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Impresionismo

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  • 1. ImpresionismoArtistas destacados Por la Profesora Graciela Albizzi PDF generado usando el kit de herramientas de fuente abierta mwlib. Ver http://code.pediapress.com/ para mayor información. PDF generated at: Sat, 06 Oct 2012 14:31:23 UTC
  • 2. ContenidosArtículos Impresionismo 1 Museo de Orsay 19 Claude Monet 23 Édouard Manet 36 Edgar Degas 42 Pierre-Auguste Renoir 47 Paul Cézanne 53 Vincent van Gogh 63Referencias Fuentes y contribuyentes del artículo 86 Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes 87Licencias de artículos Licencia 92
  • 3. Impresionismo 1 Impresionismo Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquella que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que Claude Monet, Impresión: soleil levant, 1872–1873 (París, Museo Marmottan subyacen bajo este. El movimiento fue Monet). Cuadro al que debe su nombre el movimiento. bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias. Precedentes Paisajistas ingleses En la primera mitad del siglo XIX, en pleno Romanticismo, Joseph Mallord William Turner y John Constable —pintores paisajistas ingleses— sentarían las bases sobre las que más adelante trabajarían los impresionistas.[cita requerida] De Turner los impresionistas tomarían su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos. Así como la descripción de un momento visual más allá de la descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar a una «impresión» más poderosa. El máximo exponente de estas características lo encontramos en Lluvia, vapor y velocidad (1844) National Gallery de Londres, cuadro que podríamos considerar ya preimpresionista. Los impresionistas eliminarán el componente sublime de la obra de Turner, propio de la pintura romántica. John Ruskin, Importante teórico inglés del Romanticismo, defendía la impresión frente a la descripción.
  • 4. Impresionismo 2 Édouard Manet Si hay un autor clave entre los precursores del movimiento impresionista, este es Édouard Manet. Dos trabajos son esenciales en la comprensión de su influencia sobre el grupo. En su Desayuno sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición en primer (cesta y comida), segundo (grupo) y Édouard Manet, Le Déjeuner sur lHerbe (1863). Museo de Orsay. tercer término (mujer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración. Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar, recordándonos a las escenas festivas de Renoir. Édouard Manet, El bar del Folies-Bergère (1881–1882) Courtauld Institute de Londres.
  • 5. Impresionismo 3 Corot y la escuela de Barbizon Los impresionistas habían tenido un precedente en Camille Corot y en la Escuela de Barbizon. Corot tuvo un importante papel en la formulación del Impresionismo, porque renunció a muchos de los recursos formales renacentistas prefiriendo concentrar su atención en espacios más planos, más sencillos y en superficies más luminosas. Y, aunque a diferencia de los impresionistas nunca llegó a fragmentar la luz en sus componentes cromáticos y siempre organizó y simplificó sus formas para conseguir una cierta composición clásica, también usó con frecuencia una elevada clave tonal así como, en términos generales, un frescor y una espontaneidad nuevos en el Salón oficial. Historia Camille Corot, Autorretrato Inicios Con anterioridad al Impresionismo, el marco artístico, era dominado por un eclecticismo, al que respondió la generación de las rupturas estilísticas, una serie de rupturas que darán personalidad propia al arte moderno. La primera de ellas o, si se prefiere, su preámbulo, es el Impresionismo, un movimiento, resultado de una prolongada evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo. Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, Millet, Les Glaneuses (1857), Museo de Orsay. sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje.
  • 6. Impresionismo 4 Florecimiento y primera exposición El año 1873 marcará un giro característico del Impresionismo: el paso de la fase preparatoria a la fase de florecimiento. Los tanteos estaban olvidados y el trabajo adelantado. Pisarro y Monet habían hecho en Londres estudios de edificios envueltos en nieblas; Alfred Sisley, aún más vaporoso, se les había adelantado por ese camino; Renoir se hallaba, de momento, bajo la total influencia de Monet; y Edgar Degas empezaba a tratar los tutús de sus bailarinas del mismo modo que Monet o Renoir las flores del campo. Todos los impresionistas, incluyendo a Berthe Morisot, eran ya conscientes de formar un grupo y de tener iguales objetivos que defender. Su primera aparición pública como tal se estaba fraguando. A fin de pesar más a los ojos del público intentaron atraerse a otros artistas y fundaron una Sociedad anónima de pintores, escultores y grabadores que, por fin, en 1874, logró organizar una muestra en los salones del fotógrafo Nadar. En total participaron treinta y nueve pintores con más de ciento sesenta y cinco obras de las que diez eran Portada del catálogo para la primera exposición de Degas, la mayor aportación individual del grupo, y entre las que impresionista (1874). estaba la ya legendaria Impresión: sol naciente de Monet que, burlonamente citada por un crítico, dio nombre al grupo. La difusión El Impresionismo se difunde en toda Europa (entre otras cosas, gracias a la facilidad y rapidez con la que se podía ejecutar una obra).
  • 7. Impresionismo 5 Técnica y estética impresionista Colores puros La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color hasta entonces impensables, en ocasiones, con productos no naturales. A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean», y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo. Podemos decir que, rompiendo con la dinámica clásica del claroscuro, más propio del dibujo, una sombra podría ser más intensa, clara y saturada que una luz y, sin embargo, seguir Claude Monet, Catedral de Ruan. En la entrada principal de la catedral distinguimos azul creando ilusión de sombra y profundidad. Asimismo enriquecieron el ultramar y violeta para las sombras (colores más lenguaje plástico separando los recursos propios del dibujo y aplicando saturados que la parte superior, más iluminada) al únicamente los recursos propios de la pintura: es decir, el color. Para igual que naranja dentro de la misma zona de definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen sombra para definir los reflejos en la oscuridad. mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color. Un buen ejemplo del uso de los colores saturados para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Ruan de Claude Monet al lado. Este uso de los colores sería absorbido después por las primeras vanguardias, especialmente por el fovismo de Matisse o Gauguin. Pincelada gestáltica Aunque la teoría gestáltica apareció más adelante, los pintores impresionistas mostraron plásticamente lo que la psicología de la Gestalt vendría a demostrar psicológica y científicamente más adelante: perceptivamente, si se dan ciertas condiciones, partes inconexas dan lugar a un todo unitario. El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido. Este recurso fue llevado al máximo por los neoimpresionistas, también conocidos como Claude Monet, Parlamento de Londres. puntillistas como Seurat o Signac. Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a una visión unitaria de atmósfera y gradación de cálidos a fríos.
  • 8. Impresionismo 6 Seurat, La Parade. Los neoimpresionistas llevaron al extremo esta pincelada gestáltica, en este caso en forma de puntos, dando lugar a un color y forma unitarios. Forma La descripción de la forma, relegada a segundo plano y dejada a manos del dibujante y no del pintor queda subordinada a la definición de las condiciones particulares de iluminación. Por eso los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial —como Edgar Degas y sus bailarinas—, la iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet. La pintura pasa a ocuparse de aquello que le es intrínseco: la luz y el color y en ningún caso a la descripción formal del volumen heredada del clasicismo; Así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento. Auguste Renoir, La Balançoire. La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más importante que la descripción de su forma. Variantes en la estética impresionista
  • 9. Impresionismo 7 No todos los pintores del grupo fueron iguales y, ni mucho menos, fielmente ortodoxos con respecto a la estética impresionista. Las sólidas estructuras de luz y sombra de Eduard Manet fueron realizadas en su mayoría en interiores, después de muchos estudios preliminares, y tienen la dicción formal del arte de estudio, no la frescura de la pintura al aire libre. La atmósfera y el color local no eran, ni mucho menos, sus objetivos primordiales, y cuando representaba lo que parece, a primera vista, un tema «impresionista» era capaz de cargarlo con tantas ironías y contradicciones que llegaba a empañar toda su inmediatez. Dejando aparte a Berthe Morisot, el pintor del grupo que más se le aproxima es Edgar Degas, con una pintura difícil de comprender por su aguda inteligencia, sus intrigantes mezclas de categorías, sus influencias poco convencionales y, sobre todo, su tan traída y tan llevada «frialdad», aquella fría y precisa objetividad que fue una de las máscaras de su infatigable poder de deliberación estética. De hecho, ningún pintor del grupo es tan puramente impresionista como Claude Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir es el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos. Sin duda, Camille Pissarro fue el menos espectacular de los impresionistas porque es un pintor más tonal que esencialmente colorista. Pero, decano del Impresionismo, tuvo un importante papel como conciencia moral y guía artístico. Y, por último, trabajando a veces con Renoir y a veces con Monet, estaba Alfred Sisley, influido por ambos. Durante toda su vida siguió fielmente las directrices de los impresionistas pero nunca llegó a abandonar «la caza del motivo» y siempre se dejó llevar espontáneamente, con una facultad de comunicación directa, por un Romanticismo subyacente y lleno de poesía. Recordando siempre que la primera manifestación oficial del impresionismo fue la exposición organizada en 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar, al margen del Salón oficial, por un grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Degas, Monet, Morisot, Pissarro, Renoir, Sisley), cuyas obras motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público. Un cuadro de Monet, Impresión, sol naciente, motivó la denominación «impresionismo», creada con intención peyorativa por el crítico Leroy. Esta primera muestra fue el punto de llegada de un período de formación iniciado unos quince años antes por un grupo de artistas de la Academia Suiza (Pissarro, Cézanne, Guillaumin, Monet, Renoir, Sisley, Bazille), quienes, interesados en romper con los planteamientos pictóricos tradicionales y a partir de las innovaciones de Corot y de los paisajistas de la escuela de Barbizon, se centraron en la pintura al aire libre y buscaron el plasmado cambiante de la luminosidad de los paisajes y de las figuras humanas. Durante este período inicial fue fundamental la figura de Manet, quien, con La merienda campestre y con Olimpia, se convirtió en el abanderado del antiacademicismo. Tras la primera exposición, los impresionistas reunieron sus obras en siete ocasiones más (1876, 1877 —que plasmó el momento de mayor cohesión del movimiento—, 1879, 1880, 1881, 1882 y 1886), a lo largo de las cuales dejaron de participar algunos de los artistas pioneros (Cézanne, Monet, Renoir, Sisley) y se añadieron nuevos nombres (Cassatt, Gauguin, Redon, Seurat, Signac). Las primeras publicaciones importantes sobre la nueva tendencia fueron los artículos de Zola (en LÉvènement) y de Castagnary (en Le Siècle), La nouvelle peinture (1876), de Duranti, y la Historia de los pintores impresionistas (1878), de Duret. El impresionismo creó escuela también en otros países europeos; son de destacar Zandomeneghi en Italia; en España, Regoyos, finales de 1915, Eugenio Hermoso, La Juma, la Rifa y sus amigas, y 1920 por Sorolla, Claus en Bélgica, Grabar e Isaac Levitán en Rusia, Steer y Sickert en Gran Bretaña y Sargent, Hassam y Twachtman en EE UU. Tenemos que recordar que también implicó a los músicos impresionistas, frente al dramatismo de los románticos, trataron de aludir más que de afirmar y se expresaron más por medio de la disociación armónica y del timbre y del color de los instrumentos que por medio de la melodía. Sus máximos representantes fueron C. Debussy y M. Ravel,
  • 10. Impresionismo 8 aunque también estuvieron influenciados por esta técnica autores como P. Dukas, F. Delius, A. Caplet, F. Schmitt o R. Vaughan Williams. Algunos pintores impresionistas • Frédéric Bazille • Gustave Caillebotte • Mary Cassatt • Paul Cézanne (considerado impresionista, aunque más adelante dejará el grupo y se anticipará al Cubismo) • Edgar Degas • Armand Guillaumin • Édouard Manet (considerado el precursor por excelencia de la pintura impresionista) • Claude Monet (el más prolífico y quien más definió la estética del grupo) • Berthe Morisot • Camille Pissarro • Pierre-Auguste Renoir • Alfred Sisley • Henri Rouart • Joaquín Sorolla Cronología Línea del tiempo de los impresionistas franceses La pintura de la época impresionista en el resto de Europa Alemania Los criterios que se utilizan para evaluar el fenómeno estilístico internacional, llamado Impresionismo, es la proximidad o el alejamiento respecto a la pintura francesa de este período. Esto es válido también para los países de habla germana.[1] Entre los precursores alemanes de la pintura al aire libre podemos mencionar: Karl Blechen (1798 – 1840); Carl Gustav Carus (1789 – 1869); Johann Georg Dillis (1759 – 1841); Wilhelm Leibl ( 1844 – 1900); Adolph von Menzel (1815 – 1905); Carl Schuch ( 1846 – 1903); y, Johannes Sperl (1840 – 1905). Muchos pintores impresionistas alemanes tuvieron estadías más o menos prolongadas en París, que había desplazado a Roma como meca de la peregrinación. Este desplazamiento fue fuertemente impulsado por el surgimiento de academias, escuelas privadas de arte y por las exposiciones universales que se organizaron en París desde 1855. Algunos pintores de la época, con sus obras más significativas son: • Lovis Corinth (1858 – 1925); [2] • El negro "Otelo", 1884, Óleo sobre lienzo 78 x 58,5 cm • Autorretrato con esqueleto, 1896, Óleo sobre lienzo 66 x 86 cm [3] • Desnudo acostado, 1899, Óleo sobre lienzo 75 x 120 cm • Autorretrato con su mujer y copa de champán, 1902, Óleo sobre lienzo 98,5 x 108,5 cm [4] • En el jardín de Max Halbe, 1899, Óleo sobre lienzo 75 x 100 cm • Día del Emperador en Hamburgo, 1911, Óleo sobre tela 70 x 90,5 cm
  • 11. Impresionismo 9 • Retrato de Juluis Meier-Graefe, 1917, Óleo sobre lienzo 90 x 70 cm [5] • Autorretrato con sombrero de paja, 1913, Óleo sobre lienzo 98 x 66 cm • Pascua en el Walcheunsee, 1922, Óleo sobre lienzo 60,5 x 80 cm [6] • Autorretrato con sombrero de paja, 1923, Óleo sobre cartón 68,5 x 84 cm [7] • Ferdinand Hodler (1853 - 1918); [8] • Manzano en flor, hacia 1890, Óleo sobre lienzo 26,5 x 40 cm • Retrato de Louise Delphine Duchosal, 1885, Óleo sobre lienzo 55 x 46 cm [9] • Leo von König (1871 – 1944); ver información en alemán [10] • Gotthard Kuehl (1850 – 1915); ver información en alemán [11] • Wilhelm Leibl (1844 - 1900); [12] • Walter Leistikow (1865 - 1908);[13] ver información en alemán [13] • Puesta de sol en el Lago de Grunewald, 1898, Óleo sobre lienzo 167 x 252 cm [14] • Max Liebermann (1874 – 1935); [15] • Cervecería con jardín en Múnich, 1884, Óleo sobre lienzo. 95 x 69 cm • Las desplumadoras de gansos, hacia 1870/71, Óleo sobre lienzo. 172 x 118 cm (considerado por los críticos berlineses como "ideal absoluto de la fealdad" • Hora de recreo en el orfelinato de Ámsterdam, hacia 1881/82, Óleo sobre lienzo. 78,5 x 107,5 cm • Mujer con cabras, 1890, Óleo sobre lienzo. 127 x 172 cm • Convento de Steven en Laiden, 1889, Óleo sobre lienzo. 78 x 100 cm • Muchachos bañándese, 1898, Óleo sobre lienzo. 122 x 151 cm • Jóvenes en la playa, 1900 [16] • El merendero "De Oude Vinck" en Leiden, 1905, Óleo sobre lienzo. 71,7 x 88 cm • El hombre de los papagayos, 1902, Óleo sobre lienzo. 102,3 x 72,3 cm [17] • La avenida de los papagayos en el zoológico de Ámsterdam, 1902, Óleo sobre lienzo. 88 x 72,5 cm [18] • Escena de playa en Nordwijk, 1908, Óleo sobre lienzo. 663 x 80,5 cm • Carrera de caballos en los Cascinem, 1909, Óleo sobre lienzo. 52,5 x 74 cm • Autorretrato, 1911, Óleo sobre lienzo. 81 x 65 cm • Adolf Friedrich Erdmann von Menzel (1815 - 1905);[19] • Partida del Rey Guillermo I al ejercoto el 31 de julio de 1870, 1871, Óleo sobre lienzo 63 x 78 cm • Christian Rohlfs (1849 - 1938); [20] • Bosque de abedules, 1907, Óleo sobre lienzo 117 x 75 cm [21] • Max Slevogt (1868 – 1932); [22] • Danza de la muerte, 1896, Óleo sobre lienzo 102 x 123 cm [23] • El hombre de los papagayos, 1901, Óleo sobre lienzo 81,5 x 65,7 cm • Vista hacia el Alster en Hamburgo, 1905, Óleo sobre lienzo 59 x 76 cm • Jardín de flores en Neu-Cladow, 1912, Óleo sobre lienzo 66 x 83 cm • El jardín de la villa de los Steinbart en Berlín, 1911, Óleo sobre lienzo 85,5 x 105,5 cm • Retrato de la Sra. C., 1917, Óleo sobre lienzo. 71 x 52 cm • Wilhelm Trübner (1851 – 1917); [24] • El restaurante en la Isla de las Mujeres, 1891, Óleo sobre lienzo 48 x 65 cm • Portal del convento de Neuburg cerca de Heidelberg, 1913, Óleo sobre lienzo 62 x 80 cm • Fritz von Uhde (1848 – 1911); [25] • Hijos de pescadores en Zandvoort, 1882, Óleo sobre lienzo 60 x 80 cm. Cuadros enraizados en la herencia del realismo.
  • 12. Impresionismo 10 • La hermana mayor, 1885, Óleo sobre cartón 48,5 x 33 cm • Ejercicio de tambores (Tambores bávaros), 1883, Óleo sobre madera 72 x 95 cm. El pintor otorga gran importancia al carácter aleatorio de la composición, que sin embargo concretizó después de numerosos dibujos previos y estudios. El público tubo bastante dificultad, en apreciar esta obra, al mismo tiempo monumental y casual. • La marcha hacia Belén (Marcha dura), hacia 1890, Óleo sobre lienzo 117 x 126 cm. • Dos hijas en el jardín, 1892, Óleo sobre lienzo 145,5 x 116,5 cm. Obra mucho más impresionista, tanto desde el punto de vista de la temárica, como desde el punto de vista del color. • En el jardín (Las hijas del artista), 1906, Óleo sobre lienzo 70 x 100 cm • Lesser Ury (1861 – 1931); [26] • Walter Richard Sickert (1860 - 1942) • Albert Weisgerber (1878 – 1915); [27] • Paseo a caballo por el Jardín Inglés de Múnich, 1910, Óleo sobre lienzo 60 x 70,5 cm • Heinrich von Zügel (1850 – 1941). En general, el "hallazgo" de las nuevas tendencias de la pintura francesa, es reconocida por los pintores alemanes, a partir de los años 90. Algunos autores consideran que estas afirmaciones tienen por finalidad evitar que fuera puesta en duda la originalidad de la propia pintura. Bélgica Con la proclamación del Reino de Bélgica en 1830, y a causa del creciente sentimiento nacionalista, surgieron esfuerzos destinados a perfilar un arte belga independiente. El arte belga, derivado de las tradiciones de los Países Bajos, y que con los pintores flamencos Peter Paul Rubens (1577 – 1640) y Pieter Bruegel el Viejo (1525/30 – 1569) podían enorgullecerse de una importante tradición pictórica propia, pero a mediados del siglo XIX, se encontraba bajo una fuerte influencia de sus vecinos franceses. En los años sesenta y comienzo de los setenta fue adquiriendo fuerza la admiración de la nueva pintura francesa, especialmente de Courbet, Millet, Degas y Manet.[28] Sin embargo el Impresionismo entro con vacilación y demora en la pintura belga. En esta penetración tuvo un importante rol la llamada Escuela de Tervueren. En 1884 surgió el grupo llamado Les XX (Los Veinte), del cual participaba, como fundador, uno de los pintores más famosos de la época, Isidore Verheyden ( 1846 – 1905), quien se manifestaba escéptico respecto a las últimas consecuencias del impresionismo, lo cual lo condujo más tarde a abandonar el movimiento. Una de las discípulas más conocidas de Verheyden fue Anna Boch ( 1848 – 1936) quien también pertenecía al “Les XX”, percibía con gran lucidez la problemática y las tendencias del arte moderno. La pintora compró muy pronto obras de Seurat y Gauguin, y adquirió la única pintura que Van Gogh logró vender en el transcurso de su vida. El grupo de “Les XX” tuvo un rol fundamental en la entrada, la difusión y el conocimiento de la pintura impresionista en Bélgica. En el grupo de "Les XX" se encontraban, entre otros: • Georges Lemmen (1854 - 1930) [29] • Autorretrato - 1890 - Óleo sobre lienzo - 43 x 38 cm (estilo puntillista) • Vista del Támesis - 1892 - Óleo sobre lienzo - 62 x 86,7 cm (estilo divisionista)
  • 13. Impresionismo 11 • Guillaume Vogels (1836 - 1896) [30] • Alfred William Finch (1854 - 1930) [31] • Los almiares de heno - 1889 - Óleo sobre lienzo - 32 x 50 cm (estilo puntillista) • Théo van Rysselberghe (1862 - 1926) van Rysselberghe [32] • Grandes nubes, fiordo de Christiania - 1893 - Óleo sobre lienzo - 50,8 x 63 cm (estilo divisionista) • Retrato de Auguste Descamps, el tìo del pintor - 1894, 64 x 53 Puesta de sol sobre la nieve - Guillaume Vogels cm - (estilo divisionista) • Familia reunida en un huerto - 1890, 115,5 x 161,5 cm • Fernand Khnopff (1858 - 1921) [33] • Henry van de Velde (1863 - 1957) [34] • Mujer en la ventana - 1889 - Óleo sobre lienzo - 111 x 125 cm (estilo puntillista) • Sillones en la playa en Blankenberge - 1888 - Óleo sobre lienzo - 71 x 100 cm (estilo puntillista) Para varios pintores del grupo de "Los Veinte", la manera impresionista y neoimpresionista no fue otra cosa sino una etapa de transición hacia las corrientes simbolistas y expresionistas, fenómeno que se ha intentado atribuir a un componente místico de la pintura flamenca. España La pintura española aportó una fuerte contribución al impresionismo francés. La entonación grisácea y terrosa predominante en algunas obras de Velázquez (1599-1660), Murillo (1618-1682), Francisco de Zurbarán (1598-1664) y Francisco de Goya (1746-1828), despertaron gran interés entre los impresionistas franceses, especialmente en Manet, que manifestó una gran admiración por la "Edad dorada" de la pintura española, y visitó España en 1865 una única vez, aunque su admiración por este país es anterior a este viaje, y le llegó a través de un amigo de su padre, el crítico de arte Charles Blanc.[35] El impacto de la revolución del impresionismo en los pintores españoles no es algo muy claro. Obviamente, se conocían las innovaciones técnicas y estéticas, pero su aplicación no fue ni inmediata ni total. El uso de la pincelada suelta no tiene por qué ser una influencia impresionista por sí, y estaba presente con anterioridad Niño en las rocas, de Sorolla (1905). en la pintura española. El plenairismo en la pintura de paisaje se venía empleando también. Los efectos luminosos y cromáticos son las verdaderas novedades. No obstante, hay una genérica consideración como "impresionistas" o "pre-impresionistas" de muchos pintores del último tercio del siglo XIX. Muchos de ellos evolucionaron hacia el impresionismo a partir del realismo (denominación también muy problemática). También se utiliza la etiqueta "luminista" (no menos ambigua), especialmente para los pintores valencianos (luminismo valenciano) de entre los que destacan Joaquín Sorolla o Teodoro Andreu. Otros nombres que se suelen asociar al impresionismo español
  • 14. Impresionismo 12 son Darío de Regoyos, Ignacio Pinazo, o Aureliano Beruete. Avanzado el final del siglo, especialmente en Cataluña, cambian los presupuestos estilísticos de la pintura de vanguardia, que se redefine como modernismo (modernismo catalán, Santiago Rusiñol, Ramon Casas). Véase también: • Adolfo Guiard • Anselmo Guinea Ugalde • Luis Jiménez y Aranda, (1845 - 1928) • Martín Rico, (1833-1908) El gallinero, de Regoyos (1912). • Luis Gallardo, (1868-1937) • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Impresionismo españolCommons. Estados Unidos • Adams John Ottis (8 de julio de 1851 – 28 de enero de 1927) [36] Holanda La pintura holandesa del siglo XVII tuvo una gran influencia en los pintores impresionistas franceses de la Escuela de Barbizon, quienes encontraban en los paisajes de Salomon van Ruysdael (1600 - 1670), por ejemplo, una concepción de la naturaleza moderna que correspondía a sus propias aspiraciones. Los impresionistas franceses también reconocieron esas cualidades y en la década de los sesenta, los pintores Frans Hals (1585 - 1666) y Jan Vermeer (1632 - 1675) despertaron profundo interés de aquellos artistas. En la obra de Hals apreciaban especialmente la pincelada ancha y libre, mientras que en Vermeer admiraban la virtuosa coloración.[37] Los pintores franceses de la época impresionista conocieron estos pintores, no solo a través de los cuadros expuestos en el Museo del Louvre, sino que también a través de los artículos del crítico de arte francés Théophile Thoré (1824 - 1869), y a través de numerosos contactos personales. Monet, por ejemplo consideraba al holandés Johan Barthold Jongkind (1819 - 1869) como su maestro más importante, junto a Boudin. En Jongkind se pone de evidencia, en forma muy especial la acción reciproca que se dio entre los pintores holandeses y franceses, que resultaron más tarde muy importantes para el impresionismo. En esta línea tuvo importancia, en las décadas de los setenta y ochenta, la llamada Escuela de la Haya, de la cual participaron, entre otros:
  • 15. Impresionismo 13 • Floris Arntzenius (1864 - 1925);[38] • Matthijs Maris;[39] • Adolph Artz [40] • Willem Maris (1844 - 1910); [41] • Gerard Bilders [42] • Anton Mauve (1844 - 1910); [43] • Johannes Warnardus Bilders (1811 - 1890); [44] • Hendrik Willem Mesdag;[45] • Taco Mesdag • Bernard Blommers [46] • Hendrik Pieter Bremmer (1871 - 1956) (Divisionista) • Sina Mesdag-van Houten [47] • Théophile de Bock [48] • Albert Neuhuys [49] • Johannes Bosboom [50] • Willem Roelofs (1822 - 1897); [51] • Philip Sadée • Paul Gabriël [52] • Johannes Hubertus Leonardus de Haas [53] • Julius van de Sande Bakhuyzen [54] • Jacob Hendricus (1837 - 1899); • Willem Bastiaan Tholen • Matthijs Hendricus (1837 - 1917); • Jan Theodorus Toorop (1858 - 1928) [55] (Círculo Artístico de la Haya) • Johannes Hendrik Weissenbruch (1824 - 1903). • Gerrit van Houten [56] • Jozef Israëls (1824 - 1911); [57] • Willem de Zwart [58] • Jacob Maris [59] Hungría La autoestima de los húngaros resultó profundamente avalada a raíz del fracaso de su sublevación contra los Habsburgo en 1848/49. El país, caracterizado por una producción agropecuaria basada en el latifundio, se encontraba significativamente retrasado respecto a los países de Europa Occidental. Este hecho ha influenciado también el desarrollo de las artes en este período. Las principales motivaciones para los artistas húngaros de este período se encontraban la representación de la propia historia nacional, y los festejos en torno a las celebraciones del “milenio” de la conquista del país por parte de los jinetes magiares, y el descubrimiento y valoración de las particularidades de la vida popular y de las particularidades del paisaje.[60] Mihály Munkácsy (1844 - 1900) contemporáneo de Monet y Liebermann, adquirió buena reputación internacional en Düsseldorf y en París, donde permaneció entre 1872 y 1896. Su fama se basó en su vigoroso realismo, pero manteniendo simultáneamente una eficaz “pintura de salón”, utilizando una amplia gama de temas que fueron desde las escenas de la alta sociedad y lujosas decoraciones hasta obras en torno a dramas sociales y las cruentas luchas de liberación. La luz y el color, en las obras de Munkácsy no fueron influenciadas por la pintura al aire libre, siendo que solamente sus estudios tenían esa frescura e impulsiva espontaneidad. László Páal (1846 – 1879), amigo de Munkácsy, que vivió sus pocos años creativos en una situación muy difícil en París y Fontainebleau, después de estudiar en Múnich, fue quien introdujo los principios de la Escuela de Barbizon en la pintura húngara. Los principales pintores húngaros que adirieron al Impresionismo son: • László Páal (1846 – 1879) [61] • Camino en el bosque de Fontainebleau, 1876, Óleo sobre lienzo, 65 x 46 cm
  • 16. Impresionismo 14 • Pál Szinyei Merse (1845 - 1920) [62] • Globo cautivo, 1878, Óleo sobre lienzo, 41,5 x 39 cm • Fiesta de mayo o Desayuno al aire libre, 1873, Óleo sobre lienzo, 123 x 161,5 cm [63] • Pradera con amapolas, 1896, Óleo sobre lienzo, 39 x 63,2 cm • Károly Ferenczy (1862 - 1917) [64] • Octubre de 1903, Óleo sobre lienzo, 126 x 107 cm • Día de verano, 1906, Óleo sobre lienzo, 100 x 103,2 cm [65] • József Rippl-Rónai (1861 - 1927)[66] • Cuando se vive de los recuerdos, 1904, Óleo sobre cartón, 70,5 x 103 cm • Dama en un vestido con pintas blancas, 1889, Óleo sobre lienzo, Pradera con amapolas 187 x 75 cm Italia El desarrollo que el impresionismo tuvo en Italia fue algo particular, gracias a la experiencia de Federico Zandomeneghi y Giuseppe De Nittis, y de los Macchiaioli, más próximos, sin embargo a la tradición del Cuatrocento del siglo XV.[67] Se destacan en el período los pintores: • Giovanni Boldini (1842 - 1931);[68] • Retrato de Mlle Lantelme, 1907, Óleo sobre lienzo, 227 x 118 cm • Giuseppe Abbati (1836 - 1868);[69] • Paisaje de Castiglioncello, 1863, Óleo sobre madera, 10 x 30 cm • Giovanni Fattori (1825 - 1908);[70] • La rotonda de Palmieri 1866, Óleo sobre lienzo, 12 x 30 cm • Almiar, después de 1872, Óleo sobre madera, 24 x 43 cm [71] • Silvestro Lega (1826 - 1895);[72] • Bajo la pérgola, 1868, Óleo sobre lienzo, 75 x 93,5 cm [73] • Mazzini moribundo, 1873, Óleo sobre lienzo, 76 x 96,6 cm [74] • La lectura, 1875, Óleo sobre lienzo, 38,5 x 22,5 cm • Serafino de Tívoli (1826 - 1892);[75] • Vincenzo Cabianca (1827 - 1902);[76] • Adriano Cecioni (1836 - 1886);[77] • Raffaelo Sernesi (1838 - 1866); • Pratone alle Cascine, hacia 1860, Óleo sobre cartón 12 x 19,5 cm [78] • Telemaco Signorini (1835 - 1901);[79] • El suburbio Porta Adriana en Ravenna, 1875, Óleo sobre lienzo, 66 x 100 cm • La sala de dementes de San Bonifacio, Florencia, hacia 1866/67, Óleo sobre lienzo, 63 x 95 cm [80] • Gugliermo Ciardi (1842 - 1917); • Mies de oro, 1883, Óleo sobre lienzo, 132 x 275 cm • Giuseppe De Nittis (1846 - 1884);[81] • Victoria Embankment, Londres, 1875, Óleo sobre lienzo, 19 x 31 cm
  • 17. Impresionismo 15 • Desayuno en el jardín, hacia 1884, Óleo sobre lienzo, 81 x 117 cm [82] • Federico Zandomeneghi (1841 - 1931);[83] • Pescando en el Sena (El Sena) 1878, Óleo sobre madera, 16 x 29 cm • Le Moulin de la Galette, 1878, Óleo sobre lienzo, 80 x 120 cm • Plaza de Amberes en París, 1880, Óleo sobre lienzo, 100 x 135 cm • Juegos en el Parque Monceau, Óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm • Señora en la pradera, 1895, Óleo sobre lienzo, 46 x 38 cm • Retrato de una muchacha joven, hacia 1893 - 1895, Óleo sobre lienzo, 60,5 x 73,5 cm • Gaetano Previati (1852 - 1920);[84] • En la pradera, 1889/90, Óleo sobre lienzo, 62 x 56,5 cm • Giovanni Batista Segantini (1858 - 1899);[85] • Mediodía sobre los Alpes (Día de viento), 1891, Óleo sobre lienzo, 77,5 x 71,5 cm [86] • El arado, 1890, Óleo sobre lienzo, 116 x 227 cm [87] • Giacomo Balla (1871 - 1958); • La novia de Villa Borghese, 1901, Óleo sobre lienzo, 60,5 x 90 cm • Umberto Boccioni (1882 - 1916);[88] • Retrato de la pintora Adriana Bisi-Fabbri, 1907, Óleo sobre lienzo, 52 x 95 cm • Giuseppe Pellizza de Volpedo (1868 - 1907); [89] • Ropa al sol, 1905, Óleo sobre lienzo, 87 x 131 cm Galería de imágenes Trouville, Eugène Boudin, 1864 Autorretrato. Los bebedores La primera Paul Cezanne, de absenta, bailarina, 1864 Edgar Degas, Edgar Degas 1876 Rue Serie: Millares, Claude Serie: Ninfas, Claude Monet Baile en el Moulin Montorgueil, Monet de la Galette (Le Bal Claude au Moulin de la Monet Galette), Pierre-Auguste Renoir, 1976
  • 18. Impresionismo 16 Los castañeros de Osny, Camille El valle de los naranjos, Santiago Paseo a orillas del mar, Pissarro Rusiñol Joaquín Sorolla Referencias [1] Andreas Bluhm - "A la luz de la libertad" - El Impresionismo en Alemania Segunda parte Capitulo 11, Pág. 433 a 465 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9 [2] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Lovis_Corinth [3] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Lovis_Corinth_010. jpg [4] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Lovis_Corinth,_self_portrait_with_Charlotte. jpg [5] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Lovis_Corinth_-_Julius_Meier-Graefe. jpg [6] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Lovis_Corinth_007. jpg [7] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Lovis_Corinth_Selbstbildnis_mit_dem_Strohhut. jpg [8] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Ferdinand_Hodler [9] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Ferdinand_Hodler_009. jpg [10] http:/ / de. wikipedia. org/ wiki/ Leo_von_K%C3%B6nig [11] http:/ / de. wikipedia. org/ wiki/ Gotthardt_Kuehl [12] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Wilhelm_Leibl [13] http:/ / de. wikipedia. org/ wiki/ Walter_Leistikow [14] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Leistikow,_Walter_-_Riverscene_with_Forest_Beyond. jpg [15] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Max_Liebermann?uselang=fr [16] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Liebermann_Badende_Jungen_1900. jpeg [17] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Max_Liebermann_Papageienmann_1902. jpg [18] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Liebermann_Papageienallee_1902. jpeg [19] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Adolph_von_Menzel [20] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Christian_Rohlfs [21] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Rohlfs_-_Birkenwald. jpg [22] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Max_Slevogt [23] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Slevogt5. jpg [24] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Wilhelm_Tr%C3%BCbner [25] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Fritz_von_Uhde [26] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Lesser_Ury [27] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Albert_Weisgerber [28] Karin Sagner-Dûchting - "Impresionismo en Bélgica: La Búsqueda de la Luz en la Pintura" - Capitulo 10, Pág. 419 a 431 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9 [29] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Georges_Lemmen [30] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Guillaume_Vogels [31] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Willy_Finch. jpg [32] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Théo [33] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Fernand_Khnopff [34] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Henry_van_de_Velde [35] Karin Sagner-Dûchting - "La Pintura en España en la época del Impresionismo" - Capitulo 15, Pág. 553 a 557 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9 [36] http:/ / www. ricci-arte. com/ es/ John-Ottis-Adams. htm [37] Karin Sagner-Dûchting - "Tradiciòn y Modernismo: La Escuela de la Haya y los Impresionistas de Amsterdam" - Capitulo 10, Pág. 407 a 431 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9 [38] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Floris_Arntzenius [39] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Matthijs_Maris [40] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Woman_sewing. png
  • 19. Impresionismo 17 [41] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Willem_Maris [42] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Paintings_by_Gerard_Bilders_in_the_Rijksmuseum_Amsterdam [43] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Anton_Mauve [44] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Dutch_Painting_in_the_19th_Century_-_J. _W. _Bilders_-_The_Little_Lake. png [45] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Hendrik_Willem_Mesdag [46] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Bernard_Blommers [47] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:SientjeMesdag. jpg [48] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Th%C3%A9ophile_de_Bock [49] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Albert_Neuhuys. jpg [50] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Johannes_Bosboom [51] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Willem_Roelofs [52] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Paul_Gabri%C3%ABl [53] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Johannes_Hubertus_Leonardus_de_Haas [54] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:JuliusvandeSandeBakhuyzen. jpg [55] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Jan_Toorop [56] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Gerrit_van_Houten [57] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Jozef_Isra%C3%ABls [58] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Willem_de_Zwart [59] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Jacob_Maris [60] Peter H. Feist. "Entre la Patria y Europa: Impresionistas en Europa Central y del Sur" Capítulo 13, pag.519 - 524 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9 [61] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:László_Paál [62] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Pál_Szinyei_Merse [63] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Pal_Szinei-Merse_001. jpg [64] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Károly_Ferenczy [65] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Ferenczy,_Károly_-_Summertime_(1906). jpg [66] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:József_Rippl-Rónai [67] Karin Sagner-Dûchting - "El Impresionismo y la Pintura Italiana en la Segunda Mitad del Siglo XIX" - Capitulo 14, Pág. 533 a 551 - Editor principal: Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9 [68] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Giovanni_Boldini [69] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Giuseppe_Abbati [70] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Giovanni_Fattori [71] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Giovanni_Fattori_021. jpg [72] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Silvestro_Lega [73] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Silvestro_Lega_001. jpg [74] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Silvestro_Lega_-_Morte_di_Mazzini. jpg [75] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Serafino_de_Tivoli. jpg [76] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Vincenzo_Cabianca [77] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Adriano_Cecioni [78] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Sernesi_Pratone_alle_Cascine. jpg [79] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Telemaco_Signorini [80] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Telemaco_Signorini,_La_sala_delle_agitate_al_San_Bonifazio_in_Firenze,_1865,_66x59cm. jpg [81] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Giuseppe_de_Nittis [82] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Colazione_in_giardino. jpg [83] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Federico_Zandomeneghi [84] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Gaetano_Previati [85] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Giovanni_Segantini [86] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Mittag_in_den_Alpen_1891. jpg [87] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ File:Das_Pfl%C3%BCgen_1890. jpg [88] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Umberto_Boccioni [89] http:/ / commons. wikimedia. org/ wiki/ Category:Giuseppe_Pellizza_da_Volpedo
  • 20. Impresionismo 18 Bibliografía En español: • Ingo F. Walter, El impresionismo, Oceano, 2003,ISBN 970-651-766-9 En italiano: • Giulio Carlo Argan, Larte moderna, 1994 • Bernard Denvir, Limpressionismo, Art Dossier n° 73 • Gioia Mori, Impressionismo, Van Gogh e il Giappone, Art Dossier n° 149 • Maria Teresa Benedetti, Impressionismo: le origini, Art Dossier n° 159 En francés: • Sophie Monneret, LImpressionnisme et son époque, Paris, 1979, ISBN 2-221-05222-6 • Claire Barbillon, CD-Rom Les Impressionnistes, RMN/Musée dOrsay, 1997 • Pascal Bonafoux, Correspondances impressionnistes, Editions Diane de Selliers, 2008 • Norbert Dremus, Limpressionnisme élémentaire, Musée dOrsay, 2006 En inglés: • Baumann, Félix; Karabelnik, Marianne, et al. (1994). Degas Portraits. London: Merrell Holberton. ISBN 1-85894-014-1 • Denvir, Bernard (1990). The Thames and Hudson Encyclopaedia of Impressionism. London: Thames and Hudson. ISBN 0-500-20239-7 • Gordon, Robert; Forge, Andrew (1988). Degas. New York: Harry N. Abrams. ISBN 0-8109-1142-6 • Gowing, Lawrence, with Adriani, Götz; Krumrine, Mary Louise; Lewis, Mary Tompkins; Patin, Sylvie; Rewald, John (1988). Cézanne: The Early Years 1859-1872. New York: Harry N. Abrams. • Moskowitz, Ira; Sérullaz, Maurice (1962). French Impressionists: A Selection of Drawings of the French 19th Century. Boston and Toronto: Little, Brown and Company. ISBN 0-316-58560-2 • Rewald, John (1973). The History of Impressionism (4th, Revised Ed.). New York: The Museum of Modern Art. ISBN 0-87070-360-9 • Richardson, John (1976). Manet (3rd Ed.). Oxford: Phaidon Press Ltd. ISBN 0-7148-1743-0 • Rosenblum, Robert (1989). Paintings in the Musée dOrsay. New York: Stewart, Tabori & Chang. ISBN 1-55670-099-7 En húngaro: • A művészet története: A rokokótól 1900-ig, Corvina, ISBN 963-13-2815-5 Enlaces externos • Wikcionario tiene definiciones para impresionismo.Wikcionario • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre ImpresionismoCommons. • impressionniste.net (http://www.impressionniste.net/), portal sobre el impresionismo (en inglés y francés). • Impresionismo (http://www.masdearte.com/index.php?view=article&catid=59&id=7823& option=com_content&Itemid=8) en Masdearte.com.
