Unidad IV
Upcoming SlideShare
Loading in...5
×
 

Unidad IV

on

  • 260 views

Unidad cuatro del chico...chico

Unidad cuatro del chico...chico

Statistics

Views

Total Views
260
Views on SlideShare
260
Embed Views
0

Actions

Likes
0
Downloads
5
Comments
0

0 Embeds 0

No embeds

Accessibility

Categories

Upload Details

Uploaded via as Microsoft PowerPoint

Usage Rights

© All Rights Reserved

Report content

Flagged as inappropriate Flag as inappropriate
Flag as inappropriate

Select your reason for flagging this presentation as inappropriate.

Cancel
  • Full Name Full Name Comment goes here.
    Are you sure you want to
    Your message goes here
    Processing…
Post Comment
Edit your comment

Unidad IV Unidad IV Presentation Transcript

  • Licdo. Lanner Díaz Rodríguez
  • La Edad Moderna es el tercero de los periodos históricos en los que se divide Occidente en la Historia Universal. Un periodo en que triunfan los valores de la modernidad (el progreso, la comunicación, la razón) frente al periodo anterior: la Edad Media, que se identifica con una Edad Oscura o paréntesis de atraso, aislamiento y oscurantismo. El espíritu de la Edad Moderna buscaría su referente en un pasado anterior, la Edad Antigua identificada como Época Clásica. Se integraron los dos mundos humanos que habían permanecido aislados desde la Prehistoria: el Nuevo Mundo (América) y el Viejo Mundo (Euroasia y África).
  • Esta época en el transcurso del tiempo se ha ido alejando de la presente que suele añadirse como una cuarta edad, la Edad Contemporánea, que no sólo se aparta, sino que intensifica extraordinariamente la tendencia a la modernización, lo hace con características sensibles diferentes, fundamentalmente porque significa el momento de triunfo y desarrollo socioeconómico y cultural. Adán y Eva de Alberto Durero (1471- 1528). El antropocentrismo humanista simboliza la modernidad en la Filosofía, la Ciencia y el Arte.
  • Lo que hoy consideramos arte moderno no es la producción artística de la Edad Moderna, sino nuestro arte contemporáneo: las vanguardias europeas en torno a 1900, que de hecho significan una reacción contra el arte europeo de la Edad Moderna, que se consideraba acartonado por el academicismo y limitado por la sujeción al principio de imitación a la naturaleza; no así contra el arte extra-europeo, que se recibe con admiración por su exotismo (estampas japonesas y tallas africanas).
  • Las dos primeras décadas del siglo XX fueron de grandes cambios para la humanidad. Cambios sociopolíticos, culturales, económicos y científicos que transformaron el comercio y la industria, como la llegada del automóvil (1896). Gracias a estos cambios las artes visuales experimentan una serie de revoluciones creativas. El diseño tipográfico también evoluciono y estuvo relacionado con la pintura, poesía y la arquitectura. El cubismo inicio con una nueva tradición artística. La génesis de este movimiento es Las Señóritas de Avignon 1907, de Picasso (1881-1973), con bases en la estilizaciones geométricas de la escultura africana. Las figuras se abstraen geométricamente y rompen las normas clásicas de la figura humana.
  • Uno de los cuadros que más han marcado en la historia de la pintura es Las señoritas de Avignon de Picasso, que es tomado como el primer cuadro cubista y que ha marcado una ruptura en el sentido de la perspectiva y los planos.
  • El Cubismo analítico: nombre dado al trabajo de Picasso y George Braque, entre los años 1910-1912, donde analizaron diferentes puntos de vista y elaboraron una pintura compuesta por planos geométricos rítmicos. A diferencia de Picasso, que plasmó con frecuencia la figura humana, Braque prefirió, a lo largo de toda su trayectoria artística, la naturaleza muerta, en la que introdujo novedades significativas, como el empleo del collage o la incorporación de letras y números
  • Georges Braque: Violine and Pipe (1913)
  • Futurismo: Fue fundado por el poeta y editor italiano Marinetti (1876 – 1944), como un movimiento revolucionario en todas las artes para poner a prueba sus ideas y sus formas contra las realidades nuevas de la sociedad científica e industrial. Diseño urbanístico futurista de Antonio Sant„Elia arquitecto italiano.
