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Pintura barroca española
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Pintura barroca española

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caracteristicas generales y principales obras de Ribalta, Ribera, Zurbarán, Murillo y Valdés Leal.

caracteristicas generales y principales obras de Ribalta, Ribera, Zurbarán, Murillo y Valdés Leal.


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  • 1. PINTURA BARROCA EN ESPAÑA (1)
  • 2. Siglo XVII el “Siglo de Oro”  Naturalismo. Por propio temperamento. Por influencia del tenebrismo italiano.  Falta de interpretación heroica de los temas mitológicos  Se interpreta de forma teatral o irónica  Ausencia de sensualidad.  El mecenazgo Corte e Iglesia:  Conventos  Iglesias  Las composiciones se simplifican:  Mayor realismo  Preocupaciones técnicas:  Luz y  Perspectiva aérea
  • 3. Temas Predominio de la temática religiosa, especialmente en su expresión ascética o mística, tratada con sencillez, realismo y emoción. El retrato, tratado con extremo realismo La mitología, El bodegón, sobre todo en Zurbarán y Sanchéz Cotán, Velázquez incorpora el paisaje, la fábula pagana El género histórico: cuadros de gran formato Pinturas de género: paisajes, marinas, flores Tres son los focos artísticos:  Valencia (Ribera y Ribalta),  Sevilla (Zurbarán, Murillo y Valdés Leal)  Madrid (Velázquez).
  • 4. Francisco Ribalta (1564-1628) Es probable que su aprendizaje se realizara junto a Navarrete el Mudo, en el Monasterio del Escorial y donde conociera las obras de los pintores italianos en las colecciones reales, quizás viajara a Italia entre 1616 y 1620 y que conociera directamente las obras de Caravaggio y sus seguidoresCristo abrazando a SanBernardoóleo sobre lienzo158 x 133 cmMuseo del Prado, Madrid
  • 5. Lo más interesante de su colección es el tratamiento de los temas místicos, donde el tenebrismo suele ser ostensible, además del brillante colorido y de la seguridad en el dibujo.San Francisco reconfortadopor un ángelóleo sobre lienzo204 x 158 cmMuseo del Prado, Madrid
  • 6. José de Ribera (1591-1662) A mediados del siglo XVII, Felipe IV y su valido, el Conde-duque de Olivares, convirtieron la corte en el principal centro artístico de la Península. El mejor exponente de la corriente tenebrista española fue José de Ribera, nacido en Játiva (Valencia) Establecido en Italia desde1611, recibió el apodo de “Il Spagnoleto”, nunca más volvería a España, instalándose definitivamente en Nápoles en 1616. Estudió a Caravaggio, muerto poco antes. Utiliza la luz para dar valor dramático y volumen Muestra sensibilidad para la composición y la monumentalidad Como naturalista muestra los defectos de sus modelos: suciedad, arrugas etc.
  • 7. Arquímedes1630óleo sobre lienzo 125 x 81 cmMuseo del Prado, MadridPRIMERA ETAPAAcusado tenebrismoPocas figurasUtiliza mucha pastaEl naturalismo temático de Ribera secentra en la pintura de personajesancianos, mendigos, santos, perosiempre pintados con una gran dignidad,sin exacerbar el sentido cruel o morboso,demostrando un perfecto dominio de loanatómico.
  • 8. San Andrés1630-32óleo sobre lienzo 123 x 95 cmMuseo del Prado, MadridAlgunos estudiosos hannotado en Ribera un afánconstante de representar laruina del cuerpo humano.Aparecería como el pintor delas frentes arrugadas, losdedos ásperos, los muslosdelgados que permiten lavisión de los huesos comoocurre en el San Andrés.
  • 9. La mujer barbuda 1631óleo sobre lienzoHospital de Tavera, ToledoA veces como retratista no tienepudor en representar lasdeformidades humanas.Lo feo puede ser representadocon dignidad. La representaciónde lo extremo de formanaturalista es un rasgo de clararaíz caravaggiesca.
  • 10. SEGUNDA ETAPALa Sagrada Familia1639óleo sobre lienzo253 x 196 cmMuseo de Santa Cruz, ToledoEn su repertorio figuraron tambiénprotagonistas femeninos quedestacan por su encanto, la Virgenen la Inmaculada (1635), el triunfode María Magdalena (1636), yalgunas santas como Santa Inés(1641), que corresponden alperiodo más crucial de su carreraartística, cuando su visiónnaturalista se disgrega cada vezmás hacia una mayorsensualidad, el color se vuelvemás refinado y la luz más difusa,superado el tenebrismo inicial.
  • 11. Martirio de SanBartoloméo San Felipe1630óleo sobre lienzo234 x 234 cmMuseo del Prado,MadridSe trata de una de lasobras maestras deRibera. Una complejacomposición, deextremado realismo.El horror del martirioaparece reflejado enla carne trémula delsanto.
