varía grandemente de acuerdo al estilo musical y mientras las
coreografías clásicas buscan representar movimientos de estilos delicados, refinados y casi
celestiales, las coreografías modernas se caracterizan por contar con movimientos
desenfadados y libres. De cualquier modo, independientemente de los tipos de coreografía de
los que se hable, siempre se hacen presentes en cada estilo elementos de mayor simplicidad
como también elementos de mayor complejidad que implican gran destreza, compromiso y
habilidad.
Tipos de coreografía
• Coreografía Monologa: esta depende de una sola persona, puede ser instruida por
otra pero la que lo lleva al escenario es que que danzara. Es una de las coreografías
minorías de entre las modernas y se aplican a base de las obras literarias, operas...
Estas no estructuran danza moderna grupal.
• Coreografía grupal: esta es la danza mas usada en todo el mundo. Estas se
construyen por el llamado Coreógrafo quien corrige los movimientos que se actuaran,
los grupos coreógrafos son de 6 a 10 personas, de estas están basadas en la persona
principal que actúa de manera casi diferente a los otros.
• Coreografía expresiva: es aquella en el que recurren muy pocas expresiones
interjectivas y mucha danza. esta coreografía la utiliza en algunas de sus canciones la
mayoría de artistas.
• Coreografía distributiva: esta es muy utilizada en estas épocas. en esta recurre una
división mientras que las otras personas bailan, el principal hace actos pero vuelve a
recurrir a ellos, se pueden dividir entre las personas por ejemplo: el principal danza igual
que 5 personas colocadas atrás, mientras que 2 al lado del principal danzan igual pero
diferente a los otros.
• Coreografía principal: el baile va hacia la persona principal pero también dirigida a los
bailarines.
• Coreografía Folklórica: esta es la más usada entre los pueblos rurales en la que
destacan los bailes o danzas culturales sembrada en un país. Esta la usan más los
países para destacar la cultura entre las personas y dar conciencia al pueblo y
entretenerlos.

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Coreografía de exhibición
La coreografía de exhibición es aquella que se prepara
con vistas a ser valorada por un público. Por ello, el proceso de
creación debe estar especialmente cuidado, en cuanto a la
calidad del movimiento y a la interpretación del montaje en
general.
Cuando hablamos de interpretación, nos referimos a
las siguientes formas: la interpretación musical, interpretación
del movimiento e interpretación de un personaje. Las tres
formas de interpretación nombradas son el conjunto que
forman la interpretación coreográfica, entendiendo la
coreografía como un montaje donde confluyen movimiento,
música y representación teatral, podemos decir que la
interpretación coreográfica es todo un arte. Estos tres
elementos son inseparables.
A continuación de definen con más detalle cada una de las formas de interpretación:
• Interpretación musical: seguir el ritmo musical (habilidad de coordinar música y movimiento),
marcar los elementos de su estructura y hacer alusión a la interpretación de la letra cantada por
el autor, todo ello a través del movimiento.
• Interpretación del movimiento: realizar el movimiento correctamente, acorde con la música
y el personaje que se interpreta; también tiene que ver con movernos con sentimiento.
• Interpretación de un personaje: es la representación de acciones, mediante la danza, que
nos dan a conocer un personaje concreto o también mensaje educativo.
En todo caso, las tres formas de interpretación van unidas.
2. ELEMENTOS DE LA COREOGRAFÍA DE EXHIBICIÓN.
Como se expuso en el apartado anterior, primero se
escoge un tema principal para luego recrear un escenario
(espacio o lugar) y seguidamente dar movimiento a la
coreografía.
1. Tema: es determinante para el producto final coreográfico;
puede ser un personaje, una emoción, una estación del año,
un valor humano, o cualquier otra situación.
2. Espacio: es el lugar concreto donde se desarrolla la
acción, una playa, la calle, un pabellón polideportivo, una
casa, etc.

9. Los elementos del espacio a tener en cuenta son:
2.1. Espacio escénico: dimensionalidad aprovechable, accesos a escena, exterior o interior,
iluminación, sonoridad, ventilación, tipo de suelo y colocación del público.
