Ame gallery -le monde de l'art selon e.t.-e.t.lotest value- art fair paris 300314

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Le monde de l’art selon E.T. -30 mars 2014 ART FAIR PARIS- E.T.LOTEST Value
(E.T. a été refoulé à l’entrée du Grand Palais )
Ame-gallery présente l’E.T. LOTEST,
instrument de mesure de l’intensité
émotionnelle de la relation à l’art.
E.T., sculpture sociale et nomade d’Antoine
Mercier va à la rencontre d’autres œuvres
d’art, dans les ateliers d’artiste, les expositions,
les musées et tout autre espace urbain ou l’art
est présent.
Ce travail personnel sur la sociabilité des
œuvres d’art se devait de reposer sur une base
scientifique, ce qui a conduit à l’invention de
l’E.T.LOTEST.
Mais, tout instrument de mesure est
susceptible d’interagir avec le milieu étudié, à
fortiori lorsque le dispositif de test est, par sa
nature même, subjectif et, j’espère que les
artistes ne m’en voudront pas de cette
inévitable altération de leur œuvre.
A propos d’Art Fair Paris
Du 27 au 30 mars 2014, ART FAIR PARIS réunit
sous la nef du Grand Palais quelque 140 galeries
internationales de 18 pays, présentant un
panorama de l’art moderne et contemporain
qui inclut également la photographie, le design
et l’édition
Source des textes: Wikipédia et sites Web des galeries

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Manuel Mérida
Né en 1939, Manuel Mérida étudie à l’École des
Beaux-Arts de Valencia au Venezuela de 1950 à
1958. Il devient dès lors l’un des meilleurs
représentants de la tendance « informaliste »
et de « l’art gestuel » de son pays. Il pratique en
parallèle le métier de scénographe pour le
théâtre, de décorateur pour le cinéma et de
concepteur de publicité pour Christian Dior,
Guerlain, Cartier, Chanel, American Express,
Madame Figaro, etc. Au début des années
1970, Mérida travaille dans l’atelier de Cruz-
Diez où il développe les concepts « d’espace et
de mouvement » confirmant sa passion pour la
matière et le geste.
À travers son œuvre, l’artiste veut éviter de
proposer une vision fixe et unique, en jouant
avec les variations de la matière colorée
(pigments, sable, poudre de charbon, particules
de bois, de métal peint, etc.) contenue dans ses
monochromes. Les œuvres sont toujours
mobiles.
Source des textes: Wikipédia et site Web des galeries
« Usuyuki/Chantier » de Manuel Mérida représenté par l’espace Meyer Zafra

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Johan Muyle
Né en 1939, Manuel Mérida étudie à l’École des
Beaux-Arts de Valencia au Venezuela de 1950 à
1958. Il devient dès lors l’un des meilleurs
représentants de la tendance « informaliste »
et de « l’art gestuel » de son pays. Il pratique en
parallèle le métier de scénographe pour le
théâtre, de décorateur pour le cinéma et de
concepteur de publicité pour Christian Dior,
Guerlain, Cartier, Chanel, American Express,
Madame Figaro, etc. Au début des années
1970, Mérida travaille dans l’atelier de Cruz-
Diez où il développe les concepts « d’espace et
de mouvement » confirmant sa passion pour la
matière et le geste.
À travers son œuvre, l’artiste veut éviter de
proposer une vision fixe et unique, en jouant
avec les variations de la matière colorée
(pigments, sable, poudre de charbon, particules
de bois, de métal peint, etc.) contenue dans ses
monochromes. Les œuvres sont toujours
mobiles.
« Parvani » de Johan Muyle représenté par la galerie Toxic

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Philippe Geluck
Philippe Geluck est un artiste belge né à
Bruxelles le 7 mai 1954. Il est surtout connu
pour être l'auteur de la série de bande dessinée
Le Chat. Il participe également à plusieurs
émissions télévisées en tant que chroniqueur,
notamment en collaboration avec Laurent
Ruquier.
Le Chat est un anti-héros pur et dur. Il est gras,
imbu de lui-même, mais il cause.
Il donne son avis sur tout et sur rien - surtout
sur rien - et n'hésite pas à infliger aux
malheureux lecteurs du quotidien des mots
d'esprit, des calembours et des gags douteux
qui en font vite une star de tous les amateurs
d'humour.
Le premier album, paru en 1986, révèle ce
succès, qui ne s'est pas démenti depuis.
C'est que chaque album du "Chat" (chez
Casterman) est une véritable "grammaire" du
rire, Geluck y osant tout, du plus effroyable jeu
de mot aux effets subtils avec les codes de la
bande dessinée.
« Plock Plock» de Philippe Geluck représenté par la galerie Petits Papiers

