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10La pintura del Quattrocento italiano y los primitivos flamencos

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La pintura occidental durante el siglo XV: Italia y Flandes. …

La pintura occidental durante el siglo XV: Italia y Flandes.
Imágenes y texto para preparar la prueba PAU de Historia del Arte

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  • 1. Pintura del Quattrocento La revolución pictórica del XV Primitivos flamencos Florencia Higinio Rodríguez Lorenzo
  • 2. Características • El Renacimiento supone, antes que nada, una RENOVACIÓN en lo artístico, pues el desarrollo del HUMANISMO fuerza a cambios en lo que era la tradición gótica: – renovación bajo la pauta de modelos clásicos; – renovación buscada por nuevos grupos sociales en auge: la burguesía comercial de las ciudades. – renovación de las estructuras sociales (individualismo); políticas (monarquía autoritaria=Estado moderno); y culturales (ciencia)
  • 3. Características • El Humanismo es el “alma” del Renacimiento: – una nueva perspectiva de lo humano: el centro de la creación (pues hablamos de un humanismo cristiano); – una nueva valoración de lo humano: • libre: sin ataduras de orden natural salvo la muerte; • inteligente: capaz de entender la Naturaleza; • con derechos: la dignidad, como el ser creado más perfecto; • y creador (homo faber), sólo por detrás de Dios; – Y de la Naturaleza: el conocimiento empírico: ver, medir, experimentar, conocer… para poder.
  • 4. Características • Ese individuo único, el ser humano, ahora se retrata a la misma altura y detalle que la divinidad (véanse los “primitivos flamencos”) para luego retratarse ya solo, mirando de frente: – retratado, pintor y espectador en un único diálogo … que ya no es “pedagógico” como la narración pictórica o escultórica medieval. – el detalle lleva a un realismo y a una veracidad que es más que la individualización gótica.
  • 5. Los primitivos flamencos • Se denomina así a los pintores de la región de Flandes (actuales Bélgica, Holanda, Luxemburgo y la Picardía, Artois… franceses) que conformaban el ducado de Borgoña en el XV. Una región muy rica y con un alto nivel cultural, donde sus reyes ejercían un alto mecenazgo, pero también nobles y burgueses. • Dan un rumbo inusitado al gótico: realismo naturalista y detallista; el retrato es “humanizado” y los temas religiosos, también son “humanizados”. • Paisaje y arquitecturas empiezan a ser “coherentes” con los personajes.
  • 6. http://www.pais-global.com.ar/mapas/mapa30.htm Marco Zanoli aka Sidonius en Wikimedia Commons
  • 7. Los primitivos flamencos • Dominan y propagan el óleo y se atreven con la perspectiva hasta dominarla, si bien es segura una mutua influencia con los pintores italianos de la Toscana (Florencia) y el Véneto (Venecia) pues los intercambios comerciales eran habituales también. • La lista de pintores es larga y entra en el XVI. Esa tradición perdurará luego en los pintores de los dos siglos siguientes tanto de Holanda como del Flandes católico, si bien se empaparán de otras influencias de origen italiano y francés, especialmente.
  • 8. Jean van Eyck 1390-1441 • Genial pintor, discípulo de miniaturistas como los hnos. Limbourg, es escultor K. Sluter y que también conoció y se vio influido por Campin y el mismo van der Weyden (algo más joven). • Practica un estilo realista que trasciende el gótico internacional: detallismo y naturalismo, especialmente en el retrato. • Utiliza el óleo. • No obstante, el simbolismo cristiano que utiliza remite a la tradición gótica. También los formatos de sus pinturas: trípticos (y un políptico) son típicos del gótico.
  • 9. Jean van Eyck 1390-1441 Supuesto autorretrato
  • 10. 82 x 60 cm. Óleo sobre tabla. National Gallery, Londres.
  • 11. El matrimonio Arnolfini 1434 • Se trata de un retrato de Arnolfini, un comerciante de Lucca establecido en Brujas, y su esposa Giovanna Cenami. • Parece ser que es más que un retrato: un conjunto de símbolos en torno al matrimonio cristiano. • Respecto a la técnica hay que subrayar, antes que nada, la precisión de miniaturista con la que ha sido ejecutada. El rostro del comerciante está modelado por la luz que entra por la ventana dejando al contraluz su amplio sombrero.
