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Comentarios 3ª ii

  1. 1. UN DOMINGO DE VERANO EN LA ISLA DE LA GRANDE JATTE (1886), George Seurat Cristina AzuaraEste cuadro se titula Un domingo deverano en la isla de la Grande Jatte,pertenece al neoimpresionismopuntillista, una técnica cultivada por suautor Georges Seurat, y actualmente seencuentra en el Instituto de Arte enChicago (Estados Unidos).Georges-Pierre Seurat fue un pintorfrancés, alumno de la Escuela de BellasArtes de París que se dedicóespecialmente al dibujo. Al mismotiempo se interesó por la pintura,acercándose primero al naturalismo y alpaisajismo de la escuela de Barbizon, ymás tarde al impresionismo. Interesado por los estudios ópticos sobre el color, se propusoreformar el movimiento impresionista, y en 1884 expuso en el primer Salón de losIndependientes su obra Baño en Asnières (1883-1884, Nacional Gallery, Londres). Junto a PaulSignac perfeccionó el puntillismo, situándose de esta forma entre los creadores del divisionismoo neoimpresionismo, cuyo primer resultado importante fue el cuadro que a continuaciónanalizaremos en mayor profundidad: Un domingo de verano en la isla de la Grande Jatte. Obrasposteriores, como La Parade (1888, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), revelan unacercamiento del artista al simbolismo y sus efectos psicológicos.Para entender este cuadro tenemos que retroceder en el tiempo y ubicarnos en la SegundaRevolución Industrial (1870) en la que se dieron una serie de innovaciones tecnológicas que sinduda, dejaron huella en los pintores del momento (fascinados por este nuevo mundo en el que lavelocidad de los nuevos medios de transporte los cautivó). Paralelamente, esta nueva sociedadeuropea, burguesa, liberal y capitalista se vio inmersa en el incipiente desarrollo científico que sedio en todos los ámbitos. Por ello, una serie de pintores cansados de ser excluidos de lossalones oficiales y del rechazo de sus obras, constituyeron un grupo exponiendo sus obras en laantigua vivienda del fotógrafo Nadar en junio de 1874, a quienes se les denominó‘impresionistas’ (raíz del título de un cuadro realizado por Monet: Impresión. Sol naciente). Estenuevo grupo proponía la investigación de la naturaleza desde un enfoque perceptivo basado enla experiencia visual, que rompía con todos los esquemas propuestos hasta el momento. Lasteorías sobre el contraste simultáneo del color de Chevreul empezaron a aplicarse en estemomento; así, científicos y artistas descubrieron que los colores no son realidades inmutables,sino que dependen de la percepción individual y forman parte del universo de la luz.Pero el neoimpresionismo quiso llegar mas allá del impresionismo y dar fundamento científico alproceso visual y operativo de la pintura, es decir, no solo dar una referencia científica a las leyesópticas sino, a base de ellas, instituir una ciencia de la pintura. Para ello instauraron elpuntillismo, que consiste en la división del tono en sus componentes, es decir, en pequeñasmanchas de colores puros que por su proximidad reproducen en el ojo del espectador la unidad 1
  2. 2. del tono sin las impurezas del empaste. Esta técnica dio también a este movimiento pictórico elnombre de divisionismo.Como podemos comprobar a simple vista, este cuadro se trata de una representaciónpaisajística con múltiples personajes. El procedimiento pictórico empleado es el puntillismo, en elcual no existe la línea sino la superposición de pequeñas manchas de color formando unaunidad. En las partes bañadas por el sol predominan los puntos de pigmentos amarillos ynaranjas, en contradicción con las sombras en las que predominan los azules y púrpuras. Laperspectiva utilizada no es la tradicional frontal, sino que el cuadro está hecho para ser vistodesde un ángulo de 45º (de ahí la desproporción de la pareja en la parte derecha). Lacomposición está elaborada sobre líneas horizontales y verticales en las que no hay sensacionesni gestos captados instantáneamente, por lo que los cuerpos y las sombras forman ángulosrectos. La luz no es natural sino compuesta por una fórmula científica, por eso las figurasrepresentadas parecen estar completamente rígidas. El espacio es una masa de luz que tiende aexpandirse y por eso los cuerpos son formas geométricas.En cuanto a los personajes representados, se cree que el autor hizo una crítica a esta sociedadburguesa ‘elitista’. Se ha dado a entender que las mujeres (en la parte izquierda) pescando en elrío Sena eran prostitutas, que utilizan la caña como tapadera de su verdadera actividad. En laparte inferior se observan tres personajes, entre los que destaca el hombre tumbado fumandouna pipa que parece estar más vinculado a las clases bajas. El centro del cuadro está ocupadopor una señora con una sombrilla (instrumento propio de esta época utilizado por las mujeres declase alta para discernirse de las bajas, las cuales poseían un moreno característico de las horasde trabajo) y una niña, que casi son una evocación a las korais por su rigidez. En las figuras dela derecha (desproporcionadas por la visión del ángulo de 45º) podemos observar a un caballerocon sombrero de copa junto a una mujer (según se cree, también prostituta) que sostiene en lamano una correa a un mono capuchino, moda entre la burguesía (y que simboliza la lujuria).En este cuadro se puede apreciar la influencia en el tema de los impresionistas (como Monet,Manet, Rendir, etc.) y la de Piero de la Francesca (Quattrocento) en la estaticidad de las figuras.Y la pervivencia, de manera casi decisiva, en los artistas fauces y cubistas.Seurat tardó dos años en realizar este espectacular cuadro, de aproximadamente 2 x 3 metros, yaunque en vida no logró venderlo, hoy en día sea, como otras tantas, una obra de precioincalculable.Fuente de información de la fotografía:http://3.bp.blogspot.com/-ZeKyoJzaXA8/TcFtWqTZ43I/AAAAAAAABYE/SfciSI7olAg/s1600/Seurat%2B-%2BTarde%2Bde%2Bdomingo%2Ben%2Bla%2Bisla%2Bde%2Bla%2BGrand%2BJatte%2B%25281884-1886%2529.jpgFuentes de información comentario:http://es.wikipedia.org/wiki/Tarde_de_domingo_en_la_isla_de_la_Grande_Jattehttp://www.artelista.com/1106-georges-seurat.htmlLibro de texto Historia del Arte, 2º Bachillerato, SM. 2