  • 21. Museo de Orsay 19 Museo de Orsay Museo de Orsay Información geográfica País  Francia, París Información general Inauguración 1986 Tipo público Sitio web [1] Página del Museo El museo de Orsay (en francés, Musée dOrsay) es un museo que se encuentra en París, Francia, dedicado a las artes plásticas del siglo XIX y especialmente famoso por sus fondos del impresionismo. Cronológicamente, cubre la historia del arte entre los maestros antiguos (que están en el Museo del Louvre) y el arte moderno y contemporáneo (en el Centro Georges Pompidou). Historia Con unos antecedentes ciertamente regios (jardín de Margarita de Valois y palacio), el espacio que hoy ocupa el Museo de Orsay no vio la luz hasta al término del s. XIX y primeros comienzos del XX. El terreno donde en su día se ubicara el conocido como Palacio de Orsay, pasto de un incendio en el año de 1871, fue cedido por el Estado a la Compañía de Ferrocarriles de Orléans justo antes del comienzo de la Exposición Universal de 1900, inaugurándose para las fechas de su inicio tanto el hotel como la estación (que permanecerá 39 años en activo). Tras varios usos diversos que se prolongarán en el tiempo hasta la década de los 70, el Estado francés tomará finalmente la resolución de destinar el edificio para museo (se deseaba evitar su derribo y, además, era necesario trasladar la colección de los impresionistas, siendo ésta una buena solución). En 1973, la Dirección de Museos de Francia concibió el proyecto de establecer un museo en la estación de ferrocarril de Orsay, que amenazaba ruina y en la que se hablaba de construir un hotel. La decisión se vio impulsada por el resurgimiento de un interés por el siglo XIX, siendo inscrita la estación en el Inventario suplementario de Monumentos Históricos el 8 de marzo de 1973. Sin embargo, la decisión oficial de construir el museo no llegó hasta el consejo de ministros del 20 de octubre de 1977, al parecer presentada por iniciativa del mismo presidente. Lo cierto es que, al ser un edificio que respondía a la arquitectura del hierro, favorecía en parte la adaptación a los planteamientos museísticos de la actualidad. Se vaciará toda la estructura de la gran nave central para arbitrar una secuencia expositiva de un periodo artístico que posibilitara una lectura, mientras que se emplearán espacio anexos para albergar otros servicios. Las obras de acondicionamiento de la estación a museo se llevaron a cabo entre los años de 1981 y 1986, haciéndose cargo de la remodelación exterior el estudio ACT-Architecture y de la adaptación interior un equipo a cargo de la arquitecta Gae Aulenti.La inauguración oficial se produjo el 1 de diciembre de 1986, por el Presidente de la República, François Mitterrand, abriendo al público el día 9 del mismo mes. Las tres plantas en que se divide el edificio albergan una excepcional colección de arte del s.XIX y XX, procedente de diversas instituciones museísticas, ordenada de forma cronológica, y que cuenta con obras impagables de grandes autores de la Historia del arte como Delacroix, Degas, Millet, Manet, Monet, Renoir, Pisarro, Latour, Cézanne, Van Gogh, Gauguin, Seurat o Derain, entre muchos otros ejemplos compuestos por proyectos arquitectónicos, objetos decorativos, dibujos y fotografías.
  • 22. Museo de Orsay 20 En 2009 se ha emprendido un remozamiento del museo, que plantea dar diferentes colores a las paredes de las salas y reorganizar muchas de ellas. Aprovechando la ocasión, y para recaudar fondos, el museo está prestando importantes grupos de obras para su exhibición fuera de Francia. Una de dichas selecciones, con importantes obras impresionistas, ha llegado a Madrid en enero de 2010 bajo patrocinio de la Fundación Mapfre, que -al parecer- ha pagado tres millones de euros por el préstamo. Museo de Orsay Colección Alberga pintura realista, impresionista y postimpresionista, escultura, artes decorativas, fotografía, cine y arquitectura, obras todas ellas pertenecientes al fondo del Museo del Louvre, cuyas salas exhiben el arte anterior hasta el romanticismo. Pintura Incluye obras de Ingres, Millet, Musée dOrsay, interior del museo con la sala principal. Courbet, Whistler, Monet, Pisarro, Caillebotte, Van Gogh, Gauguin, Seurat, Daumier, Klimt, Maurice Denis, Bonnard, Delacroix, Corot, Manet, Degas, Renoir, Sisley, Cézanne, Redon, Signac, Tolouse-Lautrec, Derain, Munch, Vuillard, Moreau y Matisse. Escultura Incluye obras de Rude, Pradier, Barye, Carrier-Belleuse, Clesinger, Delaplanche, Guillaume, Mercié, Degas, Meunier, Hoetger, Bourdelle, Bernard, David d`Angers, Préault,
  • 23. Museo de Orsay 21 Daumier, Cavelier, Cordier, Dubois, Falguière, Carpeaux, Gauguin, Dalou, Maillol y Pompon. Arquitectura Incluye obras y maquetas de Charles Garnier y Richard Peduzzi. El desayuno sobre la hierba de Édouard Manet Artes Decorativas Destacan las salas con obras de los movimientos Art Noveau y Arts & Crafts. Fotografía Incluye obras de Nadar, Regnault, Nègre, Aubry, Emerson, Le Gray, Shaw, Baldus, Lewis Carroll e instantáneas de Degas, Rivière, Zola o Bonnard. Obras destacadas • Baile en el Moulin de la Galette, de Pierre-Auguste Renoir. • Retrato de Madame Charpentier, de Pierre-Auguste Renoir. • Almuerzo sobre la hierba, de Édouard Manet. • Los tejados rojos, de Camille Pissarro. • El circo, de Georges Pierre Seurat. • Ta Matete, de Paul Gauguin. • Bodegón con cebollas, de Paul Cézanne. • Entierro en Ornans, de Gustave Courbet. • Las puertas del Infierno, de Auguste Rodin. • La Danza, de Jean-Baptiste Carpeaux . • Sillón, de Charles Rennie Mackintosh. • El doctor Paul Gachet, de Vicent Van Gogh. • La caza del tigre, de Eugène Delacroix. • Coin de table y Homenaje a Delacroix, de Henri Fantin-Latour. Dirección Musée dOrsay: • 62, rue de Lille-Varenne 75343 Paris Cedex 07 Francia • (+33) 01 40 49 48 14
  • 24. Museo de Orsay 22 Algunas obras maestras expuestas Eugène Delacroix, La caza Gustave Courbet, El taller del Jean Jean-François Millet, del León, c. 1854 pintor (LAtelier du peintre): A Auguste Las espigadoras, 1857 Real Allegory of a Seven Year Dominique Phase in my Artistic and Moral Ingres, The Life, 1855 Source, 1856 Édouard Manet, Olympia, Claude Monet, Paul Eugène Boudin, Bañistas en la 1863 Le déjeuner sur Cézanne, playa de Trouville, 1869 lherbe, (sección Retrato de derecha), con Achille Gustave Courbet, Emperaire, 1865-1866 1868 James McNeill Whistler, Gustave Caillebotte, Les Edgar Degas, Pierre Arreglo en gris y negro nº raboteurs de parquet (Los LAbsinthe, 1876 Auguste 1, un retrato de la madre acuchilladores de parqué), 1875 Renoir, del artista, 1871 Danza en el pais (Aline Charigot y Paul Lhote), 1883
  • 25. Museo de Orsay 23 Paul Sérusier, El Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Mujeres de Tahití, Georges Seurat, El Talisman/Le La iglesia de 1891 Circo, 1891 Talisman, 1888 Auvers-sur-Oise, 1890 Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Museo de OrsayCommons. • Página oficial del Museo de Orsay [1] Referencias [1] http:/ / www. musee-orsay. fr/ es/ home. html Claude Monet Claude Monet Claude Monet en el año 1899 Nombre completo Oscar-Claude Monet Nacimiento 14 de noviembre de 1840 París,  Francia Fallecimiento 5 de diciembre de 1926 (86 años) Giverny,  Francia Nacionalidad Francesa Área Pintura Firma Oscar-Claude Monet (14 de noviembre de 1840 en París - 5 de diciembre de 1926 en Giverny) fue un pintor francés a quien a partir de la mitad de su carrera artística se incluye en el estilo impresionista.
  • 26. Claude Monet 24 Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de un estilo realista. Monet logró exponer algunas de estas obras en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Un ejemplo de este período creativo es la vista del puerto de El Havre titulada Impresión, sol naciente, que le dio nombre al movimiento. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica. En la década de 1870 tomó parte en exposiciones de arte impresionista en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de la «serie» en las que un motivo es pintado con distintos grados de iluminación. Al mismo tiempo comenzó a plantar su famoso jardín en Giverny que luego utilizó como motivo para sus pinturas. Vida Claude Monet nació el 14 de noviembre de 1840 en la Rue Lafitte 45 de París. Era el segundo hijo de Claude Adolphe Monet y su esposa Louise Justine Aubrée.[1] Su padre era propietario de un negocio que comerciaba con especias provenientes de las colonias ultramarinas francesas. Para 1845 la situación del negocio había decaído a tal punto que la familia se mudó al puerto de El Havre en la desembocadura del Sena donde vivía la media hermana de su padre, Marie-Jeanne Lecadre.[2] El esposo de esta, Jacques Lecadre, era comerciante de especies de ultramar al por mayor y proveedor naval. Él le dio trabajo al padre de Monet en su negocio.[1] La familia de Monet pasaba los inviernos en su casa de El Havre y los veranos en la casa de campo de los Lecadre en el balneario de Sainte-Adresse. Posteriormente la familia se mudó a Baraqueville pero no permanecieron ahí mucho tiempo debido a que tuvieron que mudarse nuevamente por razones del trabajo de Adolphe Monet. Entre 1851 y 1857 Claude Monet asistió a la escuela secundaria en El Havre donde recibió clases de dibujo de Jacques-François Ochard. No le gustaba la disciplina escolar[3] y preferia estar en el farallón o junto al mar.[4] Durante sus clases dibujaba caricaturas de sus profesores y otros estudiantes que eran expuestas en el escaparate del único comerciante de marcos para cuadros de El Havre. A la edad de 15 años Monet era ya conocido como caricaturista en toda la ciudad y recibía encargos por los que cobraba hasta 20 francos.[5] Formación Junto a las caricaturas de Monet en el escaparate del mercader de marcos, eran expuestos paisajes marinos de Eugène Boudin. A Monet no le gustaban estos cuadros y rechazó una oferta para conocer a Boudin hecha por el mercader. Sin embargo en una ocasión, al entrar a la tienda de marcos, Monet no se percató que Boudin se encontraba presente y el comerciante aprovechó la oportunidad para presentarle a Boudin al dibujante de las caricaturas. El pintor alabó el talento de Monet y le aconsejó no limitarse al dibujo y que pintase paisajes. Después de la muerte de su madre el 28 de enero de 1857 su tía, quien era pintora aficionada y mantenía contacto con el pintor Armand Gautier, se encargó del joven Claude Monet. Tras la muerte de Jacques Lecadre, el padre de Monet tomó las riendas del negocio y la familia se mudó a la casa de este. De estos años provienen los primeros paisajes de Monet y toma la decisión de convertirse en pintor. El padre de Monet aplicó ante los magistrados de El Havre para una beca, la cual Caricatura del notario Léon Marchon, 1855/1856, fue rechazada tras un segundo intento al año siguiente.[6] A pesar de Art Institute of Chicago
  • 27. Claude Monet 25 esto, Monet viajó a París para visitar la exposición del Salón de París. Ahí hizo contacto con los artistas Constant Troyon y Armand Gautier y trabajó en el atelier del pintor Chales Montginot que era amigo de Boudin. Durante este tiempo Monet obtuvo apoyo financiero de su padre. Además tenía a su disposición 2000 francos que había ganado con sus caricaturas y que eran manejados por su tía. A partir del año 1860 se redujo el apoyo financiero de su padre, pues Monet se oponía a matricularse en la École des Beaux-Arts a la que sus padres querían que asistiera. Monet se matriculó en cambio en la escuela privada de pintura, Academia Suiza, donde se dedicó al estudio de figuras. Monet visitó exhibiciones en la colonia de artistas de Barbizon. Los pintores de la Escuela de Barbizon rechazaban el estilo, difundido en la época, de paisajes idealizados y preferían en su lugar paisajes en el estilo del realismo pictórico. Monet también pasaba el tiempo en el Brasserie des Martyrs, un punto de encuentro para varios pintores y escritores modernos. En abril de 1861 Claude Monet recibió el llamado para el servicio militar obligatorio, que duraba siete años. Se le presentó la oportunidad de evitar el servicio militar mediante el pago de 2500 francos, pero carecía de los fondos necesarios y su familia solo le ofreció hacer el pago si abandonaba la pintura y tomaba las riendas del negocio el El Havre. Monet se decidió por la pintura y fue asignado a la caballería en Argelia. Debido a que enfermó con fiebre tifoidea, pudo regresar en el verano de 1862 a El Havre. Ahí conoció al neerlandés Johan Barthold Jongkind, junto al cual hizo estudios de paisajes. En noviembre de 1862 fue librado de los últimos seis años del servicio militar mediante un pago de 3000 francos hecho por su tía.[7] Su educación pictórica fue puesta a cargo de Auguste Toulmouche, un pintor de género parisino, que era casado con la prima de su tía Marie-Jeanne Lecadre. Este le recomendó a Monet que acudiera al atelier de Charles Gleyre en el que también estaban inscritos Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley y Frédéric Bazille. Durante la pascua de 1863 Monet viajó junto con Bazille a Chailly, en la cercanías de Barbizon, donde pintaron paisajes. Repitieron el viaje al año siguiente. Continuó sus estudios en el atelier de Gleyre hasta que cerró en julio de 1864 por enfermedad del artista. Ese verano Monet y Bazille viajaron a la costa del Canal de la Mancha en Normandía, seguidos más tarde por Boudin y Jongkind, para pintar. Debido a desacuerdos, la familia de Monet lo amenazó con terminar el apoyo financiero que le daba, por lo que por primera vez pidió dinero prestado a Bazille. Durante sus estudios, a pesar de sus dificultades económicas, Monet se presentaba como burgués y usaba camisas finas, por lo que era tomado como un dandi por sus compañeros.[8]
  • 28. Claude Monet 26 Exhibiciones en el Salón de París En 1864 fue expuesto un bodegón de flores de Monet en una exhibición de la ciudad de Ruan. Al mismo tiempo recibió un encargo de Louis-Joseph-François Gaudibert para pintar dos retratos. Este encargo tuvo un importante significado para Monet porque posteriormente el hijo de Gaudibert le hizo otros encargos de retratos que le ayudaron económicamente. A fines de 1864 o principios de 1865, Monet y Bazille establecieron un atelier conjunto en París. En el Salón de París del año 1865, Monet pudo mostrar dos cuadros marinos. Estos cuadros fueron bien recibidos por la crítica y dio lugar para que Monet planeara la monumental obra El Desayuno para la exhibición del Salón de 1866. Sin embargo no pudo terminar la pintura a tiempo. Durante el trabajo en esta obra, utilizó a Camille Doncieux como modelo, con la que estableció una relación amorosa. Monet planeó la pintura en imitación a la obra Desayuno sobre la hierba de Édouard Manet, que había desatado un escándalo al presentar una mujer desnuda sin un trasfondo mitológico, pero la pintura de Monet era más bien conservadora y se ajustaba al gusto de las masas. Monet era un admirador de la obra de Manet y a partir de 1866 tuvó contacto cercano Camille con vestido verde, 1866, Kunsthalle con él. Como el cuadro planeado para el Salón no pudo estar terminado Bremen a tiempo, Monet pintó en tan solo cuatro días la obra Camille con vestido verde, que fue acogida de forma positiva. Por sus dificultades financieras fingió un rompimiento con Camille para acercarse nuevamente a su familia, de la que esperaba ayuda económica. Por esta razón pasó el verano de 1867 con su familia en Sainte-Adresse, mientras que Camille, que se encontraba embarazada, permaneció en París y era cuidada por Bazille. El 8 de agosto de 1867 nació el primer hijo de Monet, Jean. Debido a que no quería dejar desamparados a su querida y a su hijo, regresó a París.[9] En ese mismo año fue rechazada la pintura "Mujeres en el jardín" por el Salón. Para apoyar económicamente a su amigo, Bazille compró esta obra a plazos y lo tomó nuevamente en su atelier. La situación financiera de Monet continuó siendo dificíl y en 1868 vivió en Étretat y Fécamp donde nuevamente obtuvo encargos del naviero Gaudibert, quien además pagó el desempeño de unas pinturas de Monet. Al final del año huyó nuevamente de sus acreedores hacia París. En 1870 fue nuevamente rechazado un cuadro preparado para el Salón, por el jurado. El 26 de junio de ese año se casó con su querida de mucho tiempo, Camille Doncieux. Por su selección de temas y estilo de pintura, Monet se distanciaba cada vez más del Salón de París y por lo tanto del éxito económico. Con el comienzo de la Guerra Franco-Prusiana en julio de 1870, Monet abandona Francia y se muda a Londres para evitar ser conscripto en el ejército. Sus amigos Bazille y Manet participaron en la guerra. El 28 de noviembre de 1870 Bazille murió en el frente de batalla. Durante su estadía en Londres, Monet conoció al mercader de arte Paul Durand-Ruel, lo mismo que las obras del paisajista William Turner, en cuyas pinturas los contornos se difusionan en la luz. El 17 de julio de 1871 muere el padre de Monet y recibe una pequeña herencia. Al terminar la guerra, en el otoño de 1871, Monet regresa a Francia haciendo viaje por los Países Bajos. Renta una casa con jardín en Argenteuil y gracias a la herencia y la dote de Camille, la familia goza por primera vez de un bienestar burgués. En 1872 Durand-Ruel vende varias pinturas de Monet, quien acondiciona una barca y pinta en la orilla del Sena.