  • 12. El matrimonio Arnolfini 1434 • El espejo convexo devuelve la imagen de la habitación desde un nuevo punto de vista: la pareja Arnolfini está de espaldas y, delante de ellos, en el umbral de la puerta, dos personajes con indumentaria azul y roja, uno de ellos, quizás, el propio van Eyck, que reforzaría con este artificio óptico su presencia en la composición, insistiendo en su calidad de testigo del matrimonio • La única vela de la lámpara -a plena luz del día no sirve para iluminar- simbolizando a Cristo que con su presencia santifica el matrimonio. • Sta. Margarita (la fertilidad) y la escoba (trabajo doméstico). • El perrito que representa la fidelidad… • Las frutas que nos recuerdan el estado de inocencia antes del pecado original. http://www.aloj.us.es/galba/MONOGRAFICOS/VERMEER/espejo.htm http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc48.html http://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Giovanni_Arnolfini_y_su_esposa
  • 13. 66 x 62 cm. Óleo sobre tabla. Museo del Louvre. París.
  • 14. La virgen del canciller Rolin 1435 • Es un encargo de un alto funcionario de la corte borgoñesa, el canciller Rolin. • Es un cuadro religioso y también un retrato. Debe destacarse que el orante y la virgen tienen el mismo tamaño (si bien uno es pintado “humanizado” y ella, más “idealizada”, tiene el aura de la divinidad). Además, el orante mira de frente a la virgen. • El espacio, aún apretado, es “coherente” • La perspectiva no está perfectamente lograda pero se le acerca bastante.
  • 15. La virgen del canciller Rolin 1435 • El detallismo es total: el cuadro va a ser visto de cerca y debe reflejar la habilidad del artista. • Es posible que se pueda ver como símbolos: – el pavo real del exterior (sería Cristo) y las flores (azucenas: la pureza de laVirgen) – incluso hay quien señala que la ciudad, posiblemente Lieja, sería la “nueva Jerusalén” – Y, como vimos en el retrato del matrimonio Arnolfini, también parece que se autorretrata el autor: sería el personaje de turbante rojo del exterior.
  • 16. La virgen del canciller Rolin 1435
  • 17. La virgen del canciller Rolin 1435
  • 18. La virgen del canciller Rolin 1435
  • 19. Jerónimo del Bosco 1450-1516 • Es de la generación de Boticelli y de Leonardo da Vinci. • Es una figura singular y solitaria, que vivió alejado de los grandes centros artísticos de la época. • Se le atribuyen con certeza una treintena de pinturas, en las que adoptó los nuevos métodos de la pintura, que permitían representar la realidad de manera más verosímil, para reflejar las cosas que nadie había visto nunca: dio forma concreta y tangible a los miedos que obsesionaron al hombre medieval pero con la visión del hombre moderno. • Dejará una impronta y será continuado por otros flamencos (Brueguel, etc)
  • 20. 220 x 195. Óleo sobre tabla. Central. 220 x 75. Laterales 220 x 75.Museo del Prado. Madrid.
  • 21. El jardín de las delicias 1510 • Las distintas partes del tríptico: – Cuando éste se mantiene cerrado, en el exterior está representado, en grisalla, el mundo después del diluvio. Se ve una imagen de la Tierra como un disco plano rodeado de agua, y Dios en la parte alta del ángulo izquierdo; hay escrita una cita del salmo 33 ("Ipse dixit et facta sunt; ipse mandavit et creata sunt") que ha hecho pensar que se refería a la Creación del mundo, pero no lo puede ser porque en el paisaje se ven castillos y otros edificios. Hay un haz de rayas a la izquierda de la esfera que podrían ser el arco iris, que es el señal de la alianza que hizo Dios con Noé después del diluvio (Génesis, 9, 13-15).