  3. 3. “Les demoiselles d’Avignon”, Pablo Ruiz PicassoSara Gómez ProvencioIntroducción:“Las señoritas de Avignon” de Pablo Picasso (aunque seconoce que el título inicial fue “El burdel filosófico”), comenzadaen 1906 y finalizada en 1907, tras una serie de estudios previos(16), es la obra que marca el inicio del movimiento cubista.Tiene unas dimensiones de 2,44 m·2,33 m, siendo una de lasobras más grandes con las que el autor se había enfrentadohasta entonces. A pesar de la fecha de realización del cuadro,no se expuso al público hasta 1916 en el Salón Antin de París,apareció de nuevo en la Exposición Internacional de 1937, yfue adquirida por el MOMA en 1939. Pero fue conocida en el taller de Picasso por su círculo deamigos, a los que impresionó desde el primer momento, y en opinión de Derain o Matissesignificaba la muerte de la pintura. En cuanto al título de la obra, este no se refiere a la ciudad deAvignon, sino a una calle de Barcelona, en el Barrio Gótico; y la escena hace referencia a las"señoritas" del burdel.Picasso renuncia en esta obra a los tres pilares básicos en los que se había fundamentado lapintura desde el Renacimiento, esto es: la luz, de la que no hay una fuente evidente; laanatomía, que no responde a los modelos del arte greco-romano; y la representación euclidianadel espacio.Análisis formal:Se trata de un retrato de cinco desnudos femeninos, cuatro de pie y una sentada, con unbodegón de frutas en la parte central inferior, pintado en óleo sobre lienzo.Las figuras han sido reducidas a formas geométricas (sobre todo a los triángulos, que Picassollamaba cariñosamente cuartos de Brie) delimitadas por líneas de diferentes colores (negro, azul,blanco) y grosor (casi imperceptibles o gruesas, que parece que tengan sombra). Predomina lalínea sobre el color. Los colores empleados son fríos en el “fondo” (azules) y cálidos en loscuerpos y la franja vertical izquierda (gama de los tierra), y sin gradación tonal apenas.La luz es igual por toda la superficie, y artificial, pues no se ve ningún foco de luz representado.En cuanto a la perspectiva, este es el elemento central del movimiento cubista inicial, que secaracteriza por plasmar en una superficie todas las perspectivas, rompiendo a su vez concualquier parámetro establecido (perspectiva lineal, aérea). Mezcla lo frontal con lo de perfil o deespaldas.Las dos figuras centrales están de frente; la de la izquierda y la de arriba a la derecha, de perfil; yla de la esquina inferior derecha, de espaldas, pero con el rostro frontal.No hay un reflejo del volumen en absoluto, sino que todo es plano, geométrico y lineal; y, enrelación a la composición, esta es completamente inestable.No es nada realista. Sólo en las dos mujeres frontales puede verse algo de parecido con larealidad. La figura de la izquierda aparece hierática y de perfil, casi como en el arte del antiguoegipcio, y su rostro ya es mucho más geométrico. La mujer de la esquina superior derecha yarefleja más la influencia del arte africano en su rostro, que se asemeja a una de esas máscarasde madera. Y, finalmente, la de la esquina inferior derecha es completamente antinatural, con elrostro sintetizado en una máscara africana y una posición del cuerpo imposible.Todas las figuras están desnudas, aunque parece que tienen algunas sábanas o paños blancoscon los que se cubren un poco, también sintetizados y geometrizados.La anatomía queda reducida a formas geométricas antinaturales (muchos triángulos, cuartos deBrie). 3
  4. 4. Y, en cuanto al bodegón, también está formado por líneas geométricas y colores ajenos acualquier naturalismo.La representación nada realista es una característica principal de las vanguardias artísticas, enlas que es muy difícil apreciar elementos naturales, ya que lo que se representa no es larealidad, sino la interpretación del pintor de un modelo o referencia real o conceptual.Análisis temático:Esta obra se ha interpretado de muy diversas formas.Se habla de que puede ser la Arcadia satirizada, al representarse dentro de un prostíbulo, entorno a una mesa con frutas. Esta interpretación se deduce de sus bocetos, en los que aparecíanotros elementos, como figuras masculinas o una calavera al estilo barroco.También se relaciona esta obra con “Las Bañistas”, de Cézanne, así como con “Las tentacionesde San Antonio”, del mismo autor. Y de igual manera se observa la influencia de la miniaturamozárabe de Adán y Eva (976), en la que se muestra a la mujer como objeto erótico.Otra teoría sería la que se fundamenta en que en los primeros bocetos de la obra aparecen sietefiguras, dos de ellas masculinas (uno de los dos hombres tenía la cabeza muy similar a la dePicasso), pero que al final no aparecen en el cuadro definitivo. Esta omisión de las figurasmasculinas podría responder a un intento de “aligerarlo” de pecado, dejando a las mujeres solasen el burdel.También hay quien piensa que es casi la interpretación subjetiva de Picasso de “El Juicio deParis”, de Rubens. Así, la manzana que lleva Paris en la mano se ha transformado en un fruterocon pera, manzana, uva y melón; la figura de la izquierda del todo se corresponde con Afrodita;la del centro con los brazos levantados y unidos detrás de la cabeza se corresponde con PalasAtenea; la figura del medio que levanta un brazo flexionado y con la otra mano trata de cubrirseun poquito es la misma Venus de Rubens de la versión que hay en el Museo del Prado (pueshay dos versiones del mismo cuadro).El frutero, que parte de la manzana que porta Paris, es una referencia a la juventud y símbolo derenovación, aunque, según Diel, es el símbolo de la tierra y de los deseos terrenales. El hechode que presente este símbolo en el primer término se corresponde con la interpretación platónicadel “Juicio de Paris” como alegoría cósmica (el alma que vive de la percepción de los sentidos vesólo la belleza y no el resto de poderes del cosmos; por eso Paris otorga finalmente la manzanaa Afrodita).El tema del Juicio de Paris también pone de manifiesto la libertad humana al conceder al hombrela libertad de transformarse según su elección. A través de sus bocetos podemos aventurarnos a decir que el cuadro representa una idea derelación entre Belleza o Amor y Muerte, ya que en algunos de ellos aparecían dos figurasmasculinas, una con un ramo de flores (representando el vicio, rodeado de comida y mujeres), yla otra con una calavera (representando la virtud, hombre con el cráneo).Clasificación y contexto histórico-social:Este cuadro, que marcó el inicio del cubismo, se pintó en 1907 en París, donde residía el pintor.Pertenece, pues, a las vanguardias artísticas del siglo XX. Actualmente se encuentra en elMuseo de Arte Moderno de Nueva York.Autor: Pablo Ruiz Picasso (1881-1973).Nació en Málaga y, tras pasar unos años en La Coruña, comenzó su verdadera formación enBarcelona (1895-1900), en la Escuela de la Lonja, donde estuvo en contacto con la bohemiacatalana y con la incipiente vanguardia. Entonces realizó un viaje a París, en el que conoció a losgrandes pintores de la época, como Degas y Toulouse-Lautrec, y decidió residir allí.A pesar de esto, Picasso amaba su patria, y por eso realizó viajes constantes a España hasta1934, pues la sublevación del general Franco el 18 de julio de 1936 y la guerra civil española(1936-1939) no propiciaron sus viajes. Aun así, fue nombrado Director honorario del Museo del 4
