Este documento resume la obra de arte San Carlos de las Cuatro Fuentes, una iglesia barroca diseñada por el arquitecto Francesco Borromini en Roma entre 1638 y 1641. La iglesia tiene una planta ovalada y muros curvos que le dan movimiento. En el interior hay columnas circulares y la cúpula está decorada con casetones en forma de cruz griega. Pertenece al estilo barroco y fue encargada por la orden religiosa de los Trinitarios.

1. Historia del Arte 2º
SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES, Ricardo Mongay
1-Análisis de la obra.
Tipología: Se trata de una iglesia, cuya función es dar misa a
los fieles.
Elementos arquitectónicos:
-Está formado por un convento, un claustro y una
iglesia de planta de forma ovalada.
-Los muros tienen la función tanto de sustentar como
de cierre, como se puede observar en la fachada, Borromini
combina una serie de curvas y contracurvas lo que le dota de
movimiento y de una mayor riqueza.
-Los soportes empleados en esta construcción son: en el interior se emplean columnas
circulares adosadas al muro, para lograr un mayor soporte de peso; en la fachada se pueden
observar dos pisos cada uno con cuatro columnas circulares de orden gigante y corintio.
-Como cubierta se usa una cúpula oval rematada con una linterna octogonal para facilitar
la entrada de luz en la iglesia, Borromini para realizar el techo de la cúpula utilizó casetones con
forma de cruz griega (símbolo de los Trinitarios, que era la orden para la que realizó).
-En la fachada se puede observar que para separar el primer del segundo piso hay un
friso en el que se lee “IN HONOIS TRINITATEM ET CAROLI MDCLVI”. En ambos pisos se hay
cuatro columnas de orden gigante y corintio con el fuste liso y circular que se apoyan sobre un
entablamento. En el piso inferior por encima de la puerta y de las ventanas se ven tres estatuas.
A ambos lados de la puerta principal hay dos vanos ovalados. En el piso superior hay una
pequeña puerta en la parte central que da lugar a un pequeño balcón; la fachada del edificio lo
corona un medallón.
Elementos decorativos: No eran mucho debido a que la orden de los Trinitarios tenía pocos
recursos; las tres estatuas de la fachada son San Carlos de Borromeo y dos santos; detrás del
altar se puede observar una pintura de la Coronación de la Virgen, realizada al fresco.
Relación con el entorno: Esta iglesia se encuentra en Roma. Roma fue una ciudad en la que
predominó la construcción de grandes iglesias edificios. La iglesia se encuentra a ambos lados
con otros edificios.
2-Clasificación y contexto histórico-social.
Estilo: Pertenece al arte barroco, al contrario que Bernini, éste buscaba en su arquitectura
cambios lumínicos, movimiento y efectos sorpresa gracias al modelado de los muros con curvas
y contracurvas.
Cronología: La obra fue realizada en el siglo XVII y concretamente entre 1638 y 1641.
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2. Historia del Arte 2º
Autor: Francesco Borromini nació en Italia en 1599 y muere en Roma en 1667, trabajó como
cantero en el taller de Maderno, poco después recibió el encargo de San Carlo alle Quattro
Fontane también llamado “San Carlos de las Cuatro Fuentes”. En su obra religiosa cabe
destacar la basílica de “Sant-Ivo alla Sapienza” y la iglesia de “Saint Apostoli”; pero también
realizó palacios y casas particulares como Spada y Falconeri. Debido a su carácter desconfiado
y atormentado tuvo una gran rivalidad con otro arquitecto de la época y del mismo tiempo,
Bernini.
Contexto: La obra pertenece a la arquitectura del barroco en Italia, Borromini fue un arquitecto
que trabajó predominantemente para órdenes religiosas por lo que no pudo usar materiales de
primera calidad, se dice que el carácter de Bernini junto con su rivalidad con Borromini le llevó a
su muerte.
Relaciones: La obra de Borromini llama la atención por su originalidad y ruptura con las reglas
establecidas, se puede observar en las cúpulas de San Carlos de las Cuatro Fuentes y Sant´Ivo
alla Sapienza.