  • 29. Claude Monet 27 Exhibiciones impresionistas En 1873 Claude Monet conoce en Argenteuil a Gustave Caillebotte, con el que acuerda realizar exhibiciones conjuntas. Para este propósito es fundada en diciembre la «Sociéte Anonyme Coopérative d Artistes-Peintres, -Sculpteurs, -Graveurs, etc.». A esta sociedad se unieron los artistas que más tarde formarían el núcleo del Impresionismo. La primera exhibición del grupo se realizó en 1874 en el atelier del fotógrafo Nadar en el Boulevard des Capucines de París. Inspirado por una de las obras expuestas, Impresión, sol naciente, que Monet había pintado en 1872 en El Havre junto con otras obras, el crítico de arte Leroy, de la revista Le Charivari, la llamó «la exhibición de los impresionistas». Así fue como nació el término Impresionismo, que en un principio fue usado a manera de burla por los críticos y que luego fue utilizado por los mismos artistas, basándose en la pintura de Monet. La exhibición no tuvo mayor resonancia y la sociedad fue disuelta al fin de ese mismo año. En 1876 se realizó una segunda exhibición impresionista en las dependencias del mercader de arte Durand-Ruel donde Monet exhibió 18 pinturas. En ese año conoció a Ernest Hoschedé, que era dueño de un almacén y quien le encargó el pintado de unos paneles para el castillo de Rottenbourg. El 17 de marzo de 1878 nació el segundo hijo de Monet, Michel. En ese verano la familia se mudó a Vétheuil donde les siguió Alice Hoschedé y sus seis hijos, luego de que su marido se declarara en bancarrota. El 5 de septiembre de 1879 murió la esposa de Monet, Camille, a la edad de 32 años a consecuencia de un aborto inducido fallido.[10] En 1881 Durand-Ruel compró más pinturas de Monet y además apoyo económicamente un viaje que este hizo a la costa de Normandía para pintar. En diciembre de 1881 Claude Monet y Alice Hoschedé se mudan junto con sus hijos a Poissy. La exhibición de los impresionistas de 1882 es la última en la que Monet toma parte. A partir de ese momento su alejamiento de los otros impresionistas es cada vez más marcado y lo acusan de no apoyar al grupo por motivos egoístas. Monet intentó nuevamente exhibir en el Salón de París y una de sus pinturas fue aceptada por el jurado. Giverny Al año siguiente, 1883, Durand-Ruel organiza una exhibición individual con pinturas de Monet. Esta exhibición tuvo una crítica favorable, sin embargo no resultó en grandes ventas. A pesar esto, la situación económica de Monet mejoró gracias a que el mercado de obras impresionistas se reanima a partir del principio de la década de 1880. Monet rentó una casa en Giverny en cuyos alrededores plantó su famoso jardín. Se mudó ahí junto a sus dos hijos y Alice Hoschedé y los suyos. En diciembre viaja con Renoir a la costa mediterránea francesa. Entre enero y abril de 1884 Monet pinta en la Riviera. Dos años más tarde hace otro viaje a los Países Bajos. En el otoño de 1886 Monet pinta en Bretaña, donde conoce a su futuro biógrafo, Gustave Geffroy. De enero hasta abril de 1888 pinta en la Costa Azul y en el Monet en su jardín. Al fondo, se ve el puente verano viaja nuevamente a Londres. Luego de su regreso a Francia, japonés. rechazó la cruz de la Legión de Honor. Al año siguiente juntó dinero para comprar de la viuda de su amigo Manet la pintura Olympia, para posteriormente donarla al Louvre. En 1890 Monet compró la casa en Giverny, en la que había vivido por varios años, gracias a que su situación económica había mejorado debido a las ventas regulares de sus obras. Con compras adicionales de terreno expandió cada vez más
  • 30. Claude Monet 28 su propiedad e invertió mucho dinero en el cuidado de su jardín. Se enfrentó con la desconfianza de los campesinos locales que temían algún peligro para sus terrenos y ganado, ya que Monet plantaba plantas exóticas como la tuberosa de México. A fines de la década de 1880 un pequeño grupo de pintores estadounidenses visitó Giverny para conocer a Monet. Entre ellos se encontraba Theodore Robinson, que fue uno de los primeros artistas estadounidenses en introducir el impresionismo en su obra. Monet no mantuvo contacto cercano con los llamados «givernistas» ya que nunca quiso asumir el rol de maestro. En 1891 muere Ernest Hoschedé, lo que permitió que Monet y la viuda de este, Alice, legitimaran su relación mediante el matrimonio en julio de 1892. En ese mismo año se casó su hijastra Suzanne con uno de los Sendero en el jardín «givernistas», el pintor Theodore Butler. En 1895 Monet viaja a Noruega, donde visitó a uno de sus hijastros. En 1897 construyó en Giverny un segundo atelier ya que necesitaba más espacio para su trabajo. Al mismo tiempo fueron exhibidos veinte cuadros de Monet en la Bienal de Venecia. Durante el verano se casó su hijo Jean con su hermanastra, Blanche Hoschedé. En 1899 y 1900 Monet realizó varios viajes a Londres. Junto con su esposa, Alice, viajó en automóvil a Madrid donde estudió a los maestros españoles. En Giverny trabajó sobre todo en las pinturas de nenúfares, pero no estaba satisfecho con el resultado, por lo que en 1906 pospuso varias veces una exhibición planeada por Durand-Ruel. Monet junto al estanque de nenúfares. Últimos años y muerte En el año 1908 se evidenciaron los primeros indicios de la enfermedad de los ojos de Monet. Entre septiembre y diciembre de ese año estuvo junto con su esposa en Venecia, donde no solamente pintó, sino que también estudió en las iglesias y museos de la ciudad las obras de los artistas Tiziano y Paolo Veronese. El 19 de mayo de 1911 murió su segunda esposa, Alice. Al año siguiente su visión empeoró y se le diagnósticaron cataratas en ambos ojos. En 1912 fueron exhibidos con gran éxito los cuadros de Venecia por Monet, en la galería Bernheim-Jeune. Georges Clemenceau y otros amigos le recomendaron en 1914 que donase pinturas de la serie de nenúfares al Estado francés, pero Monet que en otras ocasiones había rechazado títulos honorarios de Estado, no fue persuadido. Después de la muerte de su hijo, Jean Monet, la viuda de este se encargo de los asuntos del hogar en Giverny. En 1915 Monet hizo construir ahí un tercer atelier aún más grande que los anteriores, donde pintó las decoraciones de los nenúfares. Al terminar la Primera Guerra Mundial con el armisticio del 11 de noviembre de 1918, Monet le donó al Estado francés ocho de sus pinturas de la serie de los nenúfares. En 1921, deprimido por su creciente ceguera, consideró solicitar el retorno de las pinturas. En ese mismo año se realizó una gran exhibición retrospectiva de la obra de Monet en las dependencias de Durand-Ruel. No fue hasta 1922, a instancias de su amigo Clemenceau, que Claude Monet firmó un acuerdo notarizado que legalizaba la donación, con lo que los cuadros pasaron a ser propiedad del Estado. Luego de dos operaciones de cataratas en 1923, Monet recuperó la vista. Comenzó a pintar nuevamente sus grandes decoraciones de nenúfares, pero se vio obstaculizado por la depresión. En sus últimos años Monet destruyó por cuenta propia varias de sus pinturas, ya que no quería que obras sin terminar, bocetos y borradores entraran al
  • 31. Claude Monet 29 mercado de arte, como en efecto sucedió después de su muerte. El 5 de diciembre de 1926, Monet murió en Giverny. Obra Ningún pintor del grupo fue tan puramente impresionista como Monet. En su obra el factor dominante es un claro esfuerzo por incorporar el nuevo modo de visión, sobre todo el carácter de la luz, mientras que la composición de grandes masas y superficies sirve únicamente para establecer cierta coherencia. Por su parte, Renoir fue el pintor que nos convence de que la estética del Impresionismo fue, sobre todo, hedonista. El placer parece la cualidad más evidente de su obra, el placer inmediato y ardiente que produce en él la pintura. Nunca se dejó agobiar por problemas de estilo y llegó a decir que el objeto de un cuadro consiste simplemente en decorar una pared y que por eso era importante que los colores fueran agradables por sí mismos. De todos los impresionistas, Monet fue el que con más énfasis practicó el plenairismo, es decir la práctica de la pintura al plein-air (en francés: aire pleno, total y también - y ese es el significado que aquí más nos importa- aire libre). La pintura al aire libre. Aunque existe gran cantidad de pintores paisajistas previos a Monet, se nota en ellos que la factura de sus obras ha sido realizada principalmente dentro del taller tras un previo esbozo. Hasta la segunda mitad de S.XIX, las pinturas (óleo, temple) eran realizadas artesanalmente y envasadas en frascos, vejigas, etc. La invención de los pomos (un positivo producto de la Revolución industrial), permitió a los pintores llevar sus óleos o temperas al aire libre, bajo el sol, sin que estos elementos se secaran u oxidaran rápidamente como había sucedido hasta entonces. Bien que este aporte industrial no bastó: se requirió de genios, y un genio para la pintura al plein-air (y para la pintura universal) nos ha resultado Monet. Al aire libre, bajo la luz solar, pudo minuciosamente observar y plasmar casi inmediatamente, a «brochazos», a plena macchia, Monet los efectos de la luz sobre los objetos, los cambios, las vibraciones de esa luz; es por tal razón que la pintura de Monet nos resulta especialmente vital, aunque su vitalidad sea una serena vitalidad, llena de armonías. En 1890 se estableció en Giverny, pueblo cercano a París y, sin embargo, a salvo del tráfago urbano; allí en torno a su casa construyó una suerte de "jardín japonés", en el que se destaca el estanque con ninfeas, y nenúfares. Inspirado en ese ambiente, aunque estuviera casi ciego ya, inició en 1906 la serie de cuadros que tienen por tema a tales plantas florales acuáticas (los cuadros de ninfeas y nenúfares pueden admirarse actualmente en el museo parisino de La Orangerie). Todo puede deducirse de una simple afirmación que Monet hizo en diversas ocasiones: El motivo es para mí del todo secundario; lo que quiero representar es lo que existe entre el motivo y yo. Importancia Significado artístico, notoriedad La obra de Monet encompasa la influencia de varias épocas estilísticas. Sus primeras obras pertenecen al realismo pictórico, del cual que se alejó cada vez más a lo largo de su carrera. Fue un miembro importante de los impresionistas, y algunas de sus obras se cuentan entre las más importantes de este estilo pictórico. Sus obras tardías se componen sobre todo por series y cuadros de jardín. Las obras tardías despertaron poco interés después de su muerte. Las pinturas de la serie de nenúfares que Monet donó al estado francés, se presentaron al publico el 17 de mayo de 1929 en el museo de la Orangerie como Musée Monet, pero la exhibición despertó poco interés. En estas salas se mostró una retrospectiva de Monet en la que las obras de periodo tardío estuvieron poco representadas. Posteriormente el museo organizó otras exhibiciones en estas mismas salas, lo que contravenía el acuerdo con Monet. Para la presentación de tapices flamencos de 1935 incluso se descolgaron los cuadros de Monet para colgar los tapices en su lugar. La crítica valoró la obra tardía de forma negativa debido a sus formas disueltas, y colores intensos, a los que les faltaba el contacto empírico con la naturaleza. Los cuadros contradecían de esta manera la idea
  • 32. Claude Monet 30 de que el impresionismo daba una representación óptica exacta de la naturaleza. Hasta la década de 1980, con pocas excepciones, en la historia del arte se diferenciaba entre las obras impresionistas tempranas, que comprende los cuadros creados entre 1870 y 1880, y las poco valoradas obras tardías.[11] Entre 1880 y el fin de siglo, Monet fue visto por la crítica como un visionario. Después de 1890 sus cuadros se encuentran entre el naturalismo y el abstraccionismo, lo que hace difícil clasificar la tendencia estilística de los cuadros tardíos. Artistas como Max Liebermann, Augusto Giacometti y Lovis Corinth valoraban las obras impresionistas de Monet, y fueron influenciados por él. Esta influencia de Monet, incluso después de su muerte, se extinguió con la muerte de Pierre Bonnard en 1947, quien se llamaba a sí mismo el “último impresionista”. Aunque los cubistas rechazaron la obra de Monet, sobre todo por la disolución de las formas, muchos pintores extranjeros, como Wassily Kandinski, reconocieron la importancia de Monet para la modernidad. A finales de la década de 1940 y en la década de 1950 hubo un resurgimiento en el interés por Monet. En 1947 Marc Chagall dijo: «Monet es para mí, el Miguel Ángel de nuestra época».[12] Sin embargo en su juicio las obras tardías no tenían una posición especial. André Masson expresó una opinión diferente en 1952, cuando llamó las decoraciones de nenúfares «la capilla Sixtina del impresionismo».[13] Gran parte de la creciente popularidad de Monet se debió a la pintura de post-guerra en los Estados Unidos, en la que el gesto regresa a primer plano, y en la que se impuso el anti-racionalismo. El interés por las obras tardías resurgió con el advenimiento de la pintura abstracta. Más de trescientos artistas norteamericanos viajaron a París en la década de 1950, donde entre otros, estudiaron a Monet. Estos eventos fueron el impulso para las primeras grandes exhibiciones individuales en la década de 1950, que llevaron al reconocimiento internacional de la obra de Monet. Entre estas, la exhibición impresionista en el Kunsthalle de Basilea de 1949 tiene especial importancia. El resurgimiento en el interés por la obra de Monet también llevó a un incremento en el número de visitantes la Orangerie. Éxito comercial Por gran parte de su carrera artística, Monet vivió en la pobreza. Sus obras, al igual que las obras de otros artistas que no se adherían al estilo clásico preferido por el público, fueron ignoradas por los compradores. Con el auge económico después de la guerra franco-prusiana de 1871 los precios subieron, e incluso las obras de artistas impresionistas consiguieron de forma sorpresiva, precios altos. El mercader de arte Paul Durand-Ruel, quien conoció a Monet durante su estadía en Londres, compró por muchos años obras de Monet y otros artistas rechazados por la crítica. No pagaba mucho, pero los ingresos regulares le permitieron llevar a Monet una vida financieramente segura. A partir de 1873 Durand-Ruel tuvo que restringir su apoyo a los artistas impresionistas debido a una fuerte crisis económica en Francia, que afectó el mercado de arte. La caída en los precios fue especialmente fuerte en las obras de tipo impresionista.[14] Es así como en 1874 Ernest Hoschedé pudo comprar la pintura Impresión, sol naciente por 800 francos, pero en la subsecuente subasta forzada por la bancarrota, en 1877, la obra alcanzó tan solo un precio 200 francos. Esta subasta documenta claramente la caída en los precios de obras de los artistas impresionistas. La situación económica de Monet empeoró nuevamente. A fines de 1878 Monet dijo al respecto: «No soy un principiante, y es terrible a mi edad estar en esta situación, teniendo que mendigar y molestar a los compradores».[15] La situación de Monet no mejoró hasta que se mudó a Giverny, cuando Durand-Ruel pudo reiniciar su apoyo a los impresionistas. Las obras de Monet ganaron en reconocimiento, y los precios de sus cuadros subieron. Por ejemplo, a mediados de la década de 1890, los cuadros de la serie de la catedral de Ruan alcanzaron un precio de 15 000 francos. En su casa de Giverny fue visitado por importantes coleccionistas de arte como Matsukata Kojiro. A fines de la década de 1980 las obras de artistas impresionistas alcanzaron precios en subasta que no han podido ser superados hasta la fecha. Monet es la única excepción. Uno de sus cuadros de nenúfares de 1907 alcanzó en 1989 un precio de 10,5 millones de dólares, y el mismo cuadro fue vendido en una subasta de Christies con una ganancia de dos millones de dólares en noviembre de 2005. Esto se debe a que muy pocas obras de Monet están disponibles en el mercado. En 2004 fueron 26, en 2005, 22 y en 2006, 28 cuadros. En junio de 2007 un cuadro de la serie de nenúfares de 1904, valuado entre 10 a 15 millones de libras esterlinas, fue subastado en Sothebys por 18,5 millones de libras
  • 33. Claude Monet 31 esterlinas. El comprador fue un coleccionista asiático. Se convirtió en el cuarto cuadro más caro de Monet, solo superado por el cuadro de nenúfares Le Bassin aux nympheas que en 2008 alcanzó 51,7 millones de Euros en la casa de subastas Christie’s; el cuadro Puente de ferrocarril en Argentuil, que se vendió en mayo de 2008 por 41,4 millones de dólares, también subastada por Christie’s; y un cuadro de nenúfares de 1900 que fue subastado en Sotheby’s en 1998 por 19,8 millones de libras esterlinas. Influencia Las obras de Monet son usadas con frecuencia en calendarios y postales, formando de esa manera parte de nuestra vida cotidiana. Además, Monet y su obra fueron una fuente de inspiración para otros impresionistas. Su influencia se extiende incluso a la literatura. Literatura El autor francés Marcel Proust se dejó inspirar por la obra de Monet. Proust poseía una afinidad por el impresionismo en general, y en particular admiraba las obras de Monet. Aunque no son mencionadas especificamente en sus escritos, hay paralelas temáticas con Monet.[16] Proust describe en su novela En busca del tiempo perdido fenómenos que Monet captura en el lienzo. El narrador en el libro da en forma verbal sus impresiones de las nubes y del mar en el balneario ficticio de Balbec. En la novela fragmentaria del mismo autor, Jean Santeuil, Claude Monet es mencionado varias veces cuando un coleccionista de Ruan compra varios cuadros de Monet. Los sentimientos despertados por cinco cuadros de Monet son descritos por el narrador.[17] También en la novela Sodoma y Gomorra, Monet es nombrado en conjunción con la exclamación, «Oh, estas catedrales!» Pintura Claude Monet fue plasmado en varios cuadros hechos por sus amigos del grupo de artistas impresionistas. Pierre-Auguste Renoir lo retrató tres veces. El primer cuadro, del año 1872, lo muestra sentado fumando una pipa y leyendo el periódico. En el segundo cuadro, del año 1873, se mira a Monet pintando en su jardín. En el tercer cuadro, de 1875, se muestra a Monet de pie, con un pincel y una paleta en las manos. También Édouard Manet retrató a Monet en un cuadro que lo muestra con su esposa Camille, sobre una barca de su atelier que usaba para pintar sobre el agua. Claude Monet Monet pintando en su jardín de Retrato del pintor Claude Monet y su esposa sobre leyendo el periódico Argenteuil por Pierre-Auguste Claude Monet por la barca de su atelier por por Pierre-Auguste Renoir, 1873 Pierre-Auguste Edouard Manet, 1874 Renoir, 1872 Renoir, 1875 La influencia de Monet se puede ver en varios artistas modernos. Las gruesas texturas de color de Jackson Pollock recuerdan las obras tardias de Monet. La serie “Flores” del artista pop, Andy Warhol fue inspirada en la serie de cuadros de nenúfares de Monet, y puede ser vista en el Museo de arte moderno de Nueva York.
  • 34. Claude Monet 32 Cine En la película del año 1915 del director Sacha Guitry, Ceux de chez nous, se valora la vida cultural francesa durante la primera guerra mundial. La película se concentra sobre todo en Renoir, pero también se contempla a Degas y a Monet, a quien se le observa mientras pinta uno de sus cuadros de nenúfares. El cielo en la pintura de Monet, Puente sobre el Sena en Argenteuil (1874) es mencionado en la película Vanilla Sky del año 2001. El protagonista vive en un mundo creado por su imaginación que se diferencia de la realidad por tener un cielo de color vainilla, como en la obra de Monet. Antes de esto, una de sus obras es usada como objeto en la película El Caso Thomas Crown (1999), en donde un millonario norteamericano obsesionado con el arte roba una pintura sólo por diversión y para conseguir el amor de su vida. Obras (Selección) Esta lista contiene 39 pinturas representativas de la obra de Monet. Pintura Nombre Año de Tamaño, material Lugar de exposición creación El Desayuno 1865/1866 248 × 217 cm, óleo Museo de Orsay en París sobre lienzo Camille con vestido verde 1866 231 × 151 cm, óleo Kunsthalle Bremen en Bremen sobre lienzo Mujeres en el jardín 1866 256 × 208 cm, óleo Museo de Orsay en París sobre lienzo La terraza de Sainte-Adresse 1867 98 × 130 cm, óleo sobre Metropolitan Museum of Art en Nueva lienzo York La iglesia Saint-Germain-l’Auxerois 1867 79 × 98 cm, óleo sobre Alte Nationalgalerie en Berlín lienzo El río / En la ribera de Bennecourt 1868 81 × 100 cm, óleo sobre Art Institute of Chicago en Chicago lienzo La Grenouillère 1869 75 × 100 cm, óleo sobre Metropolitan Museum of Art en Nueva lienzo York La playa de Trouville 1870 38 × 46 cm, óleo sobre National Gallery en Londres lienzo Molinos de viento en Zaandam 1871 47 × 73 cm, óleo sobre Colección privada lienzo
  • 35. Claude Monet 33 Impresión, sol naciente 1873 48 × 63 cm, óleo sobre Museo Marmottan Monet en París lienzo Campo floreciendo en Argenteuil 1873 50 × 65 cm, óleo sobre Museo de Orsay en París lienzo Boulevard des Capucines 1873 61 × 80 cm, óleo sobre Museo Pushkin en Moscú lienzo Puente sobre el Sena en Argenteuil 1874 60 × 81,3 cm, óleo sobre Neue Pinakothek en Múnich lienzo Camille en traje japonés 1875/1876 231,5 × 142 cm, óleo Museo de Bellas Artes en Boston sobre lienzo Estación Saint-Lazare, Llegada de un 1877 82 × 101 cm, óleo sobre Harvard University Art Museum en la tren lienzo Universidad de Harvard Rue Saint-Denis el la fiesta del 30 de 1878 76 × 52 cm, óleo sobre Museo de Bellas Artes de Ruan junio de 1878 lienzo Ramo de girasoles 1880 101 × 81 cm, óleo sobre Metropolitan Museum of Art en Nueva lienzo York Choza del guarda de aduanas en 1882 60 × 78 cm, óleo sobre Museo Boymans Van Beuningen en Verengeville lienzo Rotterdam Mar tormentoso en Etretat 1883 81 × 100 cm, óleo sobre Musée des Beaux-Arts en Lyon lienzo Bordighera 1884 64,8 × 81,3 cm, óleo Art Institute of Chicago, Mr. and Mrs. sobre lienzo Potter Palmer Collection Dama con parasol 1886 131 × 88 cm, óleo sobre Museo de Orsay in París lienzo Las pirámides Port-Coton 1886 65 × 80 cm, óleo sobre Museo Pushkin en Moscú lienzo
  • 36. Claude Monet 34 Joven dama en una barca 1887 145,5 x 133,5 cm, óleo Museo Nacional de Arte Occidental en sobre lienzo Tokio El gavillero 1890/1891 Formatos diversos, óleo Varios lugares de exposición sobre lienzo Álamos 1891 Formatos diversos, óleo Varios lugares de exposición sobre lienzo La catedral de Ruan 1891-1894 Formatos diversos, óleo Varios lugares de exposición sobre lienzo Brazo del Sena en Giverny 1897 81 × 92 cm, óleo sobre Museo de Bellas Artes en Boston lienzo Ninfeas 1897-1899 81 × 100 cm, óleo sobre Galería Nacional de Arte Moderno en lienzo Roma Ninfeas, armonía en verde 1899 89 × 93 cm, óleo sobre Museo de Orsay en París lienzo Sendero en el jardín del artista 1902 89 × 92 cm, óleo sobre Österreichische Galerie Belvedere en lienzo Viena El parlamento de Londres durante el 1902 81 × 92 cm, óleo sobre National Gallery of Art en Washington ocaso lienzo D.C. El Palazzo da Mula 1908 62 × 81 cm, óleo sobre National Gallery of Art en Washington lienzo D.C. Los nenúfares 1920 200 × 427 cm, óleo National Gallery en Londres sobre lienzo
  • 37. Claude Monet 35 Referencias [1] Matthias Arnold: Claude Monet, Rowohlt, Hamburgo, 1998, Pág. 9 [2] Berühmte Maler auf einen Blick – Claude Monet, DuMont, 1999, Pág. 8 [3] Matthias Arnold: Claude Monet, Rowohlt, Hamburgo, 1998, Págs. 9 y 10 [4] Extracto de una entrevista con Monet de 1900 según Charles F. Stuckey: Claude Monet 1840-1926, Könemann, Colonia, 1996, Pág. 204 ff. [5] John Rewald: Die Geschichte des Impressionismus. DuMont Buchverlag, Colonia 1979. 7ª impresión 2001, Pág. 29 [6] Hirmer Verlag GmbH: Monet und Camille – Frauenportraits im Impressionismus. Múnich 2005, Pág. 23 [7] Matthias Arnold: Claude Monet, Pág. 22 [8] Christoph Heinrich: Monet. Taschen, Colonia 2006, Pág. 10 [9] Christoph Heinrich: Monet. Taschen, Colonia 2006, Pág. 20 [10] Christoph Heinrich: Monet. Taschen, Colonia 2006, Pág. 48 [11] Karin Sagner-Düchting: Claude Monet und die Moderne. Prestel Verlag, Múnich 2001, Pág. 20 [12] Karin Sagner-Düchting: Claude Monet und die Moderne. Prestel Verlag, Múnich 2001, Pág. 22 [13] Karin Sagner: Claude Monet. DUMONT, Colonia 2005, Pág. 23 [14] Peter H. Feist: Pierre-Auguste Renoir. Taschen, Colonia 2006. [15] Christoph Heinrich: Monet. Taschen, Colonia 2006, Pág. 48 [16] http:/ / www. marcel-proust-gesellschaft. de/ marcel_proust/ iessay/ monet_proust. pdf Pág. 1 [17] http:/ / www. marcel-proust-gesellschaft. de/ marcel_proust/ iessay/ monet_proust. pdf Pág. 5 Bibliografía • Janice Anderson: Monet. Verlag EDITION XXL, 2005, ISBN 3-89736-332-1 • Matthias Arnold: Claude Monet. 2ª edición. Rowohlt-Verlag, Reinbek 2003, ISBN 3-499-50402-2 • Dorothee Hansen (editora), Wulf Herzogenrath (editor): Monet und Camille – Frauenportraits im Impressionismus. Hirmer Verlag GmbH, Múnich 2005. ISBN 3-7774-2705-5 • Christoph Heinrich: Monet. Taschen-Verlag, Colonia 2006, ISBN 3-8228-6368-8 • Karin Sagner-Düchting: Claude Monet und die Moderne. Prestel-Verlag, Múnich 2001, ISBN 3-7913-2614-7 • Karin Sagner: Claude Monet. DuMont, Colonia 2005, ISBN 3-8321-7598-9 • Karin Sagner: Claude Monet in Giverny. 4ª edición. Prestel-Verlag, Múnich 2006, ISBN 978-3-7913-3438-7 • Karin Sagner: Monet. 10ma. impresión Taschen-Verlag, Colonia 2006, ISBN 3-8228-5021-7 • Daniel Wildenstein: Monet. 4 Tomos. Taschen-Verlag, Colonia 1996, ISBN 3-8228-8725-0 Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Claude Monet. Commons • CGFA Claude Monet (http://cgfa.sunsite.dk/monet/index.html) • Art of Monet - Biografía y 500+ cuadros (http://www.artofmonet.com/) • Biografía en español (http://www.iespana.es/legislacione/Claude_Monet.htm) • Claude Oscar Monet. Fotos (http://www.art-drawing.ru/gallery/category/1529-monet-claude) y Biografía (http://www.art-drawing.ru/biographies/brief-biographies/995-oscar-claude-monet)
  • 38. Édouard Manet 36 Édouard Manet Édouard Manet Édouard Manet (fotografía por Nadar h. 1910) Nombre Édouard Manet completo Nacimiento 23 de enero de 1832 París,  Francia Fallecimiento 20 de abril de 1883 (51) París,  Francia Nacionalidad Francesa Área Pintor Educación alumno de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor. Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo tiempo, pudo copiar en el Louvre Firma Édouard Manet (23 de enero de 1832 - 30 de abril de 1883) fue un pintor francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.[1][2] Biografía Édouard Manet nació en París el 24 de enero de 1832, en una familia acomodada.[3] Primeros años Sus días escolares pasaron sin acontecimientos destacables y terminó su formación sin obtener la calificación necesaria para estudiar derecho, para decepción de su padre, que era magistrado. A los dieciséis años viajó a Río de Janeiro como marinero en prácticas, con intención de ingresar en la Academia Naval Francesa.[3] Se interesa por el arte Cuando vio que su proyecto no tenía éxito decidió dedicarse al arte, pasando a su regreso, hacia 1850, casi seis años como alumno de Thomas Couture, un pintor muy estrecho de miras como profesor. Allí estuvo durante casi seis años y, al mismo tiempo, pudo copiar en el Louvre cuadros no sólo de Tiziano y Rembrandt, sino también de Goya, Delacroix, Courbet y Daumier.[3] De Couture aprendió que para ser un gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de los que lo han sido en el pasado, pero por desgracia, Couture era un antirrealista fanático y convencido. Enfurecido por las mofas que Manet hacía con respecto al Premio de Roma, Couture le dijo que nunca llegaría a ser
  • 39. Édouard Manet 37 otra cosa que el Théodore Rousseau de su época. Después de esto, Manet hizo su propia síntesis personal de la historia de la pintura y de lo que podía aprender viendo grabados japoneses. Y es que el pintor fue siempre un extraño ecléctico. Viaja por Europa Desde 1853 hasta 1856 Manet se dedicó a viajar por Italia, los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a los grandes maestros.[3] Contrae matrimonio El 28 de octubre de 1863 contrajo matrimonio con la pianista holandesa Suzanne Leenhoff, con la que mantenía relaciones desde 1850. A pesar de la boda, el que casi con seguridad era su hijo, León, nacido en 1852, siguió llevando el apellido de la madre, y pasando por hermano de ésta.[3] Descubre a Diego Velázquez En agosto de 1865 emprendió un viaje por España, organizado por su amigo Zacharie Astruc, en el que descubrió la pintura barroca española, en particular a Diego Velázquez, que tendrá una enorme influencia en su obra. Su única alumna En 1869 tomó como discípula a Eva Gonzalès, hija de un conocido novelista, que le había sido presentada por un marchante de arte. La joven, que no carecía de talento, pero a la que le faltaba iniciativa, fue la única alumna de Manet, quien la retrató en 1870. Guerra Franco-prusiana Al estallar la guerra franco-prusiana Manet, junto con otros impresionistas, fue movilizado. envió a su familia a Oloron.Ste.-Marie, en los Pirineos, y envió trece cuadros a Duret, antes de entrar como teniente al servicio de la Guardia Nacional durante el sitio de París.Tras la declaración del armisticio, en 1871, formó parte, junto con otros catorce pintores y diez escultores de la federación de artistas de la efímera Comuna de París. Primera exposición de pintores impresionistas En 1872 Durand-Ruel adquirió por 35000 francos veinticuatro obras de Manet y organizó la primera exposición de pintores impresionistas, que no tuvo éxito comercial. Sin embargo, entre estos artistas iba surgiendo una conciencia de grupo que los llevaría a formar la Société Anonyme des artists para realizar exposiciones colectivas. Relación con Monet En esta época, en la que tuvo mucha relación con Monet, empezó Manet a adoptar las técnicas impresionistas si bien rehusará participar en las exposiciones colectivas. En cambio, organiza una exposición de sus obras en su propio taller de la parisina calle de St. Petersboug, que gozó de bastante popularidad, rumoreándose en la época que había tenido unas 4000 visitas. Deterioro de su salud Hacia 1880, su salud empezó a deteriorarse a causa de un problema circulatorio crónico, que no mejoró a pesar de someterse a tratamientos de hidroterapia en Bellevue. En esta época fue reconocido su talento con una medalla de segunda clase concedida por el Salón, y fue nombrado también Caballero de la Legión de Honor.
  • 40. Édouard Manet 38 Muerte El 20 de abril de 1883, a causa de su enfermedad circulatoria crónica, le fue amputada la pierna izquierda y diez días más tarde falleció a los 51 años de edad.[3] Trayectoria artística De todos los artistas de su tiempo, Manet era quizás el más contradictorio. Aunque se le consideraba un personaje controvertido y rebelde, Manet se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna, y lo que quizás sea más importante, un pintor que ahora es aceptado como uno de los grandes, solía mostrarse inseguro de su dirección artística y profundamente herido por las críticas hacia su obra.Tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el éxito que su talento merecía. Pese a que se le considera uno de los padres del Impresionismo, nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque le rechazaran. Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos métodos de pintura ni de crear otros nuevos».[4] Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, por mucho que se respetaran mutuamente. La notoriedad de Manet, al menos en las etapas tempranas de su carrera, se debió más a los temas de sus cuadros, considerados escandalosos, que a la novedad de su estilo. No fue hasta mediados de la década de 1870 que empezó a utilizar técnicas impresionistas. En este sentido, Bownes se muestra bastante convincente al demostrar que, de joven, sin llegar a considerarse un innovador, Manet sí trataba de hacer algo nuevo: Buscaba crear un tipo libre de composición que estaría, sin embargo, tan herméticamente organizada en su superficie como los cuadros de Velázquez. En 1859 presentó por primera vez al Salón su Bebedor de absenta, un cuadro que permitía sin problemas adivinar su adoración por Frans Hals, pero que provocó una turbulenta reacción en el público y en el jurado, inexplicable sin duda para un Manet que durante toda su vida lo único que buscó fue el éxito dentro de la respetabilidad. En los años sesenta, sin embargo, su pintura de tema español, tan de moda por entonces en Francia, fue bastante bien acogida y en 1861 el Salón aceptó por primera vez un cuadro suyo, el Guitarrista español. El tono general de la obra de Manet no es el de un pintor radical únicamente preocupado por el mundo visual. Él es un sofisticado habitante de la ciudad, un caballero que se ajusta en todo al concepto decimonónico de dandi: un observador distante, refinado, que contempla desde una elegante distancia el espectáculo que le rodea. Desde este punto de vista, Manet concluye el que será, sin duda, uno de sus cuadros más escandalosos, rechazado en el Salón de 1863 y expuesto en el de los Rechazados, Almuerzo sobre la hierba.[3] El reto lo planteaba una realidad contemporánea, los bañistas del Sena, y la escena estaba reformulada en el lenguaje de los viejos maestros (el cuadro está claramente inspirado en la Fiesta campestre del Giorgione), compitiendo con ellos y, al mismo tiempo, subrayando las diferencias. Las escenas con el tema del ocio en el campo estaban ya muy enraizadas en el arte occidental y abundaban tanto en las ilustraciones populares como en el arte académico, pero el cuadro de Manet pertenece a un orden distinto, desconcertante por la evidente inmediatez con que se enfrenta al espectador. Le Déjeuner sur lHerbe (El almuerzo sobre la hierba), 1863.
  • 41. Édouard Manet 39 Este cuadro obtuvo la repulsa unánime del público y la crítica. Sólo lo aceptaron y comprendieron sus compañeros, los jóvenes pintores del momento. Lo que escandalizó no fue el desnudo en sí, sino el modo de presentación con vestimentas modernas y un cuerpo femenino vulgar, lejos de la perfección. El crítico Ernest Chesneau (que años después sería el mayor entusiasta de la obra de Manet) escribió lo siguiente: "El señor Manet tendrá talento el día en que aprenda dibujo y perspectiva; tendrá gusto el día en que renuncie a los temas que escoge con miras al escándalo... No podemos considerar como una obra perfectamente casta el sentar en el bosque, rodeada de estudiantes con boina y gabán, una joven vestida solamente con la sombra de las hojas... El señor Manet quiere alcanzar la celebridad asombrando a los burgueses." Sin embargo, pese a la aparente unidad del grupo, cada figura es una entidad separada, absorta en su propia actitud o meditación, de manera que ningún tipo de conexión narrativa puede explicar el conjunto. Y esta sensación de ruptura hace que el cuadro parezca desintegrarse en una especie de collage de partes independientes que sólo por un instante se agrupan gracias a su parecido, prestado, con el orden renacentista. Pero más escandalosa todavía fue la Olympia, pintada en 1863 pero no presentada al Salón hasta 1865, donde fue rechazada. Entre las razones por las que este cuadro iba a resultar chocante no son las menos importantes el hecho no sólo de que es una clara parodia de una obra renacentista, (la Venus de Urbino del Tiziano), sino también una flagrante descripción de los hábitos sexuales modernos.[3] Manet sustituye en él a una diosa veneciana del amor y la belleza por una refinada prostituta parisina. Pero lo que realmente desconcertó a los críticos de la Olympia, 1863. época es que Manet no la sentimentaliza ni la idealiza, y Olimpia no parece ni avergonzada ni insatisfecha con su trabajo. No es una figura exótica o pintoresca. Es una mujer de carne y hueso, presentada con una iluminación deslumbrante y frontal, sobre la que el pintor muestra un perturbador distanciamiento que no le permite moralizar sobre ella. Ambas obras entusiasmaron a los pintores más jóvenes por lo que suponían de observación directa de la vida contemporánea, por su naturalidad y por su emancipación técnica. Manet se convirtió así, casi sin quererlo, en el personaje principal del grupo que se reunía en el Café Guerbois, la cuna del Impresionismo. En 1867, hacia la época de la Segunda Exposición Universal en París, Manet, muy desalentado por su mal recibimiento en el Salón oficial, decidió seguir el ejemplo de Courbet unos años antes y dispuso, con su propio dinero, un pabellón donde presentó cerca de cincuenta obras sin, desde luego, ningún éxito público.
  • 42. Édouard Manet 40 En el prólogo del catálogo es muy probable que le ayudara su amigo el novelista Zola porque, de hecho, para su pintura durante toda la década de 1860, Manet contó con el apoyo escrito de Zola desde su puesto de crítico de arte para la revista semanal LEvenement. Bajo estas circunstancias Manet pintó de él en 1867-68, un retrato a la vez extraño y programático. Ningún pintor del grupo impresionista ha sido tan discutido como Manet. Para algunos, fue el pintor más puro que haya habido jamás, por completo indiferente ante los objetos que pintaba, salvo como excusas neutras para situar un contraste de líneas y sombras. Para otros, construyó simbólicos criptogramas en los que todo puede ser descifrado según una clave secreta, pero inteligible. Para algunos, Manet fue el primer pintor genuinamente moderno, que liberó al arte de sus miméticas tareas. Para otros, fue el último gran pintor de los viejos maestros, demasiado enraizado en una multitud de referencias Retrato de Émile Zola por Edouard Manet histórico-artísticas. Algunos creen todavía que fue un pintor de deficiente técnica, incapaz completamente de conseguir una coherencia espacial o compositiva. Otros piensan, por fin, que fueron precisamente estos "defectos" los que constituyeron su deliberada contribución a las drásticas y enormemente fructíferas transformaciones que introdujo en la estructura pictórica. Obras • La ninfa sorprendida (La Nymphe surprise) 1860, 146 cm × 114 cm, Museo Nacional de Bellas Artes (Argentina) • La música en las Tullerías (La Musique aux Tuileries ), 1862, 76 x 118 cm, National Gallery (Londres) • Olympia, 1863, 130,5 x 190 cm, Museo de Orsay (París) • Almuerzo sobre la hierba (Le Déjeuner sur lherbe), 1863, 208 x 264,5 cm, Museo de Orsay (París). También conocida por Almuerzo campestre • La lectura (La lecture), 1865-1873, 60,5 x 73,5 cm, Museo de Orsay (París) • El pífano (Le Joueur de fifre), 1866, 161 x 97 cm, Museo de Orsay (París) • La ejecución del emperador Maximiliano (LExécution de Maximilien), 1868, 252 x 305 cm, Städtische Kunsthalle (Mannheim) • Retrato de Émile Zola (Portrait dÉmile Zola) 1868, 146 x 114 cm, Museo de Orsay (París) • El almuerzo 1868, 118 x 154 cm, Neue Pinakothek, (Múnich) • El balcón hacia 1868, 170 x 124,5 cm, Museo de Orsay, (París) Tumba. • Monet en su barca (Monet sur son bateau) 1874, 50 x 64 cm, Neue Pinakothek, (Múnich) • Argenteuil 1874, 149 x 115 cm, Museo de Bellas Artes (Tournai) • El bar del Folies Bergère (Un bar aux Folies Bergère) 1882, 96 x 130 cm, Courtauld Institute (Londres) • Claveles y clemátides en un jarro de cristal 1882, 55 × 34 cm, Museo de Orsay (París) • Amazona de frente, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid • El espárrago, Museo de Orsay (París)
  • 43. Édouard Manet 41 La música en las Tullerías El pífano La ejecución del emperador Claude Monet en su barca a Maximiliano de Habsburgo orillas del Sena en México El bar del Folies Bergère Claveles y The Suicide Amazona de clemátides en frente, c.1882. un jarro de Museo Thyssen cristal Bornemisza. El Ferrocarril, 1873. National Gallery of Art, Washington. Referencias [1] Bataille, George. 1955: Manet. Published by Skira Inc., New York. 136p. [2] Canaday, John. 1966: Edouard Manet (1832-1883) Revolucionario a pesar suyo. 147-149. En Grandes Pintores y sus obras Maestras. Selecciones del Reader Digest. México [3] Callegary, Nadia y Díaz, Lylia. (eds.). 1933: Genios de la Pintura: Edouard Manet. Editora 5 Milán. 792p. [4] Édouard Manet, Razones para organizar una exposición privada, prefacio al catálogo de su exposición individual en la Place de lAlma, 1867, escrito con Zacharie Astruc. Bibliografía • Nieto Alcaide, V., Aznar Almazán, S., y Soto Caba, V., Historia del Arte, Madrid, Nerea, 1994. EAN:9788486763930 • Antigüedad del Castillo, D., y Aznar Almazán, S., Arte del siglo XIX: el cauce de la memoria, Madrid, Istmo, 1998. • Denvir, B., Crónica del Impresionismo, trad. de V. Villacampa, ed. Destino, Barcelona, 1993. ISBN: 84-233-2302-1
  • 44. Édouard Manet 42 Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Édouard Manet. Commons • Wikiquote: Édouard Manet (http://en.wikiquote.org/wiki/Édouard_Manet)(en inglés) • Wikisource: Édouard Manet (http://en.wikisource.org/wiki/Author:Édouard_Manet)(en inglés) • CGFA Édouard Manet (http://cgfa.sunsite.dk/manet/index.html) • Édouard Manet (http://serdar-hizli-art.com/manet/) • Edouard Manet. Fotos (http://www.art-drawing.ru/gallery/category/1430-manet-edouard) y Biografía (http:// www.art-drawing.ru/biographies/brief-biographies/910-edouard-manet) • Salvemos a Manet para el público. Universidad de Oxford (http://www.ashmolean.org/manet/) Edgar Degas Edgar Degas Autorretrato (1855) Nombre completo Hilaire Germain Edgar Degas Nacimiento 19 de julio de 1834 París Île-de-France Fallecimiento 27 de septiembre de 1917 (83 años) París (Francia) Nacionalidad  Francia Área Pintor impresionista, escultor, dibujante Firma Hilaire-Germain-Edgar de Gas, más conocido como Edgar Degas (París, 19 de julio de 1834 – ibídem, 27 de septiembre de 1917), fue un pintor y escultor francés. Es conocido por su visión particular sobre el mundo del ballet, capturando escenas sutiles y bellas, en obras al pastel.