  5. 5. Prado y en 1937 pintó las dos planchas de aguafuerte “Sueño y mentiras de Franco”, en las quedejaba clara su postura política republicana.En cuanto a su evolución artística, desde que llegó a París hasta que pintó “Las señoritas deAvignon” en 1907 atravesó dos cortas etapas: la azul, que se caracterizó por los colores fríos ytemas patéticos como “El viejo guitarrista”, y en la que el autor vivió en la penuria; y la rosa(desde 1904), que fue la consecuente dulcificación de su pintura, con tonos pastel, al mejorarsus condiciones de vida, y utilizó entonces modelos del Circo Medrano, como en “La familia deSaltimbanquis”.Pero la verdadera revolución en su pintura llegó con su obra “Les demoiselles d’Avignon”, quemarcó el inicio del cubismo. A partir de entonces, Picasso desarrolló el cubismo analítico(1909-1911) y el sintético (1912-1914). Aquí intenta volver a la ingenuidad del arte primitivo, librede prejuicios, vehículo de expresión de la subjetividad del artista, y el cuadro pasa a ser unasuperficie pictórica plana y autónoma con vida propia.A partir de 1912 incluye elementos tomados de la realidad, el “collage” (desarrollado por Braque).Después, tras la I Guerra Mundial desarrolla un periodo ingresco o neoclásico, recuperando lasfiguras y objetos; a finales de la década de 1920 se volcó en el expresionismo surreal, “Mujersentada al borde del mar”; a finales de los años 30, comprometido con la república española,pintó el “Guernica” para la EXPO de París de 1937; después de la II Guerra Mundial se afilió alPartido Comunista francés, para el que pintó “La matanza de Corea”; y, a partir de los años 50,fue realizando series en homenaje a los grandes maestros de la pintura, como “Las Meninas”, deVelázquez, así como también hizo grabados y cerámica.Como se puede observar, su vida artística siempre estuvo en continua experimentación, lo queexplica la magnífica evolución de este genio, prototipo de artista del siglo XX. Un artistaindependiente, cuyas obras revolucionarias marcaron un antes y un después, pero sólo han sidovaloradas y revalorizadas con posterioridad.Contexto:Esta obra fue pintada en 1907, cuando las condiciones de vida de Picasso habían mejorado losuficiente como para no pasar penurias, pero cuando él todavía pertenecía a la bohemiaparisina. Este momento histórico es el que vio nacer las vanguardias artísticas. Partiendo de lospostimpresionistas, se fueron desarrollando una serie de movimientos rompedores con loreferente en el arte desde el Renacimiento. Estas corrientes fueron: fauvismo, cubismo,expresionismo, futurismo, pintura metafísica, abstracción, dadaísmo y surrealismo, entre otras.Relaciones:“Las señoritas de Avignon” recibió influencias del hieratismo del arte del Antiguo Egipto; del“Juicio de Paris”, de Rubens; de “El baño turco”, de Ingres (la figura que tiene los brazoslevantados por detrás de la cabeza); de “Bonheur de vivre”, de Matisse. También tieneinfluencias del Salón de otoño de París en 1906, donde expuso Cézanne, el cual le impresionópor su capacidad de reducir lo real a unas figuras geométricas elementales; de la exposición dearte primitivo africano hecha en Londres en 1906, donde quedó fascinado por la plasticidad ygeometría de las máscaras; y de la exposición de escultura ibérica en el Louvre en 1903.Bibliografía:http://carbularte.blogspot.com/2007/05/las-seoritas-de-avignon-cien-aos-despus.htmlhttp://lineaserpentinata.blogspot.com/2009/01/algunas-crticas-las-primeras.htmlComentario la mirada singularComentario página 416 del libro de texto. 5
  6. 6. LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA, Salvador Dalí- Carlos VillanuevaIdentificaciónLa obra presenta un cuadro de estilosurrealista realizado con la técnica del óleosobre lienzo donde aparece representado labahía de Port Lligat al amanecer con unosrelojes situados en la orilla de la playa,elementos que ya habían aparecido en unaobra que había realizado el año anterior,“Osificacion prematura de una estación”.CronologíaEl cuadro fue realizado por Dalí en 1931 conunas medidas de 24 x 33. Llegó al MOMA(museo de arte moderno) de Nueva York en 1934 a través de una donación anónima.UbicaciónEste cuadro fue expuesto en la primera exposición individual de Dalí en la “galerie Pierre Collede Paris en junio de 1931 y en 1932 en una exposición en Nueva York. Actualmente seencuentra en el MOMA (museo de arte moderno) de Nueva York donde llegó en 1934.Descripción En el cuadro aparecen un conjunto de rocas a la derecha con el mar como fondo. Llama laatención cuatro relojes, uno de bolsillo y tres deformados y con la sensación de estar realizadoscon elementos blancos y frágiles. Esta idea según el propio autor dice, se inspiró en el queso camembert a la hora de añadir losrelojes al cuadro, de ahí esa sensación de tiernos.El único que conserva su consistencia normal está pintado en rojo y esta siendo devorado porhormigas; estas hormigas están colocadas por el autor debido a que el reloj de bolsillo se llevacerca de los genitales.Este reloj rojo hace referencia a la muerte la cual acecha en todos sitios, al igual que elesqueleto de árbol situado en la izquierda del cuadro.En el centro del cuadro, otro reloj se acopla a modo de montura sobre una cara inspirada en unaroca del cabo de Creus, la cual tiene largas pestañas.Esta cara aparece en otros cuadros de Dalí como son “el gran masturbador” y “el enigma deldeseo”. El tema principal de este cuadro es el tiempo, el tiempo fugitivo, el tiempo que al igualque la memoria se reblandece con el paso del tiempo.Esto tiene su expresión simbólica en el caracol en disolución, siento el autorretrato del pintor.SimbolismoAparte de la materialidad de lo representado, su color y su congruencia Existen varios objetoscargados de simbolismo, como es el caracol que simboliza el paso del tiempo al igual que losrelojes. El esqueleto de árbol hace referencia de una manera simbólica a la muerte al igual quela cabeza sin vida tendida en el suelo del caracol, con el que el autor se identificaba.En las obras de este autor es difícil distinguir los simbolismo que tienen las figuras, incluso enalguna ocasión el propio autor reconocía que ni el mismo llegaba a descubrir el sentidoenigmático de sus obras.Bibliografía 6
  7. 7. http://www.historiadelarte.us/pintores/surrealismo/surrealismo-salvador-dali-persistencia-del-deseo-relojes-blandos.htmlhttp://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoriahttp://www.taringa.net/posts/info/969548/Salvador-Dali-_Descripcion-de-obras_.html El grito, Edvard Munch, Cristina Villanueva1- clasificación y contexto histórica-socialLa obra analizada es El grito del pintor noruego Edvard Munch(1863-1944). El grito es el nombre que reciben varios cuadrosde Munch, entre los que cabe destacar su versión más famosa,que es la que se encuentra en la Galería Nacional de Oslo, de1893, otras dos versiones en el Museo Munch (en Oslo) y unacuarta que pertenece a una colección particular. Tambiénrealizó una litografía con el mismo título.Munch fue un pintor de origen noruego que vivió en los últimosaños del siglo XIX y principios del XX (1863-1944).Se le considera el precursor del movimiento expresionista quealcanzará su máximo desarrollo en Alemania en el último terciodel siglo XIX.El expresionismo fue una corriente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y lasemociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. La pintura es utilizadapor el autor como medio para desahogarse.El color no debe significar sino expresar. Dentro del expresionismo encontramos dos grupos másrepresentativos: “DIE BRÜCKE” (El Puente) (1905-1913) en el que rechazan la tradición artísticay reciben influencias de Van Gogh, de los grabados de Munch y del uso del color de losfauvistas. En este grupo encontramos autores como Kirchner. También encontramos el grupo“DER BLAUE REITER” (El Jinete Azul) con autores como Kandinsky o Marc, este grupo secaracteriza por el abandona del dramatismo y la amargura de los otros expresionistas parallegar, de este modo, a la abstracción.En este cuadro, Munch nos expresa su angustia, su incomprensión y su crítica hacia la nuevaforma de organización social, política y económica derivados de la Revolución Industrial.La obra fue expuesta por primera vez en 1893 y formaba parte de la colección de varias pinturascuyo título era “El Amor”, donde Munch quería mostrar las diferentes etapas de un romance. Elgrito era el último cuadro de la exposición que simbolizaba el final del romance.El arte de Munch no gustó al público del momento, que lo calificaron como un arte demente, eincluso un crítico aconsejó que su obra, y en especial El grito, no fueran a verla mujeresembarazadas. Posteriormente, el régimen nazi prohibió el arte de Munch al que consideraba unautor degenerado.En los últimos años, dos de las versiones de esta obra han sido robadas. La primera ocurrió en1994 en la Galería Nacional de Oslo, donde los ladrones, que tan solo tardaron 50 segundos en 7