  • 12. El sueño de Jacob1639 óleo sobre lienzo, 179 x 233 cm - Museo del Prado, Madrid
  • 13. María Magdalenapenitente1640-41óleo sobre lienzo226 x 181 cmMuseo del Prado,Madrid
  • 14. El patizambo1642óleo sobre lienzo 164 x 92 cmMusée du Louvre, ParisLa imagen del pícaro respondeal arquetipo de la época plasmadotambién en las novelas picarescas.Los ropajes raídos, la melladadentadura, el defecto físico, no sonmostrados de manera indigna, sinocon cierta ternura.La imperfección con Rivera alcanzala majestad que sólo la pintura puededar.
  • 15. Francisco de Nacido en Fuente de Cantos, se traslada a Sevilla, en 1614, formándose en el taller de Pedro Díaz de ZURBARÁN Villanueva, un pintor de imágenes. (1598 - 1664) Sus clientes: dominicos, jerónimos y cartujos Composiciones un poco rígidas- estatismo La luz proviene de los personajes:pliegues, telas luminosas Tendencia a la monumentalidad Su obra es muy abundante, y se puede distinguir un primer periodo en que hay una presencia del tenebrismo y del espiritualismo ascético pasando en un segundo periodo a partir de la mitad de siglo a las formas suaves y delicadas propias de la escuela sevillana de ese periodo; esta etapa coincide con una crisis en la carrera artística de Zurbarán, que vió disminuir su clientela habitual . La crisis de Zurbarán coincide con el apogeo de Murillo.
  • 16. Las obras más conocidas de Zurbarán sonlos santos de las Ordenes Religiosas.Dota a sus figuras de un gran naturalismo yde un profundo espíritu religioso,subrayado por su evidente tenebrismo. En cuanto a las obras conventuales, se pueden destacar tres conjuntos: 1. La serie del Convento de la Merced (desde 1628), en el que sobresale la Visión de San Pedro Nolasco (1629) en la puede apreciarse ese tratamiento individualizado y el tan característico modelado de los tejidos,2. La serie de la Cartuja de Jerez (desde1637) y3. La serie el Monasterio de Guadalupe (1638-1645). Autorretrato con el crucificado
  • 17. Los santos son tratadoscon gran respeto y dignidad,sumidos en una profundaintrospecciónmística que los presenta aislados y ajenos al mundo, habitandodentro de una atmósfera mística.Sus composiciones son reposadasy tranquilas, sin excesosdramáticos.La luz parece emanar de lasfiguras, tratadas de forma muynaturalista.Rostros y miradas degran fervor místico,acordes con las demandasde los clientes conventualespara los que trabajaba Zurbarán.Son figuras austeras y solemnes.Meditación de SanFrancisco
  • 18. LA VISIÓN DE SAN PEDRO NOLASCO 1629ÓLEO SOBRE LIENZO , 179 x 223 cm Museo del Prado, Madrid
  • 19. La aparición de san pedro a San Pedro Nolasco1629óleo sobre lienzo, 179 x 223 cm - Museo del Prado, Madrid
  • 20. Es el pintorde los hábitosblancos de losMonjes.Escena degran austeridady de pobreComposición. San Hugo de Grenoble en el refectorio de la Cartuja c. 1633 óleo sobre lienzo 102 x 168 cm Museo de Bellas Artes, Sevilla
  • 21. El temahistórico:La defensa deCádiz frente alos ingleses1634óleo sobrelienzo 302 x 323 cmMuseo delPrado, Madrid
  • 22. La pintura desantas y mártires:Santa Margaritay Santa CasildaEn estas series elpintor expresa lacalidad de las telas,mostrando a lassantas o mártiresataviadas a la modade la época, comograndes damas.