  • 22. El jardín de las delicias 1510
  • 23. El panel izquierdo del interior del tríptico nos muestra la Creación, con Dios que acaba de dotar a Adán de una compañera. En un primer término, animales de distintos géneros pululan alrededor de una balsa: reptiles, aves, peces y mamíferos de extravagante apariencia se mueven por tierra, agua y aire. En medio del paraíso, en el centro de un lago, una extraña fuente de color rosado. La profundidad del paisaje está hecha de colinas, prados y lagos poblados de una fauna primitiva
  • 24. El jardín de las delicias 1510 • El panel central del tríptico, contrasta con el ambiente bucólico y reposada de la Creación. • Es un paisaje, tomado desde una perspectiva elevada, en el que también se suceden lagos y prados hasta un horizonte montañoso. • En el primer término, hombres y mujeres -algunos de piel negra- se dedican a sofisticados juegos. Peces, aves y grandes moluscos se mezclan con los humanos, y en el lago del primer término las parejas se dedican a juegos amorosos.
  • 25. El jardín de las delicias 1510 • El centro compositivo es un estanque circular, en el que se bañan mujeres blancas y negras, con garzas, cuervos y pavos reales encima de la cabeza, alrededor del cual una estrambótica cabalgata tiene un aspecto procesional. • En el lago del fondo desembocan los cuatro ríos del paraíso, con extrañas embarcaciones y sirenas, una esfera flotante que aguanta una fuente monumental y grupos de personajes que se introducen en un huevo monumental o se comen un madroño
  • 26. El jardín de las delicias 1510 En el panel derecho, con un procedimiento basado en el juego de luces y tinieblas, se describe el infierno, donde los humanos son sometidos a torturas con máquinas que parecen instrumentos musicales, relojes de sol o formas medio zoológicas medio vegetales, como el demonio que devora a los condenados y los evacua a un agujero, con unos pájaros que salen volando del ano del cuerpo cuya cabeza es devorada. Al fondo, explosiones de fuego recuerdan la naturaleza del infierno.
  • 27. El jardín de las delicias 1510
  • 28. El jardín de las delicias 1510 • Una interpretación de este tríptico lo ve como una parábola del mal producido por el goce sexual. • Otra interpretación lo entiende, así mismo, como una descripción positiva de la relación sexual: santificado por la presencia de Dios. • También existe otra visión que, dejando de lado el elemento sexual, ha subrayado un tema que parece impregnar esta obra: la inestabilidad y la fugacidad. como las estructuras que presentan un equilibrio sumamente precario: la torre del lago central, construida sobre un globo agrietado que flota sobre el agua; figuras que se balancean… http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc59.html
  • 29. Masaccio 1401-1428 • Enlaza con el “naturalismo” de Giotto. • Aunque es algo más joven que Brunelleschi y Donatello, trató con ellos y le influyeron: – – – – sin ornamentación los temas que pinta; crea volumen, “corporeidad”; valora y aplica la perspectiva lineal; apura un fuerte naturalismo en sus pinturas que tienen un tratamiento “plástico” y “escenográfico”.
  • 30. Frescos de la Capilla Brancacci 1424 • Comparte autoría aquí con Masolino. • Los dos pintores trabajaron de forma perfectamente coordinada: ambos trabajaron en las dos paredes de la capilla, y dieron una gran unidad a la composición, gracias al empleo de una misma gama cromática, y de un único punto de vista (el de un espectador situado en el centro de la capilla). • Cuando Masolino marchó a Hungría, en septiembre de 1425, Masaccio continuó trabajando en solitario
  • 31. Frescos de la Capilla Brancacci 1424 • Los frescos se distribuyen en dos niveles horizontales a lo largo de las dos paredes de la capilla (originalmente había también pinturas en los lunetos y en la bóveda, todas ellas obra de Masolino). • Se sigue el esquema característico de la pintura florentina al fresco: se ordenanan las composiciones como si fuesen cuadros colocados en el muro, enmarcando cada escena con pilares clásicos y capiteles corintios pintados.
