3. Se quiere hacer un arte nuevo, de ahí proviene “art
nouveau”.
Se trata de crear una estética nueva, en la que
predomina la inspiración en la naturaleza.
Sus aspiraciones se basan en las ideas de John
Ruskin y Willian Morris, que son democratizar la
belleza en el sentido de que hasta los objetos más
cotidianos tengan valor estético.
4. A menudo, los artistas modernistas no sólo diseñan
edificios, sino los muebles y otros objetos de uso
cotidiano.
El modernismo se manifestó en un amplio abanico
de formas artísticas: arquitectura, interiorismo,
mobiliario, carteles, vidrio, cerámica, textiles e
ilustración de libros y se caracterizó por su
tendencia a utilizar líneas curvas y ondulantes
parecidos a latigazos.
5. Hacia 1910 este estilo estaba en decadencia y
después de la I Guerra Mundial fue remplazado
por la elegancia de Art Déco.
Nunca fue un estilo generalizado porque las
mejores obras costaban mucho.
El Art Nouveau fue fundamental en el desarrollo
de la historia del arte, sobre todo en el campo de
la arquitectura.
6. CARASTERÍSTICAS DEL MODERNISMO:
La inspiración en la naturaleza y el uso de
elementos de origen natural y las formas
redondeadas.
El uso de la línea curva, tanto en las plantas y
alzados de los edificios como en la decoración.
Estilización de los motivos, siendo menos frecuente
la representación realista de estos.
Uso de imágenes femeninas, con ondas en los
cabellos.
7. Sensualidad, un guiñó a lo erótico.
Libertad en los motivos de tipo exótico, sean de
fantasía o de cultura.
Uso de imágenes femeninas, con ondas en los
cabellos.
Sensualidad, un guiñó a lo erótico.
Libertad en los motivos de tipo exótico, sean de
fantasía o de cultura.
8. El impresionismo es un movimiento pictórico que
surge en Francia a finales del siglo XIX. Se imponía a
las fórmulas artísticas de Bellas Artes, que fijaba los
modelos a seguir.
Los impresionistas querían conseguir una
representación del mundo espontánea y directa.
El impresionismo parte del análisis de la realidad. Se
quiere que la obra reproduzca la percepción visual
del autor, la luz y el color real de la naturaleza.
9. Los impresionistas utilizan los colores
primarios(azul, rojo y amarillo) y los secundarios
(naranja, verde y violeta).
Algunos de los impresionistas son Eduard Manet
(1832-1883) con una obra llamada “ Desayuno
sobre la hierba”
10. Otra es Manet (1840-1926), una de
sus obras es “ Paseo con sombrilla”.
Otro de los genios es Degas
(1834-1917) con
una de sus obras“ Bailarina en
la escena”
11. El postimpresionismo supone una recuperación de
la importancia del dibujo y de la preocupación por
captar no sólo la luz, sino también la expresividad de
las cosas y de las personas iluminadas.
Su trascendencia para la evolución del arte es mayor
que la de los pintores impresionistas.
12. CARASTERÍSTICAS DEL POSTIMPRESIONISMO:
Interés por la forma, el dibujo y la expresividad de
objetos y figuras humanas.
Conciliación entre efecto volumétrico y el gusto
estético.
Concepción del cuadro a base de cuerpos
rigurosamente geométricos.
Empleo de colores contrastantes para definir los
planos y formas.
Efectos pictóricos basados en búsquedas
estructurales, espaciales y cromáticas.
13. Utilización de colores puros con gran carga
emotiva y modulados.
Creaciones imaginativas a base de pinceladas
cursivas que intentan expresar la angustia.
Interés por lo exótico.
Creación de composiciones simplificadas y
estáticas, buscando la armonía de las masas
encerradas en perfiles bien ceñidos.
15. El término vanguardias surge en Francia durante los
años de La Primera Guerra [1914-1917]. Su origen
está precisamente en el vocablo francés avant-garde,
término de origen militar y político, que venía a
reflejar el espíritu de lucha, de combate y de
confrontación que el nuevo arte del siglo oponía
frente al llamado arte decimonónico o académico.
Desde el principio, el arte vanguardista adquiere una
impronta provocadora contra lo antiguo, lo
naturalista o lo que se relacionara con el arte
burgués.
16. No será causalidad que todas las primeras
manifestaciones de estos vanguardismos estén
repletos de actos y gestos de impacto social, como
expresión de un profundo rechazo a la llamada
cultura burguesa.
En esos 15 o 20 años cuajan las experiencias del
nuevo arte: unas pasarán rápidamente, otras
quedarán incorporadas al arte para siempre, pero la
revolución de las formas y de los contenidos se
producirá, sin duda, a partir de aquellas vanguardias
de los años 20.
17. En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso sus
obras y para designar su estilo, los críticos pusieron
el nombre de Fauvismo porque les parecía que
aquellos artistas eran fauves (fieras).
Como movimiento artístico no duró más de cinco
años, pero como estilo ejerció una influencia mayor y
más persistente en el uso del dibujo y el color que
cualquiera otra escuela del siglo XX.
El fauvismo derivó de los fuertes colores y las
vehementes pinceladas de Van Gogh; de las formas
simplificadas y los atrevidos esquemas decorativos
de Gauguin, y del desprecio que los dos demostraron
por las cualidades académicas formales de la
composición.