Bibliografía:
-Internet:
-http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/borromini.htm
- http://www.telecable.es/personales/angel1/arqbar/borromini/
-http://waynehistoria.blogspot.com/2007/03/san-carlos-de-las-cuatro-fuentes-es-
una.htm
-http://contemplalaobra.blogspot.com/2009/04/borromini-san-carlos-de-las-
cuatro.html
-Libros:
“Historia del Arte” 2º Bachillerato. SM.
CRISTO YACENTE, ESTHER PEIRÓ
ANÁLISIS DE LA OBRA:
En esta escultura se representa a Jesucristo en
posición yacente (tumbado), una vez trasladado al
Santo Sepulcro después de haber sido crucificado.
Este fue un tema muy tratado durante el Barroco
(1600-1750) ya que la iglesia tuvo una gran
influencia en todo el arte de esta época, además
este tema de Cristo muerto fue también
representado durante el Renacimiento por autores
como Mantenga o Holbein.
Esta obra presenta un gran realismo y dramatismo además de una gran sobriedad, al igual que
todas las demás obras de este escultor. Se ve a Jesucristo tumbado sobre un sudario con la
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3. Historia del Arte 2º
cabeza y las piernas inclinadas hacia el lado derecho, sus brazos se extienden por ambos lados
de su cuerpo. Se representa muy delgado y pálido ya que estaba muerto, ese dramatismo antes
nombrado se observa en las heridas que tiene en el costado y las de las manos y pies debido a
los clavos, además de las llagas y despellejos de las rodillas hechas durante el vía crucis, previo
a la crucifixión, y también en la mirada perdida y profunda que presenta además de tener la boca
abierta.
Es una escultura adosada (que no se pueden observar todas sus vistas) y yaciente (tumbado).
El material en el que está tallado es madera y está policromada, en relación a su textura está
muy pulida para poderle aplicar ese color sobre el pelo, la barba, la piel, las heridas y representar
la tela del sudario para que le dé realismo a la escultura.
CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO:
La obra fue realizada por el escultor barroco Gregorio Fernández, para los Capuchinos del Pardo
y fue financiada por el rey Felipe III.
Fue realizada entre 1620-1625. En la actualidad se encuentra en el Museo Nacional de Escultura
en Valladolid.
APOLO Y DAFNE, MAPI HERNÁNDEZ
Análisis de la obra
- Tipología: Según su resalte es una escultura de exenta
de bulto redondo, según la parte representada es
completa y según la posición es un grupo.
- Tratamiento de la materia escultórica: la escultura está
tallada en mármol y sin policromar, por lo que deja al
descubierto el color blanco natural del mármol. Es una
estatua muy pulida, lo que le aporta brillo y un aspecto
más real.
- Emplazamiento original y puntos de vista: esta estatua
la podemos encontrar actualmente en la galería
Borghese de Roma y tiene varios puntos de vista. Está
diseñada para ser rodeada para así integrarnos mejor
en la imagen pues sí la vemos desde la espalda de
Apolo solo vemos el árbol en que Dafne se transforma y si giramos alrededor vemos el
cambio de la ninfa a árbol.
- Efectos de luz: es una escultura con muchos contrastes de luz, lo que crea abundantes
luces y sombras que dan mucho dramatismo y que demuestran la influencia helenística
de Bernini, además surgen diferentes en cada punto de vista.
- Grado de realismo y estudio anatómico: esta obra tiene un alto grado de realismo por la
proporción y el dinamismo. Al tratarse de la representación de un momento, como si
fuera una fotografía, la expresión es máxima, sobre todo si nos fijamos en la cara de
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4. Historia del Arte 2º
Dafne. Además el tratamiento del material ha conseguido unas texturas excelentes
pareciendo la piel de los personajes piel humana y el árbol corteza real. En esta obra
Bernini más que el estudio anatómico de los personajes buscó la fundición de los dos en
una sola figura, aunque veamos un alto grado de detallismo en las expresiones y unas
características muy similares a las que se describen de Apolo y Dafne en el periodo
helenístico.
- Estudio de la composición y representación del movimiento: la escultura es de bulto
redondo y dependiendo de la perspectiva el conjunto completo cambia mucho. Toda la
figura tiene una fuerza hacia delante, es porque Apolo iba corriendo detrás de Dafne.