  • 32. Frescos de la Capilla Brancacci 1424 • El tema principal de los frescos es la historia de la vida de san Pedro, patrón de los marineros y comerciantes del mar, y hay también algunas referencias al Génesis. • En el muro lateral izquierdo se encuentran cuatro escenas compuestas por Masaccio: dos en la parte superior, La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal, El tributo; y dos en la inferior, La resurrección del hijo de Teófilo y San Pedro en la cátedra, y San Pedro cura a los enfermos con su sombra.
  • 33. Frescos de la Capilla Brancacci 1424
  • 34. Frescos de la Capilla Brancacci 1424
  • 35. El tributo El tributo: se describe la escena narrada en un pasaje del Evangelio de Mateo (Mateo 17:24-27: al ser solicitado a Jesús y sus discípulos en Cafarnaúm el pago del tributo para el templo, éste ordena a Pedro que pesque un pez, en el cual encontrará la moneda del tributo
  • 36. Frescos de la Capilla Brancacci 1424 • Masaccio representa en un solo espacio tres acontecimientos sucesivos. • La escena se divide en tres partes: en el centro del fresco el cobrador, de espaldas, con túnica roja, solicita el pago del impuesto, y Jesús ordena a Pedro, con un gesto que el apóstol repite, lo que ha de hacer; a la izquierda de esta escena (no aparece en la imagen) aparece Pedro, esforzándose en sacar la moneda del pez que acaba de pescar; a la derecha, finalmente, Pedro paga el tributo al cobrador ante un edificio en perspectiva
  • 37. Frescos de la Capilla Brancacci 1424 • Estamos ante una construcción racionalista y sistemática del espacio, de las figuras y de la composición. El espacio está organizado científicamente, edificado lógicamente por un sistema de perspectiva: las matemáticas ayudan a Masaccio a encontrar la mayor unidad posible en su construcción espacial y a disponer de los distintos elementos de una manera lógica. Pero es un espacio hecho por los hombres: existe porque existe la acción humana, y por ello es un espacio que no puede dejar de estar totalmente comprometido en el drama humano Para más interpretaciones: http://es.wikipedia.org/wiki/Masaccio http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc46.html Joaquín Yarza y otros. Historia del Arte. COU. Noguer Didáctica.
  • 38. Piero de la Francesca 1416-1492 • Es el pintor que más fielmente siguió a Masaccio: – Las figuras son tratadas de forma similar: volumen, monumentalidad, estatismo, inexpresividad… – El espacio “tridimensional” gracias a la perspectiva, que lo hace también coherente. – Proporción, orden, simetría… como proponía Alberti para la arquitectura. – También recibió influencias de la pintura flamenca cuando trabajó en la corte de Urbino para los Montefeltro. – Añade como novedad un magistral uso de la luz y el claroscuro (también estudió a Fra Angélico y a Paolo Ucello) http://es.wikipedia.org/wiki/Piero_della_Francesca www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/2993.htm
  • 39. C. 1453. 58.4 x 81.5 cm. Oleo y temple sobre tabla. Galleria Nazionale delle Marche, Urbino
  • 40. La flagelación de Cristo (hacia) 1453 • En esta obra, la escena sacra, relegada a un segundo término, tiene lugar en un aireado pórtico de arquitectura clásica, mientras a la derecha, en primer plano y ajenos al acontecimiento, tres personajes conversan en una plaza adyacente. La celebración laica solapa al motivo religioso. • Demuestra un singular dominio del vocabulario arquitectónico clásico y de virtuosismo en el uso de la perspectiva. Se puede construir un diagrama con las principales líneas de perspectiva: las vigas del techo, el mosaico del suelo, las diagonales del tejado de la derecha... y se ve que todas coinciden en un punto de fuga bajo, que contribuye a disociar dramáticamente las figuras situadas en primer plano (mediante el brusco cambio de escala) de la escena en segundo término.
