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Arte gótico
 

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    Arte gótico Arte gótico Presentation Transcript

    • ARTE GÓTICO HISTORIA DEL ARTE 2º BACHILLERATO
    • 1. INTRODUCCIÓN  El Gótico es el estilo que imperó en Europa occidental desde mediados del siglo XII hasta el primer tercio del siglo XVI. En Italia en el siglo XV fue progresivamente sustituido por el arte renacentista.
    • 1. INTRODUCCIÓN  Nace en la región de París, se extiende rápidamente por Inglaterra y España, más tardíamente por Alemania y, como hemos dicho, apenas por Italia donde nacía y se desarrollaría el Renacimiento.
    • Mapa nacimiento y difusión del gótico
    • 1. INTRODUCCIÓN  El término gótico nació en Italia en el siglo XVI, con connotaciones peyorativas. Fue acuñado por Vasari para calificar como bárbaro, propio de los godos, al arte de la Edad Media, en oposición al ideal renacentista. El siglo XIX, en el contexto del Romanticismo, se entusiasmó con el mundo medieval y revalorizó el arte gótico.
    • 1. INTRODUCCIÓN  El contexto histórico del arte gótico fueron los siglos finales de la Edad Media, una época de profundas transformaciones económicas, políticas y sociales. En estos siglos se desarrollaron las ciudades, que adquirieron cada vez más peso en lo artístico, en lo político y en lo económico. En las ciudades surgió una nueva clase social, la burguesía, que emergía a la vez que se iniciaba el declive feudal. En las ciudades aparecieron también nuevas instituciones culturales, las universidades, que quebraron el monopolio, aunque no el predominio, de la cultura religiosa. Fue asimismo la época en que se consolidó el poder de los reyes, fundamentado jurídicamente en la recuperación del derecho romano. El cambio en la economía fue tan profundo que está en la base de las restantes transformaciones: renació la artesanía, se desarrolló el comercio, se consolidaron los gremios, surgieron las primeras instituciones comerciales precapitalistas.
    • La ciudad medieval
    • La ciudad medieval
    • La economía medieval
    • 1. INTRODUCCIÓN  También hubo importantes cambios culturales que se manifiestan sobre todo en la progresiva secularización de la cultura. El trascendentalismo románico, empieza a ser sustituido por una religión más humana, por una mayor valoración del hombre y de la naturaleza, considerados bellos en sí mismos por reflejar la belleza divina.
    • 1. INTRODUCCIÓN  Otro aspecto importante fue la actitud de la Iglesia. En el siglo XII tuvo lugar la reforma cisterciense, conducida por San Bernardo de Claraval. En el siglo XIII se crearon nuevas órdenes como la de los franciscanos o las de los dominicos que se instalaban ya en las ciudades y contribuyeron al cambio de mentalidad puesto que participaban intensamente en los centros universitarios y difundían la idea de la belleza como obra de Dios.
    • Una nueva espiritualidad: la reforma cisterciense Siendo Roberto abad del monasterio cluniacense de Molesmes, él y un grupo de monjes de su comunidad se propusieron retornar a la observancia estricta de la primitiva regla de san Benito, quien en 540 fundara la Orden Benedictina. Para ello erigió una nueva abadía en Cîteaux, donde los monjes blancos, así conocidos por el color de su hábito, dedicaron su vida al trabajo manual y a la contemplación ascética con igual empeño, poniendo en práctica el lema benedictino Ora et labora (reza y trabaja). Bernardo de Claraval dio un impulso considerable al crecimiento de la orden cisterciense que en 1153, tan sólo 38 años después de que fundase la abadía de la que fue titular, contaba con 343 monasterios, de los que 68 se habían creado por irradiación de los monjes de Claraval.
    • El monasterio cisterciense • En el tránsito del románico al gótico, la reforma cisterciense tuvo un papel destacado. • Esta reforma, que busca recuperar la pureza de la regla monástica, favorece un arte austero. • Del rechazo de la escultura y pintura decorativas se deriva el predominio de la arquitectura, lo que dará lugar a importantes innovaciones técnicas. • Su principal aportación reside en que, aunque Refectorio del mantuvieron elementos románicos (como el monasterio de Huerta arco de medio punto y las bóvedas de cañón), (Soria) utilizaron el arco apuntado y la bóveda de crucería, que caracterizan el gótico.
    • El monasterio cisterciense • Las iglesias cistercienses, además, albergan dos coros (para separar a padres y hermanos). • Sus templos son de planta basilical de tres naves, cabecera rectilínea y ábside de planta cuadrangular, buscando la máxima pureza y el equilibrio de las formas. Monasterio de Veruela (Zaragoza). Sala Capitular.
    • El monasterio cisterciense Monasterio de Veruela (Zaragoza)
    • Una nueva espiritualidad: San Francisco de Asís • Francisco de Asís, en el siglo XIII, nos transmite una nueva dimensión del ser humano. En adelante, el cuerpo no será un miserable soporte del alma, sino una maravillosa obra de Dios que hay que respetar. • La Baja Edad Media ha dejado muy atrás el terror milenarista y se abre hacia una era de amor: de amor a Dios y a la naturaleza, de amor espiritual y de amor cortesano. San Francisco bendice a los pájaros, por Giotto
    • Periodización del Arte gótico 2ª ½ s. XII génesis del estilo Orden del Císter Reforma del s. XIII PLENITUD Cister Difusión por toda Europa Región de París (L’Île-de-France) Crisis de la Baja Edad Media (guerra, Hambres y peste) s. XIV- 1ª ½ S. XV Guerra de los Cien Años Gótico Internacional Arte cortesano 2ª ½ s. XV Desarrollo Gótico Flamígero Decorativo. Agotamiento.
    • 1. INTRODUCCIÓN  No todos los siglos del Gótico fueron de progreso; en el XIV se produjo una profunda crisis. Afectó a las actividades económicas, a las relaciones entre países (Guerra de los Cien Años), a la demografía (Peste Negra), a la religión (Cisma de Occidente), a las conciencias y, por supuesto, al arte. Entre las consecuencias inmediatas de la crisis hubo una exaltación de las formas de religiosidad individual y una doble manera de entender la vida: la actitud vitalista y mundana de unos se contraponía a los fatalistas, obsesionados por la muerte. En paralelo surgieron dos formas de concebir el arte, una superficial, refinada y de evasión, junto con otra caracterizada por un profundo dramatismo trascendente.
    • 1. INTRODUCCIÓN  En España durante esos siglos se produjeron grandes acontecimientos históricos. Tras la victoria de Las Navas de Tolosa (1212) contra los almohades, se llevó a cabo el mayor avance reconquistador de los reinos cristianos que ocuparon, a lo largo del s. XIII, los territorios de Córdoba, Sevilla,Valencia, Mallorca y Murcia. Sólo quedaba en manos musulmanas el reino de Granada, conquistado en 1492 por los Reyes Católicos. Fue también una época de expansión exterior de la que son los mejores ejemplos la proyección territorial y comercial de la Corona de Aragón en el Mediterráneo y, por parte de Castilla la ocupación de las islas Canarias y el desarrollo del comercio con Flandes. Al finalizar el periodo, el matrimonio entre Isabel de Castilla y Fernando de Aragón puso las bases para una futura unidad peninsular.
    • 2. ARQUITECTURA GÓTICA
    • 2.1. Los edificios góticos. La catedral  Tanto en la esfera civil como en la eclesiástica, el crecimiento de las ciudades planteó nuevos problemas arquitectónicos. Se necesitaban nuevos tipos de edificios acordes con las necesidades de las instituciones de gobierno municipal, de los gremios, del comercio y hasta de los nobles que fijaban su residencia en las ciudades. Por eso, con el arte gótico asistimos a un inusitado florecimiento de la arquitectura civil. Se construyen ayuntamientos (Bruselas, Lovaina) y otros palacios para organismos públicos (palacio de la Señoría de Florencia, palacio de la Generalidad de Barcelona), lonjas comerciales (Ypres; Palma de Mallorca), palacios urbanos (palacio Ducal en Venecia), hospitales (Hotel Dieu de Beaune), castillos (Bellver en Palma de Mallorca), atarazanas (Barcelona), casas gremiales, etc.
    • La arquitectura civil  La arquitectura civil es la mejor muestra de la pujanza económica del occidente cristiano en la Baja Edad Media. El auge de las actividades comerciales y artesanales, la apertura de nuevas rutas comerciales y el inminente descubrimiento de América, además de la consolidación de formas de gobierno municipales frente al dominio señorial o eclesiástico, facilitan el desarrollo de numerosos edificios de uso civil. Ayuntamientos, Lonjas, Palacios urbanos, etc. son la mejor muestra de este despertar urbano que anuncia ya la proximidad del Renacimiento.
    • La arquitectura civil: la lonja  El s. XV conoció el impulso definitivo de la arquitectura civil, que en el ámbito de las finanzas tuvo su máximo exponente en la construcción de lonjas (edificios destinados a albergar actividades mercantiles y que eran el reflejo del dinamismo de la clase comercial).  Las lonjas, al principio simples espacios porticados donde realizar las transacciones, pasaron a ser imponentes edificios de piedra que reflejaban la riqueza de una ciudad.
    • La arquitectura civil: los palacios  El palacio urbano es técnicamente similar en cuanto a soluciones constructivas se refiere, pero su riqueza ornamental y suntuosidad.  Son el mejor exponente del florecimiento de la burguesía mercantil y financiera, de la nueva aristocracia del dinero.
    • 2.1. Los edificios góticos. La catedral  Otro tanto sucede con la arquitectura eclesiástica; la aglomeración urbana precisaba de edificios más amplios y por ello proliferaron las catedrales. La catedral es el edificio arquetípico del arte gótico, pues la arquitectura religiosa mantuvo su papel normativo y en ella se generaron y experimentaron las innovaciones técnicas:
    • Construcción de una catedral
    • Construcción de una catedral
    • 2.1. Los edificios góticos. La catedral  Es la iglesia urbana por excelencia, sede episcopal (la palabra catedral deriva de cátedra, trono del obispo) y símbolo de la importancia de la ciudad. Refleja la capacidad económica y artística de la urbe ya que se construye con las aportaciones que hacen los ciudadanos a lo largo de generaciones. Por supuesto es también la casa de Dios y, como tal, su forma y sus elementos tienen, como en el románico, valores simbólicos: el abad Suger nos explica que las columnas aluden a apóstoles y profetas, que la bóveda es el símbolo de Cristo o que la luz que filtran las vidrieras abre al hombre el camino para ver la verdadera luz de Dios.
    • Dios es luz “ Dios es luz. La luz, perpetua Irradiación del dios luz extendido sobre las criaturas en que se juntan la materia y el espíritu, es la idea que está en el corazón de la estética de San Denís, a querer reducir tanto como fuera posible en un santuario, el lugar del muro, a hacer los muros porosos, translúcidos. A sacar todo el partido a la bóveda de crucería (...). Los rayos luminosos se introducen ampliamente y el abad Suger quiere que sean triunfales, adornados con todas las rutilancias de las gemas. Gloria de la vidriera.” G. Duby.
    • El simbolismo de la catedral gótica  “La catedral era un símbolo ambivalente de Cristo, la Jerusalén Celestial y el universo. La magnificencia de ella juzgábase adecuada a su función como ofrenda de los fieles y morada espiritual de Cristo y de la Virgen. A través de la catedral el hombre entendía lo invisible y lo infinito y lo divino se hacía inminente. El maestro constructor procuraba idear un marco que estimulase los pensamientos y sentimientos del devoto de tal manera que este pudiera realizar el acto más importante de su vida la comunión del alma con Dios” (Elsen “Los propósitos del arte”, pg. 74-75)
    • 2.1. Los edificios góticos. La catedral  La planta típica de la catedral gótica es la basilical, con una nave central amplia y muy elevada y una o dos laterales a cada lado. Tiene transepto y en el crucero un cimborrio exterior, que a veces presenta forma de flecha. La cabecera es generalmente macrocéfala, formada por una capilla central profunda y una o dos girolas con corona de capillas radiales.
    • La planta de la catedral gótica Planta basilical Planta de salón
    • La concepción espacial gótica CABECERA Las plantas son muy similares a las románicas: tres o cinco naves longitudinales y cabecera con transepto, presbiterio y remate en ábside o deambulatorio con capillas radiales.
    • La concepción espacial gótica
    • La concepción espacial gótica Doble girola Capillas radiales Torres Cabecera Crucero hipertrofiada Naves destacado
    • La planta de salón  Dividida en cinco naves, que en la cabecera generan un doble deambulatorio. El transepto no sobresale exteriormente ya que queda integrado en el cuerpo longitudinal del edificio, aunque se siguen abriendo pórticos al exterior del mismo.