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Bernardi Roig
Bernardi Roig is a spanish artist , born in 1965
In his sculptures and mixed-media installations,
Bernardi Roig expresses the anxiety,
desperation, and loss of individuality in
contemporary society, one that he sees as
numbingly overrun by mass-imagery.
Ubiquitous in Roig’s work are white plaster
figures—cast from real people—who are often
variously obscured or encumbered by tubes of
fluorescent light, as in Pierrot le fou (2009). For
Roig, his figures’ passive acceptance of the
fluorescent light becomes a metaphor for the
blinding, confining effect of overstimulation.
« Practices to suck the light» de Bernardi Roig représenté par la galerie Mario
Mauroner Contemporary Art

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Yue Minjun
Yue Minjun , né en 1962 dans la province
de Heilongjiang en Chine, est un artiste chinois
contemporain vivant à Beijing, en Chine, connu
par ses toiles le dépeignant en diverses mises
en scène, figé dans un rictus hilare.
Au fil des ans, le style de Yue Minjun s'est
rapidement développé, celui-ci remettant
souvent en question les conventions sociales et
culturelles en décrivant des objets et même des
questions politiques d'une manière radicale et
abstraite. Il a également changé son orientation
par rapport aux aspects techniques de la
« notion de création pure ». Ses autoportraits
ont été décrits par le théoricien Li Xianting
comme « une réaction auto-ironique au vide
spirituel et à la folie de la Chine moderne. » Les
critiques d'art associent souvent Yue au
mouvement artistique du « réalisme cynique »
dans l'art contemporain chinois. Pourtant, il
refuse ce label tout en... « ne se sentant pas
concerné par ce que les gens disent de lui. »
« Free Sky No 1 » de Yue Minjun représenté par la galerie Daniel Templon

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Florence Doléac
Florence Doléac est une artiste et designer
française née en 1968.
Les travaux de Florence Doléac se situent
souvent dans l'univers domestique. Autre
caractéristique qui définit son travail : l'humour.
Chacun des titres de ses œuvres joue sur le jeu
de mot et l'humour. Parmi ces œuvres :
l'étendoile d'araignée (2007) qui représente un
étendoir à linge en forme de toile d'araignée où
une paire de chaussettes est accrochée, ici le
mot étendoile mixe les mots « toile » (comme
la toile d'araignée) et « étendoir » ; le tapis de
société (2001) où un tapis est à la fois tapis et
jeu de société ou bien tu ronfles moi non plus
(2004) d'où le titre fait directement référence à
la célèbre chanson de Gainsbourg Je t'aime…
moi non plus et qui représente un « caisson de
survie anti-ronflement ».
« Le saloon vert» de Florence Doléac représenté par Jousse Entreprise

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Yves Ullens
Yves Ullens is a photographer, born in Brussels,
Belgium in 1960
The artist explores in his works the central
theme of Lights. By capturing lights and
exploring their relation with objects, Yves
creates colorful abstract compositions. Trough a
game of colors and lights his works release an
unconventional beauty and a magical power.
Each of his composition is an invitation to
personal interpretation and imagination. To
catch these lights and colors, Yves Ullens
doesn't hesitate to set aside the academic
practices of photography and on the contrary
prefers the zoom in, blurred or out of focus
effects.
Yves was semi finalist at the Hasselblad Master
award (2008).
His works are present in various collections
including McKinsey & Company, Pernod-Ricard
Belux, Petercam or at the Bank of Luxembourg.
« Essential Composition #4» de Yves Ullens représenté par la galerie Pascal
Janssens

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Igor Josifov
Igor Josifov est né en 1986 dans la ville de
Kavadarci en Macédoine.
Il vit actuellement entre San Francisco et New
York.
C’est en 1999 qu’il fut admis à l’Ecole Des Arts
Appliqués “Lazar Licenoski” à Skopje
(Macédoine). En 2005, il part pour la Californie
afin d’étudier à l’Academy of Art University à
San Francisco.
Josifov est reconnu pour son œuvre plurielle.
Cette pluralité se retrouve dans son utilisation
de tous types de support afin de créer ses
performances et de laisser libre cours à son
expression personnelle.
Josifov utilise le corps humain, généralement le
sien, comme support. Son corps/œuvre
véhicule ses messages et sa vision de notre
monde contemporain.
En tant qu’artiste de performance, il utilise tous
les types de possibles.
Ses œuvres sont empreintes d’une grande
théâtralité, visions frappantes offrant
d’innombrables métaphores.
«« Untitled» de Igor Josifov représenté par la galerie E.G.P.