  • 41. La flagelación de Cristo (hacia) 1453
  • 42. La flagelación de Cristo (hacia) 1453 • Parece haber sido realizado en memoria de Oddantonio de Montefeltro, asesinado en la conjura de los Serafini en 1444. Estableciendo un franco paralelismo entre su sacrificio y el de Cristo, Piero le sitúa en primer plano con el rostro lleno de presentimientos, acompañado por sus dos traidores consejeros, participantes en la conjura. • Otra interpretación nos sitúa ante un “Herodes” -que sería el último emperador bizantino- que asiste impasible a cómo se “tortura a la Iglesia de Cristo”, mientras que en primer plano un “griego” (¿el cardenal Besarión?) pide ayuda a los cristianos de occidente de los que uno, joven e idealista, estaría por emprender una cruzada. http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc49c.html http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/4704.htm Otras interpretaciones: http://es.wikipedia.org/wiki/La_flagelaci%C3%B3n_(Piero_della_Francesca)
  • 43. Sandro Boticelli 1445-1510 • Aprendiz de orfebre en sus inicios, pasó luego al taller de Filippo Lippi del que heredó la delicadeza en el modelado de los rostros. También recibió influencia de Pollaiuolo para el modelado corporal: estilizado y monumental; y compañero de Leonardo en el taller de Verrochio. • Representa temas religiosos y profanos de una belleza serena y con referencias clásicas muy claras.
  • 44. Sandro Boticelli 1445-1510 • A partir de 1475 y durante todo el período central de su carrera (hasta comienzos de los años 90), Botticelli se nos aparece como el pintor de los Médicis. • Realizó para ellos innumerables encargos y supo asumir y traducir a términos plásticos el mundo de ideas del neoplatonismo alentado por Lorenzo de Médicis y el grupo de humanistas (Marsilio Ficino, Poliziano...) que le rodeaba. • Su pintura se convirtió así en intérprete y portavoz de las aspiraciones vitales e ideológicas del grupo intelectual más sofisticado de su tiempo, un círculo que aspiraba a la armonía universal y de todas las potencias del hombre, que identificaba bondad con belleza viendo en ésta una emanación de la luz divina y que creía, por otra parte, en la posibilidad de conciliar la filosofía platónica con la Revelación cristiana • http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc51.html
  • 45. Sandro Boticelli 1445-1510 • No obstante, esa fuerte religiosidad le llevó a una crisis espiritual a finales de siglo (en relación con la predicación y teocracia de Savonarola) y agotó su fuerza creativa hasta el extremo de renunciar a pintar y destruir parte de su obra realizada. Estilísticamente “dio un paso atrás” durante los últimos 20 años de su vida. • Es, con Leonardo, la síntesis y culminación del Quattrocento florentino.
  • 46. Sandro Boticelli 1445-1510
  • 47. La primavera 1478 • La primavera. 203 x 314 cm. Temple sobre tabla. Galleria degli Uffizi, Florencia . • Se trata de una pintura muy sugestiva en la que elementos incluso eróticos (Céfiro persiguiendo a Flora) se elevan hacia una espiritualidad refinada, melancólica, como en las Gracias desnudas bajo sus velos y donde, en la penumbra del bosque florido, las gráciles figuras en su linealismo melódico, leve, adquieren verdaderamente una cualidad mítica, como de ensueño. • Estas cualidades de ritmo, de sublimación del realismo, de misterioso y fascinante mensaje, justifican para una obra similar la frase de Leonardo: "la pintura es una poesía muda".
  • 48. La primavera 1478 • La obra, al responder a unas claves filosóficas altamente refinadas y elitistas, ha dado lugar a numerosas interpretaciones: – Se ha interpretado en términos musicales: el episodio de la derecha con Céfiro persiguiendo a Flora, a la que sigue una Hora de la Primavera, se ha parangonado con un allegro; después con un andante melancólico, la figura central de la Venus vestida; en el siguiente episodio, la melodía parece variar, moviéndose como en un ritmo perpetuo, en las Tres Gracias, para llegar a un trillo muy acusado en las dos manos levantadas de este mismo grupo, y extinguirse, finalmente, como en un morendo, en el Mercurio que, en actitud relajada, señala el cielo.