  8. 8. robar el cuadro, dejaron una nota que ponía: “Gracias por la falta de seguridad”. Este cuadro fuerecuperado por la policía cuatro semanas después de su robo.El siguiente robo se produjo en el 2004 donde también se llevaron el cuadro de la Madonna delmismo autor. Este segundo robo se realizó a plena luz del día y los cuadros fueron recuperadosdos años más tarde por la policía, aunque El grito resultó dañado.El grito adquirió el estatus de icono cultural tras la Segunda Guerra Mundial. En 1961 la revistaTime utilizó El grito en la portada de su edición dedicada a los complejos de la culpa y laansiedad.Entre 1983 y 1984, el artista pop Andy Warhol realizó una serie de estampaciones en seda sobrelas obras de Munch, en las que podemos encontrar El grito.También se ha realizado la reproducción de esta obra en todo tipo de productos, desdecamisetas, póster, tazas de cerámica, llaveros… y se ha utilizado en dibujos animados, enpublicidad, en televisión…El grito recibe influencias de autores como Goya, en el expresionismo de la pintura medieval ypor los impresionistas como Gauguin, Touluse-Lautrec y sobretodo por Van Gogh.2-Análisis de la obra.Se trata de una obra realizada en óleo sobre tabla de 83’5 x 66cm.En el cuadro destacan las figuras de formas sinuosas y onduladas que se repiten también en elpaisaje.La figura situada en el primer plano, que se encuentra en un puente, está con la boca abierta ycon las manos en los oídos para no escuchar su incontrolado grito y nos muestra un sentimientode angustia, de miedo, de que algo horrible ha ocurrido. Esta figura, con los ojos desorbitados ylas mejillas hundidas, nos recuerda a una calavera y es la encarnación del hombre, o de lamujer, ante una situación sin salida.El historiador del arte R. Rosemblum la identificó con una momia peruana del Musée de L´Homme de París.La composición se centra en la figura del primer plano ya que todas las líneas convergen haciaella.El centro del cuadro está marcado por la boca en forma de “O” que grita.La barandilla del puente corta el cuadro y en el fondo del puente podemos ver a dos hombres deespaldas difuminados con sombreros de copa.El grito lo expresa el pintor por medio de las ondas que se expanden por la escena, como lasque forman el agua del mar cuando se mueve.La imagen debe impresionar a la vista, causar impacto, y en ella se funden realismo ysimbolismo.En este cuadro el autor nos plasma su personalidad, profundamente angustiada y abandona latécnica realista a favor de elementos expresivos como el color, la línea y la distorsión de lafigura.Bibliografía:Libro de Historia del Arte 2 Bachillerato, SM, 2009Apuntes de arte, comentarios.Páginas Web:http://es.wikipedia.org/wiki/El_grithttp://www.ucm.es/info/echi1/imagen/pint/gritomunch.htmhttp://www.erroreshistoricos.com/curiosidades-historicas/arte/912-origen-y-curiosidades-sobre-qel-gritoq-de-munch.htmlhttp://www.rivashoy.es/viewtopic.php?f=42&t=1943 8
  9. 9. VILLA SABOYA, LE CORBUSIER, Francisco José FelipeEsta casa es una villa realizada en el periodo de entreguerras (entre los años 1929-1931) Seencuentra a las afueras de París y es obra del arquitecto suizo Le Corbusier, que domina laarquitectura de los años veinte en Francia. La construcción tiene apariencia horizontal, sostenidapor estrechos pilares y cumple los Cinco puntos para una nueva arquitectura planteados por LeCorbusier. Este arquitecto se basa en la utilización de los nuevos materiales industriales, en latecnología de las máquinas y en los recursos de la ingeniería, además de tener en cuenta lasnuevas corrientes del diseño industrial, proporcionando soluciones cómodas y alcanzables a losproblemas ocasionados por el crecimiento de las ciudades europeas a lo largo del siglo XX.En su arquitectura se aprecian el uso de volúmenes nítidos, simples, que lo identifican con elcubismo.En la villa Saboya lo que se tiene en cuenta es la funcionalidad, siguiendo los cinco principiosbásicos citados anteriormente y que han sido aplicados al edificio:-Pilares: sobre ellos se erige la vivienda quedando esta aislada del suelo y así evitado espaciososcuros y humedades. Esto se puede comprobar en la villa Saboya, pues se levanta sobrepilotes y hace que el muro no sea un elemento de carga-Techos-jardín: Le Corbusier concibió al techo como espacio de expansión formado por terrazacon plantas, que aíslan al edificio. Este principio se observa en la parte superior del edificio.Planta libre: distribuida según las necesidades. La planta es libre y esa libertad la da lautilización del hormigón armado.-Fachada libre: Dispuesta en virtud de las necesidades de cada piso.-Ventanas horizontales: dispuestas a lo largo de toda la fachada y de forma longitudinal, graciasa los nuevos elementos constructivos. Estas ventanas permiten una gran iluminación.Los materiales utilizados son el hormigón armado, el hierro y el vidrio. Su concepción del edificioes la de un juego de volúmenes nítidos unidos por la luz, debido a lo cual se observa unapreferencia por las formas cúbicas, recibiendo influencia de las vanguardias plásticas. Los murosestán completamente abiertos por una ventana longitudinal. El edificio, aún teniendo formacúbica, en la parte superior se emplea la lea curva.En cuanto a distribución, la planta baja sirve de garaje y zona de servicio, en la primera plantaestá ubicada la vivienda y contiene el comedor, los dormitorios e incluso una terraza que da alexterior. Gracias a esta terraza y a una ventana corrida entra luz a la casa. En la parte superior,una gran azotea sirve de terraza y de solario. También en el interior hay una rampa quecomunica todas las plantas de la casaBibliografía:-http://rothko.espacioblog.com/post/2006/04/30/villa-saboya-corbusierhttp://arte.laguia2000.com/arquitectura/villa-saboya-de-le-corbusier-Libro de Historia del Arte, 2ºBachilleratoUnidad habitacional: 9