Por ello nos transmiten una sensación de movimiento y desequilibrio muy dinamizado
que incita al espectador a querer saber lo que va a ocurrir a continuación ya que se nos
esta mostrando el momento cumbre, no el desenlace. Vemos una línea recta que recorre
a Dafne y una línea diagonal que surge del pie de Apolo y acaba en la rama más alta del
laurel en el que Dafne ya se está convirtiendo (serpentinata).
- Tema y significado: el tema de la escultura es mitológico. Representa el momento exacto
en que Dafne, una ninfa hija del dios-río Peneo se convierte en árbol cuando se
encomendó a su padre pidiéndole que le salvara de no caer en manos de Apolo, el cual
la perseguía porque Eros le había lanzado una de sus flechas y le amaba locamente. De
los pies de Dafne salieron raíces y de sus brazos frondosas ramas, y desde entonces
Apolo llevaba la corona de laurel en su pelo, porque el laurel es el árbol en que se
convirtió Dafne.
Clasificación y contexto histórico-social
- Estilo: esta obra pertenece a la escultura barroca italiana del S. XVII. La escultura de
este periodo es característica por el papel decorativo, la estructura dramática y viva, la
mezcla entre eclecticismo académico y naturalismo, la expresividad y el intenso
claroscuro. Características todas comunes a la obra de “Apolo y Dafne”
- Cronología: fue creada entre 1622 y 1625.
- Autor: Gian Lorenzo Bernini nació en Nápoles el 7 de diciembre de 1558 y murió en
Roma el 28 de noviembre de 1680. Es uno de los artistas más importantes del barroco y
fue tanto pintor, como escultor y arquitecto. Su primer maestro fue su propio padre,
Pietro Bernini, un escultor manierista. En sus primeras obras mostró un especial interés
por la escultura helenística y pronto se consagró como artista cuando realizó los cuatro
Grupos Borghesianos que le dieron mucha fama. Es un artista que siempre estuvo
respaldado por los papas por lo que nunca le faltó trabajo y muchas de sus obras eran
de temas bíblicos, aunque también mitológicos. Llegó prácticamente a ser el artista
exclusivo del Vaticano, del Papa Urbano VIII.
- Contexto: la obra de Apolo y Dafne de Bernini ha sido de las que más fama le han dado.
Fue encarga por el Cardenal Borghese, por lo que estuvo subvencionada en todo
momento, y pertenece a los cuatro Grupos Borghesianos. Estas obras marcaron un
antes y un después en la carrera de Bernini y condujeron su carrera hacia el éxito y la
fama.
- Relaciones: Bernini influyó mucho en el S.XVII y XVIII, a lo largo de todo el barroco y
parte del clasicismo. Esta influencia es muy clara en su discípulo Carlo Fontana pero
también en otros artistas europeos, incluido españoles.
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5. Historia del Arte 2º
LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARILLO, IRENE COLOMER
Este es un cuadro de Murillo denominado la Sagrada
Familia del pajarito, es una de las más importantes
obras del pintor barroco sevillano.
Nos situamos en una escena, totalmente familiar
debido a la ausencia de elementos divinos o
celestiales, ya que aun que los representados sean el
niño Jesús, la virgen María y san José debido a su
comportamiento nadie diría que lo son. Parece como si alguien nos estuviera abriendo la puerta
de su casa y contempláramos una escena totalmente normal. Con lo cual Murillo convierte la
escena religiosa en un cuadro de género.
Este cuadro está realizado con óleo sobre lienzo. Con la técnica del claroscuro, también
denominada tenebrismo que consiste en el uso de fuertes contrastes entre los volúmenes
iluminados y los ensombrecidos del cuadro para destacar más algunos elementos.
El colorido no es muy variado, más bien escaso, con unas tonalidades muy cromáticas. La luz
es la que más juega en este cuadro ya que el cuadro generalmente esta iluminado a través de
un potente foco que viene de la parte izquierda iluminando de manera frontal al niño y al perro
sobre todo, pero también los rostros de san José y la Virgen. Esto hace que deje el fondo en
penumbra dando más importancia a los personajes.
La iconografía de este cuadro es una reproducción del pintor Federico Barocci
En el cuadro podemos ver tres personajes en una sala cerrada. La de más a la izquierda es la
Virgen María, lleva en su mano derecha una manzana y en la izquierda el hilo, ya que está
devanando la lana. En sus pies aparece una cesta llena de las labores que está realizando.