  • 45. Edgar Degas 43 Carrera artística Después de regresar de Italia, Degas copió pinturas en el Louvre. En 1865 algunos de sus trabajos fueron aceptados en el Salón, y gradualmente ganó respeto en el mundo del arte convencional.[1] En 1870, hacia el final de la Guerra Franco-Prusiana, Degas se alistó en la guardia nacional, en donde la defensa de París le dejó poco tiempo para su pintura. Durante el entrenamiento con el rifle se le diagnosticaron problemas en su visión, y durante el resto de su vida la salud de sus ojos fue motivo constante de preocupación.[2] Finalizada la guerra, Degas visitó a su hermano René en Nueva Orleans, y produjo un número de trabajos, muchos sobre familiares, antes de regresar a París en 1873. El siguiente año, Degas ayudó a organizar la primera exhibición impresionista. Los impresionistas hicieron siete presentaciones posteriores, la última en 1886; Degas exhibió su trabajo en todas ellas salvo una. Por este entonces Degas se convertiría también en fotógrafo amateur, tanto por placer como para capturar una acción con precisión para su pintura.[3] En 1874, tras la muerte de su padre, surge una demanda del estado que revela que René (su padre) contrajo enormes deudas. Para preservar el buen nombre de la familia, Degas se ve forzado a vender su casa y una colección de arte que había heredado. De repente se encuentra dependiente de las ventas de su arte como única fuente de ingresos.[4] Después de varios años su situación financiera mejora, y las ventas de su trabajo artístico le permiten dar rienda suelta a su pasión por coleccionar trabajos de los artistas a quienes admira, grandes maestros como El Greco, modernos cómo Delacroix, y contemporáneos suyos Cézanne, Gauguin o Van Gogh. Ingres y Manet fueron especialmente bien representados.[5] A medida que pasaron los años Degas se aisló, en parte debido a su creencia de que «un pintor no puede tener vida personal».[6] La controversia del Caso Dreyfus reveló sus inclinaciones antisemitas, rompiendo con sus amigos judíos.[5] Se cree que estuvo trabajando en pastel hasta fines del año 1907, y también que continuó haciendo escultura hasta finales de 1910. Aparentemente dejó de trabajar en 1912, cuando la demolición de su residencia en la rue Victor Massé lo forzó a mudarse al bulevar de Clichy.[7] Nunca se casó y pasó los últimos años de su vida prácticamente ciego, «vagando sin sentido por las calles de París»[8] hasta morir en 1917. Estilo Admiraba a Ingres y los maestros del renacimiento italiano, pero también recibió la influencia del arte japonés y las tendencias simbolistas. En sus primeras obras sigue las tendencias neoclásicas, pintando cuadros de historia influido por el romántico Delacroix. Es considerado uno de los fundadores del Impresionismo. No obstante, su estilo se desmarca del grupo en varios aspectos, fundamentalmente en su preferencia por los temas urbanos con escenas iluminadas artificialmente, en lugar de la pasión por la naturaleza y la luz natural de otros miembros del grupo; su formación académica se evidencia en que no abandona el dibujo sino que lo convierte en elemento esencial de sus elaboraciones de figuras, predominando pues la línea sobre el color; abandona la técnica al óleo para dedicarse exclusivamente al pastel; utiliza Clase de baile, 1875 (Musée dOrsay, París). encuadres que lo acercan a la fotografía. Realizó retratos y series sobre el mismo tema, destacadamente las bailarinas, pero también sobre las carreras de caballos, uno de sus
  • 46. Edgar Degas 44 temas favoritos, en el que explora el movimiento. Otra serie son los desnudos femeninos que realiza sobre los distintos momentos de la toilette femenina. También representa escenas cotidianas de mujeres, lavanderas, planchadoras o burguesas. A partir de 1880 usó cada vez más el óleo, en particular cuando trata desnudos femeninos. Esta técnica resultaba ideal para materializar su interés por el dibujo y la realidad instantánea y cambiante. Esta línea de preferencia por la luz artificial y los ambientes urbanos es seguida por el postimpresionista Toulouse-Lautrec. Degas fue uno de los pintores, junto a Ingres y Rafael, que Paul Gauguin admiraba y Van Gogh detestaba, como señala el primero en una carta a Émile Bernard, datada en Arlés, 1888. Una de sus obras, a la que llamó La pequeña bailarina de 14 años, fue la única escultura exhibida por Edgar Degas en una exposición. Actualmente está esculpida en bronce, pero Edgar Degas la esculpió en cera. Unos estudios recientes han demostrado El ajenjo, 1876 (Musée dOrsay, París). que el «esqueleto» de la escultura no se hizo de alambre, sino de madera de pinceles viejos. Obra Véase también: Categoría:Cuadros de Edgar Degas. • Réné de Gas con el tintero (1855), Smith College, Museum of Art, Northampton • Jóvenes espartanas provocando a los jóvenes (1860), National Gallery de Londres • La familia Bellelli (1860–1862) • Semíramis construyendo Babilonia (1861), Galerie nationale du Jeu de Paume, París • Carreras de caballos. Antes de la salida (1862), Museo de Orsay, París • Escena de guerra en la Edad Media (1865) • Los músicos de la orquesta o La orquesta de la Ópera (1868), La estrella, h. 1878 (colección privada, París). Museo de Orsay, París • La bolsa del algodón en Nueva Orleans (1872) • El foyer de la danza en la Ópera (1872), Museo de Orsay, París • La mujer del jarrón (1872), Jeu de Paume, París • El Conde Lepic en la Plaza de la Concordia o Vicomte Lepic atravesando la Place de la Concorde (1873) • Bailarina de verde, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid • Dos damas en la sombrerería, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid • Caballos de carreras (1874) • Ensayo de ballet (1874)
  • 47. Edgar Degas 45 • El ajenjo (Labsinthe) (1876), Museo de Orsay, París • Fin del arabesco (1876–1877) • Mujeres en la terraza (1877) • La La en el circo Fernando (1879), National Gallery de Londres • En las carreras, ante las tribunas (h. 1879), Museo de Orsay, París • Bailarinas azules (1890) • La taza de té (h. 1894), Tate, Londres • Bailarinas rusas (h. 1895), Museo Nacional de Estocolmo • Mujer bañándose (1895), Museo Soumaya, Ciudad de México Además de sus cuadros, Degas dejó una amplia obra gráfica: dibujos, grabados y monotipos. Bailarina basculando (Bailarina verde), 1877–1879 (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). Galería La familia Bellelli, 1860–1862 La orquesta de la El café-concierto La La en el circo ópera, 1870 Ambassadors, Fernando, 1879 1876–1877 En las carreras, ante las Dos planchadoras, h. El barreño, h. 1886 Bailarinas rusas, h. 1895 tribunas, h. 1879 1884
  • 48. Edgar Degas 46 Referencias • Walther, I.F. (dir), Los maestros de la pintura occidental, Taschen, 2005. ISBN 3-8228-4744-5 • «Edgar Degas» en el Diccionario de Arte, «Pintores del siglo XIX», LIBSA, Madrid, 2001. ISBN 84-7630-842-6 • Monreal, L., Grandes Museos, Vol. 1, y 2, Planeta, 1975. ISBN 84-320-0460-X (obra completa) • Ramírez Domínguez, J. A., «El impresionismo y el postimpresionismo», en Historia del arte, Anaya, Madrid, 1986. ISBN 84-207-1408-9 • Baumann, Felix; Karabelnik, Marianne, et al. (1994). Degas Portraits. London: Merrell Holberton. ISBN 1-8594-014-1 • Benedek, Nelly S. "Chronology of the Artists Life." Degas. 2004 [9]. 21 de mayo de 2004 • Benedek, Nelly S. "Degass Artistic Style." Degas. 2004 [10]. 21 de marzo de 2004 • Bowness, Alan. ed. (1965) "Edgar Degas." The Book of Art Volume 7. New York: Grolier Incorporated: 41 • Brettell, Richard R.; McCullagh, Suzanne Folds (1984). Degas in The Art Institute of Chicago. New York: The Art Institute of Chicago and Harry N. Abrams, Inc. ISBN 0-86559-058-3 • Canaday, John (1969). The Lives of the Painters Volume 3. New York: W.W. Norton and Company Inc. • Dorra, Henri. Art in Perspective New York: Harcourt Brace Jocanovich, Inc.: 208 La pequeña bailarina de 14 años, h. 1881 (Ny Carlsberg Glyptotek, • Dumas, Ann (1988). Degass Mlle. Fiocre in Context. Brooklyn: The Copenhague). Brooklyn Musem. ISBN 0-87273-116-2 • "Edgar Degas, 1834–1917." The Book of Art Volume III (1976). New York: Grolier Incorporated: 4 • Gordon, Robert; Forge, Andrew (1988). Degas. New York: Harry N. Abrams. ISBN 0-8109-1142-6 • Guillaud, Jaqueline; Guillaud, Maurice (editors) (1985). Degas: Form and Space. New York: Rizzoli. ISBN 0-8478-5407-8 • Hartt, Frederick (1976). "Degas." Art Volume 2. Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall Inc.: 365 • "Impressionism." Praeger Encyclopedia of Art Volume 3 (1967). New York: Praeger Publishers: 952 • J. Paul Getty Trust "Walter Richard Sickert." 2003 [11]. 11 de mayo de 2004 • Mannering, Douglas (1994). The Life and Works of Degas. Great Britain: Parragon Book Service Limited • Peugeot, Catherine, Sellier, Marie (2001). A Trip to the Orsay Museum. Paris: ADAGP: 39 • Thomson, Richard (1988). Degas: The Nudes. London: Thames and Hudson Ltd • Tinterow, Gary (1988). Degas. New York: The Metropolitan Museum of Art and National Gallery of Canada.
  • 49. Edgar Degas 47 Notas [1] Benedek "Chronology" [2] Guillaud and Guillaud, 1985, p. 29 [3] Hartt, p. 365 [4] Guillaud and Guillaud, 1985, p. 33 [5] Guillaud and Guillaud, 1985, p. 56 [6] Canaday, 1969, p. 929 [7] Thomson, 1988, p. 211 [8] Mannering, 1994, p. 7 [9] http:/ / www. metmuseum. org/ explore/ Degas/ html/ indexl. html [10] http:/ / www. metmuseum. org/ explore/ Degas/ html/ index1. html [11] http:/ / www. getty. edu/ art/ collections/ bio/ a3670-1. html Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Edgar DegasCommons. • Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Edgar Degas. Wikiquote • Edgar Degas en el Museo Thyssen-Bornemisza. (http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/165) Biografía y obras. • Edgar Degas, Hilaire-Germain. Fotos (http://www.art-drawing.ru/gallery/category/ 1074-degas-edgar-germain-hilaire) y Biografía (http://www.art-drawing.ru/biographies/brief-biographies/ 455-degas-edgar) Control de autoría: LCCN: n79022903 (http:/ / errol. oclc. org/ laf/ n79022903. html) | VIAF: 41863744 (http:/ / viaf.org/viaf/41863744) Pierre-Auguste Renoir Pierre-Auguste Renoir Nacimiento 25 de febrero de 1841 78 años  Francia, Haute-Vienne, Limoges Fallecimiento 3 de diciembre de 1919  Francia, Cagnes-sur-Mer Nacionalidad francés Ocupación Pintor impresionista Firma
  • 50. Pierre-Auguste Renoir 48 Pierre Auguste Renoir (25 de febrero de 1841 - 3 de diciembre de 1919), es uno de los más célebres pintores franceses. No es fácil clasificarlo: perteneció a la escuela impresionista, pero se separó de ella rápidamente por su interés por la pintura de cuerpos femeninos sobre los paisajes.[1][2][3] El pintor Rafael tuvo una gran influencia en él. [cita requerida] El impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del siglo XIX, en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones oficiales en el Salón parisino. El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo espontánea y directa, en pinturas creadas directamente "in situ", no elaboradas en el taller tal y como se estilaba hasta entonces. En parte por la necesidad de abreviar la ejecución, se recurre a una pincelada rápida y suelta, y a formatos manejables frente a los Renoir Autorretrato (1876). formatos monumentales típicos de la pintura académica. Renoir, ofrece una interpretación más sensual del impresionismo, más inclinada a lo ornamental y a la belleza. No suele incidir en lo más áspero de la vida moderna, como a veces hicieron Manet y Van Gogh. Mantuvo siempre un pie en la tradición; se puso en relación con los pintores del siglo XVIII que mostraban la sociedad galante del rococó, como Watteau. En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que recuerda a Rubens por las formas gruesas. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un fuerte influjo de Corot. Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial. "El palco", "El columpio", "El Moulin de la Galette", "Le dèjeuner des canotiers", "Bañistas", son sus obras más representativas. Biografía Pierre-Auguste Renoir nació en Limoges en febrero de 1841. En 1845, Renoir y su familia se mudaron a París. Allí, Pierre-Auguste continuó sus estudios hasta la edad de 13 años. Ya como adolescente, trabajó en el taller de los hermanos Lévy donde pintó figuras decorativas sobre porcelana hasta los 17 años.[4] En 1858, Renoir realiza pintura sobre abanicos. En esa actividad adquirió el gusto por las piezas de gran luminosidad y de pinceladas rápidas. En 1862, Renoir, al captar atención por las pinturas que tuvo que hacer en unas misiones religiosas, postuló a la Escuela de Bellas Artes y entró al taller de Gleyre, donde conoció a Monet, Bazille y Sisley. Sus primeros cuadros de estilo clásico, romántico y realista no fueron inicialmente bien criticados. Sin embargo, la primera obra que expone en la galería l’Esméralda en 1864 recibió una muy buena acogida, pero después de la exposición la destruyó. Pintó gran cantidad de paisajes y de cuerpos humanos, principalmente femeninos (sobre todo el de Lise Tréhot quien fue su amante). Esta joven tuvo una importancia vital en la obra del pintor, dado que al romperse la relación, hubo un cambio en el estilo del autor. La carrera de Renoir realmente se inicia en 1867 con la exposición de la Lise à l’ombrelle.
  • 51. Pierre-Auguste Renoir 49 El período impresionista de Renoir dura entre 1870 y 1883. Pinta gran cantidad de paisajes pero sus obras más características tiene por tema la vida social urbana. En todos sus temas el énfasis lo pone en la juventud y la vitalidad. Su más grande obra durante este período es Déjeuner des canotiers; la mujer que juega con el perrito en este cuadro será su esposa, Aline Charigot. De esta época data su Retrato de Madame Charpentier con sus hijos, aún impresionista. Le fue encargado por el editor Charpentier, quien le ayudó en años difíciles. Gracias a él, fue convocado a colaborar en las ilustraciones para un libro de Émile Zola. El almuerzo de los remeros. Óleo. 1881, Washington, Colección Phillips. La mujer que juega con el perrito será su futura esposa, Entre 1883 y 1890, Renoir entra en su período Aline Charigot. ingresco. En busca de las fuentes clásicas de Ingres marcha a Italia y contempla la obra de Rafael in situ; decide revisar su estilo. Los contornos de sus personajes se vuelven más precisos. Dibuja las formas con gran precisión, los colores se vuelven más fríos. Al convertirse en padre por primera vez deja la pintura por un tiempo. Al regresar al trabajo realiza la más importante obra de este período Grandes baigneuses, cuadro que tardó tres años en completar. De 1890 a 1900, Renoir cambia nuevamente su estilo. Ahora es una mezcla de sus estilos impresionista e ingresco. Mantiene los temas Ingres pero con la fluidez en las pinceladas de su período impresionista. Su primera obra de este período Jeunes filles au piano, es adquirida por el estado francés para ser expuesta en el Museo de Luxemburgo. En 1894, Renoir es padre por segunda vez. La niñera de sus hijos, Gabrielle Renard, se convierte en uno de sus modelos preferidos. Entre 1900 y 1919, Renoir entra en su período de Cagnes. En esta época sufre graves crisis de reumatismo. Con el nacimiento de su tercer hijo en Le Bal au Moulin de la Galette, Museo de Orsay, París. 1901 su pintura toma una nuevo matiz. En varias ocasiones pinta en compañía de la niñera, quien también se convertirá en modelo para sus obras. Al morir su esposa Aline en 1915, Renoir, ya en silla de ruedas, continúa pintando para ahogar su pena. Vuelto a Cagnes continuó pintando hasta terminar su composición "Descanso tras el baño", y una naturaleza con manzanas. Pierre-Auguste Renoir moriría el 3 de diciembre de 1919 luego de visitar por última vez el Louvre donde ya se exponían sus pinturas, recién pasada una fuerte pulmonía, y sería enterrado a los tres días en Essoyes junto a su esposa. También cabe
  • 52. Pierre-Auguste Renoir 50 recordar que fue padre del destacado cineasta francés Jean Renoir ("La gran ilusión", "La regla del juego"), que comenzó practicando el naturalismo cinematográfico y terminó depurando su estilo hasta alcanzar el impresionismo en algunos films ("La comida sobre la hierba"). Como casi todos los restantes impresionistas, fue un autor ausente de los museos españoles hasta la apertura del Museo Thyssen-Bornemisza. La Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, expuesta en una ampliación del mismo museo, cuenta también con ejemplos suyos. La Casa de Alba cuenta con un "Busto de mujer con sombrero de cerezas" (Palacio de Liria, Madrid) que fue adquirido por la actual duquesa en su juventud, también el Museo Soumaya en la Ciudad de México cuenta con la colección más grande de este pintor fuera de Europa.[cita requerida] Retrato de Renoir por Marie-Félix Hippolyte-Lucas, 1919. Obras principales Pierre-Auguste Renoir pintó a lo largo de más de sesenta años. Pintor prolífico, ha dejado una obra considerable: más de 4.000 pinturas, un número superior a las obras de Manet, Cézanne y Degas juntas. De ellas, pueden citarse: • Portrait de la mère de Renoir, (1860), colección particular • Portrait de Romaine Lacaux, (1864), The Cleveland Museum of Art • Portrait de Sisley, (1864) • Clairière dans les bois, (1865, Institut of Arts, Detroit, anuncia los coquelicots de La Partie champêtre. • Cabaret de la mère Anthony, (1866), Nationalmuseum, Estocolmo • Jules le Cœur et ses chiens, (1866), Museo de Arte, São Paulo • Portrait de Frédéric Bazille, (1867) • Lise à lombrelle (1867), Galería Nacional de Arte, Washington • Clown au cirque, (1868), Rijksmuseum Kröller-Müller, Otterlo • El matrimonio Sisley (Les Fiancés, llamado Le Ménage Sisley) (1868), Museo Wallraf-Richartz, Colonia Au concert dans une loge à lOpéra (1880), Williamstown, EE. UU., • La Grenouillère (1869, Estocolmo) Instituto de Arte Clark. • La Baigneuse au griffon, (1870), Museo de Arte, São Paulo • Claude Monet lisant, (1872), Museo Marmottan-Monet, París
  • 53. Pierre-Auguste Renoir 51 • Buste de femme, (1872-1875), The Barnes Foundation, Merion, Pensilvania • Monet peignant son jardin à Argenteuil, (1873), Wadsworth Atheneum, Hartford • Allée cavalière au bois de Boulogne, (1873), Fondation Barnes Kunstalle, Hamburgo • Mare aux canards (1873, Dallas) en dos ejemplares • Les Moissonneurs, (1873, colección privada, Suiza • La Loge, (1874), Courtauld Institute Galleries, Londres • La Femme en bleu (1874), colección privada • Jeune fille lisant, (1874-1876), Museo de Orsay, París • Femme vue de dos, (v. 1875-1879), Museo de las Bellas Artes André Malraux, Le Havre • Chemin montant dans les hautes herbes (h. 1875), Museo de Orsay, París • La Cueillette des fleurs, (1875), National Gallery de Washington • Les Amoureux, (1875), Museo Nacional, Praga Jeune fille au chapeau de paille, (v. 1884). • Autoportrait, (1875), • Portrait de Claude Monet, (1875), • Le Moulin de la Galette, (1876), Museo de Orsay, París • Premiers pas, (1876), colección particular • La Sortie du conservatoire, (1876, The Barnes Foundation, Merion, Pensilvania • Femme au piano, (1876), Instituto de Arte de Chicago • Portrait de Monsieur Chocquet, (1876), Fundación Oskar Reinhart, Winterthur • Sur la balançoire, (1876), Museo de Orsay, París • Au jardin, (1876), Museo Pushkin, Moscú • Portrait de Nini López, (1876), Museo de Bellas Artes Andrés Malraux, Le Havre • Mujer vestida de negro, (1876), Museo del Hermitage, San Petersburgo • Retrato de Madame Charpentier con sus hijos (1878), Metropolitan Museum, Nueva York • La primera salida, (hacia 1876-1877), Tate, Londres • Portrait de Jeanne Samary, (1877), Museo Pushkin, La baigneuse endormie, (1897). Moscú • Jeanne Samary de pie, (1878), Museo del Hermitage, San Petersburgo • La Couseuse, (1879), • La Fille du déjeuner, (1879), • Les Canotiers à Chatou, (1879), Galería Nacional de Arte, Washington, DC • Le Déjeuner, (1879), • La Jeune fille au chat, (1879)
  • 54. Pierre-Auguste Renoir 52 • Paysage à Wargemont, (1879, Toledo, Ohio • Au concert dans une loge à lOpéra, (1880), Instituto de Arte Clark, Williamstown, Massachussets • Près du lac, (1880) • Place Clichy, (1880) • Mademoiselle Irène Cahen, dAnvers, (1880), Colección E.G. Bührle • Almuerzo de remeros (Le Déjeuner des canotiers), (1880-1881), Colección Phillips, Washington DC • Mère et enfant (1881), The Barnes Foundation, Merion, Pensilvania • Baie de Salernes ou Paysage du Midi, (1881), Museo de Bellas Artes Andrés Malraux, Le Havre • Baie de Naples au matin, (1881, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York • Le Jardin dessai (1881, MGM Mirage, Las Vegas) • En la terraza, (1881), Instituto de Arte de Chicago • Niñas en negro, (1881), Museo Pushkin de Moscú • Vague, (1882, Dixon Gallery and Gardens, Memphis, Tennessee) • Danse à la ville, (1883), M.º Orsay, París • Femme nue dans un paysage, (1883), Museo de la Orangerie, París • Jeune fille au chapeau de paille, (h. 1884) • Las grandes bañistas (Les Grandes Baigneuses), (1884-1887), Museo de Arte de Filadelfia • Jeune baigneuse, (1892), Museo Metropolitano de Arte, Nueva York • Jean jouant avec Gabrielle, (1894), • Gabrielle et Jean, (1895), M.º de la Orangerie, París • Bañista de cabellos rubios sueltos, (1895), Kunsthistorisches Museum, Viena • La Famille de lartiste (ou Les enfants de Monsieur Caillebotte) (1896) The Barnes Foundation, Merion, Pensilvania • La Baigneuse endormie, (1897), • Femme nue en plein air, (1900), • Portrait de Jean Renoir, (1901), Museo Soumaya Ciudad de México • Femme nue couchée, (1906), M.º de la Orangerie, París • La Dame à léventail, (1908), Colección Durand-Ruel, Nueva York • Vera Sergine Renoir, (1914), Museo Botero, Bogotá • Jeune fille à la mandoline (1918), Col. Durand-Ruel, Nueva York • Pins à Cagnes, (h. 1919), M.º de Bellas Artes André Malraux, Le Havre • La Jarra(1919) Museo Soumaya, Ciudad de México • La Baigneuse, 1918, Fundación Balnes, Filadelfia • Die Kleine Irene Cahen Danvers Notas y referencias [1] Vaughan, Malcolm, (1966): Renoir: Enamorado de la vida. En: Los grandes pintores y sus obras maestras. Selecciones del Reader´s Digest. México. pp:158-161. [2] Vargas, G, Pedro (editor). (1985): Genios de la pintura. Editora. Cinco. Bogotá. 726p. [3] Feist, Peter H. (1990): Pier-Auguste Renoir 1841-1919. Un sueño de armonía. Benedikt Taschen Verlag GmbH. 96p. ISBN 3-8228-0217-4 [4] « museothyssen.org (http:/ / www. museothyssen. org/ thyssen/ ficha_artista/ 479)». Consultado el 20 de noviembre de 2010. Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Pierre-Auguste Renoir. Commons • CGFA Renoir (http://cgfa.sunsite.dk/renoir/index.html) • Pierre-Auguste Renoir: Una Galería de Arte Virtual (http://www.halter.net/gallery/renoir-sc.html) • Museo de Louvre (http://www.louvre.fr/llv/commun/home_flash.jsp)
  • 55. Pierre-Auguste Renoir 53 • Galería de las pinturas de Auguste Renoir (http://www.renoirgallery.com) • Pierre-Auguste Renoir. Fotos (http://www.art-drawing.ru/gallery/category/710-renoir-pierre-auguste) y Biografía (http://www.art-drawing.ru/biographies/brief-biographies/1227-renoir-pierre-auguste) Paul Cézanne Paul Cézanne Paul Cézanne, hacia 1861 Nacimiento 19 de enero de 1839 Aix-en-Provence, Francia Fallecimiento 22 de octubre de 1906 (67 años) Aix-en-Provence, Francia Nacionalidad Francesa Área Arte, Pintura Firma Paul Cézanne (19 de enero de 1839 – 22 de octubre de 1906) fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna, cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado que trabajó en medio de un gran aislamiento. Desconfiaba de los críticos, tenía pocos amigos y, hasta 1895, expuso sólo de forma ocasional. Fue un «pintor de pintores»,[1]que la crítica y el público ignoraban, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, al final de su vida, por la nueva generación. Biografía París Se inscribió en la Academia Suiza (Académie Suisse), una academia privada en la que trabajaba con modelos del natural, y en la que no había exámenes ni lecciones, todo ello para preparar el examen de ingreso en la École des Beaux-Arts. En el Museo del Louvre descubrió la obra de Caravaggio y de Velázquez, lo que marcó profundamente su evolución artística. Cuando rechazaron su candidatura a la École des Beaux-Arts, regresó a Aix y aceptó un empleo en el banco de su padre. Sin embargo, en 1862 decidió volver a París para consagrarse definitivamente a la pintura, pasándole su padre una pensión de 125 francos. Reanudó su amistad con Zola y continuó sus estudios en la Academia Suiza, donde conoció a Guillaumin y a Camille Pissarro, pintor mayor que él aunque poco reconocido, que vivía con su numerosa familia en una zona rural a las afueras de París. Cézanne se sintió de inmediato atraído
  • 56. Paul Cézanne 54 por los elementos más radicales del mundo artístico parisino. Admiraba sobre todo al pintor romántico Eugène Delacroix y, entre los artistas más jóvenes, a Gustave Courbet y a Édouard Manet, que exponían obras de estilo y temas chocantes para sus contemporáneos. La polémica entre el arte oficial y los nuevos pintores llevó a la creación, en 1863, del Salon des Refusés donde se mostraban obras no aceptadas por el jurado oficial del Salón de París. El Salón oficial, por su parte, rechazó todas las obras que presentó desde 1864 hasta 1869. En 1864 pasó el verano en Aix-en-Provence; es el mismo año en que se celebra una muestra de la obra de Delacroix, lo que permite a Cézanne conocer su pintura en profundidad. 1869 es el año en el que conoce a la modelo Marie-Hortense Fiquet. En 1870 el Salón rechazó su Retrato de Achille Emperaire, por entender que era inaceptable al no respetar la perspectiva ni la corrección anatómica, juzgándolo «en el límite de lo grotesco». Cuando estalló la Guerra Franco-prusiana en julio de 1870, Cézanne y Hortense dejaron París para ir a LEstaque, cerca de Marsella, evitando así el alistamiento. Fue declarado prófugo en enero de 1871, pero la guerra acabó en febrero y la pareja volvió a París en verano. En enero del año siguiente, 1872, tuvieron a su hijo Paul en París. Se trasladaron entonces a Auvers-sur-Oise, donde vivió en casa del Dr. Gachet. La madre de Cézanne supo de los acontecimientos familiares, pero no su padre, a quien no se le mencionó la existencia de Hortense por miedo de incurrir en su ira. En Auvers profundiza su amistad con Pissarro, que vivía en Pontoise. Inicialmente, era la relación de un maestro con su alumno, con Pissarro ejerciendo una influencia formativa sobre el artista más joven. Durante mucho tiempo después, Cézanne se describió a sí mismo como el alumno de Pissarro, refiriéndose a él como «Dios Padre» y diciendo «Todos nosotros provenimos de Pissarro».[2] Bajo la tutela de Pissarro, en el corto periodo comprendido entre 1872 y 1873, Cézanne pasó de los tonos oscuros a los colores brillantes y comenzó a concentrarse en escenas de la vida rural. A lo largo de la siguiente década, sus excursiones para pintar paisajes juntos, del natural, en Louveciennes y Pontoise, llevaron a una relación de trabajo en colaboración entre iguales. Dejando a Hortense en la región de Marsella, Cézanne se movía entre París y Provenza. Gracias a Pissarro, conoció al "tío" Tanguy en París en el año 1873. Se trataba de un comerciante de colores que aceptaba cuadros como pago de los materiales que vendía a los pintores. Aunque parecía tener menos dominio de la técnica que los otros impresionistas, Cézanne fue aceptado dentro del grupo. Expuso en la primera muestra impresionista celebrada en el estudio del fotógrafo Nadar en 1874: se expusieron Una moderna Olimpia, Paisaje de Auvers-sur-Oise y La casa del ahorcado. Estas obras fueron objeto de burlas, pero la tercera llegó a venderse (ahora en el Museo de Orsay de París). Una moderna Olimpia, h. 1873-74, obra de Cézanne presentada en la primera muestra impresionista.