    • La girola o deambulatorio  La cabecera gótica es más amplia que la románica; los brazos del transepto se acortan y adquiere protagonismo el deambulatorio o girola rodeado de capillas radiales llamadas absidiolos. En ellos las cofradías y gremios artesanales, que habían participado en la financiación de la catedral, instalaban las capillas de sus santos patronos.
    • 2.1. Los edificios góticos. La catedral  El alzado más usual viene caracterizado por la notable elevación de la nave central, constituida por tres alturas: las arquerías que comunican con las naves laterales, el triforio (andito o pasillo abierto hacia la nave mediante arcos, que sustituye a la tribuna románica) y el claristorio de ventanales.
    • Alzado y sección de una catedral La organización del alzado interior sigue su precedente románico: arcadas que conducen a las naves laterales, un triforio (estrecho pasadizo con arquerías), que sustituye a la tribuna románica y un claristorio o cuerpo de ventanales con vidrieras coloreadas.
    • Interior de la catedral  El alzado interior de la catedral se articula en: arcadas que separan la nave central de las laterales, triforio a modo de galería abierta sobre la nave central y claristorio con vanos cubiertos de vidrieras que posibilitan el paso de la luz exterior.
    • Interior de la catedral Pináculo Bóveda de crucería Arbotantes Claristorio Triforio Contrafuertes Arcos apuntados Pilar fasciculado
    • 2.1. Los edificios góticos. La catedral  La catedral tiene una o tres fachadas, la más monumental a los pies y las otras dos en los brazos del transepto. Responden a un modelo formado por un cuerpo central, cuya altura alcanza la de la nave mayor, y dos torres laterales mucho más elevadas, que algunas veces acaban en terraza pero la mayoría culminan en agujas. En la parte inferior se abren los portales, que son muy abocinados, con los arcos frecuentemente subrayados por gabletes. Sobre ellos puede haber galerías con arcos o frisos con esculturas y un gran rosetón. Abundan los elementos decorativos.
    • Fachada gótica Torres Gárgolas Rosetón Arquerías Galería de retratos reales Gabletes Pórtico Doseletes
    • Las torres en la fachada
    • Portada gótica
    • Elementos constructivos  Gabletes Doseletes:
    • Elementos constructivos
    • La portada arquivoltas tímpano parteluz derrame
    • Elementos constructivos  Chapitel
    • El rosetón
    • 2.2. Estructura arquitectónica  La estructura del edificio gótico está constituida por un esqueleto equilibrado y dinámico formado por arcos, bóvedas, pilares, arbotantes y contrafuertes, que se completa con muro y vidrieras. Para evitar que la lluvia deteriore las bóvedas, las protegen con un tejado de doble vertiente. Es un sistema orgánico, de elementos especializados y articulados, que recogen las cargas verticales y trasladan las presiones laterales, y que permite construir edificios de gran altura y aligerar los muros para abrir amplios ventanales.
    • 2.2. Estructura arquitectónica  Los elementos sostenidos de la arquitectura gótica son el arco apuntado y la bóveda de crucería:  El arco apuntado está formado por dos segmentos de circunferencia que se cortan. Es el elemento estructural que, por su esbeltez y por transmitir las cargas más verticalmente que el arco de medio punto, permitió el aumento en altura del edificio y la apertura de grandes vanos. El arco gótico clásico tiene la misma anchura que altura, pero en el siglo XIV fue muy frecuente el alancetado (muy apuntado) y en el XV el rebajado, además de dos arcos nuevos, el carpanel y el conopial.
    • Arco apuntado u ojival
    • Arcos góticos APUNTADO CARPANEL TRILOBULADO ESCARZANO CONOPIAL ACORTINADO
    • 2.2. Estructura arquitectónica  Los elementos sostenidos de la arquitectura gótica son el arco apuntado y la bóveda de crucería:  La bóveda de crucería está formada por un armazón estructural de nervios. La más sencilla es la cuatripartita cuyo esqueleto consta de dos arcos formeros y dos fajones, que delimitan un rectángulo, y dos ojivas diagonales que refuerzan las aristas y, al cruzarse, originan la clave. Los huecos que quedan entre los nervios se rellenan con paños cóncavos, llamados plementos. Es una estructura sólida y ligera, que se puede adaptar a espacios poligonales más complicados que el rectángulo. En el siglo XIV surgieron las bóvedas de terceletes, con nervios menores, y en el XV se añadieron múltiples nervios pequeños y combados dando lugar a las bóvedas estrelladas.
    • La cubierta: la bóveda de crucería o nervada ARCO TORAL O FAJÓN CLAVE El arco apuntado u ojival es el que hace posible la gran novedad del gótico, la bóveda de crucería.
    • La bóveda de crucería  La bóveda de crucería es el resultado del cruce entre arcos apuntados, que forman un esqueleto de nervios; el espacio entre los nervios de piedra se rellena con plementería (material ligero de relleno). La clave de la bóveda es la dovela central que la cierra. El arco apuntado permite elevar considerablemente la altura de la nave sin que se resienta su estabilidad por el peso de la bóveda, ya que las presiones tangenciales se han reducido.
    • La bóveda de crucería
    • La bóveda de crucería
    • Tipos de bóveda
    • 2.2. Estructura arquitectónica  Los elementos sustentantes del esqueleto gótico son los pilares, los contrafuertes y los arbotantes:  Los pilares reciben, en el interior, las cargas verticales de las bóvedas y las trasladan hasta el suelo. Son soportes robustos que están recorridos verticalmente por finas columnas adosadas en que se apean las ojivas y arcos de las bóvedas. Cuando, en el gótico final, estas finas columnas (baquetones) se multiplican originan el pilar fasciculado. Los pilares suelen adornarse con un capitel corrido que une todas las columnas a modo de cinta, decorada con motivos vegetales.  En el exterior, los arbotantes (arcos aéreos rampantes) transmiten los empujes laterales de las bóvedas a los contrafuertes o estribos. Sirven también para canalizar el agua que baja de los tejados y la expulsan a través de las gárgolas.  Los contrafuertes reciben, en torno al edificio, las presiones laterales y las trasladan hacia el suelo. Sobre los contrafuertes, con una función a la vez ornamental y de contrapeso, se disponen unos pequeños pilares apiramidados, llamados pináculos.
    • Pilar fasciculado
    • Elementos constructivos
    • ¿Cómo se sostiene una bóveda de crucería? Las tensiones de la bóveda de crucería, que se resuelven en el exterior con contrafuertes y arbotantes, en el interior descansan sobre pilares. Los nervios de la bóveda acostumbran a prolongarse en baquetones o columnillas adosadas a lo largo del fuste de los pilares, hasta el suelo.
    • ¿Cómo se sostiene una bóveda de crucería?
    • ¿Cómo se sostiene una bóveda de crucería?
    • Elementos exteriores  Las torres, agujas, chapiteles (remate piramidal), pináculos (remate cónico o piramidal), gabletes (remate en punta a modo de Frontón)…son utilizados plásticamente para acentuar el impulso ascensional de la construcción gótica. Aguja gótica
    • Elementos exteriores
    • 2.2. Estructura arquitectónica  El muro modifica su función arquitectónica tradicional. Pierde gran parte de su papel sustentante y queda casi limitado a cerrar el espacio, por lo que puede abrirse en múltiples y amplios vanos, sean ventanales verticales o rosetones circulares. Unos y otros tienen maineles y tracerías caladas para soportar las vidrieras. La forma de las tracerías evoluciona a lo largo de los siglos. Así, en el XIII, un mainel divide en dos el vano y lleva pequeños rosetones trifoliados de lóbulos curvos, cobijados bajo el arco mayor del ventanal. En el XIV aumenta el número de maineles y los lóbulos se hacen apuntados. En el siglo XV se imponen las tracerías flamígeras con curvas y contra curvas que parecen llamas.
    • La desmaterialización del muro  Una vez que la cubierta ya no carga sobre los muros y éstos desaparecen, grandes ventanales, decorados con vidrieras y tracerías, que potencian la luminosidad, vendrán a ocupar su lugar. Las fachadas serán perforadas por un gran ventanal circular vidriado, llamado rosetón.
    • Tracería gótica
    • Elementos constructivos ventanales góticos gárgolas capiteles gablete gótico
    • 2.3. Espacio y volúmenes del edificio gótico  En la arquitectura gótica predomina el vano sobre el macizo, de lo que deriva una de las principales características de su espacio interior: la luz coloreada y fragmentada que penetra por las vidrieras crea un ambiente metafísico y espiritual. El interior gótico es, además, un espacio en tensión entre dos impulsos, uno vertical y ascendente, creado por la elevación de la nave, la altura a que están situados los vanos, las forma de los arcos apuntados y los baquetones de los pilares; y otro longitudinal hacia la cabecera promovido por el ritmo de las arcadas y los pilares que conducen hacia el ábside como ocurre en todas las plantas basilicales.
    • La vidriera y rosetón góticos
    • La vidriera
    • La verticalidad gótica  En el gótico el sentido ascensional de las formas y la intensa luminosidad del interior de los edificios recrean el espacio ideal para acercarse a un Dios más humano; un reflejo de la “Jerusalén celestial” de la que habla el Apocalipsis de san Juan, con sus “puertas de perlas”, “sus calles de oro puro y vidrio transparente”.  Los avances en la técnica constructiva del gótico hará posible plasmar en piedra y de forma simbólica tales visiones.
    • La verticalidad gótica  La proyección vertical de la catedral gótica se resuelve tectónicamente con gran elegancia, de tal manera que la belleza formal y la estabilidad técnica del edificio son valores complementarios que arrancan de la perfección de las formas geométricas.
    • 2.3. Espacio y volúmenes del edificio gótico  Los volúmenes exteriores quedan definidos por la apariencia monumental, el carácter atectónico y la tensión ascendente. La monumentalidad deriva de las grandes dimensiones del edificio, mientras que la tendencia ascensional viene dada por los arbotantes rampantes, la verticalidad de los pilares, la altura de las torres acabadas en flechas, la aguja del crucero, la forma apuntada de pináculos y gabletes, y la decoración, que en su mayor parte está formada por motivos verticales. Es también una construcción atectónica, de formas poco definidas y apariencia relativamente liviana. Es la consecuencia de los pináculos emergentes, de las torres caladas y salientes, de las agujas y flechas, del carácter aéreo de los arbotantes que permiten que el aire circule entre ellos; todo lo cual integra al edificio en el espacio y desdibuja los volúmenes.
    • El exterior del sistema constructivo  El objetivo prioritario es contrarrestar el empuje tangencial de la bóveda interior mediante contrafuertes y arbotantes (arcos externos dispuestos en diagonal, que transmiten los empujes de la bóveda interior al contrafuerte exterior).
    • Arbotantes y contrafuertes
    • 2.4. Arquitectura gótica europea  El país en que nació el gótico, donde evolucionó y en el que se encuentra la mayoría de las obras maestras, es Francia:  Al gótico inicial (segunda mitad del siglo XII) pertenecen la cabecera de Saint Denis y la catedral de Notre Dâme de París, que posee una monumental fachada en H y es el primer gran edificio construido con arbotantes.
    • Abadía benedictina de Saint-Denis
    • Abadía benedictina de Saint-Denis
    • Catedral de Sens
    • Catedral de Laon
    • Catedral de Laon
    • Catedral de Notre-Dame
    • Catedral de Notre-Dame
    • Catedral de Notre-Dame
    • Catedral de Notre-Dame
    • Catedral de Notre-Dame
    • Catedral de Notre-Dame
    • Catedral de Notre-Dame
    • 2.4. Arquitectura gótica europea  En la primera mitad del siglo XIII encontramos el gótico clásico en el que él se impuso la bóveda cuatripartita y la nave central de tres alturas con arquerías, triforio y claristorio. La catedral de Chartres tiene unas proporciones tan equilibradas que la convierten en el paradigma del clasicismo. La catedral de Reims destaca por la unidad de estilo y su notable profundidad, idónea para el ceremonial real ya que en ella eran coronados los reyes de Francia. La catedral de Amiens, además de su mayor verticalidad, presenta como novedad el triforio calado que permite la entrada de mayor cantidad de luz; es el punto de partida del gótico radiante. Las tres tienen magníficas fachadas.
    • Catedral de Chartres La de Chartres, que es la primera catedral que reúne todos los elementos citados con anterioridad. Un primer incendio había obligado a reconstruir la fachada de los pies con sus torres y el tramo de naves adjunto, pero un segundo incendio a finales del siglo XII destruyó toda la catedral, cuya bóveda era de madera, salvo la parte reconstruida tras el primero de ellos, lo que obligó a su rehabilitación total que respetó la organización de la cabecera anterior y la Portada Real (la de los pies), esto último determinó optar por tres naves; el resto el edificio es totalmente nuevo, acabándose hacia 1220.