  • En el año 1910 cinco artistas se unieron a Filippo Marinetti y publicaron el “manifiesto de los pintores futuristas” declararon su intención de: 1. Destruir el culto del pasado. 2. Invalidar totalmente toda clase de imitaciones Elevar todos los atentados al rango de originalidad. 3. Considerar a los críticos del arte como inútiles y peligrosos. 4. Dejar limpio el campo entero del arte de todos los temas y asuntos que han sido utilizados en el pasado.
  • Umberto Boccioni: Pintor y escultor italiano, teórico y principal exponente del movimiento futurista. Dinamismo di un ciclista,1913
  • Dinamismo de un jugador de fútbol, 1911
  • Carlo Carrà: Pintor italiano, uno de los líderes del movimiento futurista que floreció en Italia a principios del siglo XX. Además de sus numerosas pinturas, escribió diversos libros relacionados con el arte. "Caballo y jinete", 1913
  • Luigi Russolo: Pintor futurista y compositor italiano, y autor del manifiesto futurista El arte de los ruidos (1913). Dinamismo de un automóvil, 1912-1913. Guerra a la pintura, 1915.
  • Giacomo Balla: Pintor y escultor italiano, uno de los fundadores del movimiento futurista. Construcción escultórica del ruido y la velocidad, 1914-1915. Velocidad del automóvil, 1910
  • Gino Severini: Pintor italiano, supo unir ciencia y arte, rigor constructivo y fantasía inventiva, consiguiendo la más completa felicidad expresiva cuando, entre los años 1910 y 1915, conectó los valores dinámicos del futurismo con los constructivos del cubismo. Cañones en acción, esta pintura formaba parte de un grupo que realizó entre 1914 y 1918, durante la primera guerra mundial
  • El Dadaísmo: se desarrolló 1916 como un movimiento literario. Los dadaístas ni si quieran estaban de acuerdo en sus orígenes con el nombre “dada”. Nació como una protesta , pero sus actividades destructoras y exhibicionistas se volvieron absurdas y extremas al terminar el conflicto armado. Póster del Matinée Dada 1923
  • Dadaísmo: Fue creado en el Cabaret Voltaire con fines artísticos y políticos en Suiza entre 1916 y 1922 con Hugo Ball (actor y poeta alemán) como fundador, reunidos artistas de distintas nacionalidades como refugiados durante la Primera Guerra Mundial. Posteriormente fue adoptado por Tristan Tzara, quien se convertiría en la figura más representativa. Placa situada en la pared del antiguo Cabaret Voltaire.
  • Marcel Janco (1895-1984) fue un importante pintor y arquitecto israelí. Tuvo una fuerte concepción en que el caos, el Nihilismo y la falta de racionalidad iban a hacer del mundo un mejor lugar para vivir. Con apenas 17 años, comenzó a publicar junto a Tristán Tzara e Ion Vinea una publicación llamada Symbol.
  • La Entrada al Paraíso, 1919
  • Hans Richter (1888-1976) fue un pintor y cineasta alemán, nacionalizado más tarde estadounidense. Sus primeras obras se insertan dentro del expresionismo. Se dedicó al arte abstracto y al cine de este género. Autorretrato Visionario, 1917
  • Marcel Duchamp (1887 -1968) fue un artista y ajedrecista francés, Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado; aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo de movimientos artísticos como : surrealismo, dadá y Pop Art. Desnudo bajando una escalera (1912) expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas.
  • Ducham fue el primero en realizar el Ready-made: consiste en sacar un objeto cotidiano de su sitio habitual y colocarlo en un espacio de exhibición, con el fin de cambiar la forma en que lo vemos y darle otro significado.
  • "Fuente" de Duchamp “L.H.O.O.Q.” mejor conocida como “La Gioconda con bigotes”
  • Francis Picabia (1879-1953) Artista y escritor que nació en París, de padre cubano y madre francesa. Su obra puede insertarse dentro de varios estilos: cubismo, fauvismo, dadaísmo, surrealismo y arte abstracto. También utilizó distintas técnicas: óleo, acrílico, dibujo y collage.
  • Man Ray (1890-1976) Pintor y fotógrafo estadounidense. Bajo la influencia de Duchamp, comenzó a trabajar con materiales y técnicas nuevas, como por ejemplo, pintar con aerógrafo sobre cristal y otras superficies. Obras de Ray que llamó “objetos de mi afecto”.