  • 57. Paul Cézanne 55 En 1875, llamó la atención del coleccionista Victor Chocquet, cuyos encargos le proporcionaron algo de alivio financiero. Pasó el verano de 1876 en LEstaque, lo que le dio la oportunidad de pintar dos marinas. No intervino en la segunda muestra impresionista, pero sí en la tercera (1877) celebrada en la calle Pelletier, con dieciséis obras, entre acuarelas, bodegones, paisajes, un cuadro de bañistas y un retrato del coleccionista Chocquet. El éxito comercial de los impresionistas era ya limitado de por sí y, dentro de este grupo, las obras de Cézanne tuvieron la acogida más desfavorable. Sus pinturas provocaban hilaridad, indignación y sarcasmo. El crítico Louis Leroy dijo del retrato de Chocquet: La casa de violacion (1872-1873). «Esta cabeza que parece tan peculiar, con el color de una bota vieja, impresionaría a [una mujer embarazada] y provocaría la fiebre amarilla en el fruto de su vientre antes de su entrada en el mundo».[3] Cézanne no volvió a exponer con el grupo. Provenza Cézanne pasó el año 1878 en el Mediodía francés, con Hortense y su hijo. En marzo, su padre descubrió el asunto de Hortense y amenazó con romper con él financieramente pero, en septiembre, decidió subirle la asignación a 400 francos. En 1879-80 pasó parte del invierno en Melun, aprovechando para pintar el paisaje cubierto de nieve. Entre las obras maestras de este periodo está la vista del Puente de Maincy. En agosto de 1880 marchó a casa de Zola en Médan, a orillas del Sena donde conoció a Huysmans; aprovechó para pintar al aire libre. Su padre, debido a la vida que lleva, dejó de enviarle ayuda. En mayo de 1881, conoció a Gauguin en la casa de Pissarro en Pontoise; en octubre regresó a Aix, donde su padre Louis-Auguste le hizo un estudio en Jas de Bouffan. Estaba en la planta superior y se le proporcionó una gran ventana, que permitía la entrada de la luz del norte pero interrumpiendo la línea de los aleros, lo cual aún se aprecia. La familia Cézanne fijó definitivamente su residencia en LEstaque, y a partir de entonces sólo en raras ocasiones abandonó Provenza. El traslado refleja una nueva independencia respecto a los impresionistas, centrados en París, y la preferencia del pintor por el sur, su tierra natal. En LEstaque recibió la visita de Renoir (1882), quien quedó impresionado con la belleza del paisaje. Ese año fue la única vez que pudo exponer en el Salón de París, gracias a la intervención de su amigo y artista Antoine Guillemet, Retrato de Louis-Auguste Cézanne, padre del artista, leyendo lEvénement, 1866 (National Gallery, Washington).[4] Escaso es el reconocimiento que obtiene por la crítica oficial. Por entonces, dejó de trabajar en estrecha relación con Pissarro. Había conocido al pintor Monticelli en Marsella en los años 1860, y entre 1878 y 1884 los dos artistas a menudo pintaron paisajes juntos, recorriendo en una ocasión durante un mes el campo de Aix. En 1883 murió Manet, noticia que afectó a Cézanne. En diciembre se reunieron con él en LEstaque Monet y Renoir. El año 1886 fue crucial: se casó con Hortense y, en octubre, murió su padre. Le dejó en herencia la finca que había adquirido en 1859. Cézanne tenía 47 años de edad y por fin consiguió la independencia económica, gracias a la gran herencia que recibió,[5] aunque siguió manteniendo el aislamiento social. Es el año de su ruptura con Émile Zola, después de que este le usara, en gran medida, como modelo para el artista fracasado y trágico Claude Lantier, en La obra. Cézanne sintió que la novela era indecorosa y una traición por parte de su amigo de la infancia, por lo que rompieron su amistad y no volvieron a verse. Para el año 1888 la familia estaba en la anterior mansión, Jas de Bouffan, un sólido edificio y terrenos con edificaciones anejas. Actualmente es propiedad de la ciudad, aunque con menos terreno, y está abierta al público de manera limitada. En 1889 muestra La casa del ahorcado en la Exposición Universal. Al año siguiente, expone en Bruselas con los XX, un grupo de pintores muy activos. No obstante, su periodo idílico en Jas de Bouffan fue sólo temporal. Desde 1890 hasta su muerte, se sucedieron acontecimientos perturbadores que le hicieron aislarse más,
  • 58. Paul Cézanne 56 dedicándose en exclusiva a la pintura. Entre 1887 y 1893, sólo recibe la visita de unos pocos iniciados, como los marchantes de arte J. Tanguy y Ambroise Vollard. Los problemas comenzaron con el comienzo de la diabetes en 1890, desestabilizando su personalidad hasta el punto de que las relaciones con otros quedaron de nuevo afectadas. Viajó a Suiza, con Hortense y su hijo, quizá esperando restaurar su relación. Cézanne, sin embargo, regresó a vivir a Provenza; Hortense y Paul el joven, a París. Las necesidades financieras obligaron a Hortense a volver a Provenza pero en viviendas separadas. Cézanne se trasladó con su madre y su hermana. En 1891 volvió al catolicismo, aunque las imágenes religiosas fueron escasas en su obra tardía. Cézanne sostenía que «Cuando juzgo el arte, cojo mi cuadro y lo pongo junto a un objeto obra de Dios como un árbol o una flor. Si desentona, no es arte».[6] En 1895 se celebró su primera exposición individual, organizada por Vollard, con 100 lienzos. Este marchante promocionó la obra de Cézanne con gran éxito durante los años siguientes, logrando que subiera su cotización, como se comprueba al ver los precios de las ventas Duret y Tanguy (1894)[7] y la venta Chocquet de 1899.[8] Bodegón con cortina (1895) ilustra la creciente tendencia de Cézanne hacia la En 1897 murió su madre, lo que le permitió compresión tersa de formas y tensión dinámica entre figuras geométricas. reconciliarse con su mujer. Vendió Jas de Bouffan y alquiló un lugar en Rue Boulegon, donde construyó un estudio. También alquiló una habitación en el Château Noir, cerca de Aix, donde se prepara un pequeño estudio. Pasó una temporada en Le Tholonet, en la ladera de la montaña Sainte-Victoire, haciendo de ella objeto de su pintura, lo mismo que la cantera de Bibémus. Botella, garrafa, jarro y limones (1902-1906) Sus pinturas se hicieron bien conocidas y Paul Cézanne. Museo Thyssen-Bornemisza buscadas y obtuvo el respeto de una nueva generación de pintores. A pesar del creciente reconocimiento público y éxito financiero, Cézanne prefirió trabajar en el aislamiento artístico, normalmente pintando en Provenza. En 1900 tres de sus lienzos se incluyen en la Exposición Universal y trece en una exposición organizada por Paul Cassirer en Berlín, ocasión en la que el poeta Rainer Maria Rilke vio su obra por vez primera. En 1901 expone en el Salón de los Independientes. Ese mismo año, Maurice Denis presenta su Homenaje a Cézanne, cuadro en el que puede verse a un grupo de artistas (Redon, Vuillard, Bonnard y Denis) alrededor de un bodegón pintado por Cézanne y que había sido propiedad de Gauguin.[1] La relación entre Cézanne y su mujer siguió siendo tormentosa. Necesitaba un lugar en el que estar él solo. En 1901 compró algo de tierra a lo largo del Chemin des Lauves («Camino de Lauves»), una carretera aislada en la colina de Lauves, y encargó que le hicieran allí un estudio (el atelier, actualmente abierto al público), en donde aún puede verse el atrezzo de sus obras, tal como las dejó. Desde allí se ve la montaña Sainte-Victoire. Allí pintó hasta su muerte. Mientras tanto, en 1902, hizo un borrador de testamento excluyendo a su esposa de su herencia y
  • 59. Paul Cézanne 57 dejándoselo todo a su hijo. Aparentemente la relación estaba de nuevo rota; se dice que ella quemó los recuerdos de su madre. En 1903 culmina el reconocimiento de su obra, apareciendo en diversas exposiciones. Así, el Salón de Otoño expone 33 lienzos suyos. También se incluyen obras de Cézanne en la Secesión vienesa y en la de Berlín. Émile Bernard, que ya en 1892 había dedicado un artículo a Cézanne, estuvo trabajando con él durante todo un mes en 1904.[9] Ese mismo año, el Salón de Otoño le dedicó toda una sala, con 30 cuadros y dos dibujos. En 1905 Vollard presentó las acuarelas de Cézanne. Era ya un pintor de prestigio. Se sucedían exposiciones retrospectivas. Muchos pintores jóvenes viajaron hasta Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo durante los últimos años de su vida. Sin embargo, tanto su estilo como sus teorías continúan siendo misteriosas y crípticas; para unos era un pintor primitivo ingenuo y para otros un complicado maestro en los procedimientos técnicos. Muerte de Cézanne Un día, Cézanne se vio atrapado por una tormenta mientras trabajaba en el campo.[10] Sólo después de haber trabajado durante dos horas bajo el aguacero decidió regresar a casa; pero en el camino se desmayó. Lo llevó a casa un conductor que pasaba.[10] Su ama de llaves le frotó los brazos y las piernas para restaurar la circulación; como resultado, recuperó la consciencia.[10] Al día siguiente, pretendía seguir trabajando, pero más tarde se desmayó; el modelo pidió ayuda; le metieron en la cama, en Lauves, de donde no volvió a salir.[10] Murió unos pocos días después, el 22 de octubre de 1906.[10] Murió de neumonía y fue enterrado en el antiguo cementerio en su amada ciudad natal de Aix-en-Provence.[11] Después de su muerte, su estudio en Aix se convirtió en un monumento, Atelier Paul Cézanne, o les Lauves. Estilo Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Al igual que Zola con el realismo literario, Cézanne manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos, sin preocuparse de idealizaciones temáticas o afectación en el estilo. Luchó por desarrollar una observación auténtica del mundo visible a través del método más exacto de representarlo en pintura que podía encontrar. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color. Su afirmación «Quiero hacer del impresionismo algo sólido y perdurable como el arte de los museos»,[12] subraya su deseo de unir la observación de la naturaleza con la permanencia de la composición clásica. Ello queda en evidencia igualmente con su pretensión de «revivir a Poussin del natural» (Vivifier Poussin sur nature).[13] Son muy características y fácilmente reconocibles sus pinceladas, a menudo repetitivas, sensibles y exploratorias. Estas pequeñas pinceladas y planos de color se conjugaban para formar campos complejos, expresando al mismo tiempo las sensaciones del ojo que observa y una abstracción de la naturaleza observada. Cézanne se esforzó por comprender y reflejar la complejidad de la percepción visual humana. Quería ofrecer una visión auténtica de la realidad, y para ello observa los objetos desde distintos puntos de vista, lo que le lleva a representarlos desde perspectivas diferentes simultáneamente. La obra de madurez de Cézanne La montaña Sainte-Victoire, 1905. muestra el desarrollo de un estilo de pintura solificado, casi arquitectónico. La intensidad de sus colores, unida al aparente rigor de la estructura compositiva, indican que, a pesar de la frecuente desesperación del propio artista, había sintetizado los elementos básicos de representación y expresividad de la pintura de un modo muy personal.
  • 60. Paul Cézanne 58 Estaba interesado en la simplificación de las formas que ocurrían naturalmente a sus esencia geométrica: Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera. Cézanne, 1904. Por ejemplo, un tronco de árbol puede concebirse como un cilindro, una cabeza humana como una esfera. Además, la atención concentrada con la que había registrado sus observaciones de la naturaleza dieron como resultado una profunda exploración de la visión binocular, que resulta de dos percepciones visuales simultáneas y ligeramente diferentes, y nos proporciona una percepción de la profundidad y un conocimiento complejo de las relaciones espaciales. Vemos dos puntos de vista simultáneamente; Cézanne empleó este aspecto de la percepción visual en su pintura en grados diferentes. La observación de este hecho, junto con el deseo de Cézanne de capturar la verdad de su propia percepción, a menudo le llevó a presentar los perfiles de formas para al mismo tiempo intentar mostrar los puntos de vista distintivamente diferentes de tanto el ojo izquierdo como el derecho. Periodos Se han descrito varios periodos en la vida y obra de Cézanne.[14] El periodo oscuro, París, 1861-1870 Se trata de un periodo caracterizado por colores oscuros y un intenso uso del negro, con pigmentos espesos, muy empastado. Su obra difiere grandemente de sus anteriores acuarelas y esbozos de la École Spéciale de dessin de Aix-en-Provence en 1859, o de sus obras posteriores. A menudo se usan para estas obras los términos antisocial o violento, o también eróticas o macabras.[15] Su temática es la figura en el paisaje y comprende muchas pinturas de grupos de figuras grandes y pesadas en el paisaje, pintadas imaginativamente. A este periodo pertenecen: • El padre del artista (1866), National Gallery de Londres. • Copia por Cézanne en el museo del Louvre de Comida en casa de Simón de Veronés 1860-1870 • Panes y huevos (1865), Museo de Arte de Cincinnati. • Retrato del tío Dominique (1866), Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. • El rapto (1867), Museo Fitzwilliam, Cambridge. • Retrato de Achille Emperaire (1867-1868), Museo de Orsay, París. • La orgía (1867-1872), colección particular. • Reloj de mármol negro (1869-1870), colección particular. El asesinato, h. 1870. • Pastoral (1870), M.º de Orsay, París. • El asesinato (h. 1870), Walker Art Gallery, Liverpool. Periodo impresionista, Provenza y París, 1870-1878 Cuando Cézanne marchó a LEstaque en 1870, cambió sus temas para dedicarse principalmente al paisaje. Al instalarse en 1872, en Auvers (Val-dOise), comenzó su estrecha relación de trabajo con Pissarro, quien vivía en la cercana Pontoise. Junto con Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y unos pocos pintores más, Pissarro había desarrollado un estilo para trabajar al aire libre (en plein air) de forma rápida y a escala reducida, que consistía en utilizar pequeños toques de colores puros, sin recurrir a bocetos preliminares ni a dibujos. Pretendían atrapar de ese modo los efectos lumínicos fugaces así como su interpretación visual, también efímera, de la naturaleza. Bajo la influencia de Pissarro, Cézanne comenzó a abandonar las normas académicas y la paleta sombría y fuertemente empastada que le caracterizaba. Sus lienzos se hicieron mucho más brillantes, con colores claros, eligiendo los colores primarios y sus complementarios, además de forzarle a observar atentamente la realidad. Su tema favorito son paisajes. Trabajó a partir de la observación directa y gradualmente desarrolló un estilo de pintura aéreo y ligero.
  • 61. Paul Cézanne 59 • La casa del ahorcado, 1872-73, M.º de Orsay, París. • Vista de Auvers, h. 1873, Art Institute of Chicago. • Una moderna Olimpia, 1873-74, M.º de Orsay, París. • Bañistas, 1874-1875, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. • Señora Cézanne en la butaca roja, 1877, Museo de Bellas Artes (Boston). • Naturaleza muerta de la sopera h. 1877, M.º de Orsay, París. • Naturaleza muerta del jarrón y de las frutas, h. 1877, M.º Metropolitano de Arte, Nueva York. Vista de Auvers (h. 1873). Periodo de madurez, Provenza, 1878-1890 Cuando Cézanne fijó su residencia definitivamente en Provenza, a principios de los años 1880, se independizó de los impresionistas, centrados en París, y demostró su preferencia por el sur, su país natal y su paisaje. El aislamiento y la concentración, así como la singularidad de su búsqueda, podrían señalarse como los responsables de la increíble evolución que sufrió su estilo durante las décadas de 1880 y 1890. El hermano de Hortense tenía una casa desde la que se veía la montaña Sainte-Victoire en Estaque. Una serie de pinturas de esta montaña de 1880-1883 y otras de Gardanne de 1885-1888, a veces son conocidas como el «Periodo constructivo». De 1888 a 1890 se interesó El puente de Maincy, 1879-1880. por la figura humana, pintando una serie de cuadros con personajes de la Comedia del arte, pasando, a partir de 1890, a otra serie sobre Jugadores de cartas, posiblemente inspirado por la obra sobre el mismo tema de Louis Le Nain. • El puente de Maincy (1879-1880), M.º de Orsay, París. • Tres bañistas (1879-1882), Museo del Petit Palais, París. • Rocas en LEstaque (1882-1885), Museo de Arte de São Paulo. • La montaña de Sainte Victoire (1885-1887), M.º Metropolitano de Arte, Nueva York. • Vista del pueblo de Gardanne (1886), Barnes Foundation, Merion. • Martes de Carnaval (1888), Museo Pushkin, Moscú. • Arlequín (1889-1890), Galería Nacional de Arte (Washington).
  • 62. Paul Cézanne 60 Periodo final, Provenza, 1890-1905 En 1895 hizo una visita germinal a las canteras de Bibémus y ascendió la montaña Sainte-Victoire. El paisaje laberíntico de las canteras debieron impresionarle particularmente, pues alquiló una cabaña allí en 1897. Se cree que estas formas inspiraron el estilo cubista en embrión. Cézanne se concentró en unos pocos géneros, en los que era hábil por igual: bodegones, retratos (y autorretratos), paisajes y estudios de bañistas (desnudos en el paisaje). Respecto al último, Cézanne se vio obligado a dibujar a partir de su imaginación, debido a la falta de modelos desnudos disponibles. Como sus paisajes, sus retratos se pintaban a partir de lo que era familiar, de manera que no sólo su Los jugadores de naipes (1892). 4ª versión del esposa e hijo, sino también campesinos locales, niños, y su marchante, mismo tema. sirvieron de modelos. Cézanne continuó pintando directamente del natural con brillante colorido de tipo impresionista, pero fue simplificando de modo gradual la aplicación de la pintura hasta el punto de que parecía lograr expresar el volumen con sólo unas cuantas pinceladas de color yuxtapuestas. Más adelante los expertos llegarían a afirmar que Cézanne había descubierto un modo de representar tanto la luz como las formas de la naturaleza simplemente mediante el color. Parecía reintroducir una estructura formal que los impresionistas habían abandonado, sin sacrificar por ello la sensación y vivacidad lumínica lograda por ellos. El propio Cézanne hablaba de modular el color en lugar de modelar el Bodegón con manzanas y naranjas, 1895-1900. claroscuro de la pintura tradicional. Con ello se refería a que suplantaba las convenciones artificiales de representación (modelar) por un sistema más expresivo (modular) que se hallaba aún más próximo a la naturaleza o, como decía el propio artista, "paralelo a la naturaleza". Para Cézanne la solución a todos los problemas técnicos del impresionismo radicaba en utilizar el color de un modo más ordenado y expresivo que el de sus compañeros impresionistas. Cézanne consideraba que nunca llegaba a alcanzar plenamente su objetivo, por lo que dejó la mayor parte de sus obras sin acabar y destruyó muchas otras. Se lamentaba de su fracaso a la hora de representar la figura humana y, efectivamente, las grandes obras con figuras humanas de sus últimos años revelan unas distorsiones curiosas Las grandes bañistas, 1906, Philadelphia que parecen dictadas por el rigor del sistema de modulación cromática Museum of Art: el triunfo del equilibrio geométrico y la estabilidad a la manera de que él mismo impuso sobre sus propias representaciones. Ejemplo de Poussin. ello son toda la serie de pinturas dedicadas al tema de los y las bañistas. • Los jugadores de naipes (Les Joueurs de cartes) (5 versiones entre 1890 y 1895), M.º de Orsay, París. • Mujer con cafetera (La Femme à la cafetière) (h. 1890-1895), M.º de Orsay, París. • Naturaleza muerta con manzanas y naranjas (h. 1895-1900), M.º de Orsay, París. • Bodegón con cebollas (h. 1895-1900), M.º de Orsay, París • La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus (h. 1898-1900), Museo de Arte de Baltimore. • Las grandes bañistas (1904-1906), National Gallery, Londres. • La Montagne Sainte-Victoire et le Château Noir, (1904-1906).
  • 63. Paul Cézanne 61 • Campesino sentado, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. • Las grandes bañistas (1906), Philadelphia Museum of Art, Filadelfia. Legado Puede decirse que Cézanne crea el puente entre el impresionismo del siglo XIX y el nuevo estilo de principios del siglo XX, el cubismo. Durante muchos años la obra de Cézanne sólo fue conocida por sus antiguos colegas impresionistas y por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo, entre los que se incluían Vincent van Gogh y Paul Gauguin. Esta generación posterior aceptó prácticamente todas las rarezas de Cézanne. La retrospectiva de Cézanne de 1907 en el Salón de Otoño impactó grandemente la dirección que tomó la vanguardia parisina, dando crédito a su posición como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX y al advenimiento del Cubismo. Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones aún más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma. Hay una frase, atribuida tanto Matisse como a Picasso, según la cual «Cézanne es el padre de todos nosotros». Matisse admiraba su utilización del color y Picasso desarrolló la estructura de la composición plana de Cézanne para crear el estilo cubista. Uno de los cuadros de su serie Los jugadores de cartas se convirtió en 2012 en la obra de arte vendida públicamente por más dinero, al comprarla la familia real quatarí por más de 250 millones de dólares. Fuentes [1] Kosme de Baraño, «Cézanne: la soledad del corredor de fondo», en "Cézanne", Los grandes genios del arte, n.º 19, Eileen Romano (dir.), Unidad Editorial, S.A., 2005, ISBN 84-89780-71-4 [2] Brion, 1974, p. 26 [3] Brion, 1974, p. 34 [4] Gowing, 1988, p. 110 [5] « Paul Cézanne Biography (1839-1906) (http:/ / www. biography. com/ search/ article. do?id=9542036& page=1)». Biography.com. Consultado el 17-02-2007. [6] « Paul Cezanne quotes (http:/ / thinkexist. com/ quotation/ when_i_judge_art-i_take_my_painting_and_put_it/ 218338. html)». ThinkExist.com Quotations. Consultado el 17-02-2007. [7] La venta Tanguy fue la subasta de los cuadros que conservaba en su tienda el "tío" Tanguy, entre los que había numerosos cézanne que se vendieron con precios entre 45 y 215 francos. [8] La venta Chocquet se produjo tras la muerte en 1899 de la esposa de Chocquet, lo que dio lugar a la venta de su colección de arte. [9] De la relación entre É. Bernard y Cézanne queda un libro, Una conversación con Cézanne, en la que se exponen las ideas del pintor respecto a su trabajo. [10] Vollard The Last Years, p.113-114 [11] « Paul Cezanne 1839-1906 (http:/ / www. mystudios. com/ art/ post/ cezanne/ cezanne. html)». MyStudios.com. Consultado el 18-02-2007. [12] Paul Cézanne, Cartas, editadas por John Rewald, 1984. [13] Julián Gállego, «La pintura europea del siglo XIX. El posimpresionismo. Los avanzados del siglo XX» en Summa Artis, Antología IX, Espasa, pág. 106, ISBN 84-670-1360-5. [14] Aquí se sigue, esencialmente, el orden de la Enciclopedia Británica. Se mencionan algunos nombres alternativos. Globalmente las diferentes clasificaciones tienden a coincidir. [15] Algunos prefieren llamarlo «Periodo romántico», pero Cézanne no estaba ante todo interesado en el Romanticismo. El término se refiere aquí a una disposición personal, más que a una conexión con ese movimiento histórico.
  • 64. Paul Cézanne 62 Referencias • Brion, Marcel (1974). Cézanne, Thames and Hudson. ISBN 0-500-86004-1 • Chun, Young-Paik (2006), "Melancholia and Cézannes Portraits: Faces beyond the mirror". En: Griselda Pollock (ed.), Psychoanalysis and the Image. Londres: Routledge. ISBN 1-4051-3463-5 • Gowing, Lawrence, con Adriani, Götz; Krumrine, Mary Louise; Lewis, Mary Tompkins; Patin, Sylvie; Rewald, John (1988). Cezanne: The Early Years 1859-1872. Nueva York: Harry N. Abrams. • Klingsor, Tristan. Cézanne. París: Rieder. • Lindsay, Jack. Cezanne; his life and art. Estados Unidos: New York Graphic Society. ISBN 0821203401. OCLC 18027 (http://worldcat.org/oclc/18027). • Machotka, Pavel. Cezanne: Landscape into Art. Estados Unidos: Yale University Press. ISBN 0300067011. OCLC 34558348 (http:/ / worldcat. org/ oclc/ 34558348). • Pissarro, Joachim (2005). Cezanne & Pissarro Pioneering Modern Painting: 1865-1885. Nueva York: The Museum of Modern Art. ISBN 0870701843. • Vollard, Ambroise. Cézanne. Inglaterra: Courier Dover Publications. ISBN 0486247295. OCLC 10725645 (http:// worldcat.org/oclc/10725645). Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Paul Cézanne. Commons • Cézanne en el WebMuseum (http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/cezanne/) (en inglés). • Ecole Spéciale de dessin (http://www.cezanne-ecole.com/) Cuando Cézanne era alumno a la escuela de dibujo de Aix-en-Provence (1859) primeras obras, acuarelas, lavado, dibujos de la escuela y antecedentes... • Paul Cezanne. pinturas (http://art-drawing.ru/gallery/category/644-cezanne-paul) y la biografía (http:// art-drawing.ru/biographies/brief-biographies/1330-cezanne-paul)
  • 65. Vincent van Gogh 63 Vincent van Gogh Vincent van Gogh Autorretrato (1887) Nombre completo Vincent Willem van Gogh Nacimiento 30 de marzo de 1853 Zundert, Países Bajos Fallecimiento 29 de julio de 1890 (37 años) Auvers-sur-Oise, Francia Nacionalidad Neerlandesa Área Pintura Firma Vincent Willem van Gogh (en neerlandés  Vincent van Gogh Ayuda:MultimediaArchivo:Nl-Vincent_van_Gogh.ogg [ˈvɪnsɛnt fɑnxɔx]) (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo.[1] Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron unas 650 de sus 800 cartas conservadas; las otras son correspondencia con amigos y familiares. A pesar que desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo, su primer trabajo fue en una galería de arte. Más tarde se convirtió en pastor y en 1879, a la edad de 26 años, se marchó como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó su primera gran obra Los comedores de patatas, en ese momento su paleta se componía de tonos sombríos de tierra. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia consiguiendo su plenitud durante su estancia en Arles en 1888. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte considerándose uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas alemanes y los fauvistas como Derain, Vlaminck y Kees Van Dongen.[2][3]Sufrió frecuentes brotes de una enfermedad mental a lo largo de su vida, que le llevó a producirse una herida de bala que acabó con su vida a la edad de 37 años. A pesar de que existe una tendencia generalizada a la especulación de sobre la afectación que tuvo en su pintura su salud mental, el crítico de arte Robert Hughes cree que las obras del artista están ejecutadas con un completo control.[4]
  • 66. Vincent van Gogh 64 Biografía Primera etapa de su vida (1853–1869) Nació el 30 de marzo de 1853. Hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés llamado Theodorus y de su mujer Anna Cornelia, Vincent recibió el mismo nombre que recibió un hermano que nació muerto exactamente un año antes. El 1 de mayo de 1857 nació su hermano Theo y ambos tuvieron cuatro hermanos más: Cornelius Vincent, Elisabetha Huberta, La familia de Vincent van Gogh: Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba. Arriba: sus padres Theodorus y Anna Cornelia. Abajo, de izquierda a derecha: Vincent Willem, Anna Cornelia, Theo, Elisabetha Durante la infancia acudió a la escuela de Huberta, Wilhelmina Jacoba y Cornelius Vincent. manera discontinua e irregular, pues sus padres le enviaron a diferentes internados. El primero de ellos en Zevenbergen en 1864, donde estudió francés y alemán.[5] Dos años después se matriculó en el Instituto Hannik (Tilburg) y permaneció allí hasta que dejó los estudios de manera definitiva a los 15 años.[6] Allí nació su afición por la pintura, aunque durante el resto de su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta. Sobre su infancia, Vincent van Gogh comentó: «Mi juventud fue triste, fría y estéril.»[7] Primeros trabajos Marchante de arte Desde muy joven mostró un carácter difícil y un temperamento fuerte. Tras abandonar los estudios y después de un año en Zundert, van Gogh empezó a trabajar en 1869, a la edad de 16 años, como aprendiz en Goupil & Co. (más tarde Boussod & Valadon), una importante compañía internacional de comercio de arte de La Haya de la que su tío Vincent era socio.[8] Se adaptó bastante bien a esta nueva vida, llegando a escribir: Es un negocio maravilloso. Cuanto más tiempo se trabaja en él más ambicioso se vuelve uno. Cuatro años después fue trasladado a Londres para suministrar obras de arte a los comercios del lugar. Y fue aquí, en la capital británica, donde tuvo un primer contacto con Úrsula, la hija de la patrona de la pensión donde se hospedó. Se enamoró de ella, pero la chica estaba Vincent van Gogh en 1866. comprometida y lo rechazó.[9] En 1874, un año después de su estancia en Londres, pasó las vacaciones en familia en Helvoirt y confesó su malestar por Úrsula. Vivió aislado, leyendo libros religiosos y perdiendo el interés por su trabajo.[5] En mayo de 1875 fue destinado a París, donde creció su amor por el arte. En una exposición de dibujos de Jean-François Millet comentó:
  • 67. Vincent van Gogh 65 Cuando entré en la sala del hotel Drouot, donde estaban expuestos, sentí alguna cosa como: descálzate porque el suelo que pisas es sagrado.[10] El 10 de enero de 1878, en una carta dirigida a su hermano Theo, comunicó que había sido despedido de la galería de arte y que tendría que irse el 1 de abril.[11] El despido fue debido a que interponía sus gustos personales sobre las ventas que debía hacer. En Boussod & Valadon quedó, sin embargo, su hermano Theo, cuatro años menor que él, que trabajaría allí desde 1873 hasta su muerte y sin cuya abnegación nunca hubiera sido posible la corta e intensa carrera artística de su hermano mayor. Su familia le propuso que abriera él mismo una galería, donde podría ofrecer la clase de pintura que él escogiera. Rechazó la idea y más tarde insistió a su hermano, también marchante de arte, para que dejase su trabajo ya que «el comercio de arte era una farsa».[12] Acequia (1872-73), dibujo juvenil de Van Gogh Religión (La Haya). Su amigo Albert Djemal, un escritor, lo trató de ayudar. A fines de marzo de 1876 regresó a Inglaterra, donde permaneció dos años. Por aquel tiempo Van Gogh aumentó su fanatismo religioso, probablemente como un refugio a sus fracasos laborales y amorosos. Le entusiasmaba la lectura de la Biblia, y La imitación de Cristo de Tomás de Kempis. Después de estar un poco tiempo como maestro auxiliar en Ramsgate, empezó a trabajar en Isleworth como ayudante del predicador metodista Jones, donde llegó a subir al púlpito de la iglesia y leer un sermón que se había preparado escrupulosamente. Sobre este primer sermón existe una copia que envió a su hermano Theo con frases como: Cuando me encontraba en el púlpito, me sentía como quien desde una oscura cueva subterránea vuelve a salir a la plena luz, y es maravilloso pensar que, desde ahora, predicaré el Evangelio por todo el mundo. Pasó unos seis meses en Dordrecht como empleado de una librería, y en mayo de 1877 se trasladó a Ámsterdam donde quiso hacerse teólogo. Tuvo que desistir y también abandonar sus deseos de entrar en una escuela metodista. Fue rechazado por no saber ni latín ni griego y su dificultad para hablar en público, aunque realmente el motivo era su falta de subordinación. Cada vez le era más difícil adaptarse a un cierto orden y someterse a alguien que le dirigiese.[13] Un dirigente se compadeció de él por su profundo fervor y lo mandó en 1878, como misionero a la región de Mons a las minas de Borinage, en Bélgica, donde en condiciones extremadamente duras realizó durante 22 meses un trabajo evangelizador entre los mineros de la zona. Pero con su fanatismo lo que conseguía era que le llegaran a temer. Dormía en una pequeña barraca y su estado se degradaba cada día más. Además repartía entre los pobres lo poco que tenía. Decía que estaba obligado a creer en Dios para poder soportar tantas desgracias. Cuando sus superiores se enteraron de todo lo que sucedía le enviaron a Cuesmes, permaneciendo un año completo en una absoluta pobreza y en contacto con los mineros, por los que sentía una gran simpatía:[14]«Los carboneros y los tejedores siguen constituyendo una raza aparte de los demás trabajadores y artesanos y siento por ellos una gran simpatía y me sentiría feliz si un día pudiera dibujarlos, de modo que estos tipos todavía inéditos o casi inéditos fuesen sacados a luz.(...)». Después se le suprimió el pequeño sueldo que recibía. Ante todo esto, siguió los consejos de su hermano Theo, del que ya estaba recibiendo ayuda económica, y decidió dar un cambio a su vida y dedicarse a la pintura.[15]