  10. 10. Construido tras la Segunda Guerra Mundial con la intención de paliar los problemas de viviendade la época de la posguerra y crear una verdadera ciudad autosuficiente, se trata de una enormeconstrucción de 140 metros de largo, 24 de ancho y 56 metros de altura. Esta construcción fue laprimera oportunidad para que Le Corbusier pusiera en prácticas las teorías de proporción aescala que darían origen al Modulor, cuyo sistema se basa en las medidas del ser humano. Launidad habitacional constituye una importante innovación en el diseño arquitectónico deviviendas residenciales. Se pretende integrar en el mismo edificio todos los servicios necesariospara la vida y Le Corbusier trata de aplicar sus principios de arquitectura en una nueva forma dela ciudad, que consiste en la creación de un pueblo o población vertical. Se consolidaron losconceptos que venía desarrollando en torno a la idea moderna de habitar, cuyos principiosprocedían de una idea de arquitectura producto de la racionalidad con el fin de ordenar el ámbitourbano. Cada piso contiene 58 apartamentos en dúplex accesibles desde un gran corredor interno cadatres plantas, de manera que algunos apartamentos ocupan la planta del corredor y la inferior yotros la del corredor y la superior. Además de viviendas, también incluye oficinas y diversosservicios comerciales. La azotea se convierte en el centro de funciones, siendo así uno de losespacios de mayor vitalidad y en donde se ubican los servicios públicos.El edificio está asentado sobre pilotes de hormigón armado, se eleva del suelo y permiteliberarlo. Esta estructura de hormigón de grandes pilares permite la planta y la fachada libre.También se observan numerosas ventanas, todas ellas apaisadas y corridas. Y, como hemencionado anteriormente, la parte superior (terraza-jardín) se convierte en una terraza planaque incluye muchos servicios (piscina, gimnasio...), eliminando los tejados clásicos. Todo ellomuestra los cinco puntos de Le Corbusier aplicados a la Unidad Habitacional. La sección transversal muestra como dos apartamentos con galerías están entrelazados de talforma que hay un pasillo central de acceso cada tres niveles. Bajo el edificio se sitúanúnicamente los accesos a las comunicaciones verticales.Los materiales utilizados en su construcción son el hormigón armado y vidrio, sin decoracióntanto en exteriores como en interiores.Bibliografía:http://sdelbiombo.blogia.com/2010/012601-le-corbusier.-la-unidad-de-habitacion-en-marsella.phphttp://es.wikiarquitectura.com/index.php/Unite_d%C2%B4habitation_de_Marsellahttp://sdelbiombo.blogia.com/2010/012601-le-corbusier.-la-unidad-de-habitacion-en-marsella.php PLANOS DE LAS CIUDADES DE BARCELONA Y PARÍS, Francisco LlerdaBarcelona.-Para comenzar Barcelona es un núcleo costero del litoral mediterráneo. Localizado al pie de lamontaña de Montjuich, surcada por el río Besós y con algunos desniveles topográficos: montañadel Tibidabo, que condicionan su plano y desarrollo urbano; es un punto clave de desarrollo 10
  11. 11. comercial y de consolidación de las comunicaciones a lo largo de todo el litoral mediterráneo ybalear interior.Por eso fue la ciudad española de mayor crecimiento industrial en el siglo XIX en la que empiezasu expansión urbana que se manifiesta en la construcción de un nuevo espacio urbano quesigue la planificación creada por Ildefonso Cerdá en 1859, se trata del ensanche y también,necesitaba planificar su crecimiento: instalación industrial y asentamiento de la población obreraprocedente del éxodo rural de otras zonas más deprimidas peninsulares, anexiones depequeños municipios,…Todo esto con la intención de crear una ciudad ideal y ejemplar , buensistema de salubridad e higiene y buena conexión interna. Para llevar a cabo esto Cerdá se baso en el ya mencionado ensanche que fue su pilarfundamental para reformar Barcelona: con un plano ortogonal, unas amplias manzanasachaflanadas manzanas de viviendas para las clases medias por medio de un sistema reticularde 22 manzanas, sus anchas calles que facilitan un tráfico fluido y sus dimensiones que sonsuperiores a las del casco antiguo, esto da lugar a esa ciudad mucho más saludable que laanterior.El plano ortogonal se rompe con la apertura de dos calles diagonales (la Diagonal y la Meridiana)que facilitan los desplazamientos a uno u otro lado reduciendo la concentración de tráfico rodadoy permitiendo junto con las esquinas achaflanadas una mayor visibilidad. Todo el ensanche selocaliza, fundamentalmente al oeste y norte de la ciudad Cerda diseño el ensanche con unatrama abierta con grandes espacios verdes en el interior de la manzana que provienen de suafán higienista. Esto, con el posterior crecimiento se ha modificado elevándose las alturascerrando las manzanas y desapareciendo los espacios verdes. Esto fue debido a que en unprincipió la densidad de población de esta zona era inferior a la del casco histórico pero luego laconcentración de población exigió q se modificase. Cerdá también se preocupó por planificar el extrarradio barcelonés que afectará a numerososmunicipios colindantes como Sarriá, Sants, Les Corts, etc. En este caso hablamos de barriosobreros, aunque Cerdá aplicó la misma ordenación en manzanas. Genera un plano encuadrícula multifuncional donde se distribuyen los equipamientos: mercado, hospitales, parques,etc.Paris.-Las transformaciones realizadas en Paris comienzan durante el segundo Imperio y son una seriede modernizaciones que fueron llevadas a cabo por Napoleón III y el baron de Haussman, quedurarían desde 1852 a 1870. Fue el primero basado principalmente en la instalación de grandesvías de comunicación del centro con la periferia (idea de Haussman) lo cual fue potenciado por elemperador Napoleón III para convertir su capital en una ciudad moderna, saludable y de tráficofluido.Esto se llevó a cabo en toda la ciudad tanto en el corazón de Paris como en los barriosperiféricos: calles bulevares, restauración de fachadas , remodelación de los espacios verdes ,mobiliario urbano , creación de un alcantarillado …La necesidad de esta renovación venía ya desde la revolución e 1789 debido a la aglomeraciónde ciudadanos en el centro y red viaria estrecha medieval e insalubre.Ya Napoleon I llevo a acabo unas actuaciones q ue no fueron muy importante acondicionandouna calle monumental a lo largo del jardín de la Tullerías. Coloca también un instrumentojurídico: el ordenamiento de urbanismo por el cual los propietarios pueden renovar o reconstruirlos edificios sólo retirando su fachada detrás de una línea fijada por la administración 11