  • Desarrolló los rayogramas, consistentes en imágenes abstractas realizadas mediante la colocación de objetos sobre superficies sensibles a la luz. También, la técnica de solarización, que invierte los márgenes de luz y sombra de la fotografía. Pasó sus últimos años en Francia, donde experimentó con las nuevas técnicas de fotografía. Murió en 1976. Rayogramas, 1923
  • Desarrolló los rayogramas, consistentes en imágenes abstractas realizadas mediante la colocación de objetos sobre superficies sensibles a la luz. También, la técnica de solarización, que invierte los márgenes de luz y sombra de la fotografía. Pasó sus últimos años en Francia, donde experimentó con las nuevas técnicas de fotografía. Murió en 1976. Rayogramas, 1923
  • El Dadaísmo en Alemania. Es en Alemania donde el Dadaísmo adquiere un apariencia más marcadamente político. Ideológicamente, las posturas de los artistas dadaístas eran comunistas, en algunos casos, anarquistas. Tras la guerra, Alemania entra en una situación crítica. Con toda esa agitación social un grupo de artistas van a incorporarse a las tesis izquierdistas: será el Movimiento dadaísta.
  • Kurt Schwitters (1887 –1948) fue un artista alemán, pintor, escultor, poeta y diseñador gráfico. En sus obras incorporó esculturas realizadas con materiales de desecho, es conocido principalmente por sus collages. Sus primeros cuadros se insertan en el estilo expresionista, pero en 1919 empezó a realizar collages, incorporando a sus trabajos elementos, no considerados hasta entonces como materiales artísticos, tales como boletos de tren, estampillas postales y recortes de periódicos.
  • John Heartfield (1891 -1968) artista alemán dadaísta, especializado en el fotomontaje. Después de diseñar diversas escenografías en su ciudad natal en contra de los nazis en 1933, viajó Checoslovaquia y más tarde a Inglaterra. Retornó a su país en 1950, para instalarse en Berlín, donde se dedicó nuevamente al diseño escenográfico y al fotomontaje. Fotomontaje dadá, 1920
  • John Heartfield. No Pasarán 1936
  • Hannah Höch (1889-1978) fue una artista plástica y fotógrafa alemana integrada en el movimiento dadá que utilizó como modo de expresión el fotomontaje, considerada como pionera y precursora en esta técnica fotográfica. Con su obra ejerció una fuerte crítica a la sociedad alemana. Más tarde profundizó más en la abstracción, finalmente, retomó el tema de la mujer; mujeres en estado de miseria física o espiritual.
  • Raoul Hausmann (1886 -1971) artista y escritor austríaco. Con el seudónimo Der Dadasophe ejerció un destacado papel como dadaísta creando collages experimentales, poesía sonora y realizando críticas institucionales en Alemania durante los años transcurridos entre las dos guerras mundiales.
  • Características generales del dadaísmo: • Trata de reflejar una disposición particular del espíritu, representa una negación intelectual violenta, un acto extremo de antidogmatismo. • Se vale de cualquier medio para llevar adelante su batalla. • Más que la obra, es el gesto lo que interesa a los dadaístas, gesto que va más allá de los puros canales de expresión artística para manifestarse en la política, en las costumbres, en la misma sociedad, siempre que este gesto sea entendido como provocación contra el sentido común, la moral, la ley y cualquier normativa u ortodoxia. • De aquí que el escándalo fuera el instrumento preferido para hacer públicas sus acciones.
  • El cartel europeo de la primera mitad del siglo XX es una continuación de los anuncios de la década del año 1890, pero su rumbo fue poderosamente afectado por los movimientos artísticos modernos y por las necesidades de comunicación de las dos Guerras Mundiales.
  • Influenciados por el cubismo y por el constructivismo, conocedores de la necesidad de mantener una referencia gráfica si sus carteles deseaban comunicarse persuasivamente con el público en general, los diseñadores gráficos comprometidos con el cartel caminaron por la cuerda floja entre la creación de imágenes expresivas y simbólicas, su interés por la organización visual total del plano ilustrado.