    • Catedral de Chartres
    • Catedral de Chartres La planta es prototípica dentro de las iglesias del norte de Francia: de tres naves en la zona de los pies y en el transepto, pero la cabecera tiene cinco con doble deambulatorio, capillas sin comunicación entre sí y de planta circular, detalles ambos arcaicos. Por su parte la organización del muro es genuinamente gótica con sus tres niveles: arcos formeros, triforio ya convertido en claristorio y ventanales. Exteriormente se observa la organización del muro con los contrafuertes y arbotantes que contrarrestan las bóvedas interiores y unas vidrieras que son las originales, lo que hace que se mantenga el ambiente real de las catedrales góticas.
    • Catedral de Chartres
    • Catedral de Chartres
    • Catedral de Chartres
    • Catedral de Reims Esta catedral tenía como Saint-Denis un profundo significado para la monarquía francesa. Si esta segunda era la sede del panteón dinástico y el lugar donde se custodiaban los símbolos del poder, en la primera se coronaban los reyes. También un incendio, como en Chartres, Amiens y otras muchas iglesias francesas, el año 1210, motivó la reconstrucción de la catedral. Iniciada sólo un año después, se acabó en cien años (1311). El obispo Braisne, retratado en una vidriera, es el impulsor de unas obras que habían de rivalizar con la vecina Amiens.
    • Catedral de Reims A diferencia de otros edificios contemporáneos, en éste se conocen los nombres de los arquitectos que se sucedieron en la dirección de la obra. Los proporcionó el laberinto, con la labor ejecutada por cada uno de ellos, que ornó el pavimento de la nave central y que fue destruido al sustituirse el original por otro nuevo en el siglo XVIII. Trabajaron en este orden: Jean d’Orbais, Jean le Loup, Gaucher de Reims y Bernard de Soissons. Así d’Orbais fue artífice de la planta y de los trabajos iniciales en el ala oriental hasta el transepto, Jean le Loup terminó el coro y edificó los fundamentos del cuerpo principal del edificio, el hastial occidental y las torres; Gaucher de Reims intervino en las tres puertas abiertas a los pies del edificio y Bernard de Soissons construyó varias bóvedas (cinco en total) y el gran rosetón de los pies.
    • Catedral de Reims La planta de Reims muestra, como rasgo más sobresaliente, la hipertrofia de la cabecera, una de las particularidades de algunas iglesias francesas del siglo XIII, aunque aquí llega a ocupar la mitad justa de todo el edificio; se justifica parcialmente por la necesidad de ubicar en ella el coro. En el resto de la construcción se siguen las pautas habituales. Tiene tres naves, transepto también de tres naves y, en su alzado, el muro interior presenta los tres niveles canónicos: arco, triforio y ventana.
    • Catedral de Reims
    • Catedral de Reims
    • Catedral de Reims
    • Catedral de Amiens
    • Catedral de Amiens
    • Catedral de Amiens
    • 2.4. Arquitectura gótica europea  El gótico radiante predomina en la segunda mitad del siglo XIII. Se le llama así por la abundancia y tamaño de los ventanales que prácticamente eliminan el muro. El mejor ejemplo es la Capilla Santa (Sainte Chapelle) de París, cuyo comitente fue el rey San Luis.
    • Sainte-Chapelle de París
    • Sainte-Chapelle de París
    • Sainte-Chapelle de París
    • Sainte-Chapelle de París
    • 2.4. Arquitectura gótica europea  En el gótico flamígero (siglo XV) se acentúa la decoración, se diversifican los tipos de arco, se complican los nervios de las bóvedas, y se multiplican las claves, muchas de las cuales son colgantes. Está relacionado con los Países Bajos donde tuvo gran desarrollo. En esta etapa se inician pocas obras nuevas pero muchas catedrales se completaron con agujas, torres o capillas añadidas. La ciudad flamígera por excelencia fue Rouen: Saint Maclou y fachada de la catedral.
    • Iglesia de Saint Maclou (en Rouen)
    • Catedral de Rouen
    • 2.4. Arquitectura gótica europea  Fuera de Francia también hay importantes ejemplos de edificios góticos:  En Italia, las catedrales de Siena y Milán, el palacio de la Señoría de Florencia y el palacio de los Dux de Venecia.  Las catedrales de Wells y Gloucester, la abadía de Westminster, y la capilla del King’s College de Cambridge, en Inglaterra.  En Alemania, las catedrales de Colonia y Ulm.  En los Países Bajos, la catedral de Amberes y la lonja de Ypres.
    • Catedral de Milán
    • Catedral de Milán
    • Basílica de San Francisco de Asís
    • Catedral de Siena
    • Catedral de Siena
    • Catedral de Siena
    • Catedral de Santa María dei Fiori de Florencia
    • Catedral de Santa María dei Fiori de Florencia
    • Catedral de Santa María dei Fiori de Florencia
    • Catedral de Santa María dei Fiori de Florencia
    • Catedral de Santa María dei Fiori de Florencia
    • Baptisterio de Florencia
    • Campanille de Florencia
    • Santa Croce de Florencia
    • Santa Croce de Florencia
    • Catedral de Orvietto
    • Ayuntamiento de Siena
    • Ayuntamiento de Siena
    • Signoría de Florencia
    • Palacio de los Dux
    • Palacio de los Dux
    • Catedral de Durham
    • Catedral de York
    • Catedral de Lincoln
    • Catedral de Salisbury
    • Catedral de Wells
    • Catedral de Gloucester
    • Claustro de la Catedral de Gloucester
    • King’s College Chapel en la Universidad de Cambridge
    • Abadía de Westminster
    • Catedral de Estrasburgo
    • Catedral de Colonia
    • Catedral de Colonia
    • Iglesia de Santa Isabel de Marburgo
    • Catedral de Friburgo
    • Catedral de Amberes
    • Lonja de Ypres
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  Las primeras grandes catedrales góticas españolas se construyeron en el siglo XIII, en la Corona de Castilla, si bien algunas iglesias del románico tardío, en la segunda mitad del siglo XII, usaron ya la bóveda de crucería (Catedral de Zamora, San Vicente de Ávila). También se iniciaron algunos edificios protogóticos como la catedral de Ávila.
    • Monasterio de las Huelgas (Burgos) Fue fundado en 1189 por el rey Alfonso VIII de Castilla. Este edificio fue destinado en principio para monjas cistercienses y constituido luego en panteón regio. Santa María la Real de las Huelgas tiene notable interés artístico. El templo es de un gótico excelente, con tres naves y cabecera de cinco ábsides. Su notable categoría monumental, impropia de los monasterios de monjas del Císter, fue debida a la característica de ser panteón real.
    • Catedral de Ávila
    • Catedral de Ávila Levantada sobre una antigua iglesia románica, está dedicada a San Salvador. Es la catedral más antigua del gótico español, con la circunstancia de que la cabecera se halla incluida en las murallas, formando parte del conjunto defensivo. Su aspecto almenado y torreado, es mixto de templo y fortaleza. Su construcción comenzó en el último tercio del siglo XII, iniciando las obras del cimborrio el maestro Fruchel, que hizo de la girola una pieza maestra de nuestra arquitectura medieval, para lo cual utilizó piedra arenisca de la Colilla que le da un curioso aspecto. El cuerpo principal del edificio, ya de sillares graníticos, se finalizó en el siglo XIV. La planta de la catedral tiene forma de cruz latina con tres naves, crucero y girola; cuatro pilares góticos cistercienses sostienen las bóvedas ojivales, rectangulares y trapezoidales. En los siglos XV y XVI se añadieron el coro y el claustro.
    • Catedral de Cuenca
    • Catedral de Cuenca, antes de 1902 En los siglos XVI y XVII se efectuaron varios trabajos en la fachada y se construyeron varias capillas y el claustro. En el siglo XVIII se realizaron reformas en el ábside, pilares y en la decoración interior. En el año 1902, se produjo el desplome de la torre de Giraldo que provocó enormes destrozos en la fachada por lo que hubo que reconstruirla, en estilo neogótico, según proyecto de Vicente Lámperez.
    • Catedral de Cuenca Iniciada entre finales del siglo XII y principios del XIII, es de aspecto exterior puramente gótico pese a su sencillez, pero destaca sobre todo por su bello interior, de planta de tres naves con bóvedas sexpartitas, crucero que sobresale en los laterales, espléndida girola y hermoso triforio de arcos apuntados y lobulados con tracería.
    • Catedral de Cuenca
    • Catedral de Sigüenza
    • Catedral de Sigüenza Sobre la puerta se abre un gran rosetón, obra del siglo XIII, con complicada tracería. La planta de la iglesia es cruz latina, con tres naves, crucero y capilla mayor con girola. Está iluminado por pequeños vanos abiertos sobre las arcadas, por los grandes rosetones y por la linterna que remata la bóveda del crucero. Las naves están divididas por grandes pilares con columnas adosadas, que rematan en líneas de capiteles unidos, sobre los que se apoyan los arcos ojivales, de los que arrancan los nervios de las bóvedas de crucería.
    • Catedral de Sigüenza
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  Las grandes catedrales castellanas del siglo XIII, las de Burgos, Toledo y León, se inspiran en modelos clásicos franceses:  La catedral de Burgos se comenzó en 1221, con el patrocinio del rey Fernando III. Su planta es de tres naves con crucero muy marcado y cabecera macrocéfala con girola. Tiene un espléndido triforio con tracerías caladas. La monumental fachada se terminó a finales del XV y, años más tarde, fueron eliminados los portales góticos.
    • Catedral de Burgos El obispo de Burgos había estudiado en París e inicia las obras de la catedral en 1221. Los maestros de obras fueron el Maestro Enrique hasta su muerte en 1277 y Juan Pérez hasta 1296. El proyecto original tenía tres naves y un transepto de brazos muy marcados, cabecera amplia con girola y capillas radiales semidecagonales. Alzado de tres pisos, pero el triforio ciego es ojival, no polilobulado con el toledano. Como característica burgalesa original, el “espinazo” o nervio dorsal que cruza las bóvedas ojivales.
    • Catedral de Burgos
    • Catedral de Burgos
    • Catedral de Burgos
    • Catedral de Burgos
    • Catedral de Burgos
    • Catedral de Burgos
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  La catedral de Toledo es la más original e hispana. Fue promovida por el arzobispo Ximénez de Rada, en 1226, y se edificó en el solar de la antigua mezquita mayor, por lo que su planta es muy ancha, de cinco naves escalonadas, con doble girola y el transepto no marcado en planta. Los dos rasgos más originales son los arcos lobulados entrecruzados que hay en el triforio de la cabecera, y la doble girola resuelta con alternancia de tramos rectangulares y triangulares.
    • Catedral de Toledo Se le atribuye el proyecto general de la obra al maestro Martín, quien realizó el deambulatorio con las capillas radiales en los primeros doce años de la construcción de la catedral. Los siguientes 50 años, se hizo cargo de la obra un maestro llamado Petrus Petri, probablemente de origen francés, quien levantó el transepto y parte de las cinco naves. Se planteó una iglesia de cinco naves con doble girola y sin transepto marcado al exterior (planta de salón), según el modelo seguido inicialmente en Notre- Dame de París, toda ella de una gran monumentalidad. Su alzado es de tres pisos en altura. El presbiterio está rodeado de una doble girola y su gran novedad estaba en la manera de cubrir los dos deambulatorios y las quince capillas de la cabecera; la solución fue descomponer este espacio en tramos triangulares y rectangulares, y contrarrestando sus empujes mediante arbotantes bifurcados.
    • Catedral de Toledo Aunque Toledo responde en planta a un modelo francés, las soluciones adoptadas en lo que a elevación de muros y proporciones del alzado en general se refiere, nada tienen que ver con él. Es significativo de esta acomodación el uso de los arcos polilobulados en la zona de los triforios de la girola, de intenso sabor musulmán. La catedral de Toledo, si bien es la empresa de carácter monumental más ambiciosa de las emprendidas a lo largo del siglo XIII en nuestra Península; si también constituye un testimonio irrefutable de la voluntad de adaptar un modelo foráneo a la tradición local (la despreocupación por lograr una estructura esbelta, en sintonía con lo francés, es total), no es un edificio redondo, porque, probablemente, lo segundo no acaba de funcionar.