  • 49. La primavera 1478 – También se puede considerar esta pintura como una alegoría del reino de Venus, interpretada según la filosofía neoplatónica: Venus = Humanitas, es decir, unidad, armonía, entre Naturaleza y Civilización. – Hay quien ha vista una alegoría del amor entre Juliano de Médicis y Simonetta Cattaneo Vespucci, o de la muerte de ésta el 1476 (Simonetta cogida por la muerte -el Céfiro- y su renacer en el Elíseo). – Incluso se puede ver la representación de los meses, desde el febrero (Céfiro) a septiembre (Mercurio). http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc51.html
  • 50. El nacimiento de Venus 1485 • 172,5 x 278,5 cm. Temple sobre tela. Galleria degli Uffizi, Florencia . • El análisis de la geometría de esta obra es particularmente interesante porque nos permite comprobar que la posición de Venus se ha desplazado con respecto a la línea central precisamente lo necesario para trasmitir una sensación de movimiento desde un punto de partida central, tal como lo exigen “Céfiro” y “Cloris”, cuyo aliento empuja la concha hacia la playa . • El desnudo femenino protagoniza con pleno derecho esta composición; sus contornos están trazados con un dibujo muy delicado. http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc53.html
  • 51. El nacimiento de Venus 1485 • No es una exaltación pagana de la belleza femenina. • Entre sus significados implícitos se encuentra también el de la correspondencia entre el mito del nacimiento de Venus desde el agua del mar y la idea cristiana del nacimiento del alma desde el agua del bautismo. • La belleza que el pintor quiere exaltar es, antes que nada, una belleza espiritual y no física; la desnudez de Venus significa simplicidad, pureza, falta de adornos. • La naturaleza se expresa en sus elementos (aire, agua, tierra). http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc53.html
  • 52. El nacimiento de Venus 1485 • El tema ya había sido tratado por Apeles (pintor helenístico del siglo IV a.C.) Desde los tiempos de la Roma Clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones. • El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. • Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. • http://es.wikipedia.org/wiki/Sandro_Botticelli http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc53.html
  • 53. El nacimiento de Venus 1485 • El tema ya había sido tratado por Apeles (pintor helenístico del siglo IV a.C.) Desde los tiempos de la Roma Clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones. • El desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. • Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. • http://es.wikipedia.org/wiki/Sandro_Botticelli
  • 54. Leonardo da Vinci 1452-1519 • Genio humanista del renacimiento y de todos los tiempos. Cierra el Quattrocento italiano e inicia el “momento clásico” en el cambio de siglo. • Investigó técnicas y mostró un insaciable deseo de superar y superarse. Se formó con Verrochio y ahí empezó la experimentación. • De esos experimentos (como el “óleo sobre yeso” para La última cena o La batalla de Anghiari, que se deterioró rápidamente) queda el “sfumato”: la técnica con la que difumina los contornos, consiguiendo una excelente sensación atmosférica y que lega como “claroscuro” a la posteridad.
  • 55. Leonardo da Vinci 1452-1519 • Se opuso al concepto de "belleza" ideal propio de Boticelli, defendiendo la imitación de la naturaleza con fidelidad, sin tratar de mejorarla. Y así contempla la fealdad y lo grotesco, como en sus dibujos de personajes deformes y cómicos, considerados las primeras caricaturas de la historia del arte. • Su dominio del color y la atmósfera le hace también el primero en ser capaz de pintar el aire. La perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se conoce, es una característica inconfundible de su obra, en especial de los paisajes. • Leonardo fue el primero en considerar que la distancia se llenaba con aire y que éste hacía que los objetos lejanos perdiesen nitidez y se viesen azulados
  • 56. Leonardo da Vinci 1452-1519 • Ese deseo de reflejar la realidad tal y como es se deriva de su afán “científico”: Sus estudios de anatomía le permitieron conocer las proporciones físicas de las personas, logrando figuras de asombrosa exactitud al representar la figura humana. • Como artista fue frecuente que dejase las obras sin terminar, de ahí su escasa obra y, en general, también con problemas de atribución completa a su mano (tuvo taller y colaboradores). • Compendia todo el siglo XV italiano y lega un “clasicismo” que otros dos genios, Rafael y Miguel Ángel (a los que conoció aunque no trató mucho, hacia 1500 en Florencia y 1515 en Roma) llevarán al “manierismo”. • Tiene un “Tratado de la Pintura” como legado a sus discípulos http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/personajes/2516.htm
  • 57. 1985. 199 x 122 cm. Óleo sobre tabla Museo Nacional del Louvre. París 1503-6. 189 x 120. Óleo sobre tabla. National Gallery, Londres.