18. Henri Matisse, primera figura del grupo original
fauvista, en su pintura “Gran interior en rojo”, deja
presente la intensidad fauvista del colorido, aunque
usado con resultados bastantes diferentes, ya que
naturalmente se considera el rojo como color
brillante que produce gran excitación y en este
cuadro el efecto de la composición da una sensación
de profundo reposo.
19. CARASTERÍSTICAS COMUNES:
Libertad en el color hasta llegar a la exaltación o la
violencia, sin mezclas o matices.
El color se independiza del objeto, haciendo un uso
arbitrario de este respecto de la naturaleza, cuyos
resultados son rostros verdes, árboles azules, mares
rojos,...
20. Simplificación de formas y elementos: los objetos y
contornos se perfilan con pinceladas gruesas,
anchas, bastas y se rellenan con manchas de color
planas.
Interpretación emocional de la realidad con temas
agradables paisajes o retratos.
La profundidad desaparece y los volúmenes se
perfilan con pinceladas fuertes y no con el
claroscuro.
Los pintores más importantes son: Matisse (Mujer
con sombrero) y Derain.
21. Este movimiento artístico surge en Francia hacia
1907, y se extiende por todo el mundo. Se inspira en
Paul Cézanne y en Georges Seurat; su planteamiento
básico es representar obras de la realidad, pero
fracturadas por medio de la geometrización de la
forma, de tal manera que se representaban las
mismas formas del objeto, vistas desde varios
ángulos. Los artistas cubistas pintaban superficies
planas, la perspectiva dada a la obra era aparente,
porque alargaban las líneas y ángulos. El color
fue suprimido, subordinándose a las formas y al
dibujo.
22. Los cubistas crearon la superposición a través de la
visión polifacética y simultánea del objeto. Como
creadores del movimiento cubista podemos nombrar
a importantes personajes como Pablo Picasso y
Georges Braque. En Venezuela el cubismo tiene
muchos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado,
Armando Barrios y Manuel Quintanilla como
representantes
de esta tendencia
en nuestro país.
23. Fue un movimiento artístico plástico emparentado
con la literatura; nace en 1890 en Alemania y en los
países del norte de Europa, se extiende hasta el siglo
XX.
Destacan en este movimiento los artistas plásticos
Edward Munch (1863-1944). El grito, su obra más
conocida la describe el autor como expresión de
soledad, angustia y miedo al sentir
la fría, vasta e infinita naturaleza,
con colores irreales, violentos,
que enlazan el paisaje y sitúan en
el centro la
persona en situación
desesperada.
24. Ensor (1860-1949). Su técnica es de colores vivos y
textura fina o compacta. Las máscaras, presentes en
sus obras, son grotescas hasta llegar a lo macabro,
Vieja con máscara.
La pintura expresionista busca y logra expresar
violentas emociones, va de dentro hacia fuera, al
contrario de la impresionista que va de fuera hacia
dentro.
Su objetivo fundamental era crear reacciones en
el espectador, por medio de sentimientos y
emociones del artista, expresados con audacia
de formas y rígido colorido.
25. Este movimiento vanguardista no se circunscribió a
un solo lugar geográfico y su manifestaciones son
tan variadas como sus intérpretes: Giorgio de
Chirico, Paul Klee, Man Ray, Salvador Dalí, Joan Miró,
Yves Tanguy, fueron sólo algunos de los artistas que
tomaron parte activa en el grupo de los
pintores surrealistas.
El Surrealismo, libró a la pintura de su larga sumisión
a la imagen realista y del concepto de espacio
heredado del Renacimiento, dándole rienda suelta al
artista para expresar sus sentimientos e impulsos
más íntimos.
26. El surrealismo expresa el funcionamiento real del
pensamiento, sin control de la razón, libremente
frente a preocupaciones estéticas o morales.
Existe un punto en el espíritu a partir del cual la vida
y la muerte, lo real y lo imaginario, lo pasado y lo
futura, dejan de percibirse contradictoriamente.
Recursos comunes para plasmar estos contenidos
Teóricos en las artes figurativas son introducir
máquinas fantásticas, aislar fragmentos anatómicos,
la animación de lo inanimado, las metamorfosis, las
perspectivas vacías, las creaciones evocadoras del
caos, la confrontación de objetos incongruentes, las
temáticas eróticas como referencia a la importancia que el
psicoanálisis otorga al sexo, aunque cada artista imprime
su propio sello.
27. Influido por el psicoanálisis de Freud y las doctrinas
revolucionarias de la época, el surrealismo supo dar
cause a vagos impulsos renovadores latentes en la
intelectualidad surgida de la primera posguerra.
Su período más floreciente fue el de 1924 a 1928.
Como ideal estético se propone lo maravilloso,
reuniendo dos objetos incongruentes en un contexto
ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no
era "hacer arte", sino explorar posibilidades.
Los artistas más importantes son los siguientes:
28. Salvador Dalí (1904-1989). Es excepcional en sus
calidades plásticas, de asombroso dibujo, se deja
influir intencionadamente por el Renacimiento y el
Barroco, con una luz limpia y transparente.
29. Joan Miró ( 1893-1983). De lenguaje preciso y
minucioso, ya en 1923 empieza a plasmar la realidad
surgida del sueño. Sus creaciones están formadas
por asociaciones fantásticas, signos simbólicos,
ondulaciones y curvas que imponen a su obra un
carácter rítmico y festivo.
Este estilo tan propio aparece en todas sus obras con
una constante de vivos colores, estrellas, lunas,
filamentos, repitiéndose hasta la saciedad, llenos de
lirismo y emotividad como en “El carnaval de
arlequín”