    • Catedral de Toledo
    • Catedral de Toledo
    • Catedral de Toledo
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  La catedral de León, iniciada a mediados del siglo XIII, es la que imita de modo más fiel los modelos franceses. El principal arquitecto fue el Maestro Enrique, que también había trabajado en la catedral de Burgos. León copia la planta de la catedral de Reims, aunque mucho más corta, y su alzado recuerda a la de Amiens por el triforio calado, que confiere a su interior una diafanidad incomparable. La fachada, terminada en el siglo XV, tiene dos torres, pero separadas del cuerpo central.
    • Catedral de León La catedral de León recibe también la influencia de la Isla de Francia. Se inició a principios del s. XIII, los trabajos se activaron a mediados para acabarse a principios del XIV. Los arquitectos fueron el Maestre Simón y los dos de la catedral de Burgos. El Maestro Enrique se encargó de las bóvedas y de las portadas de los pies y la sur; Juan Pérez, por su parte, es el autor del claustro. Es una réplica de Reims pero reduciendo sus proporciones en un tercio: tres naves, amplio transepto y monumental cabecera de cinco capillas abiertas a la girola. Alzado de tres pisos, pero triforio decorado con vidrieras, por lo que se cuentan tres pisos de ventanas y muro inexistente.
    • Catedral de León
    • Catedral de León
    • Catedral de León
    • Catedral de León
    • Catedral de León
    • Catedral de León
    • Catedral de León
    • Catedral de León, vidrieras
    • Catedral de León, vidrieras
    • Catedral de León, vidrieras
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  El siglo XIV se caracteriza por la decadencia del gótico castellano y por el auge artístico de la Corona de Aragón, sobre todo en Cataluña, Valencia y Mallorca, sus estados marítimos mediterráneos. La Corona aragonesa alcanzó en la primera mitad del siglo XIV una notable prosperidad económica. Las actividades comerciales impulsaron la creación de un imperio mediterráneo e hicieron posible el desarrollo de la burguesía, especialmente próspera en Cataluña. Por eso, además de los edificios religiosos tuvieron gran importancia las construcciones civiles (lonjas, atarazanas, palacios…):
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  Los edificios religiosos del gótico mediterráneo se caracterizan por los paramentos lisos y las ventanas pequeñas, ya que el clima es muy luminoso. La nave central suele ser ancha, las laterales elevadas y los soportes interiores delgados y airosos: por eso, el espacio interior es diáfano, de notable amplitud espacial. No suelen tener triforio o lo tienen atrofiado. En el exterior, robustos contrafuertes recogen las presiones, casi siempre sin arbotantes. La decoración es escasa tanto dentro como fuera del edificio.
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  En Barcelona hay dos templos importantes: la catedral y Santa María del Mar, la iglesia del barrio de los mercaderes. Santa María del Mar tiene tres naves cuyas bóvedas arrancan a igual altura sobre los esbeltos pilares lisos; su dilatado y armónico espacio interior de es uno de los más bellos de la arquitectura española. La catedral de Gerona, aunque tiene la cabecera de tres naves con girola, se continúa con nave única de casi veintitrés metros de anchura, diseñada por Guillermo Bofill. La catedral de Palma de Mallorca, también muy espaciosa, llama la atención por su aspecto exterior de fortaleza debido a la gran cantidad de contrafuertes. En arquitectura civil, destacan el castillo de Bellver en Palma de Mallorca, y las lonjas de la Seda de Valencia y de Palma de Mallorca, ambas del siglo XV.
    • Catedral de Barcelona De tres naves más dos de capillas entre los contrafuertes, la nave del crucero no sobresale de las laterales, girola con nueve capillas radiales poligonales, nave central muy ancha, destaca por representar sus torres los clavos de la Santa Cruz, dos en el crucero y otra a los pies.
    • Catedral de Barcelona
    • Catedral de Barcelona
    • Santa María del Mar
    • Santa María del Mar
    • Santa María del Mar
    • Santa María del Mar
    • Santa María del Mar
    • Santa María del Mar Es la iglesia más lógica y armoniosa del Gótico de su época, de tres naves con girola destaca por sus pilares muy finos y esbeltos.
    • Santa María del Mar
    • Santa María del Mar
    • Catedral de Gerona Muy original, la cabecera hasta el crucero es normal de tres naves con girola, pero se continúa en una única de una gran anchura hasta los pies, ya en el siglo XV.
    • Catedrales de Barcelona y Gerona
    • Catedral de Palma de Mallorca
    • Catedral de Palma de Mallorca De enormes proporciones en el que predominan las líneas verticales por la abundancia de contrafuertes y su escasa separación, es la segunda más alta de Europa y una de las más anchas también, de tres naves con capillas entre los estribos.
    • Catedral de Palma de Mallorca
    • Castillo de Bellver
    • Lonja de Valencia
    • Lonja de Valencia En ella se recogió el Consulado del Mar, institución de derecho marítimo, y la Taula de Cambis. Se trata de un edificio que marcó la primacía valenciana entre las ciudades españolas ribereñas del mediterráneo, con una inusitada actividad comercial. Es particularmente atractiva la sala principal con sus columnas helicoidales y su magnífica bóveda. En el ala izquierda está el Salón del Consulado del Mar, con magnífico artesonado.
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  Durante el siglo XV, Castilla recuperó la primacía, al quedar la Corona de Aragón muy debilitada tras la crisis del siglo XIV. En la primera mitad del siglo se construyó la mayor iglesia de España, la catedral de Sevilla, de cinco naves, en el solar de la Mezquita mayor almohade. La cabecera es renacentista.
    • Catedral de Sevilla
    • Catedral de Sevilla Uno de los templos más grandes de España, de planta rectangular, por tanto con cabecera plana, con crucero que no sobresale, de cinco naves, las cuatro extremas de igual altura, capillas laterales y bóvedas estrelladas como características más destacables. No tiene torres, sino que se aprovecha el alminar de la mezquita almohade que existía con anterioridad en el lugar, la Giralda.
    • Catedral de Sevilla Conquistada la ciudad en 1248, la mezquita almohade se purificó y se dedicó al culto cristiano, cambiando la orientación N-S a E-O y dividiendo el templo en dos sectores: el oriental se dedicó a capilla real y el resto a catedral. Así permaneció hasta que en 1375, tras varios terremotos, el Arzobispo Fernando de Albornoz decidió restaurarlo, pero era tal el deterioro que presentaba que, por Acuerdo Capitular de 1401, se decidió derribar la vieja construcción y levantar un nuevo templo: “Fagamos una iglesia tal e tan grande que no haya otra e su igual e que los del porvenir nos tengan por locos”.
    • Catedral de Sevilla
    • Catedral de Sevilla
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  En la Segunda mitad del siglo se impuso el gótico flamígero, al que en España se denomina estilo Hispano flamenco o Reyes Católicos. La exuberancia decorativa recuerda el horror vacui de la tradición musulmana. El inventario de motivos es inagotable: elementos heráldicos como el águila de San Juan, escudos, reyes de armas, yugos y flechas; estatuas adosadas, bolas, conchas, puntas de diamante, cadenas... En todo el edificio la decoración es abundante, pero se concentra sobre todo en las fachadas, decoradas como si fueran retablos. Hay dos focos principales, uno en Burgos y otro en Toledo.
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  En Burgos trabajó el alemán Simón de Colonia autor de la cartuja de Miraflores y de la capilla del Condestable, en la catedral; la espléndida bóveda estrellada de esta capilla impacta por su plementería calada y sus nervios cairelados. Relacionado con el foco burgalés está el colegio de San Gregorio de Valladolid.
    • Cartuja de Miraflores
    • Capilla del Condestable de la Catedral de Burgos Es la obra maestra de Juan de Colonia, comenzada a finales de siglo, se caracteriza por ser de planta octogonal y por su suntuosidad decorativa, con tracería flamígera, escudos y bóveda estrellada.
    • Colegio de San Gregorio de Valladolid
    • Flechas de la Catedral de Burgos Estas exageradas agujas o chapiteles calados son la mejor obra conservada del Gótico flamígero.
    • Casa de las Conchas
    • Casa de las Conchas
    • Casa de las Conchas
    • 2.5. Arquitectura gótica en España  El principal maestro del foco de Toledo fue el flamenco Juan Guás que fusionó las formas flamencas flamígeras con la tradición islámica (arcos mixtilíneos, por ejemplo). Su obra más suntuosa es San Juan de los Reyes, hecha con el mecenazgo de la reina Isabel. El piso superior del claustro tiene arcos mixtilíneos y la iglesia, de una sola nave, lleva la cabecera cuajada de decoración. También fue obra de Guas el castillo de Manzanares el Real. Enrique Egas diseñó el hospital de Santa Cruz de Toledo, importando un modelo rectangular con cuatro patios y capilla en el centro, de origen flamenco, que se impuso en España.
    • San Juan de los Reyes de Toledo
    • San Juan de los Reyes de Toledo De Juan Guas, el más perfecto representante del Gótico isabelino, de nave única y muy ancha, cubierta con bóvedas complicadas de crucería estrellada, con abundante decoración heráldica, a base de monumentales escudos, imágenes exentas y temas epigráficos y vegetales. Importante también es su claustro, con amplios arcos divididos por un finísimo mainel y decorados con tracería flamígera.
    • San Juan de los Reyes de Toledo, claustro
    • San Juan de los Reyes de Toledo, claustro
    • Castillo de Manzanares el Real (Madrid)
    • Palacio del Duque del Infantado de Guadalajara
    • Palacio del Duque del Infantado de Guadalajara Caracterizado por su galería flamígera superior, sobre cornisa de mocárabes, de ascendencia árabe, y la decoración de puntas de diamante del muro, que es ya renacentista.
    • Catedral de Salamanca Obra muy tardía, de principios del XVI, comenzada por Juan Gil de Hontañón y continuada por otros maestros, como su hijo Rodrigo, es de planta rectangular, de tres naves y capillas laterales, con bóvedas estrelladas muy complejas y recargadas con multitud de nervios, que continúan en forma de finos baquetones a lo largo de los pilares, con portadas muy recargadas según el gusto del Gótico flamígero, igual que la decoración interna, con galerías de tracería gótica, escudos, medallones, etc.
    • Catedral de Salamanca
    • Catedral de Segovia Comenzada a principios de siglo también según planos de Juan Gil de Hontañón, de tres naves más dos de capillas, crucero que no sobresale y bóvedas de un recargamiento excesivo con multitud de nervios ornamentales; la cabecera, con girola con capillas radiales poligonales según modelos góticos fue realizada en la segunda mitad del XVI por Rodrigo Gil de Hontañón, cuando ya se había extendido por España el Plateresco.
    • 3. ESCULTURA GÓTICA  Con el renacer de las ciudades, la aparición de la mentalidad burguesa, la difusión de la cultura en las universidades y el desarrollo del pensamiento escolástico, se planteó la búsqueda de una religiosidad más humana que vemos reflejada en la escultura tanto en su aspecto formal como iconográfico. En esta línea es destacable la influencia de escritores religiosos como San Bernardo (en sus Sermones habla de que el mundo no es un lugar de pecado sino la obra bella de Dios), San Francisco de Asís (recomienda el acercamiento del hombre a la naturaleza) y de San Buenaventura (destaca el valor de los sentimientos).
    • 3.1. Características de la escultura  La temática que más se repite es la religiosa. Aunque se siguen representando los temas del arte románico, hay preferencia por motivos nuevos como los evangélicos, los marianos (de la Virgen María) y los hagiográficos (vidas de santos), es decir, aquellos que permiten acercarse a los valores humanos. Las fuentes de inspiración iconográfica son, además de la Biblia, los Evangelios apócrifos y la Leyenda Dorada de Santiago de Vorágine (una colección de vidas de santos y de leyendas piadosas).
    • 3.1. Características de la escultura  Podemos resumir las características estilísticas en que se busca la expresividad a través del naturalismo. Este naturalismo se manifiesta en aspectos como:  Las figuras adquieren volumen y corporeidad, independientes del marco. Sus proporciones varían de modo que unas veces son figuras estilizadas y otras monumentales y plásticas.  Los pliegues de los ropajes muchas veces se adaptan a la anatomía corporal con aire clásico, otras se acartonan en busca de plasticidad, o bien se acumulan movidos a los pies de las figuras.  Los rostros se individualizan y se tornan expresivos. Se vuelve a representar los sentimientos de tristeza, alegría, dolor, ternura…  Las posturas adquieren naturalidad, usándose el contraposto.