  • 58. La virgen de las rocas 1485 y1503 • Leonardo recibió en Milán el encargo de un tríptico con una Madonna, hecho junto a dos artistas milaneses; Leonardo, tenía que hacer el panel central, con la Virgen, el ángel y los niños. El cliente era la Hermandad de la Inmaculada Concepción de Milán. Pero descontento con el precio realizó una copia de una obra que se había traído de Florencia: la primera está hoy en el Louvre; la segunda en la N.G. de Londres. • Las figuras se encuentran en el umbral de una gruta, que recibe la luz desde arriba y desde las aberturas del fondo. En contra de lo habitual, las figuras aparecen dispuestas en cruz, al encuentro de cuatro directrices del espacio: Jesús se inclina, en primer plano, hacia el espacio exterior, mientras que el Bautista y el ángel sugieren la expansión lateral del espacio y la Virgen, que domina el grupo, parece cumplir el papel de una "cúpula" desde la que desciende la luz.
  • 59. “Las cuatro figuras de La Virgen de las Rocas no tienen gestos definidos o movimientos precisos: el ángel señala, Jesús se recoge en sí mismo, como retirándose de un espacio que no es el suyo, el Bautista se adelanta, la Virgen presenta una actitud y una sonrisa llenas de "melancolía", como si supiese o previese el inevitable dolor de la experiencia. Son, quizás, las imágenes de los móviles, de los profundos impulsos espirituales, y por ello se encuentran aún en la caverna subterránea, aunque en el umbral." (Argan, G.C. Renacimiento y Barroco págs 403-404) http://www.davinci-systems.es/leonardo/ http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc54.html http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/4290.htm
  • 60. La virgen de las rocas 1485 y1503 • Tenemos dos obras con casi 20 años de diferencia que llevan el mismo nombre. La primera está hoy en el Louvre; la segunda en la N.G. de Londres. • Leonardo recibió el encargo de un tríptico con una Madonna, hecho junto a dos artistas milaneses; Leonardo, tenía que hacer el panel central, con la Virgen, el ángel y los niños. El cliente era la Hermandad de la Inmaculada Concepción de Milán. • Las figuras se encuentran en el umbral de una gruta, que recibe la luz desde arriba y desde las aberturas del fondo. En contra de lo habitual, las figuras aparecen dispuestas en cruz, al encuentro de cuatro directrices del espacio: Jesús se inclina, en primer plano, hacia el espacio exterior, mientras que el Bautista y el ángel sugieren la expansión lateral del espacio y la Virgen, que domina el grupo, parece cumplir el papel de una "cúpula" desde la que desciende la luz.
  • 61. La última cena 1495-1497 • Durante dos años trabajó en su obra maestra "La Última Cena", pintura mural para el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, en la que recrea un tema tradicional de manera completamente nueva. En lugar de mostrar a los doce Apóstoles aislados, los presenta agrupados de tres en tres, dentro de una dinámica composición. • El empleo experimental del óleo sobre yeso seco provocó problemas técnicos que condujeron a su rápido deterioro tres años después. Desde 1726 se llevaron a cabo intentos fallidos de restauración y la pintura resistió a varias guerras, incluyendo los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial. • Hace 30 años, en 1977, se inició un programa haciendo uso de las más modernas tecnologías, como consecuencia del cual se han experimentado algunas mejoras. Aunque la mayor parte de la superficie original se ha perdido, la grandiosidad de la composición y la penetración fisonómica y psicológica de los personajes dan una vaga visión de su pasado esplendor.