2.2. Materiales de decorado.
2.3. Vestuario.
3. Acción: es el conjunto de movimientos, de danza y teatro, realizados durante el montaje
coreográfico y determinados por el tipo de música seleccionado. Será importante hacer un
estudio previo del tema musical para poder crear la acción acorde al mismo, y para ello habrá
que tener en cuenta: estilo de música, velocidad (bpm), letra musical, acentos, efectos de
sonido…
Las partes diferenciadas de la acción son:
3.1. Introducción: es el inicio de la acción, cuando los bailarines/as empiezan el movimiento y la
interpretación.
3.2. Parte principal: es el grueso de la acción, cuando se desarrollan las partes principales de
coreografía.
3.3. Enlaces: son los momentos de transición entre las partes principales de coreografía. Es la
fase adecuada para teatralizar la acción, dar a conocer al personaje.
3.4. Final o desenlace de la acción: es el final de la representación, cuando los bailarines/as
retoman el hilo del principio (introducción) y dan un final concreto.
Elementos que intervienen en la preparación de una danza
La danza como una manifestación expresiva, permite al que la práctica, crear su propio
estilo y dotar al movimiento de personalidad. Incluir en el proceso de enseñanza-aprendizaje de
una danza, un espacio de creación en el cual los/as alumnos/as inventen o elaboren su propio
baile o movimiento danzado puede resultar muy interesante para alcanzar objetivos tales como
desarrollar la creatividad, implicar al alumnado en su proceso de aprendizaje, socializar,
consolidar el aprendizaje de códigos técnicos básicos del baile o dar la posibilidad de aportar y
expresar algo de uno/a mismo/a a los demás.
Las propuestas de actividades danzadas para el trabajo, desarrollo y mejora de la
creatividad en el aula, alcanzan su máxima significación en el proceso de aprendizaje de la
danza, una vez que la persona se ha familiarizado, iniciado o perfeccionado en la práctica de
un determinado baile (pasos básicos, desplazamientos, tipo de música, ritmo, etc.) adquiriendo
cierta autonomía, dominio y control de su cuerpo en el espacio y en el tiempo mientras se
mueve de una forma expresiva y al ritmo que marca una música.

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Pasos para la preparación de una danza
El profesor informa sobre la danza que se va a trabajar:
danza de presentación. Esta danza se caracteriza por su
utilidad y por su sencillez. Utilidad en cuanto al objetivo que
persigue: LA COHESIÓN DE GRUPO (conocimiento, relación y
comunicación).
Sencillez en cuanto a la música, al tipo de movimientos
que constituyen la danza y a la organización y evolución del
grupo durante el baile. Para la elección o selección de la
música, el profesorado ha de tener presentes las siguientes
consideraciones: (1) Muy marcada. (2) Pulsaciones regulares y
a ser posible canciones en pista única (música que suene de
forma continua, sin cortes) y (3) tempo no demasiado lento pero tampoco muy rápido (entre
120 y 140 ppm). En general, la música tiene que motivar, activar y animar al grupo de
alumnos/as con el que se trabaja.
Luego se enseña al grupo la danza de presentación que ha preparado en una serie
musical. El grupo se organiza por parejas (parejas de inicio). Utiliza movimientos o habilidades
básicas que todos/as sus alumnos/as pueden aprender y bailar con facilidad. Lo que
caracteriza a este tipo de danzas es la sencillez y simplicidad en la ejecución de los
movimientos o pasos de baile.
Algunas orientaciones metodológicas
a tener presentes en cuanto a los
movimientos que constituyen la danza de
presentación, son las siguientes:
(1) Creación de movimientos danzados a
partir de habilidades básicas.
(2) Un movimiento por frase musical.
(3) Ejecución simultánea, alternativa o bien
uno de la pareja realiza un movimiento
mientras el otro, al mismo tiempo, ejecuta
otro.
En relación a la organización y evolución del grupo, tener en cuenta las siguientes
consideraciones:
(1) Una vez que el grupo ha aprendido, memorizado y automatizado los pasos de la danza de
presentación (primero sin música y después con música) con su pareja de inicio, los/as
alumnos/as bailarán con todos/as sus compañeros/as cambiando de pareja.