    • Planteamiento general INSPIRACIÓN EN LAS APROXIMACIÓN A LA FORMAS SENSIBLES BELLEZA FÍSICA DE LA NATURALEZA, DESDE LA QUE SON COMPRENSIBLES DIMENSIÓN ESPIRITUAL PARA TODOS. DE SU ICONOGRAFÍA PLANTEAMIENTO DE NUEVOS PROBLEMAS: LA REPRESENTACIÓN DEL ESPACIO, LA VOLUMETRÍA DE LAS FIGURAS (SU ANATOMÍA) Y LA RELACIÓN ENTRE EL COLOR Y LA LUZ.
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  Imágenes de devoción. Predominan las imágenes de Cristo crucificado y de la Virgen con el Niño. En el primero se acentúa la expresión dramática y las manifestaciones de dolor: va coronado de espinas, tiene tres clavos y lleva un pequeño paño de pureza; el cuerpo aparece arqueado por el peso y el dolor. La Virgen tiene aspecto y gestos maternales. Sonríe y mira tiernamente al Niño o juega con Él. Si está de pie su cuerpo se arquea en contraposto por el peso de su hijo. A partir del siglo XIV, las figuras se hacen más dramáticas y aparece el tema de la Piedad. Entre los ejemplos destacados es imprescindible referirse al Calvario que Klaus Sluter hizo para la Cartuja de Dijon; se ha perdido la imagen del Crucificado pero se conserva el magistral Pozo de Moisés, que le servía de basamento: va decorado con las figuras de los cuatro profetas mayores, en un estilo monumental que anticipa a Miguel Ángel. La Virgen Blanca de la Catedral de Toledo es uno de los ejemplos más hermosos de tema mariano.
    • El tema de Cristo  Temas de la vida de Cristo. Se prefieren escenas de la Pasión, especialmente Cristo crucificado. Se le representa con la corona de espinas, el paño de pureza (con pliegues), un único clavo en ambos pies que ya están juntos, abundantes heridas (destaca la del costado) Se destaca el peso del cuerpo de Cristo que va desnudo. Nos da imagen de dolor. Se suele disponer, preferentemente, en el tímpano y en el parteluz.
    • La Virgen con el Niño  Temas marianos o escenas de la Virgen. Aunque en el románico tardío, la Virgen María comienza a ser muy representada, es en el gótico donde adquiere pleno protagonismo. La Virgen se esculpe sobre todo con el Niño. Se la representa como madre, bella, idealizada. Muestra una gran humanización.
    • La Virgen con el Niño
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  Escultura monumental. Aparece sobre todo en los portales de las fachadas, aunque la encontramos en otras muchas partes del edificio como en las torres, los pináculos, los pilares, las gárgolas, etc. La ubicación de la escultura en las portadas mantiene básicamente la distribución románica, con algunas modificaciones como, por ejemplo, que las figuras de las arquivoltas se disponen siguiendo la dirección de la rosca, que las esculturas van sobre ménsula y bajo dosel, y que el tímpano se divide en registros (en el siglo XIII en tres, en el XIV en cinco y en el XV se tiende a la escena única):
    • La portada gótica
    • La portada gótica  En el tímpano de las portadas aparece en tema central. Heredero del mundo románico es muy frecuente el Pantocrátor (Maiestas Domini o Cristo en Majestad) y el Tetramorfos.  También se esculpe a Cristo como Juez enseñando las llagas o la Muerte de la Virgen.  Como en el románico, la escena principal suele completarse en las arquivoltas con los veinticuatro Ancianos del Apocalipsis y el Grupo Apostólico.
    • La portada gótica  El habitual parteluz de las puertas góticas suele ser ocupado por una "figura amable" que da la bienvenida al feligrés, como Cristo Maestro o La Virgen en Majestad. Se simboliza la entrada al paraíso y por ello es una entrada amable.  Como en el románico, estas fachadas pueden incorporar elementos profanos pero ocupando lugares secundarios.
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  Siglo XIII. La región de París, fue el primer hogar de la escultura gótica, del que irradió a otras regiones de Francia y a los demás países europeos. Las cuatro grandes catedrales francesas de París, Chartres, Amiens y Reims tienen excelentes portadas, varias de ellas dedicadas a la Virgen.
    • Pórtico Real de la Catedral de Chartes
    • Pórtico Real de la Catedral de Chartes En el Pórtico Real de la fachada occidental encontramos la transición entre el Románico y el Gótico, como se puede apreciar por la mezcla de las características de ambos estilos.
    • Portada del Crucero en Chartres, el Juicio Final
    • Portada del Crucero, el Juicio Final En una de las portadas del crucero se representa el Juicio Final, con las jambas decoradas con altorrelieves de santos y apóstoles, de gran belleza. Al lado opuesto del crucero se representan distintas escenas de la vida de la Virgen (Tránsito, Asunción y Coronación).
    • Catedral de Notre-Dame de París, Juicio Final
    • Catedral de Notre-Dame de París, Dormición de la Virgen
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  En Amiens la imagen más importante es el Beau Dieu, situado en la fachada principal, una figura todavía rígida, pero llena de majestad y clasicismo. En la portada de la Virgen Dorada, de finales del siglo, la estilizada figura de María del parteluz, sonríe al Niño con dulzura.
    • Fachada principal de la Catedral de Amiens
    • Fachada principal de la Catedral de Amiens, tímpano
    • Fachada principal de la Catedral de Amiens
    • Fachada principal de la Catedral de Amiens
    • Fachada principal de la Catedral de Amiens
    • Portada de la Virgen Dorada en Amiens
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  La catedral de Reims conserva un excelente conjunto escultórico debido a varios maestros. Las esculturas más interesantes son el grupo de la Anunciación, perteneciente al llamado Maestro del ángel de la sonrisa. Otro maestro destacado es el de las figuras antiguas, que se inspira en la escultura clásica y el autor de la Visitación, en que la acusada diferencia de edad entre la Virgen María y su prima Isabel pone de manifiesto el humanismo gótico.
    • Portada de Reims
    • Portada de Reims, La Anunciación y La Visitación de Reims En este templo trabajó el que se ha denominado "Maestro de la Sonrisa" pues esculpió a sus personajes con una marcada tendencia a lo amable, a la bondad. En Reims cabe resaltar La Anunciación y La Visitación de las jambas, del mismo autor y de gran naturalismo.
    • La Anunciación y La Visitación de Reims
    • La Anunciación y La Visitación de Reims
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  Alemania destaca por su tendencia expresionista, en obras como el tímpano de la portada del Juicio Final de la catedral de Bamberg. La catedral de Estrasburgo (ciudad que formaba parte del Sacro Imperio alemán) tiene una escultura más parecida a la francesa, como vemos en la Sinagoga, una grácil figura con revoloteo de pliegues en la parte inferior, obra de la escultora Sabina von Steinbach.
    • Portada del Juicio Final de la Catedral de Bamberg
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  Durante el siglo XIII hay en Castilla dos centros destacados, Burgos y León. En la catedral de Burgos se conservan las dos portadas del transepto y otra que da al claustro. La más importante es la del Sarmental, cuyo tema (Cristo y Tetramorfos) es románico, aunque las figuras de los evangelistas que están escribiendo en sus pupitres son naturalistas. Entre las esculturas del claustro son especialmente hermosas las de Alfonso X el Sabio y su esposa.
    • Puerta del Sarmental de la Catedral de Burgos
    • Puerta del Sarmental de la Catedral de Burgos
    • Puerta del Sarmental de la Catedral de Burgos Está en el brazo derecho o sur del transepto, es una portada típica gótica, aunque no termina de desprenderse completamente del hieratismo románico. En el tímpano se esculpe a Cristo- Doctor dictando su palabra a los cuatro Evangelistas, acompañados por el Tetramorfos simbólico, más naturalista. En el dintel aparece el Apostolado y en las arquivoltas ángeles y ancianos músicos. En el parteluz, aparece el Obispo Don Mauricio.
    • Puerta de la Coronería de la Catedral de Burgos Ubicada en el lado norte del transepto, muestra en sus jambas a los Apóstoles, muy naturalistas, ángeles en las arquivoltas y en el tímpano el Juicio Final. En la parte superior del tímpano figuran las insignias de la Pasión sostenidas por ángeles y Cristo Juez, acompañado de la Virgen y San Juan.
    • Puerta de la Coronería de la Catedral de Burgos
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  Los maestros de León funden la tradición y la novedad. La portada del Juicio Final, en la fachada principal de la catedral, es la obra maestra: el relieve del dintel, en el que aparecen justos y pecadores, destaca por el virtuosismo y minuciosidad; por su parte la Virgen Blanca del parteluz, considerada la mejor escultura castellana de la época, es muy clásica.
    • Puerta del Juicio Final de la Catedral de León
    • Puerta del Juicio Final de la Catedral de León La Puerta del Juicio Final o de la Virgen Blanca, ya de la segunda mitad del siglo, es la central de la fachada occidental: en la parte superior del tímpano, en la que se hace patente un cierto manierismo técnico, aparece Cristo mostrando las llagas y un ángel portando los instrumentos de la pasión; y en el dintel, la parte más hermosa, figura la separación de los bienaventurados y los condenados después que San Miguel pese las almas.
    • Nuestra Señora la Blanca de la Catedral de León
    • Puerta del Juicio Final de la Catedral de León Es una típica Virgen gótica plena de belleza, alegría, armonía, humanización y naturalismo.
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  En el siglo XIV se decora la catedral de Toledo, con un programa en el que la Virgen tiene la absoluta primacía: la portada más importante es la puerta del Reloj. También merece citarse la puerta Preciosa del claustro de la catedral de Pamplona.
    • Puerta del Reloj de la Catedral de Toledo De finales del siglo XIII es la lateral izquierda, la del transepto norte, es la única obra significativa del XIII de la Catedral de Toledo. Sus arquivoltas aparecen repletas de prelados y ángeles con libros, incensarios y candelas bajo doseletes. En su tímpano se desarrollan, en cuatro registros o franjas horizontales, diversas escenas del Nuevo Testamento con abundancia de detalles narrativos. Su ciclo iconográfico comprende la Anunciación, la Natividad, la Adoración de los Reyes, la Degollación de los Inocentes, la Huida a Egipto, la Circuncisión, Jesús entre los doctores, la Presentación, el Bautismo, las Bodas de Caná y, en el vértice, el Tránsito de la Virgen.
    • Puerta del Reloj de la Catedral de Toledo
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  Los sepulcros pueden ser exentos o adosados bajo arcosolio. Los exentos llevan sobre la tapa la imagen yacente del difunto, como en un lecho; si es un sepulcro matrimonial aparecen ambos cónyuges. Los personajes están representados con los ojos abiertos o dormidos, vestidos con ropas ceremoniales de su rango y con un animal acostado a sus pies, un perro, si es la tumba de una mujer, un el león si es la de un hombre. Los frentes del sepulcro se decoran con escudos heráldicos y con otros motivos figurativos: en el siglo XIII se prefiere representar el cortejo fúnebre; a finales del XIII y en el XIV son frecuentes las figuras de santos; desde final del siglo XIV se pusieron de moda los plañideros encapuchados.
    • Los sepulcros  Otra manifestación escultórica importante es el de los sepulcros esculpidos que pueden ser de dos tipos:  Adosados: de arcossolio.  Exentos: la cama funeraria está separada del muro.  Se decoran los lados de la cama funeraria, y ésta se apoya en figuras animales. Sobre la cama funeraria ser suele representar al fallecido en posición yaciente y orante. Se realizan por encargo de burgueses, reyes y nobles. Se suelen encontrar en las capillas.
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  Uno de los mejores sepulcros del siglo XIII es el del Infante Don Felipe en Villalcázar de Sirga, perteneciente a la escuela burgalesa, la más importante de Europa. Del siglo XIV es el del duque de Borgoña Felipe el Atrevido, en Dijon, hecho por Klaus Sluter, el escultor de la corte borgoñona, que puso de moda el tema de los encapuchados. La obra maestra del siglo XV en España es el de los reyes Juan II y su esposa en la Cartuja de Miraflores, de Gil de Siloé.
    • Sepulcro del Infante Don Felipe
    • Sepulcro de Felipe el Atrevido
    • Tumba de Philippe Pot
    • Sepulcro de Juan II y su Esposa Isabel de Portugal
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  También es obra de Siloé uno de los mejores sepulcros de arcosolio. En éstos el difunto puede aparecer yacente pero también arrodillado, en actitud orante, o recostado. Orando de rodillas sobre un reclinatorio está el Infante Don Alfonso, obra de Siloé, en la Cartuja de Miraflores, mientras el Doncel de Sigüenza, de Sebastián de Almonacid, aparece recostado leyendo.
    • Sepulcro del Infante Don Alfonso
    • Sepulcro del Doncel de Sigüenza
    • Sepulcro del Doncel de Sigüenza Representa al caballero Martín Vázquez de Arce, muy original porque no representa al difunto yaciente u orante, sino en actitud naturalista, leyendo ligeramente incorporado, vestido con armadura de la Orden de Santiago, embutido en un gran nicho del muro bajo un arco.