Murillo no pretende darle mucha importancia a este personaje en el cuadro, ya que aparece en
un lugar secundario, y no forma parte del acto que se está realizando en el centro de este, pero
podemos observar que ella deja de realizar sus labores para contemplar con mirada dulce la
escena que se esta desarrollando. En esta escena vemos a san José sujetando al niño Jesús, la
importancia y el carácter de san José como en este cuadro pocas veces más ha aparecido en la
historia del arte, ya que sostiene a su hijo con dulzura, y aparece junto con su hijo compartiendo
un momento de afecto. En su rostro se aprecia su alegría y orgullo. Detrás de él aparecen unas
maderas, como si fuera un banco, con lo cual nos está indicando la tarea que él desarrollaba. Y
por último el personaje al que más importancia le da murillo, el niño Jesús, que por eso aparece
en el centro y más iluminado por la luz. Está aguantándose entre las piedras de su padre con
ayuda de este. Mantiene una mano levantada, en ella guarda un pajarito, que según muchas
teorías podría ser un regalo de su padre, y contempla a un perrito que aparece en frente de él
sentado contemplando al pájaro. Los gestos del niño son bellos y muy delicados, y su cara
dibuja una pequeña sonrisa con la que nos muestra su felicidad en ese momento.
Murillo realizaba un excelente dibujo posible de ver en este cuadro en pequeños detalles como la
cesta de las labores de la virgen, los pliegues de los paños, el gesto del perro o lo más
sorprendente, el hilo que si nos fijamos detenidamente vemos como se mueve.
Esta obra posee claras influencias de pintores contemporáneos suyos como son Zurbarán y
Rivera.
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6. Historia del Arte 2º
LA FRAGUA DE VULCANO, SERGIO FUERTES
Esta obra est situada en el período artístico del
Siglo de Oro de los autores españoles, en pleno
Barroco, concretamente data del año 1630, durante
el primer viaje a Italia de Diego Velázquez.
El autor es Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
(Sevilla,6 de junio de 1599 –Madrid, 6 de agosto de
1660) conocido como Diego Velázquez, fue un pintor
barroco, considerado uno de los máximos
exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal.
Es una pintura realizada al óleo sobre tela. No fue ningún encargo real, y actualmente se
encuentra en el Museo del Prado de Madrid.
Narra una escena mitológica, en la que el dios Apolo, comunica al dios Vulcano que su esposa
la diosa Venus, le está siendo infiel con el dios de la guerra, Marte. Mientras los demás herreros
(4), contemplan sorprendidos a Apolo.
Apolo, aparece cubierto por una túnica naranja que deja al descubierto su torso desnudo y que
junto con la aureola de rayos solares que tiene en su cabeza, el trozo de metal rojo que sujeta
sobre el yunque y la llama de la chimenea son los únicos colores cálidos. A excepción de Apolo,
el resto podría considerarse una escena de taller, un cuadro de género, ya que aparecen los
demás personajes, incluido el dios Vulcano, como tipos normales, para los que el pintor debió
inspirarse en personajes populares.
El herrero de espaldas recuerda las estatuas de los héroes clásicos, el obrero que se inclina
sobre la coraza parece estar lleno de vida y el más expresivo es el personaje que está entre
estos dos, el cual aparece boquiabierto, con gestos de gran sorpresa y muy desfigurado. Y en
cuanto al propio Vulcano aparece con una musculatura similar a la de los otros herreros, viejo,
atónito y deforme.
La herrería donde esta ambientada la acción que se narra podría corresponder a cualquier
herrería, sin mencionar ninguna en concreto.
La obra se caracteriza por el potente chorro de luz que ilumina a los personajes el cual
proviene lateralmente de la parte izquierda. Destaca la perspectiva aérea, el predominio de los
tonos ocres con ligeros toques de color, y por último cabe resaltar la minuciosidad de todos los
objetos y herramientas, destacando las calidades de la armadura del primer plano, el jarro blanco
de la chimenea, los yunques…
La elección del tema, yo creo personalmente que pretende desbancar la teoría platónica de la
superioridad de la idea sobre el trabajo manual, defendida por todos aquellos que, como
Velázquez, combaten por la nobleza de la pintura, considerada hasta entonces como un oficio
mecánico.