(2) Cada cambio de pareja se llevará a cabo en lo que dura una serie musical. En este tiempo,
los/as alumnos/as se desplazarán por el espacio, buscarán y encontrarán una nueva pareja con
la que danzar.
(3) Antes de empezar a bailar, si no conocen a su nueva pareja, se presentarán con un apretón
de manos, un abrazo o un par de besos.
Durante el proceso: El profesor evoluciona por el espacio y orienta a las parejas durante
todo el proceso creativo.

11. Al finalizar el proceso de creación y la puesta en acción de la propuesta, deja un tiempo
para la reflexión y para que los/as alumnos/as libremente puedan comentar sus sensaciones,
las dificultades encontradas, etc.
El aprendizaje de cualquier danza pasa por un proceso previo de familiarización con los
elementos básicos del ritmo así como por el conocimiento, práctica y valoración de aspectos
claves del baile como son el origen y las características de la danza, los pasos básicos, el estilo
musical, la organización espacio-temporal, etc.
El binomio creatividad y baile, permite
personalizar el movimiento danzado y descubrir una
forma de expresar y comunicar con el cuerpo algo
(sensaciones, emociones, ideas, etc.) a uno/a mismo/a y a
los demás. Las actividades danzadas, que favorecen el
desarrollo de la creatividad en el ámbito educativo y
recreativo, implican al alumnado en el proceso de
aprendizaje de una danza.
Los/as alumnos/as tienen que pensar, crear,
montar, ensayar y mostrar un producto final en forma de
baile. Todo este proceso conlleva, además de una
mejora de la capacidad creativa, un desarrollo y mejora de
la socialización en el aula ya que implica cooperación, participación y trabajo en equipo.
DANZAS GUATEMALTECAS
Las danzas indígenas que actualmente pueden contemplarse en muchos pueblos y
aldeas de población mayoritariamente indígena en muchas regiones de Guatemala y México,
tienen poco que ver con nuestro concepto tradicional de danza.
Se trata de un espectáculo en el que, aunque pueden aparecer personajes claramente
coloniales, mantiene mucho de una tradición prehispánica. Para empezar, aunque se
denominan genéricamente "danzas", son un conjunto de aspectos que podemos denominar
claramente artísticos.
Encontramos en ellas máscaras y complejos y ricos atavíos que representan tanto
personajes históricos como míticos, y también animales. No solamente se baila, hay partes
recitadas, hay canto, se cuenta una historia, un mito. Hay músicos y se encuentran tanto
instrumentos prehispánicos como el teponaxtle (tambor de madera) en México, o la marimba,
de clara aportación africana, en Guatemala.
Las danzas son parte muy importante de las fiestas, tanto religiosas como cívicas o
tradicionales a lo largo del calendario festivo anual. Por ejemplo Carnaval, que en las
comunidades más indígenas se asocia con el año nuevo prehispánico; Semana Santa; Días de
Muertos; las Posadas, en Navidad. Hay fiestas locales, como la del santo patrón de cada
comunidad, celebraciones religiosas, etc.
Las máscaras
Son el elemento fundamental en las
danzas, y aunque pueden representar "hombres
blancos" son un claro exponente de las raíces
prehispánicas. No se conciben las danzas
indígenas sin las figuras enmascaradas y los
complejos trajes que completan el personaje.

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Pueden ser de animales, que en algunos casos dan nombre a la danza, el "tigre", el
"venado", el "torito", o de animales que representan personajes secundarios, como el mono.
Pueden ser de hombres de caras rosadas y blancos cabellos, los "cristianos", los
"conquistadores", o de hombres de caras oscuras los "moros", los "indios" o mostrar rostros
arrugados, los "viejitos". Con ellas el danzante representa la personalidad del europeo, con su
rostro blanco y barbado, o bien represente las fuerzas del mal con todos los atributos físicos del
demonio.
Pero la máscara no es el único elemento que caracteriza al personaje. Como en los
tiempos prehispánicos, el atavío es imprescindible. La elaboración de la indumentaria puede
estar a cargo de los propios danzantes pero algunos atuendos son extremadamente caros,
sobre todo los de plumas, o muy complejos.