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Karl Lagasse
Karl Lagasse est Né à Paris le 4 avril 1981, dans
une famille d'artistes, il commence à créer des
collages et tags à l'âge de 7 ans. De ces tags et
collages, il ira vers la peinture et la
photographie. Il vend sa première toile à l'âge
de 15 ans. Aujourd'hui Karl Lagasse est peintre
mais aussi sculpteur. Il expose principalement
aux Etats-Unis et très prochainement en Inde.
Ses réalisations sont, comme il aime le dire,
issues d'une démarche "spontanée, irréfléchie"
qui suivent "le cours de ses émotions". C'est
une fois l'œuvre achevée qu'il y perçoit "sa
propre subjectivité ainsi que sa vérité". Ses
œuvres se construisent donc comme des points
de réflexion sur sa personne et le monde dans
lequel il est.
Entièrement repensé par l’artiste, le bolide
s’habille d’une peinture spécialement dédiée à
la carrosserie de la berline ornée de feuille
d’argent. Adjonction entre art et « littérature
biblique », on se plonge volontiers dans les
cryptogrammes rédigés en latin et relatant du
Psaume 2. Le trésor du langage italien vient
estampiller à son tour cette lecture liturgique
grâce à la feuille d’argent.
«MASERATI » BY KARL LAGASSE - PARTENAIRE ART PARIS ART FAIR 2014

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Andrew Mackenzie
The artist graduated with an MFA from
Edinburgh College of Art in 1993. In 2012 the
artist was chosen to exhibit alongside David
Shrigley, Charles Avery, Callum Innes and
Graeme Todd in 'Parliament of Lines', a drawing
show at City Art Centre, Edinburgh, while his
work was showcased in a solo exhibitions at
Sarah Myerscough Gallery, followed by
exhibitions at RMIT Gallery, Melbourne,
Australia, and An Talla Solais, Ulapool in 2013.
In 2009, he was awarded a significant Scottish
Arts Council grant towards research and
development. Other exhibitions include 'Ten
Decades' held at the City Art Centre in
Edinburgh 2008 and the critically acclaimed
'Delicate Ground', a solo show forming part of
the 2006 Edinburgh International Festival.
Mackenzie’s work is part of an impressive list of
public and corporate collections, including The
Fleming Collection; Royal Academy, London;
City Art Centre, Edinburgh; Halifax; Bank of
Scotland; The Bank of America; and Mayer
Brown Global Law Firm. Mackenzie has a
forthcoming solo exhibition at Sarah
Myerscough Gallery in 2014.
«“Dog Falls in Half Light, “, de Andrew Mackenzie représenté par Sarah
Myerscough gallery

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Manit Sirwanichpoom
Manit Sriwanichpoom (b. 1961) Manit
Sriwanichpoom is one of Thailand’s leading
photographic artists, as well as one of
Southeast Asia’s most internationally exhibited.
He is best known for his still-ongoing Pink Man
series, begun in post-Asian Crisis Thailand of the
late 1990s. Operating as an ironic and
sometimes pathos-injected critique of
consumer culture in Thailand and wider Asia,
Pink Man probes Thailand’s social concerns and
erased histories of recent decades. Other
series, including the iconic black and white
Waiting for the King (Standing & Sitting) of
2006, provide a critical examination of Thai
national institutions. Manit is particularly
interested in Thai history and his country’s
political development of the last few decades.
Appropriating others’ images as well as using
his own photographs as documents, Manit has
created an original body of work that reveals
Thailand in all her contemporary socio-political
complexity. Manit has participated in a number
of prominent international exhibitions including
‘Cities on the Move’ and the 2003 Venice
Biennale.
« Pink man opéra # 8 » de Manit Sirwanichpoom représenté par l Adler
Subhashok Gallery

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Zhang Ding
Zhang Diing is a Chinese artist born in 1980
“Most Chinese artists have a rational approach
toward the making of artworks,” says Zhang
Ding. “I thought that if I just followed my
feelings then my work would be different; or at
least more real.” In his large-scale mixed-media
installations, often incorporating video and
interactive components, Zhang explores ethnic
tensions, the plight of migrant workers, and
marginal urban culture that lurk in the recesses
of Chinese society. For example, the installation
Tools (2007) contained video depicting a cactus
and man’s various attempts to breach its thorny
defense structure, often violently. A metaphor
for the marginalized who must rely on dogged
determination to survive; ultimately it is water,
a seemingly benign substance, that vanquishes
the plant. Zhang is influenced by the fantastical
style of Italian filmmaker Federico Fellini.
« Installation sculpture» de Zhang Ding représenté par la galerie Helene Bailly