  • 62. La última cena 1495-1497 • El éxito de esta obra se basa en la fuerza psicológica de la escena. Contra lo habitual hasta el momento, el pintor no centra la escena en el momento de la consagración del pan, la Eucaristía, sino en el momento en el que Cristo denuncia la traición de uno de los discípulos. Ante esto, cada discípulo reacciona de una manera diferente, lo que permite realizar a Leonardo un completo estudio de los temperamentos humanos: la cólera, la sorpresa, la incredulidad, la duda... la culpabilidad. Judas no está, como tradicionalmente, a un extremo de la mesa, sino en medio, sin hablar con nadie. • La manera tradicional de organizar un grupo tan abundante en un friso horizontal, se solía colocar dos grupos de seis a ambos lados de Cristo. Pero Leonardo los distribuye en grupos de tres. Destaca a Cristo no con los atributos conocidos, como el halo de santidad, sino con una ventana tras él, abierta al paisaje, cuya luz natural destaca su figura. http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/4356.htm http://www.portalplanetasedna.com.ar/leonardo_da_vinci.htm http://www.elrelojdearena.com/leonardo-da-vinci/la-ultima-cena.htm
  • 63. 1495-97. 460 x 880 cm. Fresco (más correctamente, óleo sobre yeso). Iglesia Sta. María della Grazie. Milán
  • 64. 1495-97. 460 x 880 cm. Fresco (más correctamente, óleo sobre yeso). Iglesia Sta. María della Grazie. Milán. (Restaurada) http://www.avizora.com/publicaciones/biografias/textos/textos_d/0009_da_vinci_leonardo.htm
  • 65. La gioconda 1503-5 • Fue durante esta segunda estancia de Florencia cuando Leonardo pintó la joven esposa de un mercader Florentino. Era una bella dama con las cejas finamente depiladas, llamada Madonna o Mona, Lisa del Giocondo. Leonardo la pintó posando con las manos cruzadas, mirando al visitante con la leve sonrisa que aparece en otros tantos rostros pintados por el. • Nos consta que Leonardo no se separó nunca del cuadro; desde la fecha de su ejecución -también discutida- lo retuvo siempre con él. Esto abona la suposición que el pintor trabajó en él durante muchos años, según un concepto perfeccionista típico de su mentalidad. • Mona Lisa fue un hito en el arte de pintar retratos, pues Leonardo insufló vida en su personaje. http://www.davinci-systems.es/leonardo/ http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc56.html
  • 66. La sistemática observación de los fenómenos físicos llevó a Leonardo a degradar los colores para marcar la lejanía progresiva del paisaje y suavizar el dibujo difuminando los perfiles como efecto de la atmósfera que envuelve figura y naturaleza, de manera que ambas queden armónicamente unificadas. Así, las figuras y los objetos situados en primer término tienen una mayor precisión, y a medida que los objetos se alejan va suavizando y matizando el trazo, de manera que quedan difuminados por la masa de aire interpuesta, dando la sensación de una auténtica lejanía. 97 x 53 cm. Óleo sobre tabla. Louvre, París
  • 67. La expresión de un rostro reside principalmente en dos rasgos: las comisuras de los labios y las puntas de los ojos. "Precisamente son esas partes las que Leonardo dejó deliberadamente en lo incierto, haciendo que se fundan con sombras suaves. Por este motivo nunca llegamos a saber con certeza cómo nos mira realmente Mona Lisa. Su expresión siempre parece escapársenos" (Gombrich E.H., Hª del Arte., pág. 249)
  • 68. Hay varias “copias” de esta obra. Algunas con una ejecución muy lograda como es el caso de la “Gioconda del museo del Prado” Fue restaurada recientemente y un estudio revela que se pintó al mismo tiempo que la original… por un discípulo muy hábil y cercano al maestro.
  • 69. Hay varias “copias” de esta obra. Algunas con una ejecución muy lograda como es el caso de la “Gioconda del museo del Prado” Fue restaurada recientemente y un estudio revela que se pintó al mismo tiempo que la original… por un discípulo muy hábil y cercano al maestro.
  • 70. Idea, textos y realización del autor. El autor, Higinio Rodríguez Lorenzo, profesor en el IES Mata Jove, de Gijón (Asturias. España) la ofrece bajo licencia [ Registrada en Safe Creative Código: 1401229911990 Fecha 22-ene-2014 19:46 UTC] 2007-2014. higiniorl@educastur.princast.es