  12. 12. Esta reforma urbanística fue violentamente criticada por algunos de los contemporáneos deNapoleón III, aunque acondicionó el uso diario de las calles por parte de los ciudadanos. Estaobra puso el fundamento de la representación popular de la capital francesa al mundo,sobreponiéndose a los estrechos callejones del viejo París y creando anchos bulevares ygrandes plazasEs pues Napoleón III quien tuvo la voluntad para modernizar Paris siguiendo el modelo deRambuteau en Londres. Entonces este le encargó a Jorge Eugenio Haussman unhombreriguroso, organizado de acción encargado de llevar acabo esta modernizacionUna obra tanconsiderable necesito de la intervención de numerosos colaboradores: Jean-Charles Alphand seocupa de parques y plantaciones con el jardinero Jean Pierre Barillet Deschamps. Haussmannsubraya el papel fundamental del servicio del Plano de París, dirigido por el arquitectoDeschamps, que traza las nuevas vías y controla el respeto de las reglas de construcción: eneste dominio, la geometría y el dibujo gráfico desempeñan un papel más importante que loestructura propiamente dicha.Siguiendo el plano radioconcéntrico -- superponiendo una redviaria ancha y rectilínea al antiguo trazado de plano más o menos caótico. Las bases fueron lacreación de grandes bulevares y de plazas radiales; los tres anillos de bulevares del planHaussmann, con su gran anchura y con una calzada arbolada para el paseo público, hicieronque se pudiera `prescindir de pasar por el casco viejo de la ciudad fuertemente congestionado, yla plaza radial, supone una comunicación rápida con las zonas periféricas y el establecimientode enormes perspectivas para la época. Uno de los mejores ejemplos es el que se desarrollo enla plaza de la Estrella donde se aúna la idea de monumentalidad y centralización radial a travésde las doce calles que parten de ella comunicándose con el resto de la ciudad.Para conseguir llevar a cabo todo esto Haussman se valió de la expropiación destruyó losedificios y construyo nuevos ejes con todos sus equipos (agua, gas, desagües).Todo ello con una finalidad no solo estética sino funcional: un trafico fluido que permitiese undesplazamiento de obreros y clases populares.El saneamiento de las viviendas implico una mejor circulación del aire pero también un mejorabastecimiento de agua y una mejor evacuación de los desechos, un sistema de iluminación porgas, cementerios etc. también son importantes los grandes parques En conclusión, Haussmann preocupado por la búsqueda de la grandeza de París y por larestauración del orden, proyectó un París diáfano, monumental, saludable y fácilmentecontrolable por las fuerzas de orden público que fuera imagen representativa de este segundoImperio de Napoleón III, y a su vez, símbolo de poder de estado centralizado. Todas estasreformas permitieron hacer de París el ejemplo de capital a imitar, véanse las reformas yampliaciones que se hicieron en las ciudades de Bruselas, Viena,… EL PLANO DE BRASILIA (Tamara Mor Borque)La ciudad de Basilia es un ejemplo claro de urbanismo tardío ya que su formación esrelativamente reciente (1957) como podemos observar se encuentra en una posición latitudinalde un clima tropical a 15º L-S L-O. El objetivo de su fundación fue claramente el de cumplir unpapel administrativo y de servicios , y se fundo principalmente para acabar con el desequilibriodemográfico, lo que permite ser un punto neurálgico ; ya que es un importante vínculo entreBrasil meridional y la remota cuenca del Amazonas, situada al norte. Desde el S.XVI se intento 12
  13. 13. hacer el proyecto finalmente en 1956 con la subida al poder de Juscelino Kubitscheck que quisoque su período en la presidencia se caracterizara por alguna obra pública inolvidable nació asíBrasilia.Se creo en una zona plana inhóspita por la latitud y el clima de tipo tropical lluvioso junto a unlago artificial, por Oscar Niemeyer (arquitecto) que le dio un aspecto de un aeroplano o pájaroobra de Lucio Costa.El proyecto se desarrollo con la idea básica de que el modernismo si se da un desarrolloimprevisto conduce a un caos, mientras que el planteamiento totalmente centralizado de laciudad podría construir una ciudad ideal.Morfológicamente se trata de un plano totalmente ordenado y estructurado con aspecto global deaeroplano o pájaro (dos ejes que se cruzan en ángulo recto formando el símbolo de la ciudad)entorno al lago artificial.Aparece un eje principal entorno al que se vertebra la ciudad, cruzándola de N a S, a partir delcual se distribuye a ambos lados de forma lineal y curva, paralelas entre sí con disposición E-Olas avenidas principales.En su trama predominan los espacios abiertos tanto en la disposición de las calles hacia el lagoartificial como entre los distintos bloques de edificios (bloques aislados sustentados sobrepivotes) dejando en medio espacios libres. Se trata de una integración total con la naturalezadonde predominan los espacios verdes.Según el urbanismo y su arquitectura es una ciudad moderna y nueva. Fue diseñada por OscarNeimeyer y Lucio Costa, bajo planteamientos racionalistas de la escuela de Bauhaus (la cuidaddebe ser funcional, adaptándose al momento y las necesidades) y en las teorías organicistas deLe Corbusier siguiendo la Carta de Atenas en 1943 integrándose con la naturaleza y los cubos,gran predominio de los espacios verdes muy amplios. Todo esto integrado bajo el urbanismo deHaussman. Se trata de una ciudad grandiosa y con unos buenos ejes de comunicación, a pesarde integrar al ser humano en la naturaleza es una ciudad muy fría. COMPOSICIÓN, MONDRIÁN, Rodrigo VillarroyaEsta serie de cuadros pertenecen a Mondrian un pintor vanguardista que se inició en el cubismopara terminar siendo uno de los pintores más famosos del siglo XX con la vanguardia abstractadel neoplasticismo holandés. Creó con Theo van Doesburg la revista De Stijl.Estos cuadros tienen todos la característica de estar pintados con una serie de figurascuadrangulares contenidas por bordes negros horizontales y verticales que se cortan en ángulorecto, incluso llegó a expulsar a un miembro del grupo por pintarlo de forma diagonal formandorombos. Dentro de estas figuras se pueden observar los tres colores elementales (amarillo, rojo yazul) y los llamados por este autor no colores (negro, blanco y gris). La disposición de los coloresno es regular sino asimétrica.Con estas obras buscaba mucho más que decorar, quería alcanzar expresiones universales,desprovistas de subjetividad reduciendo los elementos de su pintura. Para ello hubo de realizarun largo proceso en el que partió de un acercamiento a la realidad para observarla y depurarla(El árbol gris. 1912); posteriormente pasó a esquemas geométricos (Planos de color en oval.1914), para finalizar analizándola con esa técnica exacta basada en un sistema geométrico delíneas horizontales y verticales y colores puros.El objetivo de esta pintura era la búsqueda de un mundo mejor tras la primera guerra mundial,debiendo eliminar de la pintura cualquier voluntad individual, renunciando a toda imitación de larealidad quedándose con los elementos básicos: color, forma, superficie y líneas. 13
  14. 14. El Neoplasticismo de Mondrian no fue un fenómeno aislado, sino que se incluye dentro de unmovimiento más amplio en el que destaca el Constructivismo de Tatlin o el Suprematismo deMalevich. Asimismo la influencia de De Stijl traspasó al mundo de la arquitectura ejerciendo uninflujo considerable en la Bauhaus y hasta en el mismo Le Corbusier. MADAME MATISSE, HENRY MATISSE, Jorge SolerIntroducciónHenri Matisse fue un pintor referente en cuanto al color en elS.XX. Va más allá del impresionismo y postimpresionismo, siendouno de los precursores de las Vanguardias del S.XX. El inicio delsiglo supone una ruptura de movimientos y tendencias que sesuperponen las propuestas de uno y otros, combinando así,varios estilos, impensable en la época antigua. Todas estastendencias tiene en común la transformación del lenguajeartístico, teniendo muy en cuenta la independencia de cadaartista.El fauvismo fue la primera novedad, en lo que se refiere acorrientes, del S.XX, movimiento liderado por Matisse, Derain oVlamick. Exalta el protagonismo y el color. Sus cuadros tienencomposiciones simples y