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  Los retablos son conjuntos de tableros de madera ensamblados, decorados con esculturas o pinturas, que se colocan detrás del altar. Aunque surgieron en el siglo XIV, la época de auge del retablo gótico fue el siglo XV, en especial en los Países Bajos, Alemania y España. La escultura de los retablos se talla en bulto redondo o en relieve y se dora, es decir, se recubre con pan de oro. El más grandioso y monumental de los retablos españoles de este periodo es el de la catedral de Toledo, obra de varios maestros. Mucho menor es el tríptico de Covarrubias, que representa la Epifanía. Gil de Siloé hizo el de la cartuja de Miraflores.
    • Retablo Mayor de la Catedral de Toledo El Retablo Mayor de la Catedral de Toledo, en la que intervinieron los principales escultores y pintores de la época, asentado sobre un banco con cinco relieves consta de cinco calles, siendo la central también más ancha, decoradas con escenas de la vida de Cristo y de la Virgen; es una de las obras más importantes del siglo XV, ya de transición al Renacimiento en alguno de sus compartimentos, como los atribuidos al borgoñón Felipe Bigarny.
    • Retablo Mayor de la Cartuja de Miraflores Obra en la que los efectos de riqueza y barroquismo alcanzan límites insospechados y en la que Gil de Siloé sustituye el típico retablo dividido en cuerpos y calles por una original organización a base de círculos presidida por el Calvario y cuatro escenas de la Pasión de Cristo.
    • 3.2. Modalidades y ejemplos  En el Gótico encontramos otras modalidades escultóricas:  Las sillerías son conjuntos de sitiales para el coro, tallados generalmente en madera y decorados con relieves en los respaldos, brazos, doseles y misericordias. El maestro Rodrigo Alemán, a finales del siglo XV, es el autor de la sillería baja de la catedral de Toledo, que decoró con temas de la recién terminada guerra de Granada.  Las puertas monumentales eran de bronce fundido. Las más destacadas se hicieron en Italia, como las del baptisterio de la catedral de Florencia, de Andrea Pisano.
    • Las sillerías de coro  También se decoran las sillerías de coro (madera de nogal) con relieves. También los púlpitos (planta poligonal).
    • Sillería Baja del Coro de la Catedral de Toledo
    • Primeras Puertas del Baptisterio de Florencia, de Andrea Pisano
    • 4. PINTURA GÓTICA  Debido a la estructura del templo gótico, que presenta escasas superficies para la pintura mural, se desarrollaron nuevos campos pictóricos en retablos, trípticos, vidrieras, tapices, miniaturas, etc. La pintura de los siglos del Gótico no es homogénea estilísticamente, sino diversa y multiforme; se presenta como un arte en evolución cronológica y con diferencias regionales. Por ello es más correcto que hablar de pintura gótica, referirse a las escuelas pictóricas de la época del Gótico.
    • 4.1. Características  Técnica y soportes. Para la tabla, que es el soporte más utilizado, se utiliza la técnica del temple. La pintura mural emplea el fresco seco sobre el muro enfoscado pero tuvo poca importancia salvo en Italia y en las regiones mediterráneas de la Corona de Aragón. Desde Flandes, en el siglo XV, se difundió el óleo sobre tabla.
    • 4.1. Características  Rasgos de estilo. No hay un estilo definido, sino que evoluciona desde una pintura puramente lineal, que imita la vidriera, falta de espacio (muchas veces con fondos dorados) y de colores planos y puros, hasta adquirir la sensación de corporeidad y de volumen mediante la matización cromática y la gradación de la luz y la sombra. Asimismo se inicia la búsqueda del espacio pictórico con formas de perspectiva rudimentarias, pero progresivamente más correctas.
    • 4.1. Características  Se representan los mismos temas de la escultura, es decir, los evangélicos, los marianos y los hagiográficos, enfocados de forma narrativa. Para resaltar los valores humanos, escenas y figuras buscan el naturalismo e intentan expresar sentimientos y emociones, aunque muchas veces pecan de ingenuidad.
    • 4.2. Pintura ítalo-gótica o del Trecento (siglo XIV)  Italia, una de las regiones más prósperas de la Europa bajomedieval, fue la cuna, en el siglo XIV, de una importante actividad pictórica, mural y sobre tabla, trascendental para la evolución del arte occidental. A estos maestros se les ha denominado primitivos, por iniciar una tradición pictórica que desembocó en el Renacimiento Su rasgo más característico es el acercamiento directo a la realidad, quizás por influencia de la religiosidad franciscana. Forman dos escuelas, una en Florencia y otra en Siena.
    • 4.2. Pintura ítalo-gótica o del Trecento (siglo XIV)  La Escuela de Florencia fue iniciada, a finales del siglo XIII, por Cimabue (Madonna entronizada, Uffizi), un pintor de estilo aún muy bizantino, maestro de Giotto.
    • Madonna entronizada, de Cimabue
    • 4.2. Pintura ítalo-gótica o del Trecento (siglo XIV)  Giotto ha sido valorado como el padre de la pintura moderna por sus aportaciones a la plasticidad pictórica. Conocemos de su vida lo que nos cuenta Vasari, que lo presenta como el primer pintor con prestigio social y bien pagado, considerado un renovador por sus contemporáneos. Las figuras que pinta Giotto son sólidas y monumentales, de apariencia pesada. Solía colocar personajes en primer plano, vueltos de espaldas, para que destaque su masa corpórea y sirvan de referencia espacial. Intensifica los sentimientos en un afán de resaltar la humanidad de los personajes: para ello confiere dramatismo al ambiente y busca la unidad psicológica mediante gestos teatrales. Ambienta las escenas en marcos reales con paisajes o ámbitos urbanos pero estereotipados como si se tratara de un decorado teatral. La luz actúa con una doble función, plástica para acentuar la sensación de espacio, y expresiva para dar unidad a las composiciones.
    • Giotto El pasado clásico: el estímulo constante de la CULTURA CLÁSICA en Italia El contexto: la expansión La tradición: es urbana, económica y discípulo de CIMABUE cultural de FLORENCIA (tradición bizantina) La burguesía: un nuevo GIOTTO cliente de mentalidad más abierta. El reto del artista: el problema de la REPRESENTACIÓN DEL MUNDO VISIBLE
    • 4.2. Pintura ítalo-gótica o del Trecento (siglo XIV)  A Giotto pertenecen la Madonna entronizada de los Uffizi y el Crucificado de Santa María Novella, ambos en tabla, y las pinturas murales de Asís, sobre la vida de San Francisco. Su obra maestra son los frescos de la capilla Scrovegni, en la Arena de Padua, con escenas tan conocidas como Abrazo ante la Puerta Dorada, Llanto sobre Cristo Muerto y el Prendimiento.
    • Virgen en el Trono, de Giotto El retablo para la iglesia florentina de Ognissanti evidencia un alejamiento de la representación tradicional de la Virgen en majestad. El trono está plasmado como marco arquitectónico y el ropaje de la Virgen no simboliza ya lo celestial, puesto que su belleza y valor le aportan un toque humano. No obstante, la exagerada dimensión e la figura humana la presenta como una fuerza superior reinante.
    • Iglesia de San Francisco de Asís
    • Iglesia San Francisco de Asís, San Francisco bendice a los pájaros, de Giotto Los frescos sobre la vida de San Francisco son plenamente naturalistas, las figuras cobran volumen y las escenas con pasajes de la vida del santo perspectiva, disponiéndose en profundidad en diversos planos en un marco paisajístico y arquitectónico. “Camino de Bevagna, el Beato Francisco predicó a los pájaros, y‚ éstos exultantes, extendían los cuellos abrían los picos y le picoteaban la túnica; y mientras lo veían, los compañeros le esperaban en el camino”.
    • Iglesia San Francisco de Asís, Éxtasis de San Francisco, de Giotto Los frescos sobre la vida de San Francisco son plenamente naturalistas, las figuras cobran volumen y las escenas con pasajes de la vida del santo perspectiva, disponiéndose en profundidad en diversos planos en un marco paisajístico y arquitectónico.
    • Iglesia San Francisco de Asís, San Francisco recibiendo el manto, de Giotto Los frescos sobre la vida de San Francisco son plenamente naturalistas, las figuras cobran volumen y las escenas con pasajes de la vida del santo perspectiva, disponiéndose en profundidad en diversos planos en un marco paisajístico y arquitectónico.
    • Iglesia de San Francisco de Asís, Expulsión de los diablos de Arezzo, de Giotto Este fresco forma parte del ciclo de 28 escenas sobre la Vida de San Francisco. Durante la guerra civil en Arezzo, el santo vio demonios sobre la ciudad y pidió al hermano franciscano Silvestre que los expulsara. Gracias a su oración perseverante y confiada obtuvo la fuerza necesaria para conseguirlo. La obra de Giotto se caracteriza por una representación muy expresiva de los sentimientos y del lugar.
    • Frescos de la Capilla de los Scrovegni de Padua Dedicados a Jesucristo, la Virgen y San Joaquín y Santa Ana; más perfectos son considerados como el máximo exponente de la madurez artística de Giotto, que ya ha encontrado su auténtico estilo.
    • Frescos de la Capilla de los Scrovegni de Padua
    • Frescos de la Capilla de los Scrovegni de Padua
    • Frescos de la Capilla de los Scrovegni de Padua
    • Frescos de la Capilla de los Scrovegni de Padua, Huída a Egipto, de Giotto Estudio de la luz (efectos de claroscuro a través de variaciones Escorzos cromáticas) Mayor interés por Figuras sólidas y las figuras que por pesadas los paisajes Aumento de expresividad, aunque rostros aún se parecen mucho entre ellos
    • Frescos de la Capilla de los Scrovegni de Padua, El beso de Judas, de Giotto
    • Frescos de la Capilla de los Scrovegni de Padua, Lamentación sobre Cristo Muerto Las narraciones de Giotto se caracterizan por la suavidad del movimiento. En esta escena utiliza además la posibilidad amplificadora de los distintos sentimientos expresados: desde el recogimiento en sí mismas de las mujeres del primer plano, hasta la excitación extrema de Juan. Incluso el paisaje desierto con el árbol muerto se acomoda al sentimiento de las apenadas figuras, cuya ordenación en el espacio se estructura en tres niveles.
    • 4.2. Pintura ítalo-gótica o del Trecento (siglo XIV)  Escuela de Siena. Mientras Florencia se encaminaba hacia el Renacimiento a través de los hallazgos de Giotto, Siena permaneció más ligada al Gótico. Se mantuvo viva la tradición bizantina y predominó una concepción lineal a base de un dibujo caligráfico y sinuoso, que se detiene en el detalle y en lo anecdótico. Los pintores de Siena buscan lo delicado y lo agradable a través de la estilización, de la expresión soñadora y del colorido preciosista. La plasticidad queda en un segundo plano.
    • 4.2. Pintura ítalo-gótica o del Trecento (siglo XIV)  El creador de la escuela fue Duccio, autor de la Maestá de la catedral de Siena, pero el principal representante es Simone Martini. En la Anunciación, del museo florentino de los Uffici, podemos admirar su estilo de suaves líneas onduladas con el que crea personajes esbeltos, de rostros ovalados, boca pequeña y ojos oblicuos.
    • Gran Maestà, de Duccio Gran retablo pintado por ambas caras, la parte frontal muestra a la Virgen entronizada y rodeada de un gran número de ángeles, santos y apóstoles, levemente naturalistas.
    • Madonna Rucellai, de Duccio Se trata de un retablo que muestra a la Virgen sentada en el trono con el Niño Jesús, con un fondo de oro de tradición bizantina y flanqueada por ángeles de rodillas.
    • 4.2. Pintura ítalo-gótica o del Trecento (siglo XIV)  Los hermanos Lorenzetti mezclan las características sienesas con la influencia florentina en obras como los frescos alegóricos del Buen y Mal Gobierno, en el Palacio público de Siena.
    • Alegoría del Buen Gobierno, de los H.H. Lorenzetti
    • Alegoría del Mal Gobierno , de los H.H. Lorenzetti
    • 4.2. Pintura ítalo-gótica o del Trecento (siglo XIV)  España recibió la influencia de ambas escuelas italianas. En el Museo del Prado está el retablo del arzobispo Sancho de Rojas, anónimo, de tradición florentina. Pero fue más importante el influjo de los pintores de Siena, que se manifiesta sobre todo en la Corona de Aragón, en obras como el retablo de Tobed, de los Hermanos Serra.