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Christian Megert
Formation à l’Ecole des Beaux-Arts à
Bern.Première exposition à Bern en 1956, où il
présente des monochromes, des toiles reliefs
ainsi que des réalisations plastiques exécutées à
partir de matériaux tels que l’acier et la résine.
A partir de 1960, il entreprend des travaux
prépondérants en se servant du verre et de
miroir. Ils sont l’illustration même de son
manifeste: EIN NEUER RAUM. Cet ouvrage se
veut une interpellation à appréhender l’espace
d’une manière nouvelle et ceci par le biais de
l’Art. Après de nombreuses expositions et une
étroite collaboration avec le Groupe Zéro,
apparaissent une série de réalisations
environnementales et objets cinétiques.
A partir de 1980, élaboration de travaux en
miroirs et créations monumentales en pierres.
1973, changement de lieu de vie à Düsseldorf.
De 1976 à 2002, obtention d’une chaire à
l’Académie des Beaux-Arts de Düsseldorf,
section Integration Bildende Kunst und
Architectur.
« Miroirs, acrylique et bois dans un cadre en plexiglass» de Christian Megert
représenté par la galerie La Ligne

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Rankin
Rankin est né à Glasgow en 1966. Il délaisse
rapidement un cursus de comptabilité à
Brighton pour étudier la photographie au
London College of Communication (LCC). C’est à
cette époque qu’il fait la connaissance de
Jefferson Hack. Une rencontre fondamentale
puisque les deux hommes, en 1991, créent
Dazed & Confused, un magazine mensuel
devenu culte dont la vocation première est de
promouvoir des artistes émergents dans les
domaines de la mode, du design, de la
photographie et de l’écriture.
Rankin est une véritable icône de la
photographie moderne et incarne à lui seul une
certaine idée de l’innovation, de
l’expérimentation et du transgressif. En tant
qu’éditeur de magazines, il est aussi reconnu
comme un prescripteur de premier ordre dans
les domaines artistiques et culturels, et comme
un fervent découvreur de talents
« Enigma » par Rankin représenté par A.GALERIE

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Yuhsin U Chang
Yuhsin U Chang née en 1980 à Taïwan, vit et
travaille à Paris, France.
Elle a poursuivi ses études artistiques en France
à l’école nationale supérieure d’art de Bourges,
et à l’université Paris I en Master 2 Recherche
Arts Plastiques.
Yuhsin U. Chang, influencée par l’esprit du
butô, puise dans ce qui semble mort ou inerte
pour y faire apparaître le vivant. Elle s’intéresse
à la matière organique et sa métamorphose, et
interroge la notion de temporalité et de
visibilité du vivant.
« Endovegealis-humanoide » de Yuhsin U Chang représentée par A2Z Art Gallery

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Liu Zhengyong
Liu Zhengyong est né en Chine, à Zhuzhou dans
la province de Hunan en 1980. Élève à la «
Tianjin Art Academy », où il se spécialise dans la
peinture à l’huile, il en sort, diplômé en 2004.
Aussitôt distingué parmi ses pairs, il est choisi
pour diffuser l’art contemporain chinois dans le
monde occidental. Il appartient désormais à
cette « nouvelle vague » qui ébranle, tonifie
notre marché et vient le chahuter pour notre
grand bonheur .
Son travail à l'huile traduit des sentiments
profonds et lourds, qui reflètent le cœur, la
pensée ou même des expériences complexes
rencontrées dans la société. Liu Zhengyong du
bout de son pinceau, écrase d’un geste vif la
couleur despote - parfois aux limites de la
peinture pure - qui transformera chaque tache
en une parcelle chargée de vie. Le contraste des
ombres sombres qu’impose la lumière fait
vibrer la chair d’un feu secret.
« Plage de Sète » de Liu Zhengyong représenté par DOCK SUD

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Larry Bell
Larry Bell, né en 1939 à Chicago, est une figure
majeure de l’art contemporain. Photographies,
sculptures et dessins forment un corpus dont la
richesse est étonnante. Figure singulière, qui se
distingue du minimalisme, il marque de
nombreux artistes, parmi lesquels on peut citer
Guy de Cointet, qui fut son assistant, Robert
Smithson, Dan Graham. On peut encore trouver
un écho de ses recherches parmi la génération
actuelle, jusqu’à Ann Veronica Janssens.
Les œuvres de Larry Bell sont présentes dans de
nombreuses collections internationales dont
celles du Museum Of Modern Art, New York ;
Solomon R. Guggenheim, New York ; Los
Angeles County Museum of art, Californie ;
Centre Georges Pompidou, Paris ; Tate Modern,
Londres ; Whitney Museum of American Art,
New York... Une grande rétrospective lui a été
consacrée en 2005 à la Pace Wildenstein
Gallery de New York et au Musée d’Art
Contemporain de Nîmes en 2011.
«“SF 4.30.12B »Technique mixte sur papier noir de Larry Bell représenté par la
galerie Maubert

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