  • 23. La exposición de objetos inanimados sirve para que el pintor demuestre su destreza en larepresentación de calidades, texturas, brillos y juegos de luces. Los objetos se destacan sobre un fondo negro para así dar mayor realce a sus volúmenes. Naturaleza muerta. Óleo sobre lienzo, 46 x 84 cm Museo del Prado, Madrid
  • 24. Naturaleza muerta con limones, naranjas y rosa.1633 - óleo sobre lienzo, 60 x 107 cmNorton Simon Museum of Art, Pasadena(EEUU)En estos austeros y sencillos bodegones está contenida la España del s. XVII
  • 25. AGNUS DEI
  • 26. Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682) Nació en Sevilla, donde vivió la mayor parte de su vida. Inicio su formación a los diez años con Juan del Castillo, aunque sin duda conoció las obras de Zurbarán y de Ribera, ya que la influencia de estos maestros es evidente en las obras de su juventud, además de las influencias de la pintura flamenca y veneciana. Su éxito fue enorme. Es uno de los pintores que más popularidad han alcanzado dentro y fuera de España; debido, quizás, a que su pintura delicada y suave satisface el gusto imperante en toda Europa en el S. XVIII. Murillo no pintará santos ascetas y viriles, su pintura se acerca más a loAUTORRETRATO familiar, a lo íntimo. Se anticipa al rococó.ÓLEO SOBRE LIENZONATIONAL GALLERY DE LONDRES
  • 27. En sus primeras obras queda de manifiestossu formación realista, con predominio detonalidad ocres y terrosas, un tratamiento dela luz muy marcado por el tenebrismo, conmodelos compactos e individualizados.Destaca la serie del convento de SanFrancisco (1645), su primer encargoimportante; a partir de la mitad de siglo, eluso de la luz se hace más generalizado ysu colorido se enriquece, Sagrada Familiadel Pajarito (1650), Adoración de losPastores (1655),En 1658 Murillo viaja a la Corte, entra encontacto con Velázquez y conoce lascolecciones reales,A su regreso en 1660, fundó la Academia deDibujo, siendo responsable de la dirección dela misma hasta noviembre de 1663, en quefue sustituido por Valdés Leal.
  • 28. LA ADORACIÓN DE LOS PASTORESÓLEO SOBRE LIENZO 1650-55 187 x 228 cm Museo del Prado, Madrid
  • 29. LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITOóleo sobre lienzo, 1650 144 x 188 Museo del Prado, Madrid
  • 30. Niños comiendo frutaóleo sobre lienzo1650Alte Pinakothek, Munich
  • 31. Murillo se va a interesar porlos problemas atmosféricos yla captación del espacio,abandona el estatismo anteriory ahora sus cuadros sonsuavemente dinámicos, susmodelos de canon máspequeño, adquieren lasuavidad, la gracia y laelegancia que caracterizan laplenitud del pintor, cercano yaal gusto rococó. La Anunciación óleo sobre lienzo, 1660-65 125 x 103 cm Museo del Prado, Madrid
  • 32. Son numerosas las representaciones detemas marianos; las Inmaculadas sonuna de sus creaciones más afortunadas;envuelve a María en un manto azul, quecubre parte del hábito blanco,rodeándola de ángeles. Es una imagende gran belleza y clasicismo, idealizada.El rostro joven, casi niña.El blanco de la vestimenta simboliza lapureza virginal de María, mientras que elazul del manto simboliza la eternidad.La actitud contemplativa de la Virgen, suriqueza cromática y la pincelada sueltason rasgos distintivos de su estilo.LA INMACULADACONCEPCIÓNóleo sobre lienzo 206 x 144 cmMuseo del Prado, Madrid
  • 33. Refleja en sus pinturas unareligiosidad intimista, amable ysentimental que anticipa el rococódel XVIII.Expresa de forma genial labelleza infantil y juvenil, siempreimpregnada de gracia y dulzura.En este Jesús como pastorcilloforja uno de sus iconos máspopulares. Niño perfecto, decarnosos labios y cabellos alviento, envuelto por esaatmósfera vaporosa poblada deluz.CRISTO COMO BUENPASTORóleo sobre lienzoc. 1660123 x 161 cmMuseo del Prado, Madrid
  • 34. JESÚS CON SAN JUAN BAUTISTA. “Los niños de la concha” 1670
  • 35. Sin embargo en su pinturade niños de caráctertotalmente profano ,presenta una interpretaciónamable de realidades másbien crueles, plasmando lavitalidad del mundopicaresco, con unincomparable virtuosismotécnico.Joven pordioseroóleo sobre lienzo, c. 1645134 x 100 cmMusée du Louvre, Paris
  • 36. DOS MUJERES EN LAVENTANA Una mujer con su “dueña” 1670 óleo sobre lienzo 106 x 127 cmNational Gallery of Art, Washington (EEUU)
  • 37. LAS ALEGORÍAS DE LAS POSTRIMERÍAS JUAN DE VALDÉS LEAL (1622-1690)El noble sevillano don Miguel de Mañara fuenombrado en 1663 Hermano Mayor de laSanta Caridad, poniendo todo su empeño enla tarea de concluir las obras de la nuevaiglesia de la Hermandad que se estabanrealizando desde 1647. Para ello contó con losmejores artistas de su tiempo: el retablistaBernardo Simón de Pereda, el escultor PedroRoldán y los pintores Murillo y Valdés Leal.El propio Mañara diseñó el programaiconográfico que decoraba el templo,programa destinado a los hermanos de laCaridad, proclamando la salvación del almaa través de la caridad, encargando laspinturas que recogen las obras de caridad aMurillo. Sin embargo, el programa iconográficose inicia con una reflexión sobre la brevedadde la vida y el triunfo de la muerte, siendoValdés Leal el encargado de realizar estostrabajos. Estas pinturas estaban en el sotocorode la iglesia de la Caridad sevillana y hoytodavía se encuentran in-situ
  • 38. IN ICTU OCULI (EN UN ABRIR Y CERRAR DE OJOS) (ALEGORÍA DE LA MUERTE) 1672Óleo sobre lienzo 220 x 216 cmHospital de la Caridad, Sevilla
  • 39. Se denominan los "Jeroglíficos de las Postrimerias" y en ambasobras se hace una referencia al dilema de conseguir la salvación ola condenación eterna.En el friso del sotocoro había un texto en letras capitales que recogelas palabras de Cristo en el Juicio Final la dirigirse a losbienaventurados: "Escuchad la palabra del Señor: Venid benditosde mi padre, tomad posesión del reino preparado para vosotrosdesde la creación del mundo porque tuve hambre y me disteis decomer, tuve sed y me disteis de beber, peregriné y me acogisteis,estaba desnudo y me vestisteis, enfermo y me visitasteis, preso yvinisteis a verme".Por lo tanto, sólo conseguirán la salvación eterna aquellos que hayanpracticado las obras de caridad. Con este mensaje es más fácil lacomprensión de los "Jeroglíficos" denominadas:In Ictu Oculi yFinis Gloriae Mundi.