  • El Cartel en Berlín: Lucien Bernhard (1883-1972) diseñador gráfico, de tipos y de interiores alemán, además profesor. Había llevado al cartel visual un paso adelante en el proceso de simplificación y reducción del naturalismo en el lenguaje gráfico de las formas; estableció una proposición del cartel al emplear formas de colores lisos, el nombre y la imagen del producto.
  • Bernhard desarrolló un estilo de letras sans-serif, realizadas en pinceladas gruesas. Creó un alfabeto compacto de caracteres únicos en su género. Era un innovador. su labor debe ser considerada como la conclusión lógica del movimiento del cartel. Al mismo tiempo, el énfasis en la reducción, la forma minimalista y la simplificación anticiparon el movimiento constructivista.
  • Julius Klinger nació en Dornbach cerca de Viena. 1896 pasó a Munich , donde trabajó como ilustrador para el Blätter Meggendorfer y otros. De 1897 a 1902 fue colaborador del mismo nombre Jugendstil revista Die Jugend. En 1897 se trasladó a Berlín, su estilo osciló desde el art nouveau floral hasta las formas bidimensionales decorativas de colores claros, brillantes y una rotulación sencilla y concisa. Meggendorfer Blätter, 1930
  • EL CARTEL DE LA GUERRA: El cartel logró la cima de su importancia como medio de comunicación durante la Primera Guerra Mundial. El proceso tipográfico había sido perfeccionado y la radio y otros instrumentos electrónicos de comunicación pública aún no ganaban importancia. En este conflicto mundial, los gobiernos recurrieron al cartel como la forma principal de propaganda y de persuasión visual.
  • En los carteles bélicos Bernhard tuvo un enfoque muy gótico. Por otro lado La propaganda bélica de Julius Klinger fue reducida a simples símbolos gráficos de guerra. Los carteles británicos hacían un llamado a la necesidad de proteger los valores tradicionales, el hogar y la familia La propaganda bélica de Klinger fue reducida a símbolos, mientras Bernhard adoptó un enfoque muy gótico.
  • Julius Gipkens (1883 -1968) artista gráfico alemán, dibujante y pintor , que principalmente como un artista comercial y cartelista fue exitosa. Mantuvo un estilo de dibujos fluidos y líneas que lo caracterizan.
  • Paul Verrees (1889-1942) pintor, diseñador e ilustrador belga, realizó anuncios para promover los jardines de la victoria en 1918, una acción publica, cultivo de legumbre en huertas familiares que estaba ligada directamente con La derrota del enemigo.
  • EL DISIDENTE DE MUNICH: Ludwig Holwein (1874-1949) creció junto con las condiciones sociales cambiantes. Se imspiro primero en los hermanos, durante los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, Holwein accedía a reducir sus imágenes a formas planas. A diferencia de los Berggarstaff en sus imágenes aplicó una rica gama de texturas y modelos decorativos.
  • Holwein tenia un estilo militar e imperialista bien delineado de formas sólidas, pesadas y de fuertes contrastes tonales.
  • EL MODERNISMO GRÁFICO POSCUBISTA: Paul Colin (1892 -1985 ) es el diseñador más integro en las propuestas del Art Deco o del modernismo pictórico del diseño gráfico. Se hizo famoso en 1925 por el cartel de la Revue Nègre, que ayudó a lanzar la carrera de la actriz Josephine.
  • Joseph Binder (1898-1927) diseñador austriaco, combinaba influencias, incluyendo a Kolomon Moser y al cubismo, en un estilo de diseño gráfico ilustrado con una poderosa fuerza comunicativa. El sello de su obra consistía en reducir las imágenes naturales a formas y figuras básicas como el cubo, la esfera y el cono, así como en utilizar, de lado a lado, formas de dos colores planos, uno junto al otro, para representar las partes de luz y sombra de una figura u objeto.
  • El art deco era un estilo de diseño dominante en las décadas entre las dos Guerras Mundiales. Una geometría aerodinámica, en zigzag, moderna y decorativa, técnicas que expresaban los deseos de interpretar la era moderna de las máquinas, al mismo tiempo, satisfacer la pasión por la decoración
  • En Alemania muchos diseñadores gráficos emplearon el color y el plano para construir imágenes gráficas. El modernismo pictórico europeo constituía una propuesta diseñada para la creación de ilustraciones gráficas, dirigidas a la integración total de la palabra y de la imagen.