claras.Análisis El cuadro es un pequeño retrato de su mujer. Se trata de óleo sobre lienzo, con unasdimensiones de 40 x 32cm. El soporte del cuadro es real, un rostro. Es un tema habitual,desarrollado por el autor a lo largo de su obra, junto con interiores, ventanas y desnudos. Lamujer se presenta de forma seria y en posición de posar para el retrato, desvía ligeramente sumirada del frontal del cuadro, ofreciendo así, un aspecto de tranquilidad y al mismo tiempo detensión. La figura no es lo importante, lo que destaca es el color, con mucha pasta y de granfuerza y violencia, buscando la armonía cromática.La estructura se representa mediante el contraste de la figura y el fondo, pero más por los planosde color que por la línea que perfila la figura, pues sólo existe en algunas partes de ella. No hayni modelado ni profundidad, ya que son aspectos que al autor no le importan. La composiciónestá en función de los planos del color.Matisse busca en este cuadro, través del color y su forma, darle calor y cuerpo al rostro de sumujer, colocando la línea verde que resalta los tonos amarillos y rosados de más mejillas.También destacan ese rojo, lila y verde que le da una gran fuerza al cuadro.Significado“Estoy convencida de que el brazo de esta mujer (refiriéndose a una figura femenina de una desus obras) es demasiado largo”. Matisse contesta: “Madame, estáis equivocada, Esto no es unamujer, es un cuadro”.Este fragmento describe la pintura de Matisse. Este cuadro se expuso en el Salón d´Automme en1905, donde Matisse compartió exposición con los otros miembros del grupo Derain, Dufy yVlamink. 14
  15. 15. El fauvismo basa su planteamiento estético en la liberación de color utilizándolo para expresaremociones y sentimientos. El color es expresión. Pero no es un solo color, sino la relación entrelos demás colores. Matisse llega a decir: “No es una cuestión de cantidad sino de elección. Elcolor alcanza su plena potencialidad expresiva sólo cuando está organizado”.Pero esta relación de color no responde a teorías científicas, sino que es según la sensibilidaddel artista. El tono es lo que hace ver cuál es el contexto y cuál es la situación a representar.Clasificación y contexto socialTras el paso del impresionismo y postimpresionismo, a comienzos del S.XX comienzan una seriede movimientos que buscan la ruptura con lo anterior.En estos momentos nos encontramos, según el contexto social, en un momento de tensión. Lasituación política internacional es crítica, ya que hay amenaza de un conflicto armado conconsecuencias para toda Europa. A esta amenaza de conflicto, le tenemos que añadir el procesode industrialización, con la acumulación de masas humanas en las grandes ciudades quebuscan una casa, pero que no la encuentran.El fauvismo nace con la exposición en el Salón D´Automme en 1905 en Paris. El nombre defauvismo viene de fauve, fiera en español, que vino dado por el crítico Louis Vauxcelles.RelacionesEl fauvismo duró tan solo dos años. Antiguamente, las tendencias las mediamos en siglos, peroen estos momentos, va a ser común, la duración escasa de las vanguardias.Los precursores del fauvismo partieron principalmente de: Cézzane, imitaron su forma aldescomponer las imágenes en planos de color relativamente uniformes y del neoimpresionismo,tomándolo gusto a las colores puros y a las yuxtaposiciones como que un árbol podía ser rojo yun rostro humano tener manchas verdes.Bibliografíahttp://www.artecreha.com/Miradas_CREHA/h-matisse-madame-matisse-retrato-de-la-raya-verde.htmlApuntes historia del arte de 2º bachilleratoLibro de texto “historia del arte 2” EL OBSERVATORIO ASTRONÓMICO DE MADRID, Alejandro Español El origen del Observatorio se deben a la iniciativa del Carlos III el cual siguiendo lassugerencias de científicos como Jorge Juan, entre otros muchos, puso en marcha la edificacióndel edificio en el año de 1785, bajo la dirección de Juan de Villanueva, de formación clasicista,levantado sobre el cerro de San Blas. El edificio presenta un diseño clásico, con planta cruciforme y un salón central quesobresale hacia el exterior, donde se emplea el orden corintio para las columnas del pórtico. Untemplete circular se eleva sobre él, haciendo las veces de cúpula y de columnas jónicas. Es sin duda la obra más clasicista del siglo XVIII madrileño y de haberse finalizado, ensu totalidad y como fue diseñada, sería la más importante de la arquitectura de su época. Como ya hemos mencionado anteriormente, el arquitecto fue Juan de Villanueva. Suestilo se caracteriza por una gran severidad y sentido de las proporciones; además, se consideracomo una síntesis entre el estilo herreriano y el neoclasicismo (puesto que se piensa que sus 15
  16. 16. máximas influencias son Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera, artífices del Monasterio deEl Escorial). No solo es el autor del Observatorio Astronómico de Madrid sino que en 1771 construyela Casa de Infantes en el Real Sitio de Aranjuez; en 1772, la Casita del Príncipe en El Pardo; en1773, la Casita de Arriba, para su uso por el infante don Gabriel, y la Casita de Abajo (ambas enel Real Sitio de El Escorial). Fue nombrado arquitecto de la comunidad de monjes jerónimos del Monasterio de ElEscorial, donde completó el cierre de la Lonja, Su primera gran obra de envergadura, la Casa de los Infantes y de la Reina (situadajunto a la fachada septentrional del monasterio), la acometió en 1769. En 1785, diseñó la Tercera Casa de Oficios, en la que mantuvo la línea austera de Juande Herrera, autor de la Primera y Segunda Casa de Oficios (1587) Sin embargo, su obra maestra es el edificio del Gabinete de Historia Natural, hoy Museodel Prado (con proyectos en 1785 y 1787), fue convertido en Museo de Arte en 1814, es uno delos edificios más representativos del neoclásico español. Un año antes de su muerte, fue excavada la Gruta del Campo del Moro, uno de susúltimos diseños. Se trata de un pasadizo subterráneo, que se conserva parcialmente, medianteel cual se comunicaba la fachada occidental del Palacio Real de Madrid con los jardines de laCasa de Campo. En definitiva, Villanueva tuvo una intensa actividad arquitectónica en la ciudad deMadrid, a la que contribuyó a dar el nuevo aspecto de urbe moderna y monumental que deseabaCarlos III para su capital. Fue el arquitecto que, con su estilo personal no exento de influencias locales, mejor supotrasladar a España los postulados teóricos del neoclasicismo europeo. EDIFICIO ROCKEFELER CENTER, Sergio AlcónEl tipo de construcción es un rascacielos, anteriormente se había construido para albergar todotipo de radios que se habían desarrollado en esa época, ahora actualmente su función es decentro comercial en el cual se encuentran tiendas, recreativos restaurantes, supermercados detodo tipo, ect…. Pero también sirve como lugar de trabajo ya que tiene oficinas.Elementos arquitectónicos:-Tiene una planta cuadrangular y sobre ella se van estrechando el área de la base y montándoseuna sobre otra hasta construir un edificio muy alto a base de rectángulos superpuestos.-Los muros tienen una función sustentante porque ellos son los que aguantan el edificio con unesqueleto arquitectónico.-Los materiales utilizados en este edificio son principalmente el hormigón armado y el hierro. Latécnica de construcción empleado es la empleada en la actualidad se hace un esqueleto dehormigón y hierro las columnas de hormigón se hacen poniendo unas torres huecas de hierrodonde se hecha el hormigón hasta que esta seco y luego se quita.Las plantas se hacen con unas vigas en forma de H las cuales soportan mucho peso, y despuésde hacer esto se hacen las fachadas.-Los pilares son cuadrangulares y tienen una función sustentante ya que no es decorativa. 16