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7. Historia del Arte 2º
Velázquez se inspira en un grabado de Antonio Tempesta, modificándolo ampliamente y centra
la acción narrativa, en los gestos y expresiones, mediante un estilo clasicista barroco, sin huella
de tenebrismo.
LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO, MAR LÓPEZ
Se trata de una obra pictórica del autor aragonés Francisco de Goya y Lucientes. En ella quiso
reflejar los hechos ocurridos en Madrid (concretamente cerca del cuartel del Prado Nuevo y del
convento de María de Aragón como puede observarse en la obra) durante la guerra de
Independencia contra los franceses en el año 1808. Su objetivo fue el de ensalzar la valentía de
el pueblo madrileño que protagonizó la resistencia ante el ejército invasor con unos medios
ridículos y en un combate muy desigual, del que surgen estas imágenes tan impactantes, duras,
violentas, y tensas.
El pelotón de soldados lo forman soldados del batallón de marineros de la Guardia Imperial,
aunque Goya simplificó sus uniformes. Estos soldados conforman un bloque homogéneo al que
mantiene en el anonimato, se podría decir que son una metáfora de las máquinas de matar que
cualquier conflicto bélico hace de las personas. Uno de los fusilados es el padre Francisco
Gallego y Dávila, el único religioso ejecutado, el resto de sus victimas no se identifican, pero si
que se pueden percibir en ellas las diferentes formas de vivir esos últimos momentos:
seguramente todos ellos presas del pánico, unos lo muestran en su mirada, otros se tapan los
ojos, el padre se refugia en sus últimos rezos y otros como el personaje central asumen su
muerte de frente y con la mirada fija en sus verdugos, su camisa blanca (signo de inocencia),
contrasta con el rojo de la sangre que por el suelo se esparce.
A toda esta escena nos introduce uno de los cadáveres yacientes en el suelo, que Goya retrata
en escorzo, y en ella, la oscuridad de la medianoche contrasta con el fuerte foco de luz que
ilumina a las víctimas.
Del fuerte expresionismo de esta obra, destaca la modernidad de sus trazos sueltos y rápidos del
pincel con óleo sobre el lienzo.
LA VOCACIÓN DE SAN MATEO. SERGIO HERRANZ
IDENTIFICACIÓN:
Se trata de una obra de Caravaggio datada en 1600.
La obra representa un grupo de hombres, en el interior de un edificio alrededor de una mesa
donde cuentan dinero, también podemos apreciar dos figuras que señalan a uno de los
personajes, concretamente a San Mateo, por lo que deducimos que es una escena religiosa.
Se encargó para la capilla de Contarelli de la iglesia de San Luis de los Franceses en Roma.
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8. Historia del Arte 2º
CARACTERÍSTICAS:
Su composición está formada por dos grupos de personajes en un primer plano y marcada
por una línea diagonal de luz artificial que viene desde la parte de arriba a la derecha, el resto del
cuadro en su parte de arriba, tenemos un fondo, con una ventana que no nos da un foco de luz
por lo que es un fondo neutro en penumbra. La profundidad del cuadro está ,arcada por el grupo
de personajes sentados a la izquierda ya que están sentados en forma circular siendo más
grandes los más próximos a nosotros, y más pequeños los del fondo, y en la parte de la derecha
tenemos a Cristo señalando a San Mateo, y este muestra su asombro. Con la gesticulación de
los personajes y sus ropas el cuadro tiene gran expresividad y sensación de movimiento.
Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo y utiliza la luz para dar sensación de profundidad
y reflejar el claroscuro generando luces y sombras, y un mayor tenebrismo. Se muestra un gran
realismo en las figuras y tiene unos colores cálidos aunque no muy llamativos ya que están
reflejados por la luz tenue que nos transmite ese tenebrismo.
LAS MENINAS. RUBÉN GARGALLO
- Las Meninas es una representación de un momento
cotidiano. En este cuadro se puede observa a la infanta
Margarita ha entrado en el estudio seguida de sus meninas, o
damas de compañía y enanos, y están siendo retratados por
Velázquez.
- La técnica utilizada es la pintura al óleo sobre lienzo.