Podemos ver trajes que recuerdan a los de los españoles del siglo XVIII, hechos de
gruesos paños de colores, con profusión de adornos, lentejuelas, espejos. Es por ello que hay
también establecimientos especializados donde se realizan los vestidos y que pueden ser
comprados o alquilados y también reparados. Son las "morerías" en Guatemala.
Tipos de danzas
Hay una serie de danzas que parecen ser modificaciones de rituales prehispánicos,
entre ellas se encuentra el llamado ciclo del "Tigre". El personaje aparece siempre de modo
espectacular: además de la máscara lleva un vestido amarillo con las manchas que imitan la
piel del jaguar. En la danza se persigue al tigre hasta darle muerte, o hay combates entre
tigres, o entre tigre y toro.
Otro grupo de danzas representan un sincretismo entre lo español y lo indígena, entre
las que la más llamativa es la de "Moros y Cristianos", el festejo tradicional más ampliamente
practicado en México y existente en casi todos los países hispanoamericanos.
Dentro de este mismo grupo se encuentran la Danza de la Conquista, cuyo argumento
es evidente, pero cambian los personajes representados en México o en Guatemala.
En Chichicastenango, pueblo del altiplano de Guatemala, podemos ver a Pedro de
Alvarado y los españoles de un lado y a Tecún y el rey quiché y los quichés [mayas del
altiplano] del otro lado. Primero tienen largos discursos el rey quiché y las Malinches, y el
Tsitsimit (brujo). Cuando terminan llegan los españoles. Tsitsimit hace adivinaciones con
semillas y comienza la batalla. Los españoles matan a Tecún y Tsitsimit lleva su sombrero al
rey quiché, quien llora amargamente. Mientras tanto los españoles bailan gozosos y Pedro de
Alvarado hace discursos y se bautiza a los quichés.
La Danza del Venado los danzantes usan máscaras con cornamenta de venados y de
otros animales. Aparece también un hombre viejo con una máscara característica al que
acompañan dos perros, dos niños con máscaras de perros. También hay un tigre con traje
amarillo, quien agarra a los que vinieron a ver el baile y se los lleva. La danza se acompaña
con marimba de tecomates y chirimía.
El origen de las Danzas Folklóricas en Guatemala se remonta a épocas muy antiguas
de la región, siendo el propósito de éstas, dedicar un estado de ánimo satisfactorio al cuerpo y
la mente, así como también, el de venerar a los dioses milenarios que han acompañado las
culturas de nuestro país.
Con el paso del tiempo, algunas danzas folklóricas han ido desapareciendo, mientras
que otras han sido influenciadas por la fe católica, modificando sus manifestaciones culturales

13. para dedicar veneración a los santos patronos y algunas cofradías de los pueblos
guatemaltecos.
El público y el arte en Guatemala
El problema de la falta de gente no
es un problema de Guatemala, es un
problema de las artes. Captar y mantener
público es una tarea compleja que no debe
ser tomada tan a la ligera.
Es un mito de que las artes son
elitistas queda descartado con estudios,
pues la mayoría del público que asiste a los
teatros y centros culturales pertenece a la
clase media. Es más, la gente con mayores
ingresos económicos es sólo una fracción
del total de asistentes a producciones de
música, danza y teatro en Guatemala.
Entre los datos recabados en diferentes estudios para determinar la afluencia de público
en las salas de teatro y actividades artísticas están los siguientes:
• En promedio, las salas de teatro y centros culturales sólo logran una afluencia del 33% de
su capacidad.
•
El público que normalmente frecuenta los espectáculos está comprendido entre los 26 y 35
años.
•
El 54% de los asistentes a los eventos son mujeres.
•
El 56% de los espectadores no pagan por su boleto de ingreso.
•
El 38% de los encuestados asisten a eventos de artes escénicas menos de 6 veces al año.
• La
falta de tiempo, de información y el
costo de los boletos son percibidos
como los principales obstáculos para
asistir a las actividades artísticas.