  • 68. Vincent van Gogh 66 Pintura: aprendizaje Establecido en 1880 en Bruselas hizo amistad con el pintor neerlandés Anthon van Rappard. Se inscribió en la Academia de Bellas Artes donde estudió dibujo y perspectiva. En esta época realizó esbozos y dibujos basados en las pinturas de Jean-François Millet, representando personajes de campesinos y mineros, modelos de la vida cotidiana, y pintándolos muy realistas y con tonalidades oscuras.[16] Etten El 12 de abril de 1881 Vincent llegó a Etten a visitar a su hermano. Durante este período va a casa de su primo, el pintor Anton Mauve, quien lo aconseja sobre la pintura; también vuelve a enamorarse, esta vez de una de sus primas Cornelia Adriana Vos-Stricker (Kee), que acababa de enviudar, a la que propuso rápidamente matrimonio, la respuesta de Kee fue: «No, jamás, jamás».[17] A pesar de esta negativa, Dibujo El sembrador (1881) Museo Van Gogh. insistió mediante cartas que la viuda no contestaba, además de negarse a verlo. Vincent insistió con los padres de ella, fue a su casa a intentar verla de nuevo, los familiares le llegaron a decir que su insistencia era «asquerosa». En diciembre de 1881, escribió a su hermano, le contó la historia y las disputas con su padre: «Pero, como puedes ver, estoy nuevamente en La Haya; por Navidad tuve una disputa bastante grave con nuestro padre, que llegó al extremo de decirme que sería mejor que abandonase la casa. Lo dijo tan enérgico que me fui aquel mismo día».[18] La Haya Dibujos en La Haya Dolor (1882) Posiblemente la modelo fue Sien Hoornik. Niña de rodillas delante de una cuna (1883) En La Haya, su primo, pintor de acuarelas Anton Mauve, le dio buenos consejos y le insistió en la importancia del aprendizaje de la perspectiva y el dibujo. Vincent realizó las primeras acuarelas y naturalezas muertas, utilizando tonos apagados, como lo demuestra las dos acuarelas: Los pobres y el dinero (1882) y Naturaleza muerta con col y zuecos (1881). Mientras, su vida amorosa toma un nuevo rumbo. Por desesperación delante del rechazo de su prima Kee, o por compasión, recogió de la calle a Sien Hoornik, una prostituta alcohólica, embarazada y con una hija, con la que vivió durante un año; tanto la madre como la hija le sirvieron de modelo. En el dibujo Dolor, en el margen inferior, citó las palabras de Jules Michelet del tratado La Femme (1860): Cómo es que hay en la tierra una sola mujer?. Sien, por la falta de recursos económicos, había vuelto a ejercer la prostitución y esto, unido a la gran presión que padecía Van Gogh por parte de su padre, de su hermano Theo y su primo Mauve (con el que llegó a discutir y romper con su
  • 69. Vincent van Gogh 67 amistad), hizo que este intento de vida familiar también fracasara.[19] Luego de finalizar su relación con Clasina Maria Hoornik (Sien), se trasladó a Drente, al norte de los Países Bajos, donde permaneció durante tres meses y pintó temas paisajistas en pintura al óleo, en los que se puede apreciar la diferencia con los dibujos realizados anteriormente. Como quería plasmar todos los detalles, realizó los óleos con trazos gruesos y pinceladas espesas. Esta temporada sintió más que nunca la soledad; en las cartas dirigidas a su hermano, le insistía en que abandonara su trabajo de marchante y siguiese el camino de la pintura. En diciembre de 1883 regresó nuevamente a la casa paterna, esta vez en Nuenen, donde el padre había sido trasladado.[20] Nuenen En Nuenen, fue bien recibido por su familia que le acondicionaron una habitación como taller. En este periodo se dedicó a dibujar y pintar los tejedores. Coincidió con un amigo suyo Anthon van Rappard al que había conocido en Bruselas y que había venido a pasar unos días en Nuenen, los dos juntos estudiaron y pintaron a los tejedores rurales, En estas obras Van Gogh no consiguió la misma técnica que su amigo, pero éste le sirvió de ejemplo.[21] En la pintura El tejedor en el telar, de mayo de 1884, expresa la dureza y el esfuerzo de este oficio, pero también la dignidad del personaje, aquí Van Gogh demuestra la solidaridad y su identificación con el El tejedor en el telar (1884) 70 x 85 cm protagonista, intentando representar el ideal de una sociedad libre de la industrialización y hace una alabanza al trabajo artesanal. La composición de esta pintura hace el efecto como si la figura principal, el tejedor, estuviera enmarcado por el mecanismo del telar, dentro de un enrejado horizontal y vertical que parece integrar al personaje hasta conseguir que llegue a formar parte de la máquina. La claridad del fondo de la pintura hace resaltar todo el dibujo.[22] En el otoño de 1884, surgió un nuevo enamoramiento, ahora con la hija de un vecino, Margot Begemann, diez años mayor que Vincent, que le acompañaba en sus salidas pictóricas por el campo. Pensaron en contraer matrimonio, pero se encontraron con la firme oposición por parte de la familia de Margot, la cual llegó a intentar suicidarse. Poco después el 26 de marzo de 1885 muere repentinamente el padre de Vincent. Las disputas por la herencia entre su madre y sus hermanas, hicieron que marchase de su casa para irse a vivir a un lugar más amplio que le ofreció el sacristán de la iglesia católica; a su familia, que era protestante, este hecho se vivió como una ofensa.[23] Durante la primavera de 1885 pintó la que se considera una de sus grandes obras Los comedores de patatas. Hasta entonces sus esfuerzos se habían centrado siempre en la representación de una figura, en esta obra se encontró con la dificultad de tener que coordinar cinco personajes y conseguir relacionarlos. Para realizar esta pintura contrató modelos, y realizó diversos esbozos de dibujos de las figuras y estudios sobre detalles, con las manos sujetando el tenedor, la taza o la tetera. Los colores empleados de tonos terrosos no contribuyeron a una fusión armoniosa con el fondo.[24] En una de sus cartas[25]expresó: (...) He querido dedicarme conscientemente a expresar la idea de que esa gente que, bajo la lámpara, come sus patatas con las manos que meten en el plato, ha trabajado también la tierra, y que mi cuadro exalta, pues, el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente.(...). Con ayuda de Theo se imprimieron veinte litografías de Los comedores de patatas, que la gente de los alrededores pudo comprar a precios asequibles.[26]
  • 70. Vincent van Gogh 68 Los comedores de patatas (1885), pintura al óleo, 82 x 114 cm Museo van Gogh, Ámsterdam. En un solo día trasladó directamente en la piedra, de memoria y sin dibujos previos, la imagen de Los campesinos comiendo patatas, por lo que en la impresión en papel las figuras están invertidas. De las veinte litografías, Juliana Montford ha logrado identificar ocho, entre las que se encuentra esta, perteneciente al Museo Thyssen-Bornemisza. Campesinos comiendo patatas (1885) Litografía sobre papel Japón. Museo Thyssen-Bornemisza Esta pintura provocó la ruptura con su amigo Rappard, ya que el hipersensible y vulnerable Van Gogh no aceptó sus comentarios. Rappard le hizo esta crítica basada en una de las 20 litografías: Estarás de acuerdo conmigo en que este trabajo no se puede tomar seriamente, Por fortuna eres capaz de mucho más. Pero, ¿por qué todo lo observas y lo tratas superficialmente, de la misma manera? ¿por qué no estudias minuciosamente los movimientos?. En este cuadro los personajes posan. La mano de la mujer del fondo...!qué poco real! ¿Y qué relación hay entre la cafetera, la mesa y la mano que toca el asa?. ¿Qué función hace esta cafetera? No se mantiene, tampoco la sujetan, entonces, ¿qué? ¿Y por qué el hombre de la derecha no tiene rodillas, ni vientre, ni pulmones? ¿O quizá los tiene en la espalda? ¿Por qué a su brazo le falta un metro de largo, por qué le falta la mitad de la nariz? ¿Por qué la mujer de la izquierda tiene por nariz un mango de pipa acabada en un dado? ¿Y aún te atreves, con esta forma de
  • 71. Vincent van Gogh 69 trabajar, citar a Millet y a Breton? El arte es demasiado elevado para poderlo tratar con tanta negligencia.[27] Hay que aclarar que la dureza de la crítica por parte de van Rappard, se debía también al propio enfado que éste tenía con Van Gogh, por el hecho de no haber tenido noticia directa, de la muerte repentina del padre de Vincent. Al principio de esta misma carta se quejaba Rappard, ofendido de haber recibido una simple nota a pesar de su amistad : «¿Pensaste que tenía tan poco interés en tu padre y tu familia?»[28] A la vista de esta pintura en París, Camille Pissarro quedó profundamente impresionado por la fuerza expresiva del cuadro. También Émile Bernard escribió en un artículo: Me quedé desconcertado, en esta confusión, por la comida de los pobres en una barraca inquietante bajo una mísera luz. Era grandioso en su fealdad y estaba lleno de una vida inquietante. Seguramente cuando Bernard hablaba de la grandiosa fealdad, se refería a los colores ya que precisamente él tenía un sentido del color mucho más luminoso.[29] Durante estos dos años en Nuenen completó numerosos dibujos y acuarelas, y cerca de doscientas pinturas al óleo. Los colores usados continuaban siendo oscuros. Su hermano Theo se quejaba en una de sus cartas que eran demasiado apagados y no estaban en la línea del estilo del momento, donde destacaban las pinturas brillantes de los impresionistas. Vicent escribió al respecto: He leído con mucho placer Los maestros de antaño, de Naturaleza muerta con biblia (1885) 65 x 78 cm Fomentin. He encontrado «tratadas» en este libro, en diversos sitios, las mismas cuestiones que me preocupaban mucho estos últimos tiempos (...) tratar de dar un valor claro por medio de tonos relativamente obscuros. En una palabra, expresar la luz por oposición a la obscuridad. Ya sé todo lo que piensas del "demasiado negro", pero, sin embargo, no estoy aún absolutamente convencido,(...).[30] El cuadro Naturaleza muerta con biblia, estuvo pintado en octubre de 1885 antes de su partida hacia Amberes. Se aprecia la biblia como símbolo de la casa paterna y de toda una educación religiosa. Como contraste aparece La joie de vivre de Zola, el libro del naturalismo y, en opinión de su padre, una de las obras más nefastas. En la pintura Van Gogh coloca la vela, un símbolo religioso, con la idea de situar ambos símbolos al mismo nivel.[31]
  • 72. Vincent van Gogh 70 Amberes y París En noviembre de 1885 llegó a Amberes, donde alquiló un pequeño taller sobre una tienda de pinturas, el alquiler lo pagaba su hermano. Compró en unos anticuarios algunas xilografías japonesas, y se dedicó a copiar modelos de yeso de esculturas antiguas, expuestas en la Real Academia, a pesar de su desacuerdo con la enseñanza académica. Descubrió las pinturas de Rubens, que con su colorido y sus formas femeninas le abrieron la alternativa del uso de colores como el carmín y el verde esmeralda. En esta época contrajo sífilis, que aunque fue tratada médicamente, le hizo perder casi todos los dientes. En febrero de 1886, comentó en cartas dirigidas a Theo que sólo se había podido permitir seis o siete comidas calientes desde el mes de mayo anterior.[32] El año 1886 se mudó a París, para vivir junto a su hermano menor Theo van Gogh, a quien le avisó con esta simple nota: «Estaré en el Louvre desde el mediodía, o antes, si lo deseas». Theo, que trabaja en Cráneo fumando un cigarrillo (1885) Boussod & Valadon, le presenta a Vincent los trabajos del impresionismo; este contacto produce una paleta más luminosa, donde el color jugaría un rol fundamental en el resto de su obra. Durante los dos años siguientes tendrían múltiples fricciones entre los dos hermanos; siempre fue Theo el que cedió y perdonó. Se instalaron en Montmartre y empezó a codearse con los artistas de la época que allí se reunían, creciendo como pintor y como ser humano. Conoció a Émile Bernard y a Henri de Toulouse-Lautrec, haciéndose gran amigo de ellos, así como a Paul Gauguin, Georges Pierre Seurat, Paul Signac, Armand Guillaumin, Camille Pissarro, Paul Cézanne. Van Gogh, como muchos pintores de la época, admiraba el arte japonés: A la izquierda, grabado de Hiroshige representando El puente Ohashi y Atake bajo una Hokusai, Hiroshige, Utamaro, prueba de ello son las réplicas que lluvia repentina; a la derecha, copia de Van Gogh realizó de grabados japoneses y algunas pinturas suyas que reproducen de este grabado japonés: Japonaiserie: Puente ese país a manera escenográfica. A las reproducciones procedentes del bajo la lluvia, 1887, óleo sobre lienzo, 73 x 54 Japón se las llamaba japonaiserie. Dos de estas obras realizadas por cm, Rijksmuseum, Fundación Van Gogh, Ámsterdam. Van Gogh fueron Ciruelo en flor y Puente bajo la lluvia, copias de obras de Hiroshige.[33]De estas obras japonesas Van Gogh dejó escrito el siguiente comentario: Envidio a los japoneses por la increíble claridad de la que están impregnados todos sus trabajos. Nunca resultan aburridos ni hacen el efecto de haberlos realizado deprisa... Su estilo es tan sencillo como respirar. Son capaces de hacer una figura con solo unos pocos trazos seguros, que hace que parezca tan fácil como abrocharse el chaleco.[34]
  • 73. Vincent van Gogh 71 Utilizó los colores complementarios y todo esto le hizo abrirse a una expresión en su arte que no había sospechado en los Países Bajos. Pissarro también le explicó las nuevas teorías sobre la luz y el tratamiento divisionista de los tonos. El artista consiguió ir añadiendo colores más ricos y luminosos a su paleta, gracias a Signac, con quien trabajó en 1887. Practicó pintando paisajes urbanos del barrio de Montmartre y naturalezas muertas ya con colores más vivos; los rojos, amarillos y azules con sus complementarios ya se pueden apreciar casi en todas sus pinturas de este periodo.[35] Exaltado por la intensidad del clima artístico de París, Van Gogh consiguió con la ayuda de Toulouse-Lautrec, la renovación de su pintura por lo que a la investigación psicológica de los retratos. Pudo apreciar las pinturas exóticas realizadas por Gauguin en la Martinica. El retrato de Mujer en el Café de Tambourin es del mes de febrero de Mujer en el Café de Tambourin (1887). 1887. No representa una bebedora en una taberna cualquiera sino que es la imagen concreta de una antigua modelo de los pintores Degas y Corot, Agostina Segaroti, y que en ese momento era la propietaria del bar. El cuadro respira un cierto atractivo exótico, desde el peinado de la mujer pasando por su vestido hasta el fondo de la pintura donde en su decoración se observan láminas japonesas. Una de las cosas más importantes que aprendió en esta época fue la aplicación del contraste complementario, el contraponer los tres colores básicos (amarillo, rojo y azul) a la mezcla formada por los otros dos, como combinación rojo-verde, amarillo-violeta y azul-naranja que refuerzan su tono o se neutralizan al mezclarse en un gris deslucido. Así se observa la aplicación de esta técnica en los Cuatro girasoles donde claramente existe el contraste complementario entre el amarillo y el azul vivo del fondo.[36] Poco antes de acabar su etapa parisina, Van Gogh realizó tres retratos de Julien Tanguy, llamado por todos los artistas «Père Tanguy». En su trastienda habían expuesto sus obras Van Gogh, Gauguin, Paul Cézanne y Seurat. Este retrato es la obra representativa de su etapa en París, con una visión frontal, es una imagen de una estructura simple que contrasta con el fondo, que se encuentra decorado con estampas japonesas. El artista neerlandés estaba dispuesto a realizar su sueño mediterráneo en busca de la luz cegadora de la Provenza, con la explosión de la naturaleza y los colores puros, colores que estudió en su colección de estampas japonesas. Fue un periodo muy fértil en el que, por un lado, su arte se inclinó hacia el impresionismo, pero por otro lado, la absenta y la fatiga mental agravan su condición física.[37]
  • 74. Vincent van Gogh 72 Últimos tiempos: Arles El 21 de febrero de 1888 llega a Arlés, al sur de Francia, primero se instaló en una habitación situada en el Hotel-Restaurante Carrel, por la que pagaba cinco francos diarios; esto representaba sobrepasar sus posibilidades económicas, además el espacio era muy reducido para tener su taller. Pintaba todo lo que veía (como Huerto en flor con vistas de Arles) y ya no necesitaba estampas japonesas, como él mismo reconoció en una carta dirigida a su hermana: «Aquí no me hace falta para nada el arte japonés, porque me imagino estar en el Japón y nada más necesito abrir los ojos y ver lo que tengo delante» Sus primeros cuadros en Arles fueron típicamente japoneses; la pintura Melocotonero en flor, la realizó en marzo de 1888. Pintó la naturaleza de los alrededores, los campos de trigo, los pantanos del delta del Ródano, el canal del sur de Arles que reflejó en diversas obras como El puente de Langlois. Durante este periodo empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos que Melocotonero en flor (1888). caracterizan su obra pictórica de los últimos tiempos.[38] El 24 de mayo de cada año, gitanos de toda Europa acuden en peregrinaje a Saintes-Maries-de-la-Mer para venerar a su patrona santa Sara. Van Gogh acudió a observarlo y aprovechó para realizar pinturas durante ese tiempo. Entre los cuadros hay la obra de Barcas a Saintes-Maries:[39] He pasado una semana en Saintes-Maries. En la playa de arena había pequeñas barcas verdes, rojas y azules, de formas y colores tan bellos que hacían pensar en flores. Son tan pequeñas que casi nunca van a alta mar. Salen cuando no hace viento y vuelven a tierra cuando sopla con demasiada fuerza Los descargadores en Arles (1888) Museo Vincent van Gogh. Junio 1888. Thyssen-Bornemisza Retratos Al principio de su estancia en Arles se dedicó a la ejecución de retratos. Sin embargo, tenía dificultades para conseguir que alguien posase para Él, sobre todo si eran mujeres; la primera que pudo retratar fue una mujer joven a finales del mes de julio, y le puso el nombre de La Mousmé, nombre japonés que le inspiró la lectura del libro Madame Chisanthème de Pierre Loti. Con los hombres le fue más fácil convencerlos, a cambio les invitaba a una copa en la taberna; podía retratarlos sin ningún problema, y así realizó las obras de El campesino, retrato de Patience Escalier, El zuau, El lugarteniente Millet y El cartero Roulin. Con el cartero de nombre Joseph Roulin tuvo una buena amistad,[40][41] casado con la señora Augustine Roulin y que tenía tres hijos: Marcelle Roulin, Armand Roulin y Camille Roulin. Vincent hace un gran número de pinturas sobre esta familia; el retrato conocido como "La Berceuse" pertenece a la señora de Joseph Roulin, el Retrato de Armand Roulin, Retrato de Camille Roulin y al cartero hasta seis retratos. El poeta, Retrato de Eugène Boch, lo realizó en una visita que le hizo este artista belga en el mes de julio, según explica a su hermano. En este retrato quería captar las ideas románticas del personaje: He exagerado el rubio del cabello, he utilizado también tonos naranjas y amarillo pálido. Detrás de la cabeza, en lugar de pintar la pared ordinaria de la habitación, he pintado el infinito, un fondo plano del azul más rico e
  • 75. Vincent van Gogh 73 intenso que he podido conseguir y con esta sencilla combinación de la cabeza brillante sobre el fondo intensamente azul, he conseguido un efecto misterioso, como si fuera una estrella en la profundidad de un cielo azul. Vincent van Gogh. Julio 1888 La Mousmé, National Gallery de El Campesino, retrato de El zuau, Colección Lasker Retrato de Eugène Boch, Washington. Patience Escalier, Colección de (Nueva York. Museo de Orsay (París). Stavros Niarchos (Atenas). Visita de Gauguin a Arles Van Gogh pasó todo el verano pintando paisajes al aire libre. Para realizar la composición colocaba en el fondo del cuadro toda la parte arquitectónica, con torres de iglesia, chimeneas, casas, pueblos, en una fina franja a la altura del horizonte, el primer plano lo reservaba para los campos y la vegetación. Esto lo hizo con el cuadro Vista de Arles con lirios en primer plano, Los segadores con Arles en el fondo, La cosecha, Campos labrados, La viña verde y una de sus obras paisajistas más conocidas El sembrador, realizada en el mes de junio, cuando la cosecha estaba casi a punto, como se puede apreciar en el El Sembrador (1888). campo de trigo maduro que hay detrás del sembrador. Con los colores azul y púrpura, y los amarillos relucientes del sol y el cielo consiguió un contraste cromático.[42] Vincent tenía la intención de crear un taller de artistas, y para esto alquiló en mayo la «casa amarilla» (llamada así por tener paredes de ese color) en Place Lamartine situada al norte de la ciudad de Arles.[43]Theo le envió trescientos francos para poder acondicionar y amueblar modestamente la casa. El único que atendió a su petición del taller fue Paul Gauguin, con el que mantuvo diversas cartas sobre el tema del Atelier du Midi que juntos habrían de fundar y que pedirían la participación de Seurat, Signac y Bernard.[44] También Theo insistió a Gauguin para que hiciera el viaje a Arles. Gauguin vivía en aquel tiempo en Pont-Aven en la Bretaña; estaba Casa amarilla (1888). lleno de deudas, se sentía incomprendido y soñaba con la fundación de un círculo de pintores, pero seguramente no había pensado en Van Gogh como componente del mismo. Su meta era la Martinica, pero la cuestión económica era un impedimento.[45]Theo van Gogh era el galerista y el marchante de Gauguin y éste pensaba que detrás del carácter extraño de Vincent y las intenciones de Theo se ocultaba alguna
  • 76. Vincent van Gogh 74 estratagema comercial; por lo que no se decidía a viajar hacia Arles. Así se lo hizo saber en una carta dirigida a Émile Bernard, en octubre de 1888: Por más que me aprecie, no creo que Theo se preste a mantenerme al Midi, solamente por mi cara bonita. Con su carácter frío holandés ha estudiado el terreno y proyecta alguna cosa... Retrasó el viaje, disculpándose por carta, hasta que Theo acabó pagando todas las deudas que tenía Gauguin, entonces viajó a Arles el 23 de octubre.[46]Mientras, Vincent había realizado diversas series de pinturas para decorar la casa, especialmente la habitación destinada a Gauguin,[47] La ideología del simbolismo surgió a finales del siglo XIX. Según escribió en el año 1886 Edouard Dujardin, uno de los grandes teóricos de esta técnica: El objetivo de la pintura y la literatura es reproducir el sentimiento provocado por las cosas con los medios propios de las citadas artes. Lo que se debería expresar no es la imagen sino su carácter. En la pintura Jarro con doce girasoles, pintado en agosto de 1888, Van Jarro con doce girasoles (1888). Gogh buscaba el espíritu del simbolismo. La meticulosidad de las flores contrasta con la caótica situación de las hojas así como la pastosa aplicación del color que, delante del fondo azul claro, consigue que el cuadro tenga un significado que va más allá que la simple reproducción de las flores. Expone la imaginación del artista y su gran fuerza expresiva y esta fuerza exigía un gran delirio de sentimientos.[48] Durante este mes de agosto realizó cuatro pinturas sobre girasoles: primero con tres flores, después con cinco, hasta llegar a la de los doce girasoles sobre un fondo azul, y otro con quince girasoles sobre fondo amarillo. Antes de la llegada a Arles de Gauguin, le envió un autorretrato, con el título de Autorretrato como un bonzo, cuadro en el que es evidente su identificación con el japonismo, se pintó con la cabeza rapada al estilo bonzo.[49] Gauguin fue el que impulsó a Van Gogh para que pintase lugares Autorretrato como un bonzo dedicado a Gauguin. históricos de Arles y así trabajaron juntos y pintaron la serie de vistas de Alyscamps. Escogieron diferentes motivos, Gauguin pintó un paisaje con un encanto pintoresco y más bien refinado, mientras que Van Gogh escogió un paseo enmarcado por altos álamos que tenían un color amarillo puro que contrastaba con el verde-azul del cielo, en cambio el color empleado por Gauguin era mucho más tímido. Se pintaron mutuamente, Gauguin pintó de perfil a Van Gogh y éste pintó a Gauguin de espaldas.[50]
  • 77. Vincent van Gogh 75 Diferentes puntos de vista entre Gauguin y Van Gogh Los Alyscamps (1888) por Paul Gauguin. La avenida de los Alyscamps (1888) por Van Gogh. Corte del lóbulo de la oreja Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando, debido a sus diferencias personales, acentuadas por el carácter muy temperamental de ambos. Pasados menos de dos meses, en la tarde del 23 de diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin tuvieron un altercado que dio origen a una de las explicaciones que se han dado acerca de la pérdida de la oreja izquierda del primero, o de parte de ella. Gauguin en sus memorias[51] señala que Van Gogh le amenazó y persiguió con una navaja y que por la noche el holandés se automutiló el lóbulo de la oreja izquierda (no la oreja completa). A continuación, Van Gogh habría envuelto el lóbulo en un paño y se habría dirigido a un burdel de Arlés, donde presentó este «regalo» a una prostituta llamada Rachel. Posteriormente regresó a la «casa amarilla». A la mañana siguiente la policía lo encontró inconsciente, y fue trasladado al hospital Hôtel-Dieu de Arles mismo.[52] Se avisó a Theo, y Vincent quedó ingresado durante catorce días. Gauguin dejó Arles con rumbo a París y no volvió a tener contacto con Vincent, exceptuando algunas cartas posteriores.[53] Gauguin declaró a la policía que la pérdida del lóbulo se habría debido a una autolesión. Se ha expuesto la teoría de que el corte en la oreja fue una automutilación del artista como resultado del disgusto que le provocó la noticia de que su hermano Theo se iba a casar.[54] Al regresar a su casa Van Gogh pintó el Autorretrato con oreja vendada, mostrando toda la parte derecha de la cabeza con una venda. En el fondo en la parte izquierda, se puede ver una xilografía japonesa que con su colorido contrasta con el blanco de la parte de la cara donde tiene la herida. El cuadro debió ser pintado delante de un espejo, ya que la oreja herida fue la izquierda. Pasadas cuatro semanas volvió a ser ingresado ya que presentaba síntomas de manía persecutoria, se imaginaba que lo querían envenenar. Durante unos diez días estuvo bajo el tratamiento del Dr. Félix Rey. En marzo, atendiendo una petición de los vecinos de Arles que avisaron a la policía, fue ingresado Autorretrato con oreja vendada. una vez más, permaneciendo seis semanas en el Hospital Hôtel-Dieu de Arles. El 17 de abril, Theo contrajo matrimonio con Johanna Bonger en Ámsterdam. Poco después, Vincent decidió internarse voluntariamente en el hospital mental de Saint-Paul-de-Mausole, un ex-monasterio, en Saint-Rémy-de-Provence, a unos treinta y dos kilómetros de Arles.[55]
  • 78. Vincent van Gogh 76 Saint-Rémy-de-Provence Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus permanentes problemas psiquiátricos, que lo llevaron a ser recluido en sanatorios mentales de forma voluntaria, entre los que se encontraba el manicomio de Saint-Rémy. En el sanatorio tuvo dos habitaciones, una habilitada para hacerla servir de taller.[56]Cuando no podía pasear pintaba cuadros de interior, como Jarrón con lirios. Uno de sus primeros cuadros allí fue Iris, donde muestra una gran vitalidad rítmica y una gran conjunción de colores. En esta época su pintura se caracteriza por la presencia de remolinos, como se puede observar en una de sus pinturas más conocidas, La noche estrellada.[57] La noche estrellada. Cuando dejó de salir a dar paseos por los alrededores de la clínica, empezó obras donde los temas eran pinos, cipreses y olivos. Fue durante el mes de junio cuando desarrolló los efectos pictóricos de los árboles, de los olivos con sus troncos sinuosos, hizo varios cuadros: Alpilles con olivos en primer plano, Olivo y Recolección de la oliva. Los pinos los tenía como modelos en el mismo jardín del hospital. Uno de los primeros cuadros fue Maleza, donde sólo se aprecian en la parte inferior de los troncos con tonos constituidos por azules fríos. A continuación pintó los pinos que se aprecian en los cuadros: El jardín del hospital de Saint Paul y Pinos en el cielo de la tarde. Pero fueron los cipreses, con su forma triangular, los que le sirvieron para crear una magnífica serie de paisajes. Incorporaba la mancha oscura del ciprés en muchas de sus grandes composiciones, como en La noche estrellada y, entre otras, en Campo de trigo con ciprés, Cipreses con dos mujeres y La Piedad (según Delacroix), versión de Van Ciprés en el cielo estelar.[58] Gogh. En Sant Remy, volvió a tener la necesidad de copiar a pintores que admiraba, por lo que pidió a su hermano Theo que le enviase láminas de reproducciones, a partir de las que el interpretaba el color a su manera. De esta forma exploró temas religiosos como La Piedad (Delacroix), donde pintó a Cristo con el cabello y la barba de color rojo y La resurrección de Lázaro (Rembrandt). También volvió a copiar algunas de sus pinturas favoritas, las de Millet: la Campesina batiendo el lino y La Noche (a partir de La Veillée de Millet). Todas se conservan en el Museo Van Gogh de Ámsterdam.[59]
  • 79. Vincent van Gogh 77 Exposiciones en vida La primera exposición fue en París en 1889, en el Salón de los Independientes, organizada más tarde (entre mayo y octubre) que en otros años, para que pudiera coincidir con la Exposición Universal de aquel mismo año. La elección de obras las hacían los mismos artistas pero los nuevos socios sólo podían presentar dos, y Van Gogh indicó a su hermano las dos pinturas que quería enviar: La noche estrellada (1888) e Iris (1889).[60] En enero de 1890 recibió la invitación para participar en una exposición en Bruselas con el grupo Les XX, a la que envió seis obras: dos de la serie de los girasoles y cuatro sobre paisajes. Dos las había El viñedo rojo, una de las pocas pinturas vendidas pintado en Arles, La viña roja y Vista de Arles, y dos más en Sant en vida de Van Gogh. Remy. Durante la inauguración, Henri de Groux criticó los cuadros de Van Gogh, pero salieron en su defensa Toulouse-Lautrec y Paul Signac. En esta misma exposición vendió la obra El viñedo rojo, adquirida por la pintora perteneciente al grupo Los XX, Anna Boch,[61] hermana de su amigo Eugène Boch.[62][63] Finalmente fue en el Salón de los Independientes de París, en febrero de 1890, donde expuso la cuota completa de diez pinturas.[64] Volvió a tener nuevos colapsos, que le duraban más que en las veces anteriores; padecía angustia, terror y alucinaciones con accesos de ira muy intensos. Cuando volvió a escribir a Theo le explicó que había decidido abandonar la clínica. Después de una breve estancia en París con su hermano, decidió establecerse en Auvers-sur-Oise.[65] Auvers-sur-Oise Trasladado a Auvers-sur-Oise, cercano a París, se instaló en una habitación de la pensión Ravoux. Allí conoció a un amigo de Theo, el Dr. Paul Gachet, pintor aficionado, que se ofreció a cuidarlo y visitarlo. Bajo la atención del Dr. Gachet la actividad artística de Van Gogh fue intensa, en dos meses pintó más de setenta cuadros. Frecuentaba la casa del doctor, y pintó el jardín, su hija Margarita en flores y en el piano, y al mismo doctor. Van Gogh volvió a refugiarse en la pintura con gran entusiasmo, le gustaban los paisajes de Auvers, como antes habían maravillado a tantos otros pintores como Corot, Pissarro, Armand Guillaumin y Cézanne.[66] Escribió a su madre estas confesiones: Estoy plenamente absorbido por estas llanuras inmensas de campos de trigo sobre un fondo de colinas, vastos como el mar, de un amarillo muy tierno, un verde muy pálido, de La iglesia de Auvers-sur-Oise. un malva muy dulce, con una parte de tierra labrada, todo junto con plantaciones de patatas en flor; todo bajo un cielo azul con tonos blancos, rosas y violetas. Me siento muy tranquilo, casi demasiado calmado, me siento capaz de pintar todo esto.[67] En esta población, es donde empezó a utilizar el formato horizontal de doble cuadrado, que precisamente en el valle de Oise lo había utilizado el pintor Charles-François Daubigny de la escuela de Barbizon. Van Gogh había pintado
  • 80. Vincent van Gogh 78 algunas veces el jardín de la casa de Daubigny. Su cuadro sobre La iglesia de Auvers-sur-Oise, está construido sobre líneas fuertes y definidas, que producen el efecto de una escultura recortada sobre el azul intenso del cielo, efecto que da una sensación de oscuridad. La profundidad la consigue con los dos caminos en forma de /v/ en un primer plano; estos caminos aparecen colocados de manera similar en una obra posterior, Campo de trigo con cuervos. Van Gogh señala en sus cartas, la soledad y la melancolía que tienen estos últimos paisajes de trigales bajo cielos tempestuosos y amenazantes; se ha dicho que los símbolos de los cuervos planeando sobre el trigo sugieren la premonición de la muerte.[68]Las dos bandas de color, con el contraste del azul y el amarillo, anulan el espacio de la perspectiva. La composición de la perspectiva en el campo abierto tiene un sentido inverso, sale del horizonte en dirección hacia la parte delantera. El azul del cielo está en un solo plano y consigue crear una unidad, mientras que el amarillo del trigo está dividido en dos planos, el rojo de los caminos en tres y el verde complementario de las franjas del camino en cinco. Este cuadro está considerado como una de las mejores obras del artista.[69] Campo de trigo con cuervos (julio de 1890) Pintura al óleo, 50 x 100 cm Museo Van Gogh, Ámsterdam. Antonin Artaud, con un extenso poema en prosa, da la noción de la calidad de Van Gogh; basta leer algunos fragmentos de tal poema: (...) Regreso al cuadro de los cuervos; ¿quién ha visto cómo, en ese cuadro, equivale la tierra al mar? (...) el mar es azul, pero no de un azul de agua, sino de pintura líquida(...) Van Gogh ha retornado los colores a la Naturaleza, pero, a él, ¿quién se los devolverá? (...) aquel que supo pintar tantos soles embriagados sobre tantas parvas sublevadas, el Café de Arles, la recolección de las olivas, los aliscampos; (...) El puente, sobre un agua en donde se tiene el irrefrenable deseo de hundir el dedo en un movimiento de regresión violenta a la infancia, (...).