  • El modernismo gráfico no fue la única corriente importante del diseño gráfico en Europa Mientras que en Inglaterra Kauffer exploraba la aplicación de los planos del cubismo sintético al cartel, en Holanda y Rusia, hubo un enfoque más tipográfico y formal del diseño gráfico, los artistas veían claramente las implicaciones del cubismo. Con la invención de la forma pura, el arte visual avanzó más allá del umbral del conjunto de las imágenes gráficas. Las figuras y las ideas acerca del espacio compositivo desarrolladas en la pintura y en la escultura fueron aplicadas rápidamente a problemas de diseño.
  • Edward McKnight Kauffer (1890-1954) diseñador estadounidense de origen influyente, artista destacado por ser vanguardista en el diseño gráfico y el arte del cartel donde supo fusionar magistralmente el arte y la publicidad, sobre todo en Inglaterra donde supo
  • EL SUPREMATISMO Y EL CONSTRUCTIVISMO RUSO: Durante la turbulencia de la Primera Guerra Mundial y de la Revolución Rusa, en Rusia hubo un florecimiento del arte creativo, el arte ruso ejerció una influencia internacional en el diseño grafico y la tipografía del siglo XX. La década, iniciada en el año 1910 con las conferencias de Marinetti en Rusia, vio a los artistas de esa nación absorber las nuevas ideas del el termino cubo futurismo. Simbólicamente, los libros futuristas rusos fueron una reacción contra los valores de la Rusia zarista. Natalia Goncharova. Ciclista, 1913.
  • Rechazaba tanto la función utilitaria como la representación grafico, ya que Malevich buscaba " la expresión suprema de los sentimiento, sin buscar valores prácticos, ni ideas, ni la tierra prometida". Pensador lógico con un conocimiento lucido, Malevich se dio cuenta, que la esencia de al experiencia artística es el efecto perceptivo del color. Demostrandolo, en el año 1913 con un cuadrado negro pintado sobre un fondo blanco. Cuadrado Negro 1915, Galeria Tretiakov
  • Kazimir Severínovich Malévich (1878-1935) pintor ruso, creador del Suprematismo, movimiento de vanguardia rusa del siglo XX. Planteado es la tarea colosal de recodificar el mundo, "Malévich dominó las condiciones de la existencia humana, de modo que pudo operar con un lenguaje cósmico para afirmar el orden global y las leyes generales del universo". Cruz Negra y Roja, 1918, Museo Stedelijk Supremus No. 58, 1916. Museo de Arte Krasnodar
  • Malevich después de trabajar a la manera del futurismo y del cubismo, creo una abstracción geométrica elementa nueva, no objetiva y pura. Cruz Negra 1915. Cuadrado Rojo 1915. Círculo Negro 1915.
  • La Bauhaus: fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar, Alemania. Cerrada por las autoridades prusianas en manos del partido nazi en 1933. Su nombre se deriva de la unión de dos palabras alemanas Bau: "construcción", y Haus: "casa". Edificio de la escuela en Dessau,1925-26, en primer plano el volumen con los talleres y la emblemática tipografía diseñada en los propios talleres
  • FASES - ETAPAS: 1. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica. 2. La segunda (1923-1925) mucho más racionalista. 3. La tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza. Kandinsky con Walter Gropius y J.J.P. Oud en la Bauhaus de Weimar en agosto de 1923. Colección del Museo Nacional de Arte Moderno, París.
  • La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal cual y fueron concebidas dentro de esta escuela.
  • Primera época (1919-1923) En el momento de su fundación los objetivos caracterizados por Gropius de la escuela, donde manifestó: "La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público" fue una manara de independizarse y comenzar a vender los productos por la propia escuela para dejar de depender del Estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba.
  • Paul Klee (1879-1940) Suizo-Alemán, llegó a la escuela en 1920. Violinista, pintor muy culto interesado por los problemas teóricos del arte. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visibles. Preparaba concienzudamente las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente fueron publicados en forma de libro. Su estilo varía entre el surrealismo, el expresionismo y la abstracción.