- ELEMENTOS PICTÓRICOS EMPLEADOS:
Este cuadro está separado en dos partes: de mitad para abajo, el
conjunto de personas y de mitad para arriba por los cuadros y el
techo. Predominan los colores oscuros en el fondo y los cálidos
(ocre, blanco) en primer plano. La escena está tomada desde un
ángulo que se cierra a la derecha con el escorzo de una pared. Estos colores pierden intensidad
a medida que se alejan, por lo que crea una sensación de que hay aire en la sala.
La habitación está toda en penumbra y la luz entra por tres puntos distintos: por los dos
ventanales y por la puerta del fondo. El pintor emerge discretamente detrás de su cuadro, pero
los demás personajes se pierden en la atmósfera casi tangible.
Y al fondo otros dos golpes de luz: la puerta abierta, con el contraluz del mayordomo de palacio
y el espejo, que nos devuelve a los reyes.
Como ya he comentado antes se trata de una perspectiva aérea, ya que, los colores pierden
intensidad a medida que se alejan. En este lienzo los protagonistas son la luz y el aire, lo que da
unidad y coherencia al conjunto, además de las miradas que confluyen en el asombrado
espectador.
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9. Historia del Arte 2º
- ANÁLISIS FORMALES:
Veláquez utiliza una pintura ilusionista (la que apasionará a los impresionistas), por lo que a poca
distancia del lienzo no hay nada definido. Las manos de todos los personajes son manchas y los
rostros del plano intermedio son verdaderos borrones.
LA FAMILIA DE CARLOS IV. Blanca Aguilar
1.Clasificación: Se trata de una obra pictórica realizada por
Francisco de Goya en el año 1800. Esta obra de estilo
neoclásico, aunque Goya no perteneciera a una corriente
concreta, es una de las más importantes del pintor. Este
cuadro es una crítica a la monarquía, pero fue aceptado por
la familia real.
2.Técnica: Se trata de un cuadro de gran complejidad
compositiva en el que se ha utilizado la técnica del óleo sobre lienzo para su realización, las
medidas del cuadro son: 280 x 336 cm. Entre sus característica formales distinguimos la
pincelada suelta que caracterizó a Goya, la verticalidad del cuadro debido a que todos
personajes se encuentran de pie, uso de colores vivos, se encuentran tres puros acertadamente
distribuidos en la obra: rojo, verde y amarillo. Cabe destacar que el verde y rojo son
complementarios y se encuentran ubicados en forma equilibrada acercándose a los márgenes
derecho e izquierdo; en el cuadrante derecho se encuentran un integrante de la familia con un
atuendo verde y otro en rojo, mientras que del lado izquierdo hay un personaje en un rojo casi
anaranjado y un óleo en el fondo se encuentra pintado en tonos verdes. En la parte casi central
del lienzo está el príncipe vestido en un rojo mucho más puro que el resto, éste actúa como un
marcado acento. El amarillo se presenta en los vestidos de las mujeres. El fondo posee colores
neutros amarillentos y por zonas muy bajos. La pincelada en las vestiduras es un tanto gestual lo
que reproduce en forma muy fiel el género de los atuendos, sobre todo dorados y una luz
simbólica que no ilumina a todos personajes.
3. Simbolismo: en este cuadro aparecen los miembros de la familia real e incluso Goya se
autorretrató detrás de ellos. Distinguimos a la reina en el centro dejando al rey lleno de
condecoraciones apartado, esto simboliza el carácter dominante de la monarca, famosa por sus
infidelidades con el ministro Godoy, con la luz representa la oscuridad que representa la
monarquía. El autorretrato de Goya es un claro homenaje a su maestro Velázquez quien también
se autorretrató en las meninas. Los estudios posteriores dan cuenta del aspecto caricaturesco de
muchos personajes. De izquierda a derecha los personajes representados son: Carlos M ª Isidro,
Goya, el futuro Fernando VII, su prometida, la reina Mª Luisa, Dª Isabel, el infante Francisco de
Paula, el rey Carlos IV, Dª Antonia Pascual y Dª Carlota Joaquina, el príncipe de Parma, la
princesa Mª Luisa con su hijo. Fernando VII aparece un poco adelantado respecto a su padre,
esto simboliza la futura traición.
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