  • 81. Vincent van Gogh 79 Muerte Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros. Sin embargo, su depresión empeoró y el 27 de julio de 1890, a la edad de treinta y siete años, mientras paseaba por el campo, se disparó un tiro en el pecho con un revólver. No se dio cuenta de que su herida era mortal y volvió a la pensión Ravoux, donde murió en su cama dos días después, en brazos de su hermano Theo. Sin embargo, en 2011 surgió una teoría que postulaba que Van Gogh no se suicidó, sino que murió por un disparo accidental efectuado por dos muchachos que jugaban con una pistola. En una biografía sobre el artista, Van Gogh: la vida, Steven Naifeh y Gregory White Smith Las tumbas de Vincent y Theo van Gogh en el mantienen que el disparo provino de René y Gaston Secrétan, dos cementerio de Auvers-sur-Oise. hermanos adolescentes que veraneaban en Auvers, y que eran conocidos del pintor, por lo que no habría querido incriminarlos y se habría autoinculpado. Según los autores, René era un chico problemático al que gustaba vestirse de «cowboy», y se entretenía disparando a animales con una vieja pistola del calibre 380. Así, el 27 de julio de 1890 Van Gogh habría salido como siempre a pintar, recibiendo de forma accidental el disparo del menor de los hermanos. Según Naifeh, historiador del arte titulado en Princeton, «revisamos los testimonios iniciales que dieron lugar a la versión del suicidio, y vimos que no eran nada sólidos». Este autor afirma que en la entrevista que René Secrétan dio en 1956, el año de estreno de la película que Vincente Minnelli realizó sobre el pintor holandés, su testimonio «está lleno de culpabilidad». Esta teoría no está confirmada con otras pruebas ni aceptada por la mayoría de la comunidad académica, y el Museo Van Gogh de Ámsterdam considera prematuro valorar las conclusiones a las que han llegado estos autores.[70] "Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón destruida a medias": éstas son las palabras de Vincent en la última carta encontrada en su lecho de muerte el 29 de julio de 1890.[71] Vincent fue enterrado en el cementerio de Auvers-sur-Oise.[72] Y Theo como consecuencia de los trastornos mentales que le generaba una insuficiencia renal,[73] probablemente por piedras en el riñón,[74] aunque según otros autores su enfermedad mental se la producía la sífilis,[75][76]solo poco después de la muerte de Vincent ingresó en una clínica de Utrecht, donde falleció el 25 de enero de 1891: a los seis meses de la muerte de Vincent. En 1914 el cuerpo de Theo fue exhumado y enterrado junto al de su hermano. Obra Vincent van Gogh produjo todo su trabajo (unas 900 pinturas y 1.600 dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o un síndrome de epilepsia).[77] Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores. Realizó numerosos dibujos El dormitorio de Van Gogh en Arles (1888). de mineros, de personajes populares y copió obras de su pintor favorito Millet.[78]
  • 82. Vincent van Gogh 80 Impresionismo La siguiente etapa, en París (1886-1887), es la que le pone en contacto con los impresionistas que pretendían romper con el academicismo de la época, con el traslado a las pinturas de las impresiones de sus sentidos mediante la observación de la naturaleza. En París, conoció pintores como Henri de Toulouse-Lautrec y Paul Signac, descubrió una nueva percepción de la luz y el color, aprendió la división de las gamas claras y los tonos y mostró una simplificación a la vez que una mayor intensidad en el tratamiento de los colores. En esta época empezó a copiar láminas japonesas siendo uno de los pintores europeos a los que más influyó este tipo de pintura.[78] Posimpresionismo El doctor Paul Gachet (1890). Quizá Van Gogh representó mejor el posimpresionismo, estilo que sucedió aproximadamente en un periodo entre 1885 y 1915. Representó una vía divergente del impresionismo, donde los pintores hacen de la vida cotidiana su tema principal. Este término fue utilizado por primera vez en 1910 por Roger Eliot Fry; surge del título que dio a la exposición de la Grafton Gallery en Londres: «Manet y los postimpresionistas». Fue utilizada por artistas como Cézanne, Van Gogh y Seurat pero a veces también por otros artistas de la gran década impresionista (1870-1880) como Matisse y Pierre Bonnard.[79] Expresionismo y fauvismo Campos en Cordeville, en Auvers-sur-Oise Su obra destaca por el uso del color y la frenética técnica que contiene (1890). algunos trazos del expresionismo. Van Gogh y Gauguin tenían técnicas diferentes; Gauguin acostumbraba a pintar normalmente en el taller de memoria y Van Gogh necesitaba siempre copiar in situ, fuesen paisajes o un modelo. Su temperamento exaltado quiso demostrarlo por la vía del color.[80] Los inicios del expresionismo aparecen durante las dos últimas décadas del siglo XIX, en la obra de Van Gogh, La italiana de finales de 1887, y en la de Edvard Munch, El Grito (1893) y, en otro nivel, en la del belga James Ensor (1860-1949). Una tendencia a la que contribuiría Van Gogh, después de su llegada en 1888 a Arles, donde el choque de la luz del sur, le empuja a la conquista del color, con obras como La noche estrellada y Los Olivos de Saint-Rémy (1889). Las pinturas del periodo de Sant Rémy de Provença, se caracterizan en general por remolinos y espirales. Desde la dramatización de las escenas de sus primeros trabajos, a la simplificación que caracterizó sus últimas obras, en las que Van Gogh ya anuncia el comienzo del expresionismo. Se tuvo que esperar al agosto de 1911, cuando el crítico de arte Wilhelm La italiana (1887) Museo de Orsay. Worringer fue el primero en hablar del expresionismo.[81]
  • 83. Vincent van Gogh 81 En Alemania y Austria, expresionistas como Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Paul Klee y Oskar Kokoschka aprenderán de la técnica de Van Gogh, del nerviosismo, la exageración de las líneas y colores que hacen que surja mejor la expresión de los sentimientos y las emociones. El color y el empaste en la proyección de la pintura de Van Gogh, se formalizó quince años más tarde con el surgimiento del fauvismo. Según Van Gogh: «En lugar de reproducir con exactitud lo que tengo delante de los ojos, prefiero servirme del color para expresarme con más fuerza».[82] Lirios (1889) Getty Center, Los Ángeles. Reconocimientos Octavi Mirbeau, historiador de arte, uno de los primeros en admirar a Van Gogh, para ofrecerle homenaje en el Salón de los Independientes en la exposición realizada en 1891 dejó escrito: Aquí me encuentro en presencia de alguien grande, gran maestro, una persona que me perturba, me emociona, llama mi atención (...) Van Gogh poseía, de una manera poco frecuente, algo que diferencia un hombre de otro: estilo (...) es decir, afirmación de la personalidad Desde el siglo XXI, el análisis del mensaje que se desprende de sus pinturas es positivo y alegre. Durante su breve dedicación artística Van Gogh consiguió el dominio técnico y una productividad que pocos artistas han conseguido. En todas sus obras consiguió fusionar las cualidades de sus predecesores neerlandeses, como la devoción a la naturaleza, con el uso del color y la técnica de la pintura francesa.[83] Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent, resultó ser la única heredera de toda su obra tras el fallecimiento de su esposo, ocurrido poco después del pintor. Ha de señalarse que a ella se debe una de las pocas ventas de Van Gogh en vida del artista. El mayor impulso de su obra vino especialmente después de una exposición de 71 de sus pinturas, en París el 17 de marzo de 1901 (11 años después de su muerte) a la que siguieron otras exposiciones como la de 1905 en Ámsterdam, o la de Colonia en 1912, Nueva York en 1913 y Berlín de 1914.[84]Todas ellas tuvieron un gran impacto sobre las generaciones posteriores artísticas.[85]A mediados del siglo XX Van Gogh fue reconocido como uno de los mayores pintores de la historia.[86][87]En el año 2007 un grupo de historiadores holandeses realizó el The Canon of the Netherlands para su enseñanza en las escuelas e incluyó a Van Gogh como uno de los cincuenta temas del canon, junto con otros iconos nacionales como Rembrandt y De Stijl.[88] En vida del pintor se limitaron a tres las obras vendidas: La viña roja comprada por Anna Boch por la suma de 400 francos; Puente de Clichy, adquirido por 250 francos según el libro de ventas de la Casa Boussod y Valadon y finalmente un Autorretrato a los marchantes Sulley y Lori de Londres, las tres obras curiosamente fueron compradas el mismo año de 1888.[89] Varias de las pinturas de Van Gogh están entre las pinturas más caras del mundo. El 30 de marzo de 1987 la pintura Lirios de Van Gogh fue vendida por un valor récord de $53,9 millones en "Sothebys", Nueva York.[90] Pero su comprador, el magnate Alan Bond, no pudo terminar de pagarla y tuvo que revenderla (por una suma no revelada) al Getty Center de Los Ángeles. El 15 de mayo de 1990 su Retrato del Doctor Gachet fue vendido por $82,5 millones en Christies, estableciendo así un nuevo precio récord.[91]
  • 84. Vincent van Gogh 82 Procedimiento de trabajo Muestra de la pintura actual y la anterior Mancha de hierba (1887) Museo de Kröller-Müller Países Bajos. Imagen de la cara de una mujer pintada anteriormente. La técnica que empleaba era diferente según el efecto que quería conseguir, cubría los planos con colores planos, mientras que en otros cuadros ponía pinceladas amplias y a veces perfilaba todo el dibujo con trazos gruesos. En otras ocasiones, trabajaba con un pincel duro rayando todas las formas, según le interesara, acentuaba las líneas o el color, El trazo con movimiento rítmico lo repetía tanto en los dibujos como en las pinturas.[92] Se cree que Van Gogh realizó en más de un tercio de su producción durante sus primeros trabajos, un reaprovechamiento de los lienzos empleados.[93] En 2008, un equipo de la Universidad Tecnológica de Delft y la Universidad de Amberes utilizó avanzadas técnicas de rayos X para crear una imagen de la cara de una mujer pintada anteriormente e incluso conseguir su coloración, que se encontraba por debajo de la obra Mancha de hierba.[94] Cartas Una gran parte del conocimiento que se tiene sobre Van Gogh deriva de sus cartas, la mayor parte dirigidas a su hermano, Theo van Gogh. Se conservan más de seiscientas cartas de Vincent a Theo y cuarenta cartas de Theo a Vincent, y aunque la mayoría de ellas no están datadas, los historiadores de arte han sido capaces de ordenar esta correspondencia, en gran parte, de manera cronológica. La recopilación de estas fuentes textuales ha sido muy valiosa para establecer las bases de lo que se conoce sobre los hermanos Van Gogh. Es interesante hacer constar que el periodo en el que la vida de Van Gogh es más oscura, es el de su etapa de París, ya que Theo y Vincent vivían juntos sin necesidad de escribirse y por lo tanto hay menos información.[95] Van Gogh mantuvo correspondencia y se conservan unas doscientas cartas dirigidas a amigos y familiares especialmente con su hermana Wilhelmina.[96] Las cartas salieron a luz en 1913, a través de la viuda de su hermano Theo, Johanna van Gogh-Bonger, quien explicó la Theo van Gogh a la edad de 21 años.Theo fue un «inquietud» que sentía al mostrar el drama de la vida del pintor y su defensor permanente y amigo de su hermano. preocupación para que no fuera motivo de eclipsar su obra artística. El mismo Van Gogh había sido un ávido lector de biografías de otros artistas para comprobar la consonancia del carácter con el arte de éstos.[97]
  • 85. Vincent van Gogh 83 Referencias [1] Rewald, John. Post-Impressionism: From van Gogh to Gauguin, edición revisada, Secker & Warburg, 1978. ISBN 0-436-41151-2 [2] Walther, Ingo 2000, p. 7 [3] Historia del Arte Espasa 2004, p. 1153 [4] Hughes, Robert 1990, p.144 [5] Lecaldano, p.83 [6] Frank, Herbert 1988, pp.20-22 [7] « Carta de Vincent van Gogh a Theo van Gogh - Nuenen, 18 de diciembre de 1883 (http:/ / webexhibits. org/ vangogh/ letter/ 14/ 347. htm)». Consultado el 03-09-2011. [8] Thomson, Belinda 2007, p. 14) [9] Frank, Herbert 1988, p. 25 [10] Frank, Herbert 1988, p. 26 [11] « Vincent van Gogh. Carta a Theo van Gogh. Escrita el 10 de enero de 1876 a París. Traducción al inglés de Mrs. Johanna van Gogh-Bonger (http:/ / www. webexhibits. org/ vangogh/ letter/ 3/ 050. htm)». Robert Harrison, num.050. Consultado el 03-09-2011. [12] Frank, Herbert 1988, pp.29-30 [13] Frank, Herbert 1988, pp. 23-34 [14] « Carta de Vincent Van Gogh a Theo Van Gogh - Cuesmes, 24 de septiembre de 1880 (http:/ / www. vggallery. com/ letters/ 152_V-T_136. pdf)». [15] López / Rebull 1995, p.3 [16] Thomson, Belinda 2007, p.16 [17] Carta 153 (http:/ / webexhibits. org/ vangogh/ letter/ 10/ 153. htm) a Teo con fecha del 3 de noviembre de 1881 [18] Frank, Herbert 1988, pp. 42-43 [19] Thomson, Belinda 2007, pp.17-18 [20] Thomson, Belinda 2007, pp.21-22 [21] Thomson, Belinda 2007, p.25 [22] Walther, Ingo 2000, p. 11 [23] Frank, Herbert 1988, pp. 52-53 [24] Thomson, Belinda 2007, p.30 [25] « Carta de Vincent Van Gogh a Theo Van Gogh - Nuenen, 30 de abril de 1885 (http:/ / www. vggallery. com/ letters/ 486_V-T_404. pdf)». [26] Walther, Ingo 2000, p. 12 [27] Walther, Ingo 2000, p. 13 [28] Leprohon 20040, p. 202 [29] Frank, Herbert 1988, pp. 69-73 [30] « Carta de Vincent Van Gogh a Theo Van Gogh - Nuenen, principios de junio de 1884 (http:/ / www. webexhibits. org/ vangogh/ letter/ 14/ 371. htm)». [31] Walther, Ingo 2000, p. 15 [32] Frank, Herbert 1988, p. 50 [33] Trabault, Marc Edo 1981, p. 216 [34] Walther, Ingo 2000, p. 27 [35] López / Rebull 1995, pp.7-10 [36] Walther, Ingo 2000, pp. 20-25 [37] Walther, Ingo 2000, p. 28 [38] Walther, Ingo 2000, pp. 31-36 [39] López / Rebull 1995, p.22 [40] « Carta de Vincent van Gogh a Theo van Gogh - Arles, 3 de agosto 1888 (http:/ / www. webexhibits. org/ vangogh/ letter/ 18/ 517. htm)». [41] « Carta de Vincent van Gogh a Theo van Gogh - Arles, 6 de agosto 1888 (http:/ / www. webexhibits. org/ vangogh/ letter/ 18/ 518. htm)». [42] Thomson, Belinda 2007, pp.95-103 [43] « Carta de Vincent van Gogh a Theo van Gogh - Arles, 13 de agosto 1888 (http:/ / www. webexhibits. org/ vangogh/ letter/ 18/ 522. htm)». [44] Walther, Ingo 2000, p. 50 [45] Walther, Ingo 2000, p. 52 [46] Walther, Ingo 2000, pp. 53-55 [47] « Carta de Vincent van Gogh a Paul Gauguin - Arles, 17 de octubre 1888 (http:/ / www. webexhibits. org/ vangogh/ letter/ 18/ B22. htm)». [48] Walther, Ingo 2000, p. 46 [49] Thomson, Belinda 2007, p.125 [50] Thomson, Belinda 2007, pp.132-133 [51] Gauguin P. Escritosde un salvaje. 2ª ed. Barcelona, Barral, 1989: págs. 225-27. [52] Forum Républicain Chronique locale, Arles, 30 diciembre de 1888 [53] Thomson, Belinda 2007, p.135
  • 86. Vincent van Gogh 84 [54] Cf. «Found: the clue to van Gogh’s ear» (http:/ / entertainment. timesonline. co. uk/ tol/ arts_and_entertainment/ visual_arts/ article6968527. ece), en entertainment.timesonline.co.uk, consultado el 27-12-09. [55] Walther, Ingo 2000, pp. 58-60 [56] Thomson, Belinda 2007, p.145 [57] Thomson, Belinda 2007, p.146 [58] Thomson, Belinda 2007, pp.147-158 [59] Thomson, Belinda 2007, p.165 [60] Thomson, Belinda 2007, p.166 [61] Anna Boch.com (http:/ / www. annaboch. com) [62] Thomson, Belinda 2007, p.171 [63] Eugene Boch.com (http:/ / www. eugeneboch. com) [64] Walther, Ingo 2000, p. 95 [65] Walther, Ingo 2000, p. 78 [66] Mathey, François 1957, p.3 [67] Mathey, François 1957, p.4 [68] Thomson, Belinda 2007, pp.178-179 [69] Walther, Ingo 2000, pp. 84-86 [70] Borja Bergareche (20-10-2011). « Van Gogh no se suicidó (http:/ / www. abc. es/ 20111017/ cultura-arte/ abci-gogh-suicido-201110171231. html)». Consultado el 21-10-2011. [71] Letter 652, con una nota adicional de Theo: "carta que llevaba consigo el 29 de julio" [72] « Vincent van Gogh study guide (http:/ / www. sparknotes. com/ biography/ vangogh/ section9. rhtml)». sparknotes.com (2006). [73] Certificado de defunción de Theo. En: Leprohon P. Van Gogh. Biografía. Salvat; 1991. pág. 247. [74] Doiteau V. París. Esculape 1940:30,76, [75] Mirbeau, Octave (2003) (en francés). Dans le ciel (http:/ / books. google. fr/ books?id=2Nd1nLAzMh0C& pg=PA148& dq="25+ janvier+ 1891"+ Théo#v=onepage& q="25 janvier 1891" Théo& f=false). Éditions du Boucher. p. 148. ISBN 9782848240442. . [76] Mathias, Arnold (1993). Vincent van Gogh: Biographie. Ed. Kindler. p. 1023. ISBN 3-463-40205-X. [77] « Lépilepsie de Vincent van Gogh (http:/ / home. scarlet. be/ cep/ CAHIERS/ lepile1. htm)». Dietrich Blumer. Consultado el 3-09-2011. [78] Historia del Arte Espasa 2004, p. 1093 [79] Monneret, Sophie 1991, p.360 [80] Historia del Arte Espasa 2004, p. 1094 [81] Monneret, Sophie 1991, p.258 [82] López / Rebull 1995, p.2 [83] Thomson, Belinda 2007, p.184 [84] Dorn, Roland; Leeman, Fred (1990) (en inglés). Vincent van Gogh and Early Modern Art, 1890–1914 (Catálogo agotado). Essen & Amsterdam. ISBN 3-923641-33-8. [85] Rewald, John 1986, p. 248 [86] Life Magazine,, ed (10 de octubre de 1949) (en inglés). Vincent van Gogh The Dutch Master of Modern Art has his Greatest American Show (http:/ / books. google. com/ books?id=GVIEAAAAMBAJ& pg=PA82& dq=is+ Vincent+ van+ Gogh+ the+ greatest+ painter& hl=en& ei=c9AtTNSMNsL38AbzgpT7Ag& sa=X& oi=book_result& ct=result& resnum=2& ved=0CDoQ6AEwAQ#v=onepage& q=is Vincent van Gogh the greatest painter& f=false). pp. pp. 82–87. . Consultado el 4-09-2011. [87] National Gallery of Art (ed.): . Consultado el 4-09-2011. [88] Foundation entoen.nu (ed.): « The Canon of the Netherlands (http:/ / entoen. nu/ default. aspx?lan=e)» (en inglés). De Canon van Nederland (2007). Consultado el 4-09-2011. [89] Leprohon 2004, p. 366 [90] El País (ed.): « Sthebys anuncia en Manhattan que "Los liros" de Vincent van Gogh, vuelve a estar en venta (http:/ / www. elpais. com/ articulo/ cultura/ GOGH/ _VINCENT_VAN_/ PINTURA/ SOTHEBY/ 26apos/ S/ Sotheby/ s/ anuncia/ Manhattan/ lirios/ Vincent/ van/ Gogh/ vuelve/ estar/ venta/ elpepicul/ 19900112elpepicul_6/ Tes)» (12-01-1990). Consultado el 4-09-2011. [91] Fernández, G.. theartwolf.com (ed.): « Las pinturas más caras jamás vendidas (http:/ / www. theartwolf. com/ 10_expensive_es. htm)». Consultado el 4-09-2011. [92] Frank, Herbert 1988, p. 120 [93] Elmundo.es Cultura y ocio (31-07-2008). « Una nueva técnica de rayos X desvela con exactitud una pintura oculta de Van Gogh (http:/ / www. elmundo. es/ elmundo/ 2008/ 07/ 30/ cultura/ 1217436918. html)». Consultado el 03-11-2009. [94] Delft University of Technology (30 de julio del 2008.). « Hidden Van Gogh painting revealed (http:/ / www. tudelft. nl/ live/ pagina. jsp?id=6383a391-d2c6-4341-bcd0-62cba4cff50b& )». Consultado el 03-11-2009. «Una fotografía en este lugar muestra la antigua imagen de debajo del cuadro». [95] Pomerans, Arnold 1997, i-xxvi [96] Hughes, Robert 1990, p.143 [97] Pomerans, Arnold 1997, i-x
  • 87. Vincent van Gogh 85 Bibliografía • DDAA (2004). Historia del Arte Espasa. Barcelona, Espasa-Calpe. ISBN 84-670-1323-0. • Frank, Herber. Van Gogh. Barcelona, Salvat Editors. ISBN 84-345-8702-5. • Hughes, Robert (1990) (en inglés). Nothing If Not Critical. Londres, The Harvill Press. ISBN 0-14-016524-X. • Lecaldano, Paolo (1976). Noguer. ed. La obra pictórica completa de Van Gogh (http://books.google.com/ books?id=kJuaAAAACAAJ). Vol. 1. ISBN 9788427987326. • Pierre Leprohon (2004). Vincent van Gogh. Madrid: Folio. ISBN 8441320276. • Mathey, François (1957). Van Gogh: Auvers-sur-Oise. Barcelona, Editorial Gustavo Gili. • Monneret, Sophie (1991). LImpressionnisme et son époque. Volum II. París, Robert Laffont. ISBN 222105413 X ( en francés). • López Blázquez, Manuel i Rebull Trudell, Melania (1995). Van Gogh 1853-1890. Madrid, Globus. ISBN 84-8223-116-2. • Pomerans, Arnold (1997) (en inglés). The Letters of Vincent van Gogh. Londres. ISBN 0-14-044674-5. • Rewald, John (en inglés). Studies in Post-Impressionism, The Posthumous Fate of Vincent van Gogh 1890–1970. Harry N. Abrams. ISBN 0-8109-1632-0. • Thomson, Belinda (2007). La pintura de Van Gogh. Editorial Blume. ISBN 978-84-9801-195-1. • Tralbaut, Marc Edo (1981) (en inglés). Vincent van Gogh, le mal aimé. Londres: Macmillan,. ISBN 0-933516-31-2. • Van Gogh, Vicent (1992). Cartas a Théo. Barcelona, Editorial Labor. ISBN 84-335-3505-6. • Walther, Ingo (2000). Vincent van Gogh 1853-1890. Germany, Taschen. ISBN 3-8228-6193-6. Enlaces externos • Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Vincent van GoghCommons. • Wikiquote alberga frases célebres de o sobre Vincent van Gogh. Wikiquote • La Galería de Vincent van Gogh. Sitio avalado por el Van Gogh Museum, Ámsterdam (http://www.vggallery. com/international/spanish) • Van Gogh Museum, Ámsterdam. (http://www.vangoghmuseum.nl/) • Las cartas de Van Gogh ahora en línea (http://www.vangoghletters.org/vg/) • Vincent van Gogh en el Museo Thyssen-Bornemisza (http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_artista/ 237) Biografía y obras • Vincent Van Gogh. Fotos (http://www.art-drawing.ru/gallery/category/926-van-gogh-vincent-willem) y Biografía (http://www.art-drawing.ru/biographies/brief-biographies/247-vincent-van-gogh)
  • 88. Fuentes y contribuyentes del artículo 86 Fuentes y contribuyentes del artículo Impresionismo  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=60202683  Contribuyentes: .Sergio, 3coma14, A ver, AVIADOR, Aavindraa, Aipena, Airunp, Albasmalko, Alfredobi, Allforrous, Amadalvarez, Amanuense, Angel GN, Angelito7, Antur, Antón Francho, Armonizador, Arthasagonia, AstroNomo, Avo6dance, Açipni-Lovrij, Baiji, Banfield, BetoCG, Bucho, Cest moi, Camila Arias, Camilo, Camima, Carmin, Cassius11, Cheveri, ChristianH, CommonsDelinker, Cookie, Cordwainer, Dani-primero, Danielba894, Ddemax, DerKrieger, Dermot, Dianai, Diegusjaimes, Diogeneselcinico42, Doyle, Dreitmen, Dyamidov, Edmenb, Eduardosalg, Emiduronte, Emijrp, Emmental, Espilas, FAR, FBaena, Felipeacevedocaussade, Ferbr1, Fern86, Flizzz, Fran89, Gaius iulius caesar, Ginés90, Gothmog, Greek, Gurgut, HUB, Halfdrag, Hermoso, Hispa, Hprmedina, Humberto, Ingolll, Irbian, Isha, J.M.Domingo, JABO, Jarisleif, Jarke, Jcaraballo, Jesús Martínez Verón, Jjafjjaf, Jkbw, JorgeGG, Jtspotau, Julie, Jurgens, Ketamino, Koke0 0, Kved, LMLM, Laura Fiorucci, Leblau, Leonpolanco, Luchiithaa, Luis1970, MARC912374, Macarrones, Machicu, Macy, MadriCR, Mafores, Magister Mathematicae, Mahadeva, Maldoror, Maleiva, Mariana maldonado rodriguez, Martínhache, Matdrodes, Maullin, Metronomo, Michi.oryan, Montgomery, Moriel, Muro de Aguas, Myperro, Máximo de Montemar, Nemesis2299, Netito, Netito777, Nicop, Ninovolador, Nioger, Niplos, Nixón, Nolan, Nubecosmica, Obelix83, Onairam309, Oriolhernan, Ortisa, OscarHuarte, Pablo Enzo, Pato Feliz, Patricio.lorente, Paz.ar, Petronas, Petruss, Platonides, Poco a poco, Pólux, Ralphloren171, Rastrojo, Reolgovi, Retama, Richy, Roberpl, Ronald2308, RoyFocker, Rubendeluis, Rubpe19, SFBB, Sakuno, Saloca, Sanbec, Savh, Serg!o, Sergio Andres Segovia, Sign, Snakeeater, Stifax, SuperBraulio13, Superzerocool, Tano4595, Taty2007, Technopat, Terminemos con el exceso de mayúsculas, Tirithel, Tomatejc, Tortillovsky, Tostadora, UA31, UnSleep, Valentin estevanez navarro, Veronidae, Vitamine, Waka Waka, Wikiléptico, Wikisilki, Will vm, XalD, Xsm34, Xyaaasmin, Yeza, Yorusti, Ángel Luis Alfaro, 834 ediciones anónimas Museo de Orsay  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=59202301  Contribuyentes: *TikiTac*, Andrea biffi, Apostrof, Arkimedes, BKTR, BRONZINO, Bernard, Bonnot, Carlinhos1976, Coppelius, Dagane, Davidlug, Dianai, Domenikos, Duuk-Tsarith, Enrique Cordero, Ensada, Felipealvarez, Freddy eduardo, Humberto, Jesusosm, Joane, Joseaperez, Jsv, Kaldari, LadyInGrey, Luigidelpiero, Luis1970, Maame Michu, Maleiva, Marielsi, Marinna, Matdrodes, Mike.lifeguard, Nioger, Oblongo, Oxxo, Rastrojo, Resped, Rubpe19, SanchoPanzaXXI, SimónK, Superzerocool, Tatvs, Tostadora, Tralia, Tupeorpesadilla.com718, Wesisnay, WhisperToMe, 48 ediciones anónimas Claude Monet  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=60218559  Contribuyentes: 333, 3coma14, 619erock, Alago, AlbertoViña, Albertominusculo, Alfredobi, Altovolta, Amoceann, Ancalfe, Andreasmperu, Angel GN, Antonorsi, Antur, Armenteros, Açipni-Lovrij, Baiji, Balderai, Banderas, Banfield, Becahd, Belandthecity, Bernard, Beto29, Camila Arias, Camilo, Cejota edu, Cmx, Cookie, Cordwainer, Count Westwest, Cronopio Alegre, DJ Nietzsche, Davas27, David53352, Dcoetzee, Delphidius, Diegusjaimes, Dodo, Durero, Eduardosalg, Emijrp, Emilio Kopaitic, Enrique Cordero, Ensada, Escarlati, Faustodc, Fercho789456, Fernando Estel, Filipo, Flizzz, FrancoGG, Gabriela Ruellan, Gaudio, Gerkijel, Greek, Groucho Marx, Guimis, Gurgut, Halfdrag, Huguinlp, Humberto, Iagopacetti, Incho007, Invadinado, Isha, J.M.Domingo, JMCC1, Jarisleif, Jfbu, Jjvaca, Jkbw, Joane, Joseaperez, Jsanchezes, Julie, Kadellar, Keres, Kordas, LadyInGrey, Ljrodero, Lokendo, Lukus, M.heda, Macarrones, Mahadeva, Maleiva, Mandos, Marcelo, Matdrodes, Mathy riverplate, Maxeltoro, Meyleto, Moi23, Moriel, MurielR, Museothyssen12, Máximo de Montemar, Netito777, Nicop, Ninrouter, Niplos, Nolan, Oriolhernan, Oscar ., Pedrobe, Pilaf, Pólux, Queninosta, Reolgovi, Robespierre, Romero Schmidtke, RubiksMaster110, Rubpe19, SGarcialoredo, Sabbut, Sanbec, Savh, Semoreni, Simeón el Loco, Solarin, TXiKi, Taichi, Tano4595, Tatu30, Taty2007, Technopat, Tirithel, Txo, VanKleinen, VictorSanchez2, Wikisilki, Xabier, 336 ediciones anónimas Édouard Manet  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=59604829  Contribuyentes: .José, Adrienlenoir, Agus ferrocarril, Alfredobi, Andreasmperu, Antonorsi, Apostrof, Ascánder, BRONZINO, Balderai, Banfield, Becamt, Bonnot, Cejota edu, Cobalttempest, Cookie, Dhidalgo, Diegusjaimes, Dodo, Doryszs, Doyle, Dreitmen, Enrique Cordero, Ensada, Esceptic0, Espilas, Frutoseco, Gaudio, Gemini1980, Gerkijel, Gothmog, Guimis, Gurgut, Isaambul, J.M.Domingo, Jaontiveros, Jkbw, Joane, Jsanchezes, Kadellar, LadyInGrey, Lourdes Cardenal, Luis Puertollano, Macarrones, Magister Mathematicae, Martínhache, Moriel, Museothyssen13, Mushii, Máximo de Montemar, Netito777, 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Oriolhernan, Poco a poco, Pólux, Racso, Rosarinagazo, RoyFocker, RoyFokker, SanIgnatius, Sanbec, Sauron, Savh, Siciliana, Skrivande, Stifax, Suetonio2, SuperBraulio13, Toolserver, Tortillovsky, Virginiazaid, Vrysxy, Webgallery01, Youssefsan, 161 ediciones anónimas Pierre-Auguste Renoir  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=60125906  Contribuyentes: *TikiTac*, .José, Aavindraa, AlbertoViña, Alfredobi, Alhen, Altovolta, Alvaro qc, Andreasmperu, Antón Francho, Ascánder, AstroNomo, BRONZINO, Becamt, Cookie, Cordwainer, Damifb, Dangarcia, Diana.garg, Emijrp, Enrique Cordero, Ensada, Er Komandante, Escarlati, Espilas, Estoymuybueno, Farisori, Gaudio, Gerkijel, Guimis, Iel 99, J.M.Domingo, JMCC1, Jan Arkesteijn, Joane, Jsanchezes, Juan2000Valdez, Kuliban, Macarrones, Mansoncc, Manwë, Marinna, Maxwell001, Moriel, Museothyssen12, Máximo de Montemar, Netito777, Niplos, Nixón, Nolan, Oriolhernan, Oxxo, Paconi, Paz.ar, PhJ, Pojos, Pólux, Renacimiento, Rupert de hentzau, Suetonio2, Tano4595, Toolserver, Veronidae, Wikielwikingo, 120 ediciones anónimas Paul Cézanne  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=60148850  Contribuyentes: -jem-, .José, 1969, Airunp, Airwolf, AlbertoViña, Alonso de Mendoza, Anassesduses, Andreasmperu, Antonorsi, Antur, Antón Francho, Ascánder, BL, BRONZINO, Banfield, Beca18, Belios, Cekli829, Cookie, Danielba894, Dodo, Elkingkapo, Elwikipedista, Emilio Kopaitic, Enrique Cordero, Ensada, Espilas, Haloha, Inefable001, Isha, J.M.Domingo, Jarke, Jfbu, Jkbw, Joane, Jsanchezes, Juan Quisqueyano, Juspyy, Kadellar, Kved, LadyInGrey, M4p3l, Maikejrodan al, Manuel González Olaechea y Franco, Matdrodes, Moriel, Mosca, Mpeinadopa, Museothyssen16, Ncasolajimenez, Nemo, Nolan, Ofabulobo, Olpl, Oriolhernan, Pablo323, Patxi Aguado, Paz.ar, Petruss, Poco a poco, Pólux, Raudalesdarwin, Retama, Rosarino, RoyFocker, Rsg, Sacredimpertinence, Siciliana, Simeón el Loco, Soulreaper, SuperBraulio13, Tano4595, Technopat, Tirithel, Toolserver, Tupeorpesadilla.com718, UA31, Varano, Velual, Vior, Waja, Webtebe, Wikielwikingo, Will vm, 203 ediciones anónimas Vincent van Gogh  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?oldid=60190929  Contribuyentes: -Erick-, -jem-, 3coma14, ACGP, AVIADOR, Abece, Afragala, Aine Takarai, Airunp, AlXD, Albasmalko, AlbertoViña, Alejandro edera, Aleposta, Alex94gas, AlfaBeta0104, Alfredobi, Alonso de Mendoza, Alpinu, Alvaro qc, Amadís, Anavida, Andrea2597, Andreasmperu, AndreesLeal, Antonorsi, Antur, Aparejador, Ascánder, BL, BRONZINO, Baiji, Banfield, Beca18, Beinji, BlackBeast, BuenaGente, Calítoe.:., Camilo, Camima, Canaan, Cansado, Carla cuky, Carmin, Carrousel, Cejota edu, Cheveri, Clouded, Cobalttempest, Cookie, Cordwainer, Cratón, Curro isla 7, DEDB, DJ Nietzsche, Danie1996, Danielba894, David0811, Davidangelleoacedo, Dcoetzee, Desatonao, Dhidalgo, Diegazo, Diegusjaimes, Doctoradt, Dodo, Donner, Dreitmen, Dunraz, E-Villaco, Ecemaml, Eduardosalg, El Mexicano, El de vio, Elchsntre, Emiduronte, 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  • 89. Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes 87 Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes Archivo:Claude Monet, Impression, soleil levant, 1872.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet,_Impression,_soleil_levant,_1872.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Avatar, Denniss, Duduziq, Fanghong, Hekerui, Jynto, Luestling, Man vyi, Marv1N, Quibik, Rlbberlin, Tancrède, Thuresson, Zolo, 4 ediciones anónimas Archivo:John Ruskin.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:John_Ruskin.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ecemaml, FavoriteOrangeJuice, Rama, Rastrojo, Yann Archivo:Manet, Edouard - Le Déjeuner sur lHerbe (The Picnic) (1).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Manet,_Edouard_-_Le_Déjeuner_sur_lHerbe_(The_Picnic)_(1).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Diligent, EDUCA33E, Infrogmation, Javierme, LBE, Makthorpe, Mattes, Paris 16, Petrusbarbygere, Rlbberlin, Sparkit, Teox, Zolo, Zserghei, 1 ediciones anónimas Archivo:Edouard Manet 004.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edouard_Manet_004.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bibi Saint-Pol, Bukk, Diligent, EDUCA33E, Ham, Infrogmation, Kilom691, Makthorpe, Mattes, Oxxo, Paris 16, Rlbberlin, Simonxag, Thib Phil, Wst, 3 ediciones anónimas Archivo:Camille Corot auto-retrato.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Camille_Corot_auto-retrato.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Docu, Frank C. Müller, Jarekt, Jufranco, Mattes, Mirokado, Oxxo, Shakko, Sparkit Archivo:Jean-François Millet (II) 002.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Jean-François_Millet_(II)_002.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Bukk, Donarreiskoffer, Emijrp, Kilom691, Tancrède, Tohma, W., Wst, Wutsje, 2 ediciones anónimas Archivo:Exposition1874affiche.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Exposition1874affiche.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: unknown / desconocido / inconnu Archivo:Claude Monet 033.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_033.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Bibi Saint-Pol, Croberto68, Ferdine75, Mogelzahn, Olivier2, Oxxo, Szilas Archivo:Claude Monet 015.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_015.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Anna reg, Ardfern, Bhoeble, Croberto68, Hailey C. Shannon, JackyR, Man vyi, Olivier2, Rlbberlin, Schlurcher, Szilas, The Duke of Waltham, Zolo Archivo:Seurat-La Parade detail.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Seurat-La_Parade_detail.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Manuguf, Pierpao, Rl, Solipsist Archivo:Auguste Renoir - La Balançoire.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Auguste_Renoir_-_La_Balançoire.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: ALE!, Ardfern, Bibi Saint-Pol, Diligent, EDUCA33E, Littletwig, Marianika, Olivier2, Sparkit, Tokorokoko, 3 ediciones anónimas File:Guillaume Vogels - Coucher de soleil sur la neige.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Guillaume_Vogels_-_Coucher_de_soleil_sur_la_neige.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Rlbberlin File:Joaquín Sorolla - Niño en las rocas, Javea.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Joaquín_Sorolla_-_Niño_en_las_rocas,_Javea.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: - File:Darío de Regoyos - Le Poulailler.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Darío_de_Regoyos_-_Le_Poulailler.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Outisnn, Oxxo Archivo:Commons-logo.svg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Commons-logo.svg  Licencia: logo  Contribuyentes: SVG version was created by User:Grunt and cleaned up by 3247, based on the earlier PNG version, created by Reidab. File:Szinyei Merse, Pál - Poppies in the Field (1902).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Szinyei_Merse,_Pál_-_Poppies_in_the_Field_(1902).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Pál Szinyei Merse (1845-1920) Archivo:Boudin Trouville1864.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Boudin_Trouville1864.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Man vyi, Olivier2, Strangerer Archivo:Paul_Cézanne_160.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cézanne_160.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Docu, EDUCA33E, Frank C. Müller, Homonihilis, Jarekt, Santosga, Shakko Archivo:Edgar Germain Hilaire Degas 012.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_012.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, CommonsDelinker, Deadstar, Docu, Hailey C. Shannon, Olivier2, Paris 16, PeepP, Pitke, 1 ediciones anónimas Archivo:Edgar Germain Hilaire Degas 018.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_018.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Deadstar, Littlejazzman, Mutter Erde, Shakko, Wolfmann, 1 ediciones anónimas Archivo:Monet-montorgueil.JPG  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Monet-montorgueil.JPG  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Croberto68, Juiced lemon, Man vyi, Mu, Olivier2, Paris 16, Pseudomoi, Rama, Teofilo, TwoWings Archivo:Claude Monet - Meules, milieu du jour.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_-_Meules,_milieu_du_jour.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bukk, Docu, Flominator, Rlbberlin, Szilas, Zolo Imagen:Claude Monet 044.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_044.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Olpl, Szilas, 2 ediciones anónimas Archivo:Pierre-Auguste Renoir, Le Moulin de la Galette.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pierre-Auguste_Renoir,_Le_Moulin_de_la_Galette.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Aavindraa, Bukk, Jack ma, Man vyi, Michael Bednarek, Paris 16, Rizalninoynapoleon, Tangopaso, Tokorokoko, 1 ediciones anónimas Archivo:Pissarro, Camille, Les chataigniers a Osny (The Chestnut Trees at Osny), 1873.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pissarro,_Camille,_Les_chataigniers_a_Osny_(The_Chestnut_Trees_at_Osny),_1873.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Anna reg, Ardfern, Luestling, Olivier2, Wst, 2 ediciones anónimas Archivo:Rusinyol el valle de los naranjos.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Rusinyol_el_valle_de_los_naranjos.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: ESM, Gepardenforellenfischer, J.M.Domingo, Jordiferrer, Leblau Archivo:Joaquin Sorolla Walk on the Beach.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Joaquin_Sorolla_Walk_on_the_Beach.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Balbo, Bukk, Eli22, Gaudio, Javierme, Léna, Man vyi, Mattes, Obakeneko, Rlbberlin, Skipjack, TFCforever, Warburg, Wst, 5 ediciones anónimas Archivo:Wiktionary-logo-es.png  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Wiktionary-logo-es.png  Licencia: logo  Contribuyentes: es:Usuario:Pybalo Archivo:Flag of France.svg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Flag_of_France.svg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:SKopp, User:SKopp, User:SKopp, User:SKopp, User:SKopp, User:SKopp Archivo:MuseeDOrsay.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:MuseeDOrsay.jpg  Licencia: Creative Commons Attribution-ShareAlike 3.0 Unported  Contribuyentes: Sanchezn Archivo:MuseeOrsay 20070324.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:MuseeOrsay_20070324.jpg  Licencia: Creative Commons Attribution-ShareAlike 3.0 Unported  Contribuyentes: User:Benh Archivo:Eugène Delacroix - La Chasse aux lions.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Eugène_Delacroix_-_La_Chasse_aux_lions.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Havang(nl), Kilom691, Marianika, Miniwark, Olivier2, P. S. Burton, Pe-Jo, Red devil 666, Shakko, Slomox, Wmpearl Archivo:Courbet LAtelier du peintre.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Courbet_LAtelier_du_peintre.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, AnonMoos, Bohème, CommonsDelinker, Ellywa, Juanpdp, Kilom691, Lycaon, Mattes, Olivier2, Paris 16, Parpan05, Rl, Shakko, Shizhao Archivo:JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES - El Manantial (Museo de Orsay, París, 1820-56. Óleo sobre lienzo, 163 x 80 cm).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:JEAN_AUGUSTE_DOMINIQUE_INGRES_-_El_Manantial_(Museo_de_Orsay,_París,_1820-56._Óleo_sobre_lienzo,_163_x_80_cm).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Artwork Archivo:Millet Gleaners.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Millet_Gleaners.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Alexandrin, Bukk, Dauster, Donarreiskoffer, FA2010, Kilom691, Liftarn, Marv1N, Mu, Thib Phil, W., Warburg, Wst, 2 ediciones anónimas Archivo:Manet, Edouard - Olympia, 1863.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Manet,_Edouard_-_Olympia,_1863.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Aavindraa, Ardfern, Conscious, GeorgHH, Goldfritha, Makthorpe, Origamiemensch, Petrusbarbygere, Rlbberlin, TFCforever, 7 ediciones anónimas Archivo:Monet dejeunersurlherbe.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Monet_dejeunersurlherbe.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Croberto68, Docu, Elegants, Fabos, Gveret Tered, Javierme, Olivier2, Paris 16, Sumanch, Zolo, 1 ediciones anónimas