  • Vasili Kandinsky (1866-1944) pintor ruso precursor de la abstracción. En 1922 se incorporó al proyecto. Su prestigio, tras la publicación de De lo espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces un artista grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia un arte más intelectual y razonado, donde utilizaban el alma del objeto para esculpirla en la tela con rasgos abstractos. Línea Intacta - 1923 Composición VIII - 1923
  • Segunda época (1923-1925) En 1923 Theo Van Doesburg (1883-1931) pintor, arquitecto, teórico y poeta neerlandés, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo,, creó en Holanda la revista y movimiento De Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo. De Stijl, 1921. Vol. 4, no.11 Composición VII, 1917 (las tres gracias)
  • A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia Expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo también expresionista de pintura aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitzky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración. La Noche, 1919. Max Beckmann, pintor alemán
  • László Moholy Nagy (1895 - 1946) fue un fotógrafo y pintor húngaro. Ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía en la Bauhaus. Su publicación “Pintura, Fotografía, Film” en 1925, constituye el octavo volumen de los “Libros de la Bauhaus” y uno de los principales pilares de la fotografía en la historia del arte.
  • Lázar Márkovich Lisitski (1890-1941), fue un artista ruso, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto. Fue una de las figuras más importantes de la vanguardia rusa, contribuyendo al desarrollo del suprematismo junto a su amigo y mentor, Kazimir Malévich, y diseñó numerosas exposiciones y obras de propaganda para la Unión Soviética. Cubierta de la revista Merz vol. 2, n.º 8, 1924.
  • Vladímir Yevgráfovich Tatlin (1885-1953) pintor y escultor ruso, constructivista, que abarcó múltiples facetas como: escultura, pintura, proyectos arquitectónicos, objetos inventados, de diseño y decorados teatrales. En 1914 fundó el Constructivismo, siendo el principal inspirador de la vanguardia artística de mayor impacto en la URSS, junto con el Futurismo. Proyecto de Monumento a la Tercera Internacional
  • Tercera época (1925-1933) En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista. En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.
  • La escuela, situada esta vez en un antiguo edificio de telefonía, sobreviviría solo hasta Abril de ese mismo año. Fueron inútiles las protestas de Van der Rohe, que insistía en presentarse como patriota y veterano de guerra y defendía que su trabajo no tenía implicaciones políticas.
  • La Bauhaus generó un nuevo estilo tipográfico en su escuela de diseño de Alemania, Bauhaus (1919-1933). Se emplearon casi exclusivamente las fuentes de Sans-serif y Bayer diseñó un tipo universal que redujo el alfabeto a formas limpias, simples y construidas en forma racional.
  • Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. László Moholy-Nagy fundó en Chicago en 1937 la New Bauhaus. De las nuevas encarnaciones de la escuela, esta sería la que respetaría más fielmente el plan de estudios original. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Escuela Superior de Proyección, que recupera pronto la denominación de Bauhaus o Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor, teórico y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.
  • Tomás Maldonado 1922, pintor, diseñador industrial y teórico del diseño argentino. Es conocido por su considerable influencia en el pensamiento y la práctica del diseño en la segunda mitad del siglo XX y es considerado como uno de los principales teóricos del llamado enfoque científico del diseño. Fue miembro fundador del Movimiento de Arte Concreto y uno de los protagonistas de la renovación plástica de la década de los 40 en la Argentina. Maqueta para el estudio de la forma continua del taller de Tomás Maldonado. Portada de la revista Nueva Visión (1955), dirigida por Maldonado.