  • 40. En la obra que contemplamos aparece la muerte llevando debajo su brazoizquierdo un ataúd con un sudario mientras en la mano porta la característicaguadaña.Con su mano derecha apaga una vela sobre la que aparece la frase "In Ictu Oculi",en un abrir y cerrar de ojos, indicando la rapidez con la que llega la muerte y apagala vida humana que simboliza la vela.En la parte baja de la composición aparecen toda una serie de objetos querepresentan la vanidad de los placeres y las glorias terrenales. Ni las gloriaseclesiásticas escapan a la muerte -por lo que aparece el báculo, la mitra y el capelocardenalicio- ni las glorias de los reyes -la corona, el cetro o el toisón- afectando atodo el mundo por igual ya que la muerte pisa el globo terráqueo. La sabiduría, lasriquezas o la guerra tampoco son los vehículos para escapar de la muerte.La filosofía barroca de la "vanitas" difícilmente puede plasmarse mejor en un lienzo.El cuadro está rematado en un arco de medio punto y compositivamente sigue unesquema triangular en el que se inscriben un amplio número de diagonales quedotan de mayor ritmo al conjunto.El fondo en penumbra crea un efecto más dramático y simbólico al sugerir que lamuerte sale de las tinieblas y avanza hacia el espectador, dotando de mayorteatralidad a la escena. El contraste entre el negro del fondo y la viveza del coloridode los objetos y las telas también tiene un sentido alegórico. Debido a estos trabajos,Valdés ha cosechado una fama de pintor de la muerte que no merece ya que sólo sepreocupó de cumplir a la perfección el encargo de su cliente, obteniendo unresultado de gran impacto visual y espiritual.
  • 41. JUAN VALDÉS LEAL FINIS GLORIAE MUNDI Óleo sobre lienzo, 270 x 216 cm 1671-72, Sevilla, Hospital de la Caridad
  • 42.  Los Jeroglíficos de Valdés Leal nos presentan el espectáculo de la muerte y suscitan el problema de la salvación. El término "postrimerías" (término teológico que se refiere a la muerte, el juicio, el infierno y el cielo) pone de relieve cuál era su tema. Las telas representan la muerte y el juicio, mientras que el cielo o el infierno dependen de la balanza. Con el alma pendiente de la balanza, los actos de caridad se convierten en imprescindibles para garantizar su salvación. La idea de la caridad como antídoto de la muerte y camino de salvación conecta las telas de Murillo y el retablo mayor con los Jeroglíficos, unificando su temática. En la parte superior de Finis Gloriae Mundi existe un motivo que conecta los Jeroglíficos con las otras obras existentes en la iglesia. Se trata de una mano estigmatizada que aguanta una balanza, alusión simbólica al juicio final. En el platillo de la izquierda están representados los siete pecados capitales mediante animales simbólicos, en el de la derecha los libros de oración y las penitencias (disciplinas, cilicio, cadena). Nos presentan pues los dos aspectos de la muerte, como fin y como principio. La Muerte (In ictu oculi) hace de la existencia terrenal algo fútil y sin sentido, pero al mismo tiempo libera el alma para que sea juzgada según su existencia terrenal (Finis Gloriae Mundi). Pero las oraciones y el arrepentimiento no son suficientes para alcanzar la salvación: implícitamente se nos dice que falta algo para inclinar la balanza del lado de la salvación, y ello está representado por las pinturas de Murillo, las obras de misericordia. Así, el ciclo adquiere un sentido global: la salvación por el ejercicio de obras de caridad.
  • 43.  Tomás Pérez Elena La Banda