  • 90. Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes 88 Archivo:Paul Cézanne 127.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cézanne_127.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: EDUCA33E, Olivier2, Vassil, 1 ediciones anónimas Archivo:Boudin BathersTrouville 1869.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Boudin_BathersTrouville_1869.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Infrogmation, Kilom691, Olivier2, Rlbberlin, Strangerer Archivo:Whistlers Mother high res.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Whistlers_Mother_high_res.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Jean-Frédéric, Julia W, Kaldari, Paris 16, Peter Weis, Whoisthemother, Zolo, 1 ediciones anónimas Archivo:Caillebotteraboteurs.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Caillebotteraboteurs.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Bukk, Coyau, Garitzko, Zolo, 4 ediciones anónimas Archivo:Pierre-Auguste Renoir - Danse à la campagne.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pierre-Auguste_Renoir_-_Danse_à_la_campagne.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Gabriel VanHelsing, Oxxo Archivo:Serusier - the talisman.JPG  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Serusier_-_the_talisman.JPG  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ben, Olivier2, Perhelion, Tony Wills Archivo:Léglise dAuvers-sur-Oise.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Léglise_dAuvers-sur-Oise.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Benchaum, Chatsam, Revas, Siebrand, W., Wst, Zolo, 1 ediciones anónimas Archivo:Paul Gauguin 056.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Gauguin_056.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Deerstop, EDUCA33E, Emijrp, Shooke, Sparkit, Vilallonga, Vriullop, Warburg, Zolo, 1 ediciones anónimas Archivo:Georges Seurat 019.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Georges_Seurat_019.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ala z, AndreasPraefcke, Hailey C. Shannon, Kilom691, Nicovin, Olivier2, Shakko, Traumrune, Wst, 2 ediciones anónimas Archivo:Claude Monet 1899 Nadar.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_1899_Nadar.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AlMare, Dsmurat, Duduziq, Jarekt, Marac, Nagy, Raymond, Rillke, Talmoryair, Zolo, 2 ediciones anónimas Archivo:Monet autograph.png  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Monet_autograph.png  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:Immanuel Giel Archivo:Claude Monet - Caricature of Léon Manchon.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_-_Caricature_of_Léon_Manchon.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bukk, Jarekt, Mu, Rlbberlin, Simonxag Archivo:Claude Monet - Camille.JPG  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_-_Camille.JPG  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Benchill, Bukk, Docu, Gepardenforellenfischer, Jafeluv, Kürschner, Marac, Nagy, Razr, Rlbberlin, Zolo, 3 ediciones anónimas Archivo:Clémentel monet in seinen gaerten 20008 1.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Clémentel_monet_in_seinen_gaerten_20008_1.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Étienne Clémentel (1864-1936) Archivo:Clémentel monet in seinen gaerten 20009 1.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Clémentel_monet_in_seinen_gaerten_20009_1.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Étienne Clémentel (1864-1936) Archivo:Clémentel monet in seinen gaerten 20008 2.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Clémentel_monet_in_seinen_gaerten_20008_2.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Étienne Clémentel (1864-1936) Archivo:Pierre August Renoir, Claude Monet Reading.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pierre_August_Renoir,_Claude_Monet_Reading.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: user:Rlbberlin Archivo:Renoir-Monet painting.png  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Renoir-Monet_painting.png  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Larry Yuma, Man vyi, Marac, Olybrius, Oxxo, Thib Phil, Zolo Archivo:Pierre-Auguste Renoir 112.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pierre-Auguste_Renoir_112.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Emijrp, Jastrow, Marac, Zolo Archivo:Edouard Manet 010.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edouard_Manet_010.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Bohème, EDUCA33E, Emijrp, Joseolgon, Makthorpe, Marac, PRA, Razr, Shakko, Wmpearl, Zolo Archivo:Claude Monet 024.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_024.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Anna reg, Ardfern, Croberto68, Docu, Marac, Mattes, Razr, Zolo, 1 ediciones anónimas Archivo:Claude Monet - Jardin à Sainte-Adresse.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_-_Jardin_à_Sainte-Adresse.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bukk, Man vyi, Mattes, Olpl, Rlbberlin, Sofinette, Szilas, Zolo Archivo:Claude Monet Saint-Germain-lAuxerrois Paris 1867.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_Saint-Germain-lAuxerrois_Paris_1867.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Bibi Saint-Pol, Bukk, Eli22, J JMesserly, Léna, Nationalgalerist, Ophelia2, Ordifana75, Paris 16, Wst, Xenophon, Zolo Archivo:Claude Monet River Scene at Bennecourt, Seine.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_River_Scene_at_Bennecourt,_Seine.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: user:Rlbberlin Archivo:Claude Monet La Grenouillére.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_La_Grenouillére.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, AxelBoldt, Bohème, Bukk, CommonsDelinker, Dcoetzee, Postdlf, Rlbberlin, Zolo Archivo:Claude Monet 002.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_002.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Emijrp, Ham, Olivier2, Verdy p, Wst, Zolo, 1 ediciones anónimas Archivo:Claude Monet Mills in the Westzijderveld near Zaandam.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_Mills_in_the_Westzijderveld_near_Zaandam.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: user:Rlbberlin Archivo:Claude Monet 037.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_037.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bukk, Coyau, Croberto68, Emijrp, Pixeltoo, Wst, Zolo Archivo:Claude Monet 009.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_009.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Eli22, Emijrp, Julien Demade, Julmin, Man vyi, Mayhem, Mu, Olivier2, Paris 16, Rlbberlin, Zolo, 1 ediciones anónimas Archivo:La Seine à Argenteuil.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:La_Seine_à_Argenteuil.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Alno, Ardfern, Bukk, Eli22, Flominator, GeorgHH, Olivier2, Ronaldino, TCY, Zolo, 1 ediciones anónimas Archivo:Claude Monet-Madame Monet en costume japonais.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet-Madame_Monet_en_costume_japonais.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Amcaja, Ardfern, Docu, Maksim, Man vyi, Marac, Rlbberlin, Zolo Archivo:Claude Monet 004.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_004.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Apfel51, Ardfern, Emijrp, KVK2005, M-le-mot-dit, Mayhem, Olivier2, Razr, Tangopaso, Zaphod, Zolo, 2 ediciones anónimas Archivo:Claude Monet 052.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_052.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ad Meskens, AndreasPraefcke, Ardfern, Dcoetzee, Diomede, Emijrp, Goldfritha, Ham, Zolo Archivo:Claude Monet 029.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_029.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bukk, Emijrp, Marac, Moonik, Olivier2, Palamède, Siebrand, Vincent Steenberg, Zolo Archivo:Claude Monet 019.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_019.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bukk, Emijrp, Jajabis, Jynto, Man vyi, Manchot sanguinaire, Millevache, Olivier2, Palamède, Semnoz, Siren-Com, Zolo Archivo:Bordighera.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Bordighera.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bukk, Rlbberlin, Wikid77, Zolo Archivo:Claude Monet 012.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_012.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Croberto68, Docu, Emijrp, Marac, Wst, Zolo Archivo:Claude Monet Pyramides Port Coton.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_Pyramides_Port_Coton.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, CaptainHaddock, Croquant, Fab5669, Gilgameshkun, M-le-mot-dit, Man vyi, 1 ediciones anónimas Archivo:Claude Monet - On the Boat - Google Art Project.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_-_On_the_Boat_-_Google_Art_Project.jpg  Licencia: desconocido  Contribuyentes: Dcoetzee Archivo:Claude Monet - Stack of Wheat (Snow Effect, Overcast Day).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_-_Stack_of_Wheat_(Snow_Effect,_Overcast_Day).jpg  Licencia: desconocido  Contribuyentes: Bukk, Jwnabd, Rlbberlin, Schlurcher, Szilas, Zolo
  • 91. Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes 89 Archivo:Monet Poplars in the Sun.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Monet_Poplars_in_the_Sun.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bukk, Morio, Rlbberlin, Schlurcher, Szilas, Wst, Zolo Archivo:Claude Monet 032.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_032.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Bibi Saint-Pol, Croberto68, Olivier2, Szilas Archivo:Claude Monet - Branch of the Seine near Giverny.JPG  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_-_Branch_of_the_Seine_near_Giverny.JPG  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Andreagrossmann, Ardfern, Diligent, Eli22, Man vyi, Wikid77, Zolo, 3 ediciones anónimas Archivo:Claude Monet - Waterlilies (Rome).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_-_Waterlilies_(Rome).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: user:Rlbberlin Archivo:Claude Monet-Waterlilies.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet-Waterlilies.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Avatar, Iamunknown, Maarten van Vliet, Olivier2, Rtc, Sparkit, Szilas, 7 ediciones anónimas Archivo:Claude Monet 025.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_025.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bukk, Emijrp, Gryffindor, Zolo, 1 ediciones anónimas Archivo:Monet Houses of Parliament, Sunset.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Monet_Houses_of_Parliament,_Sunset.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Anna reg, Bukk, Donarreiskoffer, Ham, Olpl, Rlbberlin, Shinka, Szilas, The Duke of Waltham Archivo:Claude Monet 039.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_039.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Abxbay, AndreasPraefcke, Ardfern, BlackIceNRW, Eli22, Emijrp, G.dallorto, M-le-mot-dit, Mac9, Olivier2, Warburg Archivo:Claude Monet 044.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Claude_Monet_044.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Olpl, Szilas, 2 ediciones anónimas Archivo:Édouard Manet.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Édouard_Manet.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Bestiasonica, Conscious, Jahobr, Llull, Scewing, Schaengel89, Wikid77, 3 ediciones anónimas Archivo:Manet autograph.png  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Manet_autograph.png  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:Immanuel Giel Archivo:ÉDOUARD MANET - Olympia (Museo de Orsay, París, 1863. Óleo sobre lienzo, 130 x 190 cm).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:ÉDOUARD_MANET_-_Olympia_(Museo_de_Orsay,_París,_1863._Óleo_sobre_lienzo,_130_x_190_cm).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Artwork, INS Pirat Archivo:Manet, Edouard - Portrait of Emile Zola.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Manet,_Edouard_-_Portrait_of_Emile_Zola.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Gilbertus, JdH, Kelson, Kevyn, Olivier2, Petrusbarbygere, Rlbberlin, Teofilo, Wmpearl Archivo:Manet-grave.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Manet-grave.jpg  Licencia: Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0  Contribuyentes: Martin Ottmann Image:Edouard Manet 036.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edouard_Manet_036.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, EDUCA33E, Emijrp, Fiertel91, Ham Image:Edouard Manet 018.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edouard_Manet_018.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, EDUCA33E, Emijrp, Gilbertus, Juanpdp, Juiced lemon, Mogelzahn, Rlbberlin, Shakko, Wmpearl, Wolfmann, Wst, 1 ediciones anónimas Image:Edouard Manet 022.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edouard_Manet_022.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: -Strogoff-, AndreasPraefcke, Ardfern, Bukk, EDUCA33E, Emijrp, EvaK, FA2010, Frank-m, Gryffindor, Gérald Garitan, Manuelt15, Paintman, Pixeltoo, Ruiz, Shakko, Sparkit, Warburg, Wmpearl, 1 ediciones anónimas Image:Edouard Manet 010.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edouard_Manet_010.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Bohème, EDUCA33E, Emijrp, Joseolgon, Makthorpe, Marac, PRA, Razr, Shakko, Wmpearl, Zolo Image:Edouard Manet 004.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edouard_Manet_004.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ardfern, Bibi Saint-Pol, Bukk, Diligent, EDUCA33E, Ham, Infrogmation, Kilom691, Makthorpe, Mattes, Oxxo, Paris 16, Rlbberlin, Simonxag, Thib Phil, Wst, 3 ediciones anónimas Image:Edouard Manet 011.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edouard_Manet_011.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Bohème, EDUCA33E, Gilbertus, Rlbberlin, Tm, Wmpearl, Wst, 1 ediciones anónimas Image:Edouard_Manet 059.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edouard_Manet_059.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, EDUCA33E, Emijrp, FA2010, Léna, Millevache, Rlbberlin, Wst, 4 ediciones anónimas Image:Amazona de frente.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Amazona_de_frente.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Balbo, Museothyssen13, Wmpearl Image:ÉDOUARD MANET - El Ferrocarril (National Gallery of Art, Washington, 1873. Óleo sobre lienzo, 93.3 x 111.5 cm).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:ÉDOUARD_MANET_-_El_Ferrocarril_(National_Gallery_of_Art,_Washington,_1873._Óleo_sobre_lienzo,_93.3_x_111.5_cm).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Artwork, INS Pirat Archivo:Wikiquote-logo.svg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Wikiquote-logo.svg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: -xfi-, Dbc334, Doodledoo, Elian, Guillom, Jeffq, Krinkle, Maderibeyza, Majorly, Nishkid64, RedCoat, Rei-artur, Rocket000, 11 ediciones anónimas Archivo:Wikisource-logo.svg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Wikisource-logo.svg  Licencia: logo  Contribuyentes: Guillom, Jarekt, MichaelMaggs, NielsF, Rei-artur, Rocket000 Archivo:Edgar Germain Hilaire Degas 061.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_061.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Anne97432, Interpretix, PKM, Tancrède, Vincent Steenberg, Wst, 2 ediciones anónimas Archivo:Grandes armes de la ville de Paris.svg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Grandes_armes_de_la_ville_de_Paris.svg  Licencia: Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0,2.5,2.0,1.0  Contribuyentes: SanchoPanzaXXI Archivo:Île-de-France flag.svg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Île-de-France_flag.svg  Licencia: desconocido  Contribuyentes: - Archivo:Degas autograph.png  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Degas_autograph.png  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:Immanuel Giel Archivo:Edgar Germain Hilaire Degas 021.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_021.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Conscious, Deadstar, Emijrp, Mandariine, Opponent, Shakko, Takabeg, Wolfmann, Überraschungsbilder, 2 ediciones anónimas Archivo:"LAbsinthe",_par_Edgar_Degas_(1876).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:"LAbsinthe",_par_Edgar_Degas_(1876).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Deadstar, Diligent, Docu, DragonflySixtyseven, Franz Xaver, George Ho, INeverCry, Infrogmation, Jollyroger, Maksim, Paris 16, PeepP, Pitke, Razr, Rlbberlin, Thuresson, 1 ediciones anónimas Archivo:Edgar Germain Hilaire Degas 069.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_069.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Ies, Jean-Frédéric, Mattes, Rlbberlin, Shakko, TwoWings, Wmpearl, Wst Archivo:2._Bailarina_basculando_(Bailarina_verde).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:2._Bailarina_basculando_(Bailarina_verde).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Dcljr, Museothyssen16, Shakko, Sreejithk2000, Uusijani, 2 ediciones anónimas Imagen:Edgar Germain Hilaire Degas 049.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_049.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Docu, Ecummenic, Johnnyrotten, Mattes, Ranveig, Wst, Xenophon, 2 ediciones anónimas Imagen:DEGAS - La Orquesta de la Ópera (Museo de Orsay, c. 1870. Óleo sobre lienzo, 56.5 x 45 cm).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:DEGAS_-_La_Orquesta_de_la_Ópera_(Museo_de_Orsay,_c._1870._Óleo_sobre_lienzo,_56.5_x_45_cm).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Artwork, Paris 16 Imagen:Edgar Germain Hilaire Degas 038.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_038.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Alexandrin, AndreasPraefcke, Ardfern, Clusternote, J JMesserly, Kilom691, Olivier2, Paris 16, Rlbberlin, Shakko, T L Miles, Tancrède, Tangopaso Imagen:Edgar Germain Hilaire Degas 044.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_044.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ala z, AndreasPraefcke, Ardfern, Emijrp, Ham, Olivier2, Rlbberlin, Shakko, 1 ediciones anónimas Imagen:Edgar Germain Hilaire Degas 040.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_040.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Alexandrin, AndreasPraefcke, Ham, Kersti Nebelsiek, Olivier2, Rlbberlin, 1 ediciones anónimas Imagen:Edgar Germain Hilaire Degas 084.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_084.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, JackyR, Rlbberlin, Themightyquill, Wst, 1 ediciones anónimas Imagen:Edgar Germain Hilaire Degas 032.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_032.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Ham, Lennert B, Ranveig, Rlbberlin, Rttavi, Skipjack
  • 92. Fuentes de imagen, Licencias y contribuyentes 90 Imagen:Edgar Germain Hilaire Degas 022.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Edgar_Germain_Hilaire_Degas_022.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Ardfern, Rlbberlin, Urbourbo, Wolfmann Archivo:Glyptoteket Degas2.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Glyptoteket_Degas2.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Gunnar Bach Pedersen Archivo:Spanish Wikiquote.SVG  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Spanish_Wikiquote.SVG  Licencia: logo  Contribuyentes: James.mcd.nz Archivo:PARenoir.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:PARenoir.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Infrogmation, Lzur, Oxam Hartog, Pmlineditor, Sparkit, Svens Welt, 4 ediciones anónimas Archivo:Renoir autograph.png  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Renoir_autograph.png  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:Immanuel Giel Archivo:Pierre-Auguste Renoir - Autoportrait (1876).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pierre-Auguste_Renoir_-_Autoportrait_(1876).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Cirt, Hoo man, Oxxo, 1 ediciones anónimas Archivo:Auguste Renoir - Le Déjeuner des canotiers.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Auguste_Renoir_-_Le_Déjeuner_des_canotiers.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:Marianika Archivo:Portrait of Renoir by Marie-Félix Hippolyte-Lucas.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Portrait_of_Renoir_by_Marie-Félix_Hippolyte-Lucas.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: FA2010, Jan Arkesteijn Archivo:Pierre-August Renoir At the Concert a Box at the Opera s.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pierre-August_Renoir_At_the_Concert_a_Box_at_the_Opera_s.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: user:Rlbberlin Archivo:Pierre-Auguste Renoir 076.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pierre-Auguste_Renoir_076.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Auntof6, Frank C. Müller, Wmpearl, 2 ediciones anónimas Archivo:Pierre-Auguste Renoir 127.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Pierre-Auguste_Renoir_127.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Auntof6, Docu, Emijrp, Infrogmation, Octave.H, Perky, Rlbberlin, Tryphon, Wmpearl, Wst, Zolo, Чобиток Василий, 2 ediciones anónimas Archivo:Paul cezanne 1861.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_cezanne_1861.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Crakkerjakk, Durova, G.dallorto, Jarekt, Neitram, Raymond, Scewing, 1 ediciones anónimas Archivo:Cezanne autograph.png  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Cezanne_autograph.png  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:Immanuel Giel Archivo:Paul Cezanne, A Modern Olympia, c. 1873-1874.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cezanne,_A_Modern_Olympia,_c._1873-1874.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Avatar, Luestling, Olivier2, Ranveig, 1 ediciones anónimas Archivo:Paul_Cézanne_031.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cézanne_031.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Bukk, EDUCA33E, Olivier2 Archivo:Cézanne, Paul - Still Life with a Curtain.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Cézanne,_Paul_-_Still_Life_with_a_Curtain.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Bohème, Olpl, Platonides, Shakko, Sumanch, Sv1xv, Yann, Zolo, 1 ediciones anónimas Archivo:Botella Cezanne.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Botella_Cezanne.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Beca18, Smooth O, Wmpearl Archivo:Paul Cézanne 110.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cézanne_110.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Bukk, EDUCA33E, Jmdesbois, Okki, Olivier2, Rlbberlin, 1 ediciones anónimas Archivo:Paul Cézanne 039.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cézanne_039.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Bukk, EDUCA33E, Irate, LeadSongDog, Zolo Archivo:Paul Cézanne 019.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cézanne_019.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Bukk, EDUCA33E, Olivier2 Archivo:Paul Cézanne 024.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cézanne_024.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Croquant, EDUCA33E, Mattes, Popolon, Ronaldino, Zolo, 1 ediciones anónimas Archivo:Paul Cézanne, Les joueurs de carte (1892-95).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cézanne,_Les_joueurs_de_carte_(1892-95).jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Avatar, Ham, Luestling, Mattes, Olivier2, Rlbberlin, Wmpearl, Wst, 1 ediciones anónimas Archivo:Paul Cézanne 179.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cézanne_179.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Chaoborus, EDUCA33E, Mindmatrix, Olivier2, Rlbberlin, 1 ediciones anónimas Archivo:Paul Cézanne 047.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Cézanne_047.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: EDUCA33E, Mattes, Sumanch, Talmoryair, Zolo Archivo:SelbstPortrait VG2.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:SelbstPortrait_VG2.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Beao, Beyond silence, EDUCA33E, Frank C. Müller, Olivier2, Szilas, W., Wst, Zolo, 2 ediciones anónimas Archivo:Flag of the Netherlands.svg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Flag_of_the_Netherlands.svg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Zscout370 Archivo:Vincent van Gogh signature.png  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_van_Gogh_signature.png  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Hendrike 12:02, 20 July 2007 (UTC) Archivo:Loudspeaker.svg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Loudspeaker.svg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Bayo, Gmaxwell, Gnosygnu, Husky, Iamunknown, Mirithing, Myself488, Nethac DIU, Omegatron, Rocket000, Shanmugamp7, The Evil IP address, Wouterhagens, 22 ediciones anónimas Archivo:Famille van Gogh.JPG  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Famille_van_Gogh.JPG  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Badseed, Cathy Richards, De Jaren, Goliadkine, Herbythyme, Jarekt, Kuxu76, Nagy, W., Wouterhagens, 28 ediciones anónimas Archivo:Vincent van Gogh 1866.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_van_Gogh_1866.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Docu, Jan Arkesteijn, Jarekt, Materialscientist, Metalhead64, Túrelio, Vearthy, W., Wouterhagens, 1 ediciones anónimas Archivo:Van Gogh 1872--1873 (autumn-spring), The Hague - Ditch F juv. XV.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Van_Gogh_1872--1873_(autumn-spring),_The_Hague_-_Ditch_F_juv._XV.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Bukk, Coyau, W. Archivo:Van Gogh 1881-04, Etten - Sower (after Millet) F 830 JH 1.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Van_Gogh_1881-04,_Etten_-_Sower_(after_Millet)_F_830_JH_1.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Postdlf, W., Wst Archivo:Vincent van Gogh - Sorrow.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_van_Gogh_-_Sorrow.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Dedden, Electron, Frank C. Müller, Ies, Postdlf, Ranveig, RobvanderWaal, W. Archivo:Van Gogh 1883-03, The Hague - Girl Kneeling by a Cradle F 1024 JH 336.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Van_Gogh_1883-03,_The_Hague_-_Girl_Kneeling_by_a_Cradle_F_1024_JH_336.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ecummenic, Léna, Martin H., W. Archivo:Vincent Willem van Gogh 139.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_Willem_van_Gogh_139.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Bukk, Croberto68, EDUCA33E, Ilse@, Léna, Olivier2, Ranveig, Rlbberlin, Vincent Steenberg, W., Warburg Archivo:Vincent Van Gogh - The Potato Eaters.png  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_Van_Gogh_-_The_Potato_Eaters.png  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:W. Archivo:Campesinos litografia.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Campesinos_litografia.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Beca18, Léna Archivo:Still life with Bible.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Still_life_with_Bible.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AnnaLety, BeatrixBelibaste, Brownout, Léna, W. Archivo:Skull with a Burning Cigarette.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Skull_with_a_Burning_Cigarette.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Dsmurat, Flominator, Léna, Magnus Manske, Peter Isotalo, Takabeg, Vassil, W., Wst, 1 ediciones anónimas Archivo:Hiroshige Van Gogh 2.JPG  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Hiroshige_Van_Gogh_2.JPG  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Amcaja, AndreasPraefcke, Editør, Edward, Howcheng, Jacklee, Kuxu76, Léna, Maksim, Morio, Mps2, OceanSound, Olivier2, 2 ediciones anónimas Archivo:Van Gogh Agostina Segatori.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Van_Gogh_Agostina_Segatori.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Arianna, Frank C. Müller, Léna, Mattes, W. Archivo:Vincent Willem van Gogh 113.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_Willem_van_Gogh_113.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, EDUCA33E, Ilse@, Olivier2, Rlbberlin, Vincent Steenberg, W., Zolo Archivo:Vincent van Gogh - De aflader in Arles.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_van_Gogh_-_De_aflader_in_Arles.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Zaqarbal
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Archivo:Van Gogh - Portrait of Eugéne Boch.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Van_Gogh_-_Portrait_of_Eugéne_Boch.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Jeremiah21, Kilom691, Léna, MichaelFrey, Thyra, Zolo Archivo:The Sower - painting by Van Gogh.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:The_Sower_-_painting_by_Van_Gogh.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Eugenio Hansen, OFS, Léna, Szilas, TwoWings, W., Wst, 1 ediciones anónimas Archivo:WLANL_-_Pachango_-_Het_gele_huis_(De_straat),_Vincent_van_Gogh_(1888).jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:WLANL_-_Pachango_-_Het_gele_huis_(De_straat),_Vincent_van_Gogh_(1888).jpg  Licencia: Creative Commons Attribution-Sharealike 2.0  Contribuyentes: Niels from Amsterdam, NL Archivo:Vincent Willem van Gogh 128.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_Willem_van_Gogh_128.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Bibi Saint-Pol, CommonsDelinker, EDUCA33E, Franz Xaver, Goldfritha, Hailey C. Shannon, Joseolgon, Léna, Olivier2, Olpl, Ranveig, Saperaud, Trockennasenaffe, Túrelio, W., Zolo, 2 ediciones anónimas Archivo:VanGogh-self-portrait-dedicated to gaugin.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:VanGogh-self-portrait-dedicated_to_gaugin.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Cookie, Ecummenic, Frank C. Müller, Jarekt, Léna, Mattes, Niki K, Razr, Sverdrup, Urban, W., Wst Archivo:Paul Gauguin 085.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Paul_Gauguin_085.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Coyau, EDUCA33E, Emijrp, Olivier2, Vriullop, Zolo Archivo:Van gogh-lallee des alyscamps.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Van_gogh-lallee_des_alyscamps.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Léna, Olivier2, Sebastian Nizan, W. Archivo:VanGogh-self-portrait-with bandaged ear.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:VanGogh-self-portrait-with_bandaged_ear.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, BrightRaven, Cookie, Herr Satz, Mike Peel, Niki K, Sverdrup, W., Wst, 3 ediciones anónimas Archivo:VanGogh-starry night ballance1.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:VanGogh-starry_night_ballance1.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AEMoreira042281, AVRS, Berrucomons, Bukk, Cathy Richards, Dcoetzee, Hekerui, Herald Alberich, Julia W, KTo288, Kanonkas, Mattes, MayaSimFan, Nolan, Pauk, Rocket000, Rotkraut, Thierry Caro, Verne Equinox, W., Zache, Ö, 6 ediciones anónimas Archivo:Vincent Willem van Gogh 083.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_Willem_van_Gogh_083.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, EDUCA33E, Emijrp, Ilse@, Léna, Olivier2, UrLunkwill, W. Archivo:Vincent Willem van Gogh 036.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_Willem_van_Gogh_036.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Bukk, EDUCA33E, Emijrp, Javierme, Julmin, Léna, Olivier2, Rlbberlin, W., Wst Archivo:Léglise dAuvers.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Léglise_dAuvers.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Benchaum, Chatsam, Grook Da Oger, Väsk, W., Wst, Zolo Archivo:Vincent Willem van Gogh 058.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_Willem_van_Gogh_058.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: EDUCA33E, Emijrp, Ilse@, Léna, Olivier2, W., Wst, Zolo, 2 ediciones anónimas Archivo:Grave of Vincent van Gogh.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Grave_of_Vincent_van_Gogh.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: User:Empoor Archivo:Vincent Willem van Gogh 137.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_Willem_van_Gogh_137.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, AndrewKay, Bukk, Coyau, EDUCA33E, Emijrp, Ilse@, Lobo, Olivier2, W., Xenophon, Zolo Archivo:Portrait of Dr. Gachet.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Portrait_of_Dr._Gachet.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Amandajm, AndreasPraefcke, Beyond silence, Bukk, Charvex, Flcelloguy, HenkvD, Léna, M5, Neutrality, Olivier2, Shakko, W., Zolo, 7 ediciones anónimas Archivo:Chaumes de Cordeville à Auvers-sur-Oise.JPG  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Chaumes_de_Cordeville_à_Auvers-sur-Oise.JPG  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Grook Da Oger, Léna, W. Archivo:Litaliana.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Litaliana.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AnnaLety, Léna, Shakko, W. Archivo:VanGogh-Irises 1.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:VanGogh-Irises_1.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: AndreasPraefcke, Léna, Sverdrup, W. Archivo:Vincent van Gogh - Patch of grass - Google Art Project.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Vincent_van_Gogh_-_Patch_of_grass_-_Google_Art_Project.jpg  Licencia: desconocido  Contribuyentes: Dcoetzee Archivo:Van Gogh portrait under Grasgrond.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Van_Gogh_portrait_under_Grasgrond.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Ibn Battuta, Léna, W. Archivo:Theo van Gogh 1872.jpg  Fuente: http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Archivo:Theo_van_Gogh_1872.jpg  Licencia: Public Domain  Contribuyentes: Amandajm, BomBom, Jan Arkesteijn, Modernist, Wouterhagens
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