  • El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico a mediado del siglo XX. Es un producto típicamente norteamericano, aunque también se desarrolló en 1950 en Inglaterra, que aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se vivía. Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad, tomando como elementos de expresión los productos masivos de la cultura, es figurativo y emplea objetos de uso diario de la sociedad consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza, neveras, autos, comics, personajes del cine y la canción.
  • el Arte Pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento Pop Art están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray. Primera obra de Pop Art. ¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan llamativos?. Richard Hamilton, pintor británico.
  • Kurt Schwitters (1887–1948) artista alemán, pintor, escultor, poeta y diseñador gráfico. Excluido del movimiento Dadá Berlin, reacciona fundando Dadá Hannover. Este movimiento se fundó sobre el apoliticismo, en contrapuesición de las concepciones del grupo Dadá en Berlín , que se caracterizaba por estar comprometido políticamente, por lo fantástico y el constructivismo. Sus principales pilares eran la revista Merz y el arte del mismo nombre.
  • Man Ray seudónimo de Emmanuel Radnitzky (1890-1976) artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París. Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Produjo grandes obras de medios de comunicación, pero se consideraba un pintor, pero reconocido en el mundo del arte por sus fotogramas.
  • En el Reino Unido: el Grupo Independiente: fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. El término Arte Pop fue acuñado finalmente por John Mc Hale en 1954.
  • Eduardo Luigi Paolozzi (1924 – 2005) escultor y artista escocés. Sus acercamientos al color, particularmente con la serie de posters que realizó entre 1965-67 compilados bajo el título Vacío Electrónico Universal, que parecen explotar la relación hombre-máquina a través de la producción serializada de patrones geométricos generados por computadora. En las décadas de los 60 y 70, su trabajo se enfoca más en las técnicas gráficas, produciendo una amplia cantidad de impresiones serigráficas.
  • El Arte Pop Estadounidense: Aunque el movimiento comenzó a finales de 1950, en Estados Unidos tuvo su mayor impulso durante la década de 1960. En ese momento, la publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los artistas de América tenían que buscar más profundidad en los estilos dramáticos, distanciándose del arte de los materiales bien diseñados e inteligente comerciales.
  • Dos pintores importantes en el establecimiento del vocabulario del Arte Pop de Estados Unidos fueron Jasper Johns y Robert Rauschenberg. De igual manera se destacaron artistas como, Andy Warhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter Blake y Roy Lichtenstein.
  • Robert Rauschenberg (1925-2008) pintor y artista estadounidense, que alcanzó reputación en 1950 durante la transición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art, del cual fue uno de los principales representantes en su país. Retroactive I, 1964, Óleo y serigrafía sobre lienzo,
  • Jasper Johns (Georgia, 15 de mayo de 1930) pintor, escultor y artista gráfico estadounidense que ha integrado a su expresión pictórica una serie de elementos del Arte Pop.
  • Andrew Warhol (1928 -1987) artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, que la vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su roll como gurú de la modernidad. En su obra destacan retratos magníficos de personajes que han trascendido las décadas, además de algunos otros que ya son toda una leyenda.
  • La Lata de Sopa Campbelles es una de las obras más famosas.
  • Roy Fox Lichtenstein (1923-1997) pintor estadounidense de Arte Pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.
  • La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.
  • Asimismo, colores puros, brillantes, fluorescentes, provocación y combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición o combine painting), la utilización de materiales como la gomaespuma y una constante provocación llena de humor son algunas de las características más relevantes de este movimiento vanguardista.