    • Retablo del arzobispo Sancho de Rojas
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Se les denomina primitivos, como a los italianos, por ser los creadores de una de las tradiciones pictóricas de mayor brillantez en la historia de la pintura europea. La pintura flamenca nació, como un arte urbano y burgués, en las ricas ciudades de los Países Bajos, en Brujas, Amberes, Gante, Ypres, Bruselas. La prosperidad económica de esta región se debía a una boyante agricultura, una floreciente industria de paños y un activo comercio internacional. El territorio estaba gobernado por los duques de Borgoña. La Iglesia, los propios duques y sobre todo la emergente burguesía eran los mecenas de la pintura flamenca.
    • El contexto En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes y sus cercanías (Brujas, Gante,Yprés, Tournai) se convierten en sedes de una importante escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento o, al menos, uno de sus más claros precedentes. Tiene sus orígenes en el gótico internacional y su mayor aportación al arte europeo será su progresiva captación de la realidad, que se inspira en la escultura y que se verá favorecida por la nueva clientela: la burguesía (mercaderes, fabricantes, banqueros).
    • El contexto En esta sociedad burguesa, lo práctico se valora cada vez más, incluso la religión adquiere un sentido pragmático. Por eso estamos en un período realista. A partir de 1420, la idea de que el espíritu divino se encarna en cada una de las pequeñas cosas (Tomás Kempis: Imitación de Cristo), hace que la representación de éstas adquiera una gran importancia, por lo que la realidad sensible y tangible adquiere un gran valor. Los objetos dejan de ser elementos secundarios para convertirse en protagonistas. La temática ya no es exclusivamente religiosa; el retrato, los cuadros de grupo, el ambiente costumbrista, coexisten con ella.
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Características del estilo  El soporte que utilizan es la tabla, cuidadosamente seleccionada, curada durante años y con imprimación de blanco de plomo.
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Características del estilo  La técnica es el óleo, en el que aglutinan los pigmentos con aceite de linaza o de nuez, a los que añaden un secativo. Su aplicación permite trabajar lenta y cuidadosamente y superponer los colores mediante veladuras. Para terminar el cuadro aplican un barniz protector. Consiguen obras de intensa brillantez y acabado perfecto como si fueran de esmalte.
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Características del estilo  El colorido es de gran riqueza, con tonos vivos de infinitos matices, luminosos y translúcidos.
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Características del estilo  Prefieren la temática religiosa, pero la novedad estriba en su tratamiento. Influidos por los gustos burgueses, afrontan los temas con un realismo directo y ambientan sus escenas como interiores de viviendas de la época. La temática religiosa suele ir acompañada de un marcado simbolismo que dificulta la interpretación de la obra. También pintan retratos y paisajes.
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Características del estilo  La búsqueda de la realidad se manifiesta en el detallismo y en el interés por la tercera dimensión. El primoroso dibujo define las formas y los objetos con gran minuciosidad, captando cada detalle como en una miniatura. Las figuras tienen apariencia monumental ya que los abundantes pliegues de las vestiduras son acartonados, de acuerdo con la tradición escultórica de Klaus Sluter. Utilizan con mimo la luz para degradar los tonos y dar volumen a las figuras. Con el dibujo, la luz y el color consiguen una excepcional captación de las calidades táctiles de los objetos: paños, cristal, metales, joyas.
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Características del estilo  El espacio gana profundidad mediante el empleo de líneas de fuga, aunque no emplean perspectiva científica sino intuitiva. Para fingir la sensación espacial usan también otros procedimientos como el efectismo de los espejos cóncavos o la asociación de dos espacios sucesivos (el interior se abre hacia un paisaje exterior profundo).
    • Características del estilo flamenco La gran innovación técnica fue la invención y generalización de la pintura al óleo (aceite de linaza como aglutinante de los colores), que permitía realizar superficies muy lisas, haciendo que los cuadros ganasen en riqueza cromática, brillantez, luminosidad y transparencia (veladuras: superposición de diferentes capas de color). La técnica, además, permitía al artista trabajar de forma lenta y minuciosa, dando como resultado una obra de gran virtuosismo técnico. Desarrollo de la pintura sobre tabla, generalmente en pequeño formato, aunque también sobresalen algunos trípticos de gran tamaño. Jan van Eyck, Madonna entronizada (c. 1436). Óleo sobre tabla, 65,5 x 49,5 cm. Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt
    • Características del estilo flamenco Introducción del retrato, a través de la imagen del donante. Jan van Eyck, La Virgen con el canónigo van der Paele (1436) Óleo sobre tabla, 122 x 157 cm. Groeninge Museum, Brujas
    • Características del estilo flamenco Minuciosidad y gusto por el detalle (gracias a las posibilidades técnicas del óleo). Las obras se conciben para ser contempladas de cerca; por eso, se recrea detalles que, en ocasiones, casi resultan imperceptibles para el ojo humano.
    • Características del estilo flamenco Valoración de la luz. La luz ya no es caprichosa. Cada objeto tiene ahora su propia y definida sombra; cada habitación su encuadre lumínico; cada paisaje, su tonalidad segura; cada elemento, su calidad reproducción exacta. Interés por la de los objetos de la vida cotidiana, como las escenas burguesas en interiores, con muebles, cuadros y diversos objetos. Los objetos representados están dotados, en muchas ocasiones, de un significado simbólico. Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas. Jan van Eyck, Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (1434). Óleo sobre tabla, 82 x 60 cm National Gallery, Londres
    • Características del estilo flamenco Naturalismo y realismo. Un enfoque cercano lleva a los pintores a una representación veraz de la realidad, captando todos los detalles. Creación de un espacio pictórico, como consecuencia del realismo y el naturalismo con que se realizan las obras. Jan van Eyck, La Virgen del Canciller Rolin (1435) Tabla, 66 x 62 cm. Musée du Louvre, París
    • Características del estilo flamenco En conclusión: A pesar de que el manejo de la luz y del color anticipan los valores de la pintura renacentista, el estatismo de sus formas, la escasa relación entre las figuras, casi siempre frontales, el detallismo y el predominio de las partes sobre el conjunto, sitúan este estilo en la última etapa de la pintura gótica. Jan van Eyck, Madonna con el Niño leyendo (1433). Óleo sobre tabla, 26,5 x 19,5 cm National Gallery of Victoria, Melbourne
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Evolución de la pintura flamenca  Es frecuente hablar de dos generaciones de pintores:  La primera generación estuvo formada por Van Eyck, Campin y Van der Weyden.  Según una tradición inexacta, los hermanos Van Eyck, Humberto y Juan, fueron los creadores de la técnica del óleo. Realizaron conjuntamente, para la catedral de San Bavón en Gante, el Políptico del Cordero Místico, aunque no se sabe cuál fue la aportación de cada uno, ya que el mayor, Humberto, murió antes de finalizada la obra. El tema del políptico es una compleja iconografía teológica en torno a la Redención. Jan Van Eyck, el hermano menor, trabajó al servicio del duque de Borgoña y de su corte. De él conservamos retratos como el excepcional Matrimonio Arnolfini y cuadros religiosos de la Virgen, acompañada de donante, como la Virgen del Canciller Rollin y la Virgen del Canónigo Van der Paele. En todas ellas nos muestra su maestría cromática y la precisión en la apariencia táctil de los objetos.
    • Políptico de la Adoración del Cordero Místico, de Van Eyck
    • Políptico de la Adoración del Cordero Místico, detalle El Cordero
    • Políptico de la Adoración del Cordero Místico, detalle El Cordero La tabla central representa la adoración del cordero místico, cordero que simboliza a Dios y que es adorado encima de un altar, que simboliza la Eucaristía; dos semicírculos de personajes rodean la fuente, arrodillados en actitud de adoración, los profetas, junto con los patriarcas a la izquierda, los apóstoles a la derecha junto con Papas y obispos; destacables también son las tablas extremas de la parte superior, que presentan a Adán y Eva, desnudos pero tapándose sus intimidades tras el pecado original, son dos bellos y exquisitamente proporcionados desnudos, iluminados en contraste con un fondo oscuro; todas las escenas tienen como fondo un bellísimo y delicado paisaje con árboles de variadas especies, flores, prados y ciudades, todo ello extremadamente pormenorizado; por último mencionar las tablas intermedias, que contienen los ángeles cantores y los ángeles músicos, en los que resulta impresionante el tratamiento de los detalles en los ropajes, cabellos y rostros.
    • El Matrimonio Arnolfini, de Jan Van Eyck Obra maestra de Jan Van Eyck;Van Eyck retrata a un acomodado matrimonio burgués del Flandes de la época; la escena aparentemente simple esconde algunas claves necesitadas de interpretación puesto que objetos vulgares son alegorías de virtudes, el perrito significa la fidelidad, estar descalzos la intimidad, la cama la vida conyugal, los frutos en la ventana los alimentos compartidos; la luz entra por la ventana de la izquierda e ilumina a los dos esposos; la lámpara es extraordinaria y el espejo, en el que aparece el propio pintor, nos da la visión completa de la estancia.
    • El Matrimonio Arnolfini, detalle Giovanni toma la mano de Giovanna con lo que se promete a su novia; las manos juntas indican la unión de dos personas en una sola carne. Giovanni levanta su mano derecha representa un juramento sagrado. Giovanna pone su mano izquierda en el vientre, sugiriendo fertilidad. El vestido de Giovanna es verde, color de la fertilidad en aquella época.
    • El Matrimonio Arnolfini, detalle El pequeño espejo rodeado de medallones con escenas de la Pasión es una costumbre de la Edad Media y también un símbolo de la Virgen: en calidad de speculum sine macula (espejo sin mancha), simboliza la virginidad y la pureza de la madre de Dios. Los hermanos van Eyck representados en el espejo son los testigos de la boda. La firma sobre el espejo es otro testimonio de la presencia de los testigos a la vez que la firma del cuadro.
    • El Matrimonio Arnolfini, detalle Los zuecos de madera, colocados con aparente descuido en la esquina inferior izquierda del cuadro, pueden indicar la sacralidad del momento y del lugar del vínculo matrimonial, tal como se sugiere en el tercer libro del Pentateuco de Moisés.
    • La Virgen del Canciller Rolín, de Jan Van Eyck Jan van Eyck introduce una nueva iconografía, la Virgen en lugar de estar entronizada en el centro aparece en una posición lateral, compartiendo a partes iguales con el donante la totalidad del campo con positivo del cuadro El cortesano Nicolas Rolín financió esta obra para la catedral de Autun. El canciller aparece arrodillado ante una Virgen monumental, con su Hijo sentado en las rodillas. Mientras que sobre el canciller aparecen alusiones a la propensión humana al pecado, sobre la Virgen figuran símbolos de la justicia. Las arcadas del templo de los cielos dan al jardín del paraíso y aun paisaje muy minucioso, que incluso en el horizonte más lejano muestra pequeños detalles.
    • Virgen del Canónigo Van der Paele, de Jan Van Eyck
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Evolución de la pintura flamenca  Robert Campin tiene un estilo más gótico que los Van Eyck, como queda de manifiesto en la deliciosa Santa Bárbara del Museo del Prado.
    • Santa Bárbara, de Robert Campin Lateral de un tríptico en el que el artista representa a santa Bárbara. La figura ha sido dispuesta en actitud de leer, sentada de espaldas a la chimenea, de tal forma que recuerda la posición de la Virgen en la escena de la Anunciación. La vista la exterior, en el que se reconoce una torre, ofrece un elemento para la identificación del personaje. El gusto por los valores corpóreos de la figura, los ritmos lineales de los paños y el intimismo de las escenas pertenecen al común denominador del arte flamenco de este periodo.
    • Tríptico de Mérade, de Robert Campin
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Evolución de la pintura flamenca  Roger Van der Weyden, discípulo de Campin, concibe las figuras con sentido escultórico en contraste con el escaso interés que muestra por los fondos espaciales, en los que emplea con frecuencia el oro. El Descendimiento del Museo del Prado es un excepcional ejemplo de sus composiciones cuidadosamente elaboradas y de sus figuras de intenso sentido dramático. La obra más monumental de Van der Weyden es el políptico del Juicio Final.
    • El Descendimiento, de Van der Weyden La obra trata un tema religioso, en concreto, cuando están bajando a Cristo de la cruz tras haber fallecido. La escena plasma el fragmento de la Biblia que se encuentra en el evangelio según San Juan 19, 25-40: “junto a la cruz de Jesús estaban su madre, la hermana de su madre, María, esposa de Cleofás, y María Magdalena. Jesús, al ver a su madre y junto a ella al discípulo más querido, dijo: “Mujer, aquí tienes a tu hijo”. Después dijo al discípulo: “Ahí tienes a tu madre”.