  17. 17. -Las cubiertas en este edificio son planas ya que el techo de cada planta es el suelo de lasuperior, para hacerlo como ya explicado antes se cruzan unas vigas en forma de H de unextremo al otro de la pared y luego se recubre con hormigón.-Los vanos que hay en este edificio son muchos ya que la mayoría de la fachada son ventanas,la función que tienen estas ventanas es la de dar luz al edificio para así gastar menos luzartificial y pagar menos, porque pagar la factura de luz de una edificación de este tipo es muycara.-Las fachadas ya que este edificio pertenece al artedeco utiliza una gran geometrización.Elementos decorativos: no hay aunque si hay algunas esculturas y fuentes en el jardín que haydelante del edificio pero, el edificio no muestra ningún elemento decorativo observable. Cuandofue construido, el exterior era una obra de arte. Los detalles verticales de la austera fachada deestilo Art Deco están integrados dentro de unas formas esbeltas y funcionalmente expresivas.Actualmente, el exterior se reconoce por las grandes letras GE situadas en lo más alto y sufamosa marquesina en la entrada del edificio a menudo mostrada en diversas series televisivas,tal como Seinfeld. A diferencia de la mayor parte de otros altos edificios de estilo Art Décoconstruidos en los años 30, el edificio GE no tiene ninguna aguja en su tejado.Dimensiones y proporciones: Con 259 metros y 70 plantas es el séptimo edificio más alto de laciudad de Nueva York y el trigésimo más alto en los Estados Unidos.Relación con el entorno: La entrada principal al complejo desde la Quinta Avenida da lugar a unagradable paseo ajardinado conocido como Channel Gardens. Este nombre viene a recordar elCanal de la Mancha, pues el paseo está flanqueado por dos edificios: el inglés British EmpireBuilding y el francés La Maison Française. Los jardines están decorados con fuentes y esculturasde peces hechas en bronce por el escultor Rene Chambellan. Channel Gardens desemboca enla Lower Plaza presidida por la escultura dorada Prometeo de Paul Manship. Esta plaza, antiguaentrada a las tiendas de lujo que años atrás poblaban el complejo, se utiliza como terraza derestaurante en verano y como pista de hielo para patinaje en invierno. EL PÁJARO, de Brancusi, Daniel Ros 1. Introducción. Brancusi, el autor de origen rumano que elaboró esta obra, confesó que desde su infanciasiempre había estado interesado por el mundo del vuelo de las aves, y centro buena parte de sucarrera en intentar representar ese vuelo a través de sus esculturas. Entre 1912 y 1940 realizóentre 22 o 29 esculturas sobre pájaros durante el vuelo. Para su representación, no se centró enlo que es el ave en sí, sino en la naturalidad del movimiento; para ello sustituyó la imagen "real"del pájaro por una interpretación artística del concepto de vuelo. Esto lo consiguió eliminando laspartes físicas del ave, patas, alas, etc., y consiguió simular el movimiento alargando la parte quese corresponde con el cuerpo, el pico y la cabeza. Su intención era romper con la realidad objetivo de un pájaro en vuelo para plasmar laimpresión visual y emocional que le producía el movimiento de las aves en el espacio. 17
  18. 18. 2. Análisis formal. Se trata de una obra de bulto redondo de pequeñas dimensiones, que combina la presenciade dos materiales principales: el mármol y el bronce, con los cuales perfectamente pulidoselaboró sus obras, que después colocaría sobre burdos pedestales de madera, piedra o mármol;como ocurre en su obra El Pájaro. Con esta combinación de materiales consigue representar simultáneamente sensaciones ypercepciones contrastantes, suavidad y rugosidad, superficies etéreas luminosidad y masassólidas. En las obras de Brancusi el bronce pulido se convierte en un espejo que refleja elespacio que lo rodea, con lo cual se logra una interacción entre la obra y su espacio, además deconseguir la representación del movimiento mediante el alargamiento que da la sensación de larapidez del vuelo mediante la deformación del pico y los ojos con la forma ondulante que toma lafigura. 3. Análisis temático. La función de esta obra es representar el vuelo de un ave mediante una escultura de unamanera original, con ella pretendía romper con la realidad objetiva de un pájaro en vuelo paraplasmar la impresión visual y emocional que le producía el movimiento de las aves en el espacio. Para Brancusi el vuelo representaba la felicidad, la ascensión, la transcendencia, lasuperación de la condición humana llegando a simbolizar casi un mundo irreal al plasmar algoinalcanzable para el ser humano como es volar por su propia fisonomía. Con las imágenes delave, las alas y el vuelo se relacionan numerosos símbolos alusivos a la vida espiritual y sobretodo a las experiencias emocionantes y a los poderes de la inteligencia. El simbolismo del vuelotraduce una ruptura llevada a cabo en el universo de la experiencia cotidiana, que da lugar altratamiento simultáneo de la transcendencia y la libertad que proporciona el vuelo. 4. Clasificación y contexto histórico. Brancusi hizo de la escultura un recuerdo visible de un deseo de la antiguedad. Lo mismoque en el hombre arcaico, en Brancusi, escultor moderno y vanguardista, destaca el deseo por elvuelo, la avidez por una proyección hacia la altura celeste, o la glorificación de la poderosa ymisteriosa presencia de los objetos. El Pájaro de Brancusin, una de sus obras más conocidas,fue creada entre los años 1912 y 1940; al ser una de las piezas de la serie que este escultordedicó a los pájaros, durante el periodo de entreguerras. Actualmente se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva Cork (MOMA), y su altovalor simbólico junto con la exquisita depuración táctil; hacen que se pueda enlazar esta obracon la escultura del surrealismo. 5. Relaciones. Sus primeras obras exponen la influencia de Rodin y de los impresionistas, aunque desde elaño 1908 se aprecia una evolución hacia un estilo más personal. Recibió inspiración de laescultura prehistórica y de la africana. Las primeras obras de este autor muestran influencias de Rodin y de los impresionistas,aunque desde el año 1908 su escultura evoluciona hacia un estilo más personal. Recibióinspiración de la escultura prehistórica y de la africana, además del surrealismo al que se vinculaesta obra. Algunos autores recibieron cierta influencia de Brancusi, como en el caso del escultorespañol Alberto Sánchez en su obra El pueblo español tiene un camino que conduce a unaestrella, que recuerda a La columna sin fin de Brancusi. 6. Bibliogafía.www.sepiensa.comwww.barzaj-jan.blogspot.comwww.temakel.comLibro de texto de Historia del Arte. 18

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