    • El Descendimiento, de Van der Weyden José de Arimatea Nicodemo María Magdalena María Salomé San Juan Cristo Virgen María Calavera de Adán
    • El Descendimiento, de Van der Weyden Desde aquel momento el discípulo se la llevó a su casa. [...] José de Arimatea, que era discípulo de Jesús, pero en secreto, por miedo a los judíos, pidió a Pilatos la autorización para retirar el cuerpo de Jesús y Pilatos se la concedió. Fue y retiró el cuerpo de Jesús. También fue Nicodemo, aquel que había ido de noche a ver a Jesús, llevando como cien libras de mirra perfumada y áloe. Envolvieron el cuerpo de Jesús en lienzos perfumados con aquella mezcla de aromas, según la costumbre de enterrar a los judíos”.
    • El Descendimiento, de Van der Weyden Llama la atención el cuidadoso estudio de la composición de un numeroso grupo de figuras alojadas en un reducido y corto espacio; el conjunto parece cerrada por dos paréntesis, a la izquierda San Juan y a la derecha María Magdalena, sirviendo de eje la cruz y de centro de la composición las dos figuras paralelas, dispuestas en diagonal, de Cristo y María; el sentimiento de drama, y de contenida tristeza en el rostro de los personajes consagra a Weyden como uno de los pintores más trágicos de la escuela flamenca.
    • El Descendimiento, de Van der Weyden
    • El Descendimiento, de Van der Weyden
    • Los pintores de la primera generación La primera generación de pintores de la escuela de los PRIMITIVOS FLAMENCOS está compuesta por los hermanos Jan y Humberto Van Eyck, Roger Van Der Weyden, Robert Campin y Patinir. Renunciando al fondo dorado, y empleando la técnica del óleo como material pictórico, crean la modalidad de PINTURA DE CABALLETE en su concepto moderno, concebida para ser vista de cerca. Su factura es minuciosa y detallista, carácter al que contribuye el intenso desarrollo adquirido por la miniatura de códices en la corte de Crucifixión los duques de Borgoña, a quienes 1420-25 pertenecen estos estados en el siglo XV. J.V.Eyck [?] Óleo sobre tabla, 56,5 x 19,5 cm Metropolitan Museum of Art, New York
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Evolución de la pintura flamenca  Es frecuente hablar de dos generaciones de pintores:  Los pintores de la segunda generación trabajaron en la segunda mitad del siglo XV. Hans Memling, en el tríptico de la Adoración de los Reyes, nos muestra figuras delicadas y alargadas, manieristas. Consigue un colorido vivo, a veces tornasolado, acabado con primor, por el que ha sido considerado el mejor colorista de la escuela. Gerard David (Descanso en la Huida a Egipto) es autor de figuras graciosas y delicadas y un excelente luminista. Hugo Van der Goes fue un pintor de gran sensibilidad e intensa expresividad, que murió loco. Su obra principal es el tríptico Portinari que le fue encargado por un mercader de la casa Médici en Brujas y que, cuando su dueño lo llevó a Florencia, produjo un impacto notable en los pintores del Quattrocento.
    • Tríptico de la Adoración de los Reyes, de Hans Memling
    • Descanso en la Huida a Egipto, de Gerard David
    • Tríptico Portinari, de Hugo Van der Goes Este impresionante retablo con la adoración de los pastores en la tabla central fue encargado por Tommaso Portinari, agente comercial de los Médicis en Brujas, para la iglesia de Santa María Novella de su ciudad natal, Florencia. El donante aparece representado en el lateral izquierdo, junto con sus hijos y los santos patrones Tomás y Antonio. En el lateral derecho figuran su esposa, su hija y las santas Margarita y María Magdalena.
    • Tríptico Portinari, de Hugo Van der Goes En la tabla central, y por primera vez en su época, el artista no estructuró la pintura en torno a un punto central, sino que se decidió por un esquema de ordenación en diagonal. La tensión así creada se incrementa aún más por los contrastes de claroscuro y por el movimiento lleno de expresividad de las figuras. Fue también el primer pintor en reproducir campesinos, que aparecen con toda su seriedad y “fealdad” junto a los ángeles.
    • Tríptico Portinari, de Hugo Van der Goes Los rostros de estos últimos tampoco muestran rasgo sobrenatural alguno. Como ampliación del acontecimiento el pintor incluyó otras escenas en el fondo del paisaje. Así por ejemplo, en la tabla izquierda se ve la Huida a Egipto, y en la derecha, el viaje de los tres Reyes Magos desde Oriente.
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Evolución de la pintura flamenca  Es frecuente hablar de dos generaciones de pintores:  Con Joachim Patinir una de las características más relevantes es el especial protagonismo que concede al paisaje en sus composiciones; el argumento y las figuras de sus cuadros resultan accesorios, son un mero pretexto para desarrollar sus luminosos fondos y sus amplias y bellas panorámicas.  Entre sus obras destacan El descanso en la Huida a Egipto, de temática religiosa, aunque excusa de un estupendo marco paisajístico; y La Laguna Estigia, de idénticas características, aunque combinando motivos cristianos y paganos.
    • El descanso en la Huida a Egipto, de Patinir
    • La Laguna Estigia, de Patinir El tema principal de la obra de Patinir no es la figura humana, sino el paisaje. A la izquierda ha situado el artista los Campos Elíseos, poblados por figuras de ángeles y construcciones de naturaleza cristalina; queda el Tártaro al otro lado, bien guardado su acceso por el Cancerbero. Caronte surca con su embarcación las aguas de la laguna, llevando al infierno el alma de un difunto. El conjunto, cuyo análisis en detalle revela los primores de su ejecución, ofrece además un concepto cromático muy personal que comporta una curiosa oposición y gradación de colores de gamas frías.
    • La Laguna Estigia, de Patinir
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Evolución de la pintura flamenca  Es frecuente hablar de dos generaciones de pintores:  El más importante de este segundo grupo fue El Bosco (1450- 1516). Aunque fue un creador original, de imaginación desbordante, enlaza con las tradiciones medievales. Sus temas iconográficos, llenos de seres fantásticos, cuya apariencia irreal anticipa el surrealismo, son deudores de los bestiarios. Era un técnico formidable de colorido delicado y cuidadosa ejecución. Los temas moralizadores, apoyados en figuras caricaturescas y seres monstruosos, le sirven para hacer crítica religiosa y social. En el Museo del Prado se encuentran la mesa de los Pecados Capitales, el tríptico del Carro de Heno y el tríptico del Jardín de las Delicias.
    • Los siete pecados capitales, de El Bosco Esta tabla, concebida como tablero de mesa, se caracteriza por una tipología y una composición únicas. En el círculo central se muestran los siete pecados capitales, ilustrados con gran viveza por medio de pequeñas escenas de género. Las imágenes, rotuladas con títulos latinos, simbolizan, en el sentido de las agujas del reloj: la gula, la pereza, la lujuria, la soberbia, la ira (abajo), la envidia, y finalmente la avaricia. En el centro aparece Cristo.
    • Los siete pecados capitales, de El Bosco La representación en forma de ojo, así como las inscripciones, recuerdan que nada escapa al ojo divino. Los cuatro medallones exteriores describen las llamadas postrimerías: la muerte, el juicio universal, el infierno y el cielo.
    • El Jardín de las Delicias, de El Bosco
    • El Jardín de las Delicias, de El Bosco Esta es la pintura más famosa, la más estudiada, y también la más enigmática y difícil de interpretar de las que pintó El Bosco; en la tabla de la izquierda se presenta la creación del hombre; en la central los placeres y pecados del mundo; y el castigo infernal a todos esos pecados en la de la derecha; se considera una sátira moralizante sobre el destino de la naturaleza humana.
    • El Jardín de las Delicias, de El Bosco Esta es la pintura más famosa, la más estudiada, y también la más enigmática y difícil de interpretar de las que pintó El Bosco; en la tabla de la izquierda se presenta la creación del hombre; en la central los placeres y pecados del mundo; y el castigo infernal a todos esos pecados en la de la derecha; se considera una sátira moralizante sobre el destino de la naturaleza humana.
    • El Carro del Heno, de El Bosco
    • El Carro del Heno, de El Bosco El tema del tríptico es el destino del hombre, que oscila entre el paraíso (tabla izquierda) y el infierno (tabla derecha). La tabla central representa el tiempo presente y está dedicada a las vanidades del mundo, perseguidas por los civiles y por los eclesiásticos. En el centro figura el carro de heno, símbolo de los bienes del mundo, tirado por las fuerzas animalescas hacia la derecha, donde espera el castigo a los pecadores, por su poca fe. El tema alude a un versículo de Isaías: “Toda carne es como el heno y todo esplendor como la flor de los campos, el heno se seca, la flor se cae”.
    • El Carro del Heno, de El Bosco Por tanto estamos ante una alegoría de lo efímero de los bienes y placeres materiales y de lo pasajero de todo lo de este mundo; a la felicidad terrenal y material, representada por el carro, quieren subirse todas las clases sociales, reyes y obispos, pueblo llano; a los pies del carro vemos los pecados capitales; la riqueza de detalles es sobrecogedora.
    • Pervivencia del estilo flamenco En la segunda generación de pintores flamencos, que se extiende a lo largo de la segunda mitad del siglo XV y principios del siglo XVI, destacan pintores como: Memling, Gerad David, y El Bosco. Esta segunda generación es contemporánea ya del Renacimiento, pero su estilo y temas todavía están más cerca de la generación anterior que de lo que se está haciendo en Italia. El Bosco, El carro de heno (1500-02) Óleo sobre panel, 135 x 100 cm Museo del Prado, Madrid
    • 4.3. Los primitivos flamencos (siglo XV)  Pintura hispano-flamenca  La fama de Van Eyck y el prestigio del estilo flamenco motivó su difusión por Francia, Alemania, Portugal y España. En Cataluña, Luis Dalmau hizo un viaje a Flandes que marcó su trayectoria artística como puso de manifiesto en la Virgen de los Consellers. También Jaime Huguet muestra la influencia flamenca en el retablo de los Santos Abdón y Senén. El aragonés Bartolomé Bermejo, que dominaba el óleo y gustaba de los dorados y el lujo, pintó a Santo Domingo de Silos. En Castilla el maestro más popular fue Fernando Gallego, autor de martirios de expresionismo dramático (La Piedad). El autor anónimo de la Virgen de los Reyes Católicos tiene también todas las características de los primitivos flamencos.
    • La Virgen de los Concellers, de Lluis Dalmau Representa a la Virgen con el Niño en el trono, flanqueados por los donantes en actitud orante (consellers), la composición es evidentemente simétrica; destaca también tratamiento de los paños y el detallismo arquitectónico donde aparece con gran realismo la bóveda de crucería del edifico bajo el que transcurre la escena.
    • San Abdón y San Senén, de Jaume Huguet Jaume Huguet en sus composiciones muestra escaso interés por problemas espaciales y sus figuras, diseñadas con preciso dibujo, son elegantes y estilizadas y suelen tener una expresión poética, de cierta melancolía; la principal cualidad de su pintura es la unión de la energía plástica del gótico final con el recuerdo del delicado y exquisito amaneramiento del estilo internacional.
    • Santo Domingo de Silos, de Bartolomé Bermejo Esta pintura es una de las más monumentales del arte medieval español; el autor de la obra, pintor andaluz que trabajó sobre todo en el reino de Aragón, lo presentó como un obispo, revestido con el atuendo y los atributos propios de esta dignidad, sentado en un trono de composición casi arquitectónica; en sus hornacinas se alojan representaciones de las virtudes cristianas; destaca el realismo del rostro del santo (influencia flamenca) sobre la abundancia de pan de oro (tradición netamente española).
    • La Piedad del Canónigo Desplá, de Bartolomé Bermejo Encargo de este religioso para su capilla de la catedral de la capital catalana, interesante tanto por la composición como por los rostros, de aguda expresividad, o por la perspectiva del fondo, el mejor paisaje de la pintura española del siglo XV.
    • La Piedad, de Fernando Gallego Visión sobrecogedora, en la que María aproxima su rostro amorosamente al rostro cadavérico de Cristo, inánime en sus brazos, cubierto tan sólo con el paño de pudor y conmovedor en su desnudez; la Virgen lleva una túnica roja cubierta por un pesado manto, ambos se pliegan y quiebran angulosamente, casi con paroxismo, acentuando el dramatismo crispado de la escena; esta intensidad no se refleja en sangre, heridas ni otros elementos agresivos, sino en la fuerza de la expresión, siendo ésta una de las más preciadas características de la pintura